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lunes, 31 de agosto de 2026

"Punching The Clown", el nuevo disco de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  ¿Cómo suena la sencillez? Kurt Wagner llevaba tiempo persiguiendo la respuesta cuando, una mañana de 2024, camino de una gasolinera de Nashville, una canción sonó en la radio y se quedó para siempre en su cabeza. Apenas un acorde de banjo sostenido en el tiempo y un pequeño grupo de voces cantando al unísono. Folk, country, gospel. Nada más. Una canción de una belleza desarmante que nunca consiguió identificar, pero que acabaría cambiando el rumbo del siguiente álbum de "Lambchop". 

  Buscando aquel tema descubrió el lining out, una antigua forma de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX, en la que un cantor entonaba una frase y la congregación la respondía. Aquella tradición viajó hasta Estados Unidos junto a los colonos y acabaría convirtiéndose en uno de los cimientos del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  De aquella casualidad nació una idea muy clara: hacer un disco que recuperara la fuerza de la voz humana en su estado más puro. Ese disco es "Punching The Clown".

  Treinta y tres años después del nacimiento de "Lambchop", Kurt Wagner vuelve a demostrar que la reinvención sigue siendo el motor creativo de una de las bandas más singulares de las últimas décadas. Desde el soul orquestal de Nixon hasta la intimidad de Is A Woman o la sorprendente incorporación del Auto-Tune en FLOTUS, cada álbum ha supuesto una nueva forma de entender el universo "Lambchop". Sin embargo, "Punching The Clown" supone quizá el giro más radical de todos: reducir el lenguaje musical a su mínima expresión para descubrir todo lo que todavía puede emocionar.

  El universo sonoro del álbum se construye únicamente con voz, coros, banjo y guitarra. Muy pocos elementos para levantar un disco que, sin embargo, rebosa profundidad, calidez y emoción. Situado en un delicado punto de encuentro entre el gospel, el folk y el country, "Punching The Clown" encuentra una riqueza sorprendente precisamente en la contención. Es un álbum que nunca necesita elevar el volumen para hacerse inmenso.

  Uno de los grandes protagonistas de este nuevo trabajo es el banjo, un instrumento hacia el que Wagner reconoce haber sentido siempre cierta desconfianza. "Tenía demasiado "yeehaw"...", bromea.

  Precisamente por eso decidió convertirlo en el eje del álbum. Para ello contó con un colaborador excepcional: Justin Vernon (Bon Iver), que se incorpora a la grabación como intérprete de banjo tras aceptar inmediatamente la invitación de Wagner. Junto a él aparecen Andrew Broder, colaborador habitual de "Lambchop", los coros dirigidos por Blake Morgan (grabados entre Eau Claire y Londres), el productor Ryan Olson y el ingeniero Mark Nevers, dando forma a una alineación inédita dentro de la historia de la banda.

  Pero Wagner sabía que una formación tan especial necesitaba canciones extraordinarias.

  Por eso afrontó el proceso de composición con una exigencia poco habitual incluso para él. Estudió la obra de algunos de sus compositores favoritos, leyó biografías, analizó procesos creativos y se preguntó qué hace que una canción permanezca para siempre en la memoria. Los primeros intentos no funcionaron. Volvió a empezar. Y volvió a hacerlo otra vez. Sólo cuando comenzó a escribir junto a Andrew Broder sintió que las piezas empezaban a encajar.

  Compusieron treinta canciones. Doce terminaron formando parte del álbum.

  El resultado es probablemente la colección de canciones más sólida y cohesionada que Wagner ha firmado en años.

  Desde el primer verso -"I'm a human calculator, and I never make mistakes"- "Punching The Clown" despliega un universo donde el humor, el absurdo cotidiano, la melancolía y la ternura conviven con absoluta naturalidad.

  El primer adelanto, "Weakened", funciona como un himno para los espíritus frágiles en un mundo cada vez más acelerado. Construida a partir de un delicado diálogo entre la voz de Wagner y los coros, la canción crece lentamente hasta desembocar en una coda de enorme intensidad emocional. Una demostración de que esta música no necesita ruido para hacerse poderosa; toda su fuerza nace desde dentro.

  Canciones como "Doctor In The House", "White People" o "To Do" vuelven a mostrar ese equilibrio tan característico de Wagner entre ironía y tristeza, mientras que "Stella" se convierte en una de las composiciones más conmovedoras del álbum: una delicada canción sobre el amor y la amistad escrita con una honestidad que evita cualquier atisbo de sentimentalismo.

  En "The New World Wave", "Lambchop" condensan una saga familiar ambientada durante la Gran Depresión en apenas cinco minutos, sostenidos por unos coros que evocan el espíritu de The Beach Boys o The 5th Dimension. Y el cierre llega con "No Chicago", una de las piezas más emocionantes del disco, inspirada en la gira cancelada de unos amigos tras el posible ictus de uno de sus músicos. Wagner transforma aquel episodio en una canción de una belleza casi sobrecogedora, recordándonos una vez más que las tragedias cotidianas también pueden convertirse en arte.

