Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Pantomime Horses"! Y bueno, ¡comencemos!
"Pantomime Horses", el trío formado por Rob Silber, Nigel Kirkby y Tony Laming con sede dividida entre Inglaterra y Barcelona, vuelve con "Everyone’s a Ghost", su primera canción nueva desde la publicación de su álbum de debut, Forever Polyester, en mayo de 2024; con permiso de la versión editada de ‘Plastic Glasses TV’ que interpretaron en el programa Col·lapse de TV3 el pasado junio. Su nuevo single, que se inspira en el lado más oscuro de sus influencias del pop psicodélico de los años 60 y 80, enmarca una letra profundamente personal que surge de circunstancias reales que pueden cambiar una vida. De ahí su sonido agridulce, pero también su tono empático y emocional.
"Everyone’s a Ghost" expresa de manera bella y melancólica un trauma muy cercano para la banda, así como los retos continuos que supone la pérdida repentina de la vista. La esposa de Rob Silber, Karen, quedó invidente en 2022 debido a una retinopatía diabética grave y no diagnosticada, y la canción está cantada desde su propia perspectiva. La letra y la producción de la canción están pensadas para expresar la constante oscilación entre la tragedia y la supervivencia, entre la independencia y la dependencia, entre la resignación y la resiliencia. Porque en el mundo de Karen, todo es invisible, todo el mundo es un fantasma y nadie envejece.
Masterizada por James Perrett en JRP Music Services, "Everyone’s a Ghost" llega como parte de un single doble que también incluye ‘King North’, un corte breve y desnudo sobre la codicia y la confianza traicionada donde la voz dulce de Rob contrasta con la amable réplica que le hace a una de las personas más desagradables con las que ha tenido la desgracia de encontrarse.
Os dejo por aquí el videoclip de "Plastic Glasses TV". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Banani"! Y bueno, ¡comencemos!
Los mejores días del año no suelen ser los que marcas de antemano en rojo en el calendario. No son tus cumpleaños, cuando celebras que ha ganado tu equipo o cuando te premian por un trabajo bien hecho; ni siquiera acostumbran a ser el primero de las vacaciones que tanto ansiabas. Los mejores días del año, y de tu vida, son los anónimos, los inesperados, los que se quedan grabados en la memoria por pequeños detalles y momentos inolvidables; los que te hacen feliz dentro de tu rutina. Y son esos precisamente los que reivindican "Banani" en "Los Mejores Días Del Año", primer single de su segundo álbum, El Arte Del Terciopelo, con el que además se estrenan en el sello Magic in the Air.
Directa y arrolladora, la nueva canción del cuarteto barcelonés cabalga sobre un riff constante de bajo en diálogo permanente con guitarras llenas de fuzz y distorsión. Suena al descaro garagero de The Sonics o The Cramps, al expansivo blues-punk de Jon Spencer Blues Explosion, al britpop de Blur, al rollo Madchester de The Stone Roses y a las melodías vocales deshilachadas de Pavement, con ecos del humor cáustico y mordaz de Will Spector y Los Fatus, viejos conocidos de la casa. Un lenguaje musical muy apropiado para transmitir ese eterno tira y afloja que muchos millennials sentimos entre el optimismo y la fragilidad, entre la búsqueda de la felicidad en lo sencillo y la frustración de sentir cómo se nos escapa entre los dedos.
Por eso "Banani" nos recuerda que "Los Mejores Días Del Año" pueden ser cualquiera: el que pasaste en tu habitación bien acompañado, o simplemente aquel en el que saliste a la calle a que te diera el sol. Están ahí, solo hay que estar atentos y receptivos.
Os dejo por aquí el audio de "Mi corazón armado". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un grupo: ¡"Atzur"! Y bueno, ¡comencemos!
Desde un match en una app de citas hasta conciertos con entradas agotadas, el pop alternativo de "Atzur" ha cautivado al público en toda Europa. Mitad española, mitad austríaco, el dúo se ha forjado una reputación gracias a sus catárticas actuaciones en directo y a unas letras que calan hondo. Tras el éxito de su álbum de debut, Strange Rituals, publicado en septiembre de 2023, una brillante actuación en el Primavera Sound pocos meses antes y una posterior gira europea de salas en la cual agotaron todas las entradas, el dúo está listo para dar un importante paso adelante. El 6 de febrero de 2026 lanzarán su segundo álbum, "HUMBLE", y lo presentarán en su gira europea, más ambiciosa, con nada menos que seis actuaciones en nuestro país. La música de "Atzur" crea una conexión que va más allá de la escucha casual. Aunque solo son dos sobre el escenario, ofrecen experiencias en vivo extraordinarias, con una presencia imponente y un público en constante crecimiento.
"HUMBLE" se mueve entre la fluidez de géneros musicales, pasando por el pop alternativo, la electrónica, hasta el reguetón y el hyperpop épico: un trabajo grandioso y cuidadosamente producido, lleno de himnos para cada etapa del viaje hacia el respeto propio. Aunque el álbum llegará entrado el año que viene, ha venido desvelándose poco a poco durante todo 2025. En enero compartieron "Now I’m Happy", vibrante, cinemático, retratando un instante puro de felicidad, dure lo que dure. En junio estrenaron su corte homónimo, "Humble", un tema de hyper-pop potente, escrito tras ser estafados por el que era su manager, y que surgió cuando la producción del nuevo álbum ya estaba terminada, como la última pieza del puzzle. En septiembre "a gentle kind of ruthlessness", corte con el que "Atzur" quieren que despertemos, porque "you’ve been raised to hate yourself / to fear everything and everyone" (te han criado para odiarte / para temer a todo y a todos). Y, ya en octubre, "Chaos", un tema profundamente personal y, a la vez, universal, ofreciendo un momento de vulnerabilidad compartida navegando los extremos emocionales de la vida.