  El título del álbum hace referencia a la película "Punching The Clown" (2009), un falso documental protagonizado por el compositor y humorista Henry Phillips que retrata, con humor y melancolía, el absurdo funcionamiento de la industria musical y la posición del músico como alguien que pertenece a ella sin dejar nunca de sentirse un extraño. No deja de ser una metáfora perfecta para "Lambchop".

  A estas alturas de su carrera, pocas bandas continúan cuestionándose con tanta honestidad su propio lenguaje. Lejos de repetirse o de buscar refugio en la nostalgia, Kurt Wagner sigue encontrando nuevas formas de emocionar a partir de los elementos más sencillos. Porque eso es, precisamente, lo que convierte a "Punching The Clown" en un disco extraordinario.

  Treinta y tres años después de su nacimiento, "Lambchop" firman una de las obras más bellas, depuradas y emocionantes de toda su trayectoria. Un álbum que confirma que la verdadera innovación no siempre consiste en añadir más capas, sino en descubrir todo lo que puede surgir cuando sólo permanecen las canciones.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Lambchop". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Living The Dream", el nuevo disco de "Howlin' Jaws"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Howlin' Jaws"! Y bueno, comencemos.

  Después de consolidarse como una de las propuestas más estimulantes del nuevo psych-rock europeo, "Howlin' Jaws" anuncian el lanzamiento de "Living The Dream", su esperado tercer álbum de estudio, que se publicará el 2 de octubre en Bellevue Music. 

  Para este nuevo trabajo, el trío parisino formado por Baptiste Leon, Djivan Abkarian y Lucas Humbert ha trabajado junto al productor sueco Kalle Gustafsson Jerneholm (The Soundtrack Of Our Lives, Foals, The Hives, José González, Junip), dando un importante paso adelante en su evolución sonora. El resultado es un disco más ambicioso, sofisticado y abierto, donde el garage, la psicodelia y el pop conviven con una producción mucho más expansiva sin perder la frescura que siempre ha caracterizado a la banda.

  Como anticipo, "Howlin' Jaws" ya han compartido dos de las canciones que formarán parte del álbum.

  El primer adelanto, "Living The Dream", nació casi de forma espontánea alrededor de un riff de guitarra del que la banda quedó inmediatamente convencida. Con un marcado sentido del humor y una buena dosis de ironía, la canción retrata a un hombre que aparentemente ha alcanzado todo aquello que la sociedad identifica con el éxito -una gran carrera profesional, una piscina espectacular o un Alfa Romeo-, pero que, en realidad, es profundamente infeliz. Un himno luminoso y pegadizo que cuestiona la idea convencional del triunfo.

  Más reciente es "Troubled Mind", una composición escrita durante la última gira del grupo y la primera que grabaron en las sesiones del nuevo disco. Musicalmente enlaza con el universo de su anterior disco Half Asleep Half Awake gracias a sus escalas de inspiración oriental, su ritmo acelerado y un estribillo de enorme vocación pop, aunque incorpora una producción más contemporánea. En el plano lírico, aborda el duelo desde una perspectiva esperanzadora, invitando a no dejarse arrastrar por el dolor y encontrar la fuerza para seguir adelante.

  "Living The Dream" supone un nuevo capítulo para "Howlin' Jaws" tras una trayectoria ascendente que les ha llevado a compartir escenario con bandas como The Black Keys, The Limiñanas o Les Wampas, además de recorrer Europa, Estados Unidos y Japón con un directo cada vez más contundente.

  Los seguidores españoles tendrán la oportunidad de descubrir las nuevas canciones en directo el próximo 28 de noviembre, cuando la banda actuará en Santiago de Compostela junto a The Sadies dentro de la programación del Outono Códax Festival, en una de las citas imprescindibles del otoño para los amantes del rock de raíces, la psicodelia y el garage contemporáneo.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Howlin' Jaws". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

miércoles, 5 de agosto de 2026

"The New World Wave", el nuevo single de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  Construido casi exclusivamente a partir de voces, coros, guitarra y banjo -con la destacada participación de Justin Vernon (Bon Iver)-, "Punching The Clown" es un disco que encuentra una enorme riqueza emocional en la sencillez. Entre el gospel, el folk y el country, Wagner ha levantado una obra profundamente humana, donde cada canción parece buscar la belleza a través de la contención. 

  "The New World Wave" es una de las piezas más ambiciosas y evocadoras del álbum. En apenas cinco minutos, Kurt Wagner construye una auténtica saga familiar ambientada durante la Gran Depresión estadounidense. Donde un novelista necesitaría cientos de páginas para desarrollar la historia de sus personajes, "Lambchop" condensan toda una vida en una canción de extraordinaria delicadeza, sostenida por unos coros que remiten tanto a The Beach Boys como a The 5th Dimension.