La gira de presentación de su nuevo álbum, "HUMBLE", contará con seis paradas en España. Lo harán en la sala La Nau de Barcelona el jueves 5 de marzo, en la sala Azkena de Bilbao el viernes 6, en la Rock City de Valencia el sábado 7, en la Villanos de Madrid el jueves 12, en la Sala X de Sevilla el viernes 13 y en la Tribeca Live de Oviedo el sábado 21. Todas las entradas de la gira están centralizadas en la página web de "Atzur".
Os dejo por aquí el videoclip de "Humble". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Spitfires"! Y bueno, ¡comencemos!
Con seis discos a sus espaldas, "The Spitfires" vuelven con las cosas claras. "MKII" —a la venta a través de Bellevue Music Recordings— no es solo su álbum más ambicioso; es también el más crudo, honesto y emocionalmente devastador. Una nueva formación, una mirada más abierta (musical y geográficamente) y un puñado de canciones que se mueven entre la rabia y la introspección, con una urgencia que no da tregua.
Billy Sullivan, voz y corazón del grupo, se enfrenta aquí a los demonios de la vida moderna: desigualdad, adicciones, salud mental, miedo, amor roto. El ska británico de los 80, el post-punk, los ecos de The Smiths y The Clash, y un aire cinematográfico que amplía el sonido habitual del grupo conviven sin estridencias. Grabado entre Leeds, Manchester y Chelmsford, "MKII" se siente más como un reinicio que como una simple continuación.
"The Great Divide" abre el álbum como un puñetazo al sistema de clases: un tren desbocado entre The Coral y Combat Rock. En "Better the Devil You Know", Sullivan lanza un grito antibélico: todas las guerras, una misma tragedia repetida. "I’ll Never" trata el dolor que se esconde detrás de los vicios, con la salud mental aún como tabú. En "Let Me Tell Ya", la esperanza se cuela entre sintetizadores y saxofones, con aires de Primal Scream pasados por el filtro de Ian Dury.
Puedes descargarte la nota de prensa e imágenes desde aquí:
Con "Where Did We Go Wrong?", Sullivan recupera el pulso ska para hablar del miedo al amor. "(Life Is) A Losing Game" es una elegía íntima dedicada a quienes se apagan por culpa de la adicción. "A Man Out of Time" pone el foco en la rutina y la renuncia. "Like They Used To" es una declaración de independencia emocional, mientras que "The Writing’s on the Wall" devuelve el foco a Watford, su ciudad natal, con rabia contenida. "I Can’t Keep This Up" marca un punto de ruptura emocional, y "Grateful" cierra el disco con una nota de belleza resignada.
El diseño del álbum —obra del artista gráfico Graham Murdoch bajo el alias Bubble & Squeak— tira de archivo personal y nostalgia urbana: fotos de Berlín, recuerdos de giras europeas y un espíritu entre el collage y el caos ordenado, muy en la línea de Barney Bubbles.
"MKII" estará disponible en CD, digital y vinilo de 12' en edición limitada, con variantes en rojo, azul y amarillo. Las primeras 200 copias de cada color estarán firmadas por toda la banda.
Os dejo por aquí el audio de "Where Did We Go Wrong?". ¡No os lo perdáis"!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Micah P. Hinson! Y bueno, ¡comencemos!
"The Tomorrow Man" es el relato sincero de un hombre que se enfrenta a sus propios límites, decisiones y recuerdos. "Las cosas que en su momento parecían amor se habían convertido en control", explica Hinson. "Esta canción simboliza ese momento: el final de una fase y el inicio de otra. La libertad tiene un precio y unas consecuencias".
El disco es un viaje al corazón de una América interior, entre el dolor y la redención, con arreglos orquestales a cargo del ensemble de Benevento liderado por Raffaele Tiseo y la producción de Alessandro "Asso" Stefana, que da forma a un sonido visceral, con capas, pero nunca edulcorado. "The Tomorrow Man" no es una obra de consuelo, sino de despertar: no busca finales felices, sino verdad. Una verdad cruda, vivida, que se convierte en canción para quienes se atreven a mirarse al espejo. Cada tema refleja la lucha cotidiana entre la esperanza y la desilusión, como en "Take It Slow", "Think of Me" o "I Don’t Know God", donde Hinson narra la pérdida de la fe con templanza y sin amargura, en una suerte de espiritualidad laica.
Memphis, Texas, fe, desilusión, adicciones, prisión, la música como salvación: Hinson toma todo esto y lo transforma en un acto lírico y sonoro de resistencia. Cada canción es una reflexión sobre el dolor, la identidad y la memoria. Desde "Think of Me", escrita en apenas unos minutos tras un día de trabajo y convertida en "la canción más importante de mi vida", hasta "The Last Train to Texas", que encierra una historia de obsesión, mentiras y reinvención, pasando por la desgarradora "Walls", metáfora de las barreras emocionales que levantamos para sobrevivir.
Hay algo profundamente americano en este álbum, en su pastoral desolada y lúcida, y algo igualmente europeo en su construcción artesanal y en su capacidad de emocionar sin manipular. No es casual que el vínculo de Hinson con Italia sea cada vez más fuerte: allí ha encontrado un segundo hogar creativo, un público atento y una escena dispuesta a acogerlo con respeto y dedicación.
"The Tomorrow Man" no es un disco sobre lo que fue, sino sobre lo que queda cuando todo parece perdido. Hinson ya no canta para las almas solitarias: canta con ellas. En una era dominada por imágenes filtradas y narrativas construidas, Hinson sigue siendo una preciosa anomalía. Su música no se vende, sino que sirve. Sirve para recordarnos que decir la verdad, hoy, es un acto de amor.
Os dejo por aquí el visualizer de "One Day I Will Get My Revenge". ¡No os lo perdáis!
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HGola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Carlos Gris! Y bueno, ¡comencemos!
Por el título de su nuevo single, "Dolor de espalda", podríamos pensar que Carlos Gris sigue ahondando con él en su preocupación ante las consecuencias de hacerse mayor. Una temática ya adelantada en "La Grieta", la canción que ha inaugurado su nueva etapa artística, y que le sirve para dibujar una suerte de refugio en el cual siempre podrá sentirse joven. Su próximo EP, Mariposas, retrata precisamente la urgencia que ha experimentado el músico en estos últimos años por aprovechar el final de los veinte y por seguir sintiéndose vivo y esperanzado pasado ese umbral. Y una forma que ha encontrado para hacerlo ha sido exprimir al máximo las delicias caóticas e inesperadas que le trajo en su día el desamor.
"Dolor de espalda" se mueve en un terreno agridulce, entre el flirteo y la nostalgia, entre compartir "un baile a oscuras detrás de la cama" y padecer dolor de espalda, entre el tentador brillo de una nueva relación y las ascuas agotadas de una estancada. Suena coqueta y sofisticada, con el flow de Parcels o Colectivo Da Silva, decorada con la purpurina de un teclado juguetón sobre una caja de ritmos llena de efectos sintéticos. Mostrando seguramente la versión más refinada de Carlos Gris hasta la fecha, el nuevo single nos remite a la dulzura pop de una pista de baile donde solo quedáis tú y él (o ella), a un espacio que puede parecer lejano y ajeno, pero en que apetece estar y dejarse fluir.
A punto de cumplir los 31 años, el músico madrileño afincado en Londres debutó hace tres con la publicación del EP Flotante, al que siguió algunos meses después un single de transición titulado "Gaudí". Tras tocar en bandas del Reino Unido como Neon Islands o Simple Fiction, por fin el músico madrileño se lanzaba en solitario, y desde el principio entendimos que estábamos ante uno de esos músicos que escriben canciones sobre todo porque es su método de autoconocimiento. Ahora vuelve con nuevo cargamento porque la vida sigue y Carlos Gris sigue aprendiendo a conocerse. Porque el tiempo y las experiencias vividas son petróleo para artistas como él. "La Grieta" y "Dolor de espalda" son los dos avances de un nuevo EP de cuatro piezas llamado Mariposas que verá la luz el próximo 21 de noviembre. Un trabajo en el que el miedo a hacerse mayor sobrevuela a su autor, pero ante el que éste no aparta la mirada.
Os dejo por aquí el videoclip de "Dolor de espalda". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Chico Jorge! Y bueno, ¡comencemos!
Las personas más valientes que conozco no son las que se enrolan en un ejército o las que combaten a gritos sus miedos, sino aquellas que se atreven a mirar cara a cara a todo aquello que les duele. El músico barcelonés Jordi Bastida es una de ellas. En paralelo a su trabajo de guitarrista de Sidonie y Alizzz, utiliza su proyecto personal, Chico Jorge, para rebañar a fondo su corazón y así aprender a procesar todas las vertientes del dolor que conlleva el hecho de estar vivos. Lo hizo en su EP de debut de 2021, Chico Jorge i, y ha vuelto a hacerlo en su primer disco largo, "uno de esos días", donde lejos de rechazar la tristeza, la abraza y se la explica a sí mismo.
Son diez canciones de indiepop ruidoso que hablan de amor, de echar de menos, de pedir ayuda, de ser paciente, de pérdida y duelo, de estar perdido, de enamorarse, de odiar y de echar de menos de nuevo. Todo un abanico de razones por las que, en un mal día, podemos hundirnos. Pero en el idioma lírico y musical de Chico Jorge siempre hay reservado un hueco por el que entra la luz. Su verso es idealista y melancólico, romántico y luminoso al estilo becqueriano; y sus guitarras, aunque pueden sonar a veces frenéticas, rotas o afiladas, nunca se rinden a la oscuridad, dibujando melodías siempre hermosas y esperanzadoras. Demostrando ser un alumno aventajado de la academia Wilco, un fiel seguidor de los maestros Cox, Hammond Jr. y Cline.
Así pues, con "uno de esos días", Jordi plantea escenarios anímicos donde conviven emociones opuestas que se encuentran y se entremezclan, terrenos ambivalentes donde nada es sencillamente blanco o negro. No son canciones de amor y ya. Son de amor del tipo estelar/meteórico y cegador que ahora duele como el de "eres un sol"; o del que además de doler hace daño, como explica en la acelerada y nerviosa "cupido enamorado". Van de echar de menos pero preferir echar de menos a olvidar, como "cigarrillos", un medio tiempo que tiene algo de la elegante melancolía de Grizzly Bear. O retratan, como "lejos de la piel", la contradicción de no reconocer al ser que habitas en la antesala de un gran cambio que no termina de llegar.
En realidad, solo las dos piezas finales, "fantasma" y "vacío querido", expresan emociones inequívocas, monolíticas: desprecio la primera, y una evocadora nostalgia con un puntito de shoegaze a lo Deerhunter la segunda. Pero en el resto el sentir se muestra como un proceso más complejo, con sus aristas, sus discordancias y sus escondites. Así Chico Jorge pone en valor, por ejemplo, la suerte de poder encontrar refugio en la amistad cuando la vida nos atropella. Lo hace en "hiperventilación", cantando "menos mal que hoy te vuelvo a ver / en el bar para hablar / y reírnos de la mierda / que ha subido poco a poco / y no deja respirar. / Y dibujar un corazón / en la estrella de la Damm / donde quepamos los dos / y nadie nos pueda encontrar" (sin duda, la declaración de amor más bonita del disco, dedicada a su amigo Josep, de L’Últim Europeu). Y también en "uno de esos días", con la preciosa metáfora de "escuchar el mar que dibujabas en mi pelo" como sinónimo de seguridad, cuidado y salvación. Un tema redondo y exultante que no por casualidad da título al disco. Porque hay que ser muy valiente para saber pedir ayuda.
Jordi Bastida abarca tanto con su enorme corazón que es capaz hasta de encapsular la conexión entre el desamor y el duelo en dos temas tan opuestos como son "¿dónde está mi corazón?" y "¿quién reinará en el Born?". El primero, rozando el stoner-space-rock de Jason Pierce, donde la bronca es por la pérdida de una relación entera; y el segundo, delicado a más no poder, a modo de canción de cuna y despedida de su difunta gatita, Agustina. Por eso queremos tanto a Chico Jorge. Y por eso quien firma estas líneas y su inseparable socia, Eneida Fever, fundamos el sello Magic in the Air: para acompañar a este pedazo de artista y para alumbrar juntos un disco que suscribimos línea a línea, guitarrazo a guitarrazo, sentimiento a sentimiento. Porque nos une el mismo romanticismo que envuelve a Chico Jorge; por la música y por la vida.
Os dejo por aquí el audio de "hiperventilación". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Teana"! Y bueno, ¡comencemos!
La mente humana es asombrosa. Está considerada la estructura más compleja y enigmática del universo, con aspectos como el pensamiento, la memoria, las emociones o la conciencia, que siguen siendo un profundo misterio. En ella se esconde el manual para entender nuestro comportamiento, ya sea individual o en comunidad; y ese es precisamente el objeto de interés del cuarteto barcelonés "Teana", que plantean en su excelente álbum de debut, "Sagrada bendición", toda una tesis doctoral al respecto.
Concretamente reflexionan sobre el conflicto que existe entre la convivencia en sociedad y la fidelidad a la propia identidad, señalando la importancia de responsabilizarnos de la construcción de nuestro propio destino. Armonizar ese difícil encaje es alcanzar lo que ellos llaman precisamente "Sagrada bendición", es decir: ese estado vital en el que logramos estar en paz con nosotros mismos y con el mundo que nos rodea. ¿Y qué mejor banda sonora hay para adentrarse en el laberinto de la mente humana que un disco de rock psicodélico? Por supuesto, una larga tradición les contempla.
Desde el primer segundo "Teana" nos zambullen en un mar instrumental de atmósferas hipnóticas y envolventes, transitadas por una legión de guitarras distorsionadas y llenas de efectos, flangers, reverbs, sintetizadores y voces procesadas. Dominando tiempos y texturas, combinando estructuras fijas y espacios de experimentación. "Image of Us smiling" y "Buceando en los profundos mares del autosabotaje" abren el disco mostrando músculo, tirando de ritmos muy constantes y percusivos, rozando la segunda el intenso shoegaze de DIIV. Ambas versan sobre elementos con los que inconscientemente construimos nuestra identidad: el peso del recuerdo de una ex, por ejemplo, o los prejuicios que tenemos sobre nosotros mismos.
Siguiendo esa línea temática, la melancólica "En ti" llega justo a tiempo para poner el foco en la importancia de responsabilizarnos de nuestro propio cuidado; y lo hace bajando revoluciones, invitándonos a entrar en una atmósfera moderna y espacial donde cabrían tanto Men I Trust como Slowdive.
A partir de aquí, en el tramo central del disco, "Sagrada bendición" se convierte en un valioso manual de consejos para intentar alcanzar ese ansiado estado de paz con nosotros mismos y nuestro entorno. En "Mar de azar", donde no tienen nada que envidiar a Rufus T. Firefly, hablan de abrazar la incertidumbre para confiar en nuestra capacidad de relacionarnos con el mundo; en "Sueño de día", la canción con más acento del funk de Parcels, de cómo el arte nos moldea y nos sirve de refugio. Y todo estalla en "Tangible Circle": el temazo de rock progresivo, potente y rotundo, conducido por guitarras fibrosas y distorsionadas, que simboliza de algún modo el control que podemos llegar a tener del puente que separa nuestras ideas y el mundo que nos rodea. Es turbulento, pero está en nuestras manos dominarlo. Como dice "Sagrada bendición", la canción medular del disco, "seré yo elector de mi propia ficción".
Una vez desmadejado el conflicto que plantea el disco en su canción homónima, su tramo final resulta un paseo más placentero, como quien baja una montaña después de haberla escalado, recorriendo los terrenos de una psicodelia más relajada. El cambio de ambiente es evidente en "Lazo", puro equilibrio; frente al recuerdo del caos que nos trae su continuación, "Limbo", un corte de minuto y 14 segundos de maravilloso y genuino post-stoner-rock instrumental. Y también suenan más sueltas, como liberadas, "Luz del recuerdo" y "Living Forest", aun sin renunciar a sus bien trabajadas texturas hipnóticas, a sus ritmos cercanos al trance y a sus capas de múltiples distorsiones. Al fin y al cabo, esos son precisamente los pilares del lenguaje musical de "Teana".
El cuarteto catalán, por tanto, no solo presenta con "Sagrada Bendición" un intrincado discurso personal elegantemente desarrollado, sino que lo hace sobre una afinada marca de agua instrumental que les hace merecedores de un lugar destacado en el panorama nacional del rock psicodélico. Desde luego, el trabajo de grabación, producción y mezcla de Alex Ruiz, guitarrista de la banda, le otorga al disco una calidad y una cohesión sonora extraordinarias, coronado además por el máster final de Javier Roldón, de Vacuum Mastering. Pero, sin duda, el mayor atractivo del disco y de la banda es que son perfectos para quienes quieran zambullirse de cabeza en los laberínticos reinos de la psicodelia o de la psique humana, tanto da. Porque, más que nunca, Sagrada Bendición es la demostración de que ambas cosas hacen un match tremendo.
Os dejo por aquí el audio de "Sueño de día". ¡No os lo perdáis!
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Cuando "Últim Cavall" publicaron "Records de Kyoto", su álbum de debut, en 2017, llevaban ya un par de años existiendo. Aquel trabajo editado por "Discos de Kirlian" contenía canciones de pop emocionantes que basculaban con elegancia entre el noise, el shoegaze y el dreampop. Quizá en ese momento lo ignorasen, pero con ellas comenzaban a construir un espacio que les serviría de refugio durante la siguiente década. Desde su base de operaciones en Sant Pere de Ribes, en la comarca barcelonesa del Garraf, la banda logró derribar fronteras con aquel primer disco ganando el Premio Altaveu a la mejor letra y siendo además reeditado por el sello norteamericano Emma’s House Records.
Desde entonces "Últim Cavall" han publicado otros dos magníficos álbumes con Discos de Kirlian, Alaska en 2019 y Un altre primer cop en 2024, dos referencias más que hacen de su sólida discografía un poderoso viaje entre la melancolía y la luz, y que no pasaron desapercibidas por la crítica, que en varias ocasiones las consideraron entre los álbumes más destacados de sus respectivas temporadas.
Ahora en 2025, aprovechando su 10º aniversario, la banda se ha propuesto el reto artístico de crear un disco tocado en directo, para lo cual han reimaginado y retocado algunas de sus piezas más queridas especialmente para la ocasión. El resultado es "Últim Cavall", "10 anys d’un refugi", un EP de cinco piezas cuyo título capta a la perfección la esencia de su música, entendiéndola no solo como un espacio de confort donde sus canciones pueden respirar y crecer, sino también de libertad tanto para ellos como para sus oyentes.
Pero no conformes con eso, la formación catalana ha aprovechado la grabación del EP en La Fàbrica Lliure de Barcelona, con la inestimable ayuda de David Casamitjana, para filmar una pieza audiovisual en forma de mini-documental que inmortaliza el espíritu de Últim Cavall. Porque la música para ellos es un viaje y un refugio. Es lo que pasa "cuando la militancia a tu banda se convierte en un espacio de confort y libertad necesario para vivir".
El EP se publica hoy en todas las plataformas a través de Discos de Kirlian, día en el que también actúan en directo en la sala l'Escola d'El Foment de Girona. Pero antes, el jueves 16, se produjo el estreno de la pieza audiovisual Últim Cavall, 10 anys d’un refugi como apertura de la proyección del documental Nick Garrie, Lost and Found, ambos previos a la actuación del legendario cantautor británico que tendrá lugar en el Cinema Maldà en el marco de la 30ª edición del Minifestival en Barcelona. Posteriormente, el domingo 9 de noviembre, volverán al Minifestival para una nueva actuación en directo esta vez en la sala Paral·lel 62. Todos los eventos tienen ya las entradas a la venta.
Os dejo por aquí el videoclip de de "Un altre primer cop". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Wet Iguana"! Y bueno, ¡comencemos!
Las denuncias y las reivindicaciones se entienden mejor si suenan a punk. Es el altavoz natural para la canción protesta, lo que transforma sus letras en mayúsculas, el dopaje necesario para hacer de una queja legítima una furibunda muestra de activismo. La magia se produce cuando artista y público comparten el mismo problema. Entonces los pogos se inundan de soflamas incendiarias, como la que se oye a gritos de "Turista vete ya" cuando los barceloneses Wet Iguanas interpretan en directo "Turista", uno de los singles del álbum de debut que publicarán a principios de 2026. Porque si algo nos une a (casi) todxs lxs residentes de la ciudad condal es el rechazo visceral que sentimos hacia el turismo masificado que destruye nuestros barrios y nos dificulta el acceso a una vivienda digna.
Versos como "Tributa en Pensilvania pero vive en Diagonal / mis amigos parten piso y van en burro a trabajar "o "No cabemos más, hay cola hasta en mi escalera / somos la aguja en un pajar / de rubios que no se ponen crema SOLAR" funcionan mucho mejor si suenan a punk. Con esas guitarras explosivas que arañan la piel, las baterías demoledoras que te empujan hacia adelante como una avalancha y la voz rasgada e impetuosa de Hugo Pichot y sus coros. Lo curioso es que las primeras veces que tocaron la canción, antes incluso de haberla publicado a finales del pasado mes de agosto, fueron en Nueva York, cuando participaron de la mano de The Spanish Wave en el The New Colossus Festival en primavera, y pocos días después teloneando a The Reytons en la sala La (2) de Apolo de Barcelona ante una muchedumbre de colonos británicos. ¿Entenderían entonces el mensaje del estribillo? Los primeros quizás sí, ya que la turistificación salvaje afecta también a los neoyorquinos; los segundos, pese a que trataban de cantar con la banda, probablemente no.
fGrabada en La Atlántida Studios con producción de Mario Patiño, "Turista" es la canción más cañera de todas las que se incluirán en el disco. La influencia de los primeros Carolina Durante, Arctic Monkeys o Fontaines DC resuena en los apenas dos minutos y 32 segundos sin restarle un ápice de personalidad, y engarzándose a la perfección en un sonido conjunto que destaca por su cohesión dentro de la variedad. El single, además, cuenta con un videoclip en el que Wet Iguanas se disfrazan de guiris para emular, en sus zonas conquistadas predilectas de Barcelona, todas las costumbres y actitudes del turista común que tanto nos enervan a los residentes. Imposible que pase desapercibido… como ese visitante noruego perdido que deambula entre Park Güell y la Ronda de Dalt…
Os dejo por aquí el audio de "Turista". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Pantomime Horses"! Y bueno, ¡comencemos!
Tras su exitosa actuación en directo en el programa Col·lapse del canal autonómico catalán TV3 el pasado mes de junio, la banda anglo-barcelonesa Pantomime Horses lanza ahora la nueva versión de "Plastic Glasses" que interpretaron aquel día. Incluida en su álbum de debut de 2024, Forever Polyester, la canción presenta un metraje más corto, necesario para la televisión, que genera una experiencia pop más intensa gracias a sus guitarras cargadas de adrenalina y a la participación de Enma Fernández e Ian Kay, que ya contribuyeron en la versión en directo en la actuación en Col·lapse al órgano Hammond y la voz respectivamente.
El video que acompaña al lanzamiento, además, documenta el primer avistamiento de un caballo de pantomima real en libertad, junto con imágenes grabadas durante los preparativos de la presentación televisiva. La banda agradece especialmente a Jaydn y Kofi por su experta manipulación de títeres equinos.
"Plastic Glasses TV" evoca el Gosport Labour Club, un pequeño local de su ciudad natal, Gosport, donde los chicos vieron y posteriormente dieron sus primeros conciertos. La puerta de entrada estaba ubicada de tal manera que si llegabas tarde tenías que caminar literalmente entre los músicos mientras tocaban para llegar a la barra. La cerveza se servía en las clásicas pintas de vidrio británicas, pero el vino sí era servido en vasos de plástico…
Pantomime Horses es la reencarnación, casi tres décadas después, de Candystash, un trío formado por Rob Silber, Nigel Kirkby y Tony Laming que se reactivó a partir del intercambio fortuito de correos electrónicos previo a la pandemia y que actualmente vive a caballo entre Inglaterra y Barcelona sonando a cómo en los 80 se revisó la música de los 60.
Os dejo por aquí el videoclip de "Plastic Glasses TV". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Últim Cavall"! Y bueno, ¡comencemos!
Cuando "Últim Cavall" publicaron "Records de Kyoto", su álbum de debut, en 2017, llevaban ya un par de años existiendo. Aquel trabajo editado por "Discos de Kirlian" contenía canciones de pop emocionantes que basculaban con elegancia entre el noise, el shoegaze y el dreampop. Quizá en ese momento lo ignorasen, pero con ellas comenzaban a construir un espacio que les serviría de refugio durante la siguiente década. Desde su base de operaciones en Sant Pere de Ribes, en la comarca barcelonesa del Garraf, la banda logró derribar fronteras con aquel primer disco ganando el Premio Altaveu a la mejor letra y siendo además reeditado por el sello norteamericano Emma’s House Records.
Desde entonces "Últim Cavall" han publicado otros dos magníficos álbumes con Discos de Kirlian, Alaska en 2019 y Un altre primer cop en 2024, dos referencias más que hacen de su sólida discografía un poderoso viaje entre la melancolía y la luz, y que no pasaron desapercibidas por la crítica, que en varias ocasiones las consideraron entre los álbumes más destacados de sus respectivas temporadas.
Ahora en 2025, aprovechando su 10º aniversario, la banda se ha propuesto el reto artístico de crear un disco tocado en directo, para lo cual han reimaginado y retocado algunas de sus piezas más queridas especialmente para la ocasión. El resultado es "Últim Cavall", 10 anys d’un refugi, un EP de cinco piezas cuyo título capta a la perfección la esencia de su música, entendiéndola no solo como un espacio de confort donde sus canciones pueden respirar y crecer, sino también de libertad tanto para ellos como para sus oyentes.
Pero no conformes con eso, la formación catalana ha aprovechado la grabación del EP en La Fàbrica Lliure de Barcelona, con la inestimable ayuda de David Casamitjana, para filmar una pieza audiovisual en forma de mini-documental que inmortaliza el espíritu de "Últim Cavall". Porque la música para ellos es un viaje y un refugio. Es lo que pasa "cuando la militancia a tu banda se convierte en un espacio de confort y libertad necesario para vivir".
El EP se publicará en todas las plataformas a través de Discos de Kirlian el próximo 17 de octubre, día en el que también actuarán en directo en la sala l'Escola d'El Foment de Girona. Pero antes, el jueves 16, podremos asistir al estreno de la pieza audiovisual "Últim Cavall", 10 anys d’un refugi como apertura de la proyección del documental Nick Garrie, Lost and Found, ambos previos a la actuación del legendario cantautor británico que tendrá lugar en el Cinema Maldà en el marco de la 30ª edición del Minifestival en Barcelona. Posteriormente, el domingo 9 de noviembre, volverán al Minifestival para una nueva actuación en directo esta vez en la sala Paral·lel 62. Todos los eventos tienen ya las entradas a la venta.
Os dejo por aquí el videoclip de de "Un altre primer cop". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Yumi Zouma"! Y bueno, ¡comencemos!
Compuesta por Christie Simpson (voz, teclados), Josh Burgess (guitarra, bajo, voz, teclados), Charlie Ryder (guitarra, bajo, teclados) y Olivia Campion (batería), "Yumi Zouma" se formó originalmente en 2013. Si bien son neozelandeses, los cuatro miembros siempre han vivido por separado en ciudades diferentes: Christie reside en Melbourne, Charlie en Londres, Josh en Nueva York y Olivia en Wellington. La trayectoria de la banda ha abarcado más de una década, desde el shoegaze y el dream-pop de su primer EP, EP I, y la ubicuidad en la blogosfera del primer sencillo "A Long Walk Home For Parted Lovers" en 2014, hasta el synth pop de su LP debut, Yoncalla, giras con Lorde, Jamie xx y Magdalena Bay, el apoyo global de Pitchfork, Stereogum, Consequence of Sound, The FADER, SPIN, The Guardian y reproducciones radiales de SiriusXM y Triple J.
Tras cuatro EPs y cuatro álbumes (Yoncalla de 2016, Willowbank de 2017, Truth or Consequences de 2020 y Present Tense de 2022), "Yumi Zouma" lanzarán a través de Nettwerk su nuevo disco el próximo 30 de enero, "No Love Lost To Kindness", del que ya conocemos "Cross My Heart and Hope To Die", "Blister", "Bashville on the Sugar" y "Drag", el último de ellos, donde guitarras grunge acompañan a un tema en el que se habla del sentimiento de aceptación de la frontwoman tras su diagnóstico de TDAH.
Ahora, la banda pasará por Barcelona el 19 de marzo de 2026 por La Nau y por Madrid el 20 de marzo de 2026 por El Sol. Las entradas ya están a la venta en lasttour.org.
El nuevo álbum de "Yumi Zouma", "No Love Lost To Kindness", se grabó en Ciudad de México, donde la banda se reunió en 2023 para componer nuevas canciones. Como colectivo y como individuos, la evolución de la banda brilla en las 12 canciones del álbum, producido por los guitarristas Josh Burgess y Charlie Ryder. Mientras "Yumi Zouma" siguen evolucionando y celebrando más de una década juntos, sus últimas canciones demuestran lo que cualquier banda que trabaja a distancia sabe que es cierto: los retos que plantea la diferencia horaria no pueden con la química. "No Love Lost To Kindness" marca un punto de inflexión para "Yumi Zouma", tanto a nivel sonoro como emocional. Alejándose del brillante dream pop de sus primeros discos, "Yumi Zouma" han buscado un sonido más crudo y pesado. La banda reflexiona: "La creación de nuestro quinto álbum fue el periodo creativo más conflictivo desde que la banda comenzó. Reservamos tiempo de estudio durante todo el año, nos reunimos, nos dispersamos, mezclamos, repetimos. El estudio nos dio canciones que nos encantaron, pero los momentos intermedios fueron tensos: evitándonos ansiosamente unos a otros, cambios audaces de última hora, zonas horarias imposibles. Este álbum lleva todo eso. Nos alejamos de las guitarras suaves y las texturas del bedroom pop, rompiendo los bordes y añadiendo hormigón y grava. Cada canción transmite intensidad, a veces fuerte, a veces suave, pero siempre cruda. En cuanto a las letras, es nuestro álbum más honesto con diferencia. Un espectro más amplio de emociones, historias y sentimientos verdaderos. Enamorarse, perder el amor, la alegría, el miedo, la ansiedad, la frustración, las rupturas... Es un lío, pero es la verdad".
"Drag" sigue el éxito de los anteriores singles de 2025 "Cross My Heart and Hope To Die", "Blister" y "Bashville on the Sugar", el rebelde primer single de la banda en Nettwerk, que presentó este nuevo y audaz capítulo.
Os dejo por aquí el videoclip de "Drag". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Carlos Gris! Y bueno, ¡comencemos!
Desterremos ya la frase "los 30 son los nuevos 20". Tu edad nunca será más que un número y cada etapa de tu vida podrá ser siempre la más emocionante. Nacido en Madrid aunque afincado en Londres desde hace tiempo, Carlos Gris se asomó al abismal Rubicón que supone abandonar la veintena y le entró vértigo. Claro, ¡como a todos! Pero él ha sabido hacer un ejercicio de sinceridad mirándose al espejo, y lo que empezó como una carta que se escribía a sí mismo sin saberlo acabó dando forma a "La Grieta", la canción que anticipa y abrirá su nuevo EP. Como a toda su generación, la presión de alcanzar la treintena teniéndolo todo claro y encarrilado le ahogaba y le entristecía, pero él ha ganado su batalla interna. Y lo ha hecho encontrando un espacio donde seguir emocionándose con las cosas invisibles.
Ese espacio es "La Grieta", y lo dibuja en tres minutos y 34 segundos de indie pop-rock limpio y puro (Vetusta Morla, Xoel López), abonado por una llovizna fina y cristalina de riffs y punteos (Band of Horses, The National) que lo inundan todo haciendo crecer la esperanza mientras el patrón de batería marca el irremediable avance de la vida. Un ritmo que, de hecho, desvela las dos grandes verdades de la canción: que lo que parece sencillo, a veces, es en realidad bastante complejo; y que aunque todo en nosotros cambia con el tiempo, en esencia, seguimos siendo los mismos. Por eso ningún patrón de batería se repite exactamente de una sección a otra. Porque pasa el tiempo y Carlos sigue en el mismo tira y afloja de siempre, buscando sentirse vivo en las cosas invisibles, en el arte, en los amigos, en el amor romántico; repitiéndose a sí mismo la lección que aprendió a los 18 años de Nuccio Ordine en La utilidad de lo inútil. Y "La Grieta" es la forma que tiene que reconocerse y celebrarse en cada una de sus etapas vitales: las que vendrán y las que ya dejó atrás.
Carlos Gris debutó hace tres años con la publicación del EP Flotante, al que siguió algunos meses después un single de transición titulado ‘Gaudí’. Tras varios años tocando en bandas del Reino Unido como Neon Islands o Simple Fiction, por fin el músico madrileño se lanzaba en solitario, y desde el principio entendimos que estábamos ante uno de esos músicos que escriben canciones sobre todo porque es su método de autoconocimiento. Ahora vuelve con nuevo cargamento porque la vida sigue y Carlos sigue aprendiendo a conocerse. Porque el tiempo y las experiencias vividas son petróleo para artistas como él. Así pues, "La Grieta" es solo el primer adelanto de un nuevo EP de cuatro piezas llamado Mariposas que verá la luz el próximo 21 de noviembre. Un trabajo en el que el miedo a hacerse mayor sobrevuela a su autor, y ante el que éste no aparta la mirada.
Os dejo por aquí el videoclip de "La Grieta". ¡No os lo perdáis!
Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Carlos Gris. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Micah P. Hinson! Y bueno, ¡comencemos!
Si los anteriores singles, "Oh, Sleepyhead" y "One Day I Will Get My Revenge", abrían un nuevo capítulo en la trayectoria del trovador tejano, "Walls" se erige como uno de los momentos más intensos y conmovedores del álbum: una balada desgarradora, en la que Hinson desnuda sus miedos y metáforas más profundas.
""Walls" es una metáfora de las barreras emocionales que levantamos para sobrevivir", explica Hinson.
"Cuando sientes tristeza, levantas muros. Cuando sientes confusión, levantas muros. Cuando sientes miedo, levantas muros. Y, con el tiempo, esos muros se hacen más altos y más gruesos. Llega un momento en el que nos encontramos cubiertos por las paredes que hemos creado con nuestras propias decisiones, convertidos en juez, prisionero y guardián al mismo tiempo, haciendo la huida casi imposible. Y aunque lo sepamos, lo ignoramos, porque el amor no se crea en el vacío y la esperanza no es simple dolor destilado. Debemos mirar a través de las grietas, romper una parte de esos muros, alcanzar la mano que nos espera afuera y dejar que el sol vuelva a tocar nuestra piel.”
Con The Tomorrow Man, Hinson deja atrás el folk rock más trágico y abraza la melancolía intensa del crooning, situando la voz como eje central de la narración emocional. El álbum es el relato sincero de un hombre que se enfrenta a sus propios límites, decisiones y recuerdos.
Memphis, Texas, fe, desilusión, adicciones, prisión, la música como salvación: todo ese bagaje vital se transforma aquí en un acto lírico y sonoro de resistencia. "Walls" cristaliza esa lucha, convirtiéndose en uno de los temas clave del disco.
El cantautor, que vive entre Texas y Madrid, a finales de noviembre arrancará una gira europea con paradas en Sevilla, Madrid y Barcelona.
Os dejo por aquí el visualizer de "One Day I Will Get My Revenge". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Damare!"! Y bueno, ¡comencemos!
Frente a la estandarización de las formas musicales y a su adecuación cada vez mayor a la mercantilización de su consumo, tenemos la suerte de contar aún con bandas como "Damare!" a las que la industria les da exactamente igual. Y aquí entendemos por industria musical esa insensible maquinaria capitalista que persigue la fabricación en serie de productos vendibles, sin importar el alma o la vocación exploradora, rompedora y creativa que ha de preservar el/la artista. Cosas de las que el cuarteto fundado en Barcelona, por cierto, va sobrado.
Compuesto por músicos provenientes de diferentes lugares del mundo que disfrutan juntándose para hacer música improvisando, el mayor valor artístico que tiene "Damare!" es la plena libertad artesanal con la que sus miembros operan. Abrazando la independencia editorial publicaron en 2020 Back to Sigarillos y en 2022 Liquid Payment, dos álbumes grabados uno en Sol de Sants y el otro con Paco Loco y Ramon Aragall. Ahora se han puesto en manos de Garru (Pol Batlle, Marina Herlop, Tarta Relena) y, pese a seguir la misma filosofía DIY, presentan un nuevo EP de cinco canciones titulado Luna con el que han decidido mostrar su versión más cercana y "pop".
Apostar por canciones más cortas, ritmos más sugerentes y melodías más pegadizas, como hacen aquí, no es renunciar a las profundas complejidades de su planteamiento estilístico mostradas anteriormente, es más bien sintetizarlas. Con menos, siendo más directos, exhiben el mismo músculo creativo e incluso un mayor abanico de influencias, llegando más lejos en su exploración. Ésta parte de su hábitat más natural, ese oscuro neo-soul y r&b lo-fi con tendencia a la psicodelia ambiental y al rock experimental tan bien definido en "Luna", la canción que abre y titula el EP. Pero va mucho más allá.
A partir de esa base, siguiendo las intrépidas líneas de bajo como si fueran raíles de tren, "Damare!" atraviesan territorios siempre híbridos donde conviven los ritmos bailables y el dark pop de "You Lie", un corte que podrían haber firmado Warpaint, con el desafiante fluir funkrockero alternativo y redhotchilipeppersiano de "Loco". Para luego volver a casa por otro camino. Porque con sus dos últimas piezas, "Ahora que" y "Settle", la banda se desplaza de nuevo a territorio neo-soul, pero esta vez desde una perspectiva más luminosa que oscura, más elegante y acid-jazzística que profunda y psicodélica; más desde el pop que desde el rock.
El ejercicio de síntesis y accesibilidad que ha hecho "Damare!" en "Luna" también se nota en el apartado lírico. Gracias a la interpretación vocal sólida pero versátil de Laura Andrés Nebot, que siempre añade a la instrumentación una capa extra de tentación y misterio, el oyente puede empatizar más que nunca con el alma de la banda. Sus historias son mundanas, reales como la vida misma, reflejando sentimientos que van desde el dolor por la pérdida a la desconexión de la cotidianeidad debido a la sensación constante de no encajar. Lo bonito es que lo hacen mientras pasean al oyente por espacios musicales poco convencionales donde sobre todo prima el buen gusto y las ganas sinceras de generar empatía. Algo que ningún interés mercantil, ningún engranaje industrial ni ningún algoritmo binario podrá poseer jamás.
Os dejo por aquí el videoclip de "On Hold". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡Edu Requejo! Y bueno, ¡comencemos!
A principios de la primavera de 2024 conocimos la transfiguración de Edu Requejo en "Baghoo", el brujo del ritmo. No se trataba de un cambio superficial, el músico barcelonés consumaría, al menos temporalmente, la adopción de una nueva manera de pensar, sentir y actuar para servir a la creación de un disco ambicioso, "Baghoo", que estudia los géneros y estilos de las músicas populares latinoamericanas, los cuestiona, redefine y proyecta, al mañana. Que el público perciba al artista a través de la lente del personaje, refuerza la idea de transformación.
A lo largo de casi un año, el brujo del ritmo ha ido desvelando parte del contenido de "Baghoo": el sensual y espontáneo encuentro con las dominicanas Mula, en "MALONA"; su primer acercamiento al reparto — variante cubana del reguetón, de contenido marginal y explícito—, en "AGUA PÚRPURA", junto al fenómeno underground cubano Chezca Zana; revisitando rumba y salsa —y, por tanto, mambo, guaracha y guaguancó— en la irresistible "BAGHOO (RITMO TROPICAL)"; junto al virtuoso maestro del tres cubano, Pancho Amat, en "SUBE QUE TE LLEVO", renovación desde el origen; escribiendo las memorias de África futura en la desprejuiciada "SOY BOMB", incluida en la banda sonora de Fin de Fiesta, de Elena Manrique; añadiendo una capa de añoranza y melancolía bilingüe junto a Sofía Freire en "SAUDADE"; junto a Hellxxo, "CAMINO DEL EDEN", en el segundo encuentro de Edu Requejo con el reparto, una canción melancólica y vibrante, cadenciosa y, de algún modo, brutal.
El próximo 17 de septiembre, solo dos días antes de la publicación de "Baghoo", verá la luz el último anticipo del álbum, "¿QUÉ TIENE QUE VER?", junto a Instituto Mexicano del Sonido: magia retro-futurista en el encuentro fundacional para una nueva sonoridad hispana y afroamericana. Edu Requejo y Camilo Lara agitando, conmoviendo y celebrando en la pista de baile. Y el 19 de septiembre, al fin, "Baghoo", o cómo sentir el pulso de la historia en el beat del presente y bailar la evolución. A través de la música, el cambio social definitivo.
Os dejo por aquí el videoclip de "CAMINO DEL EDÉN". ¡No os lo perdáis!
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