  La canción vuelve a poner de manifiesto uno de los grandes logros de "Punching The Clown": la conversación permanente entre la inconfundible voz de Wagner y los coros dirigidos por Blake Morgan, que dejan de ser un simple acompañamiento para convertirse en un protagonista más del relato musical.

  El álbum nació a partir de una revelación casual. En 2024, Kurt Wagner escuchó por azar una vieja canción en la radio mientras conducía hacia una gasolinera de Nashville. Aquella pieza, construida sobre un único acorde de banjo y unas pocas voces, despertó su curiosidad por el lining out, una antigua tradición de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX que acabaría influyendo decisivamente en el desarrollo del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  Inspirado por aquella forma de entender la música, Wagner decidió reducir el lenguaje de "Lambchop" a su esencia más pura. El resultado es un álbum de una profundidad extraordinaria que demuestra que la emoción no depende del número de instrumentos, sino de la honestidad con la que se utilizan.

  Después de presentar los singles "Weakened", un himno para los espíritus frágiles en un mundo febril, y "Stella", una delicada reflexión sobre el amor y la amistad, "The New World Wave" completa el retrato de un disco que muchos ya señalan como uno de los momentos más inspirados de toda la trayectoria de "Lambchop".

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martes, 4 de agosto de 2026

"Rikas" presentará su EP en Madrid y Barcelona

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Rikas"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda alemana de indiepop "Rikas" lanzó el pasado mayo su nuevo EP, "Bedroom Tapes", y lo presentará en nuestro país en dos fechas en diciembre: el miércoles 9 en la sala Copérnico de Madrid y el jueves 10 en la sala Apolo de Barcelona. Las entradas ya están a la venta a través de Live Nation. El disco es una colección nostálgica de canciones que retoma algunas de las primeras grabaciones de sus inicios como banda. Formado en 2016 por un grupo de amigos de la infancia, el proyecto supone un regreso a los orígenes. "Rikas" está compuesto por el bajista Sam Luca Baisch, el guitarrista y teclista Sascha Scherer, el baterista Ferdinand Hübner y el guitarrista Chris Ronge. 

  El viaje de la banda por el camino de los recuerdos llega justo después de otra celebración de la nostalgia del rock. En el verano de 2025, tras el lanzamiento de su fascinante segundo álbum, Soundtrack For A Movie That Has Not Been Written Yet, "Rikas" se reunió de nuevo en su ciudad natal, Stuttgart, para ensayar. Mientras grababan material nuevo, "Rikas" comenzó a grabarse a sí misma interpretando una serie de versiones de rock clásico, entre ellas "Last Train To London" de ELO y el clásico de 1980 de Wings, "Goodnight Tonight". Esta última se hizo viral rápidamente después de que Florence Pugh la compartiera en su historia de Instagram, y pronto recibió elogios del propio Sir Paul McCartney. Al poco tiempo, McCartney invitó a la banda a grabar una versión completa de "Goodnight Tonight". Para "Rikas", la invitación fue un significativo reconocimiento a las influencias que siguen marcando su sonido.

  Con "Bedroom Tapes", la banda vuelve esa reflexión hacia dentro, revisitando las canciones que pusieron en marcha su viaje.

  A lo largo de dos álbumes (su debut de 2019, Showtime, y su siguiente trabajo, Soundtrack For A Movie That Has Not Been Written Yet) y tres EP (Short Stories de 2021, Goodbye Sunshine de 2022 y Last Train To London de 2025), "Rikas" se ha ganado un público fiel gracias a sus raíces en la música callejera y a sus armonías ágiles y desenfadadas, sus estribillos épicos y su estilo igualitario, en el que todos los miembros contribuyen por igual a la composición y comparten el protagonismo tanto en el estudio como en el escenario.

  "Se llaman "Bedroom Tapes" porque, de hecho, las grabamos en el dormitorio de mis padres", dice Sam, y añade: "Por aquel entonces, mi padre tenía un despacho muy pequeño y teníamos una interfaz con la que grabábamos las canciones. Siempre nos encantaron esas grabaciones, pero nunca las sacamos a la luz". Para conmemorar que hace una década que "Rikas" compuso estas canciones, la banda recuperó sus antiguas sesiones y grabó la batería en directo sobre ellas para darles un toque de pulido. "Es una sensación especial compartirlas con nuestros fans. Quizás nuestros primeros 100 fans y nuestras familias se saben todas estas canciones de memoria, porque solíamos tocarlas cada vez que salíamos de gira, pero nunca las lanzamos oficialmente".

  Sascha añade que "Bedroom Tapes" ofrece una instantánea de la banda en su momento más desenfadado. "Las canciones tienen un aire ingenuo. No están demasiado elaboradas, ni en la producción ni en la composición. Aun así, nos esforzamos mucho en cada tema, porque lo hicimos todo nosotros mismos. Pero no contábamos con ningún presupuesto. Era simplemente: "vamos a componer música que nos haga sentir bien". En aquel entonces, era una sensación muy agradable".

  Una mezcla desenfadada y fluida de pop vintage, rock y melodías alternativas, el álbum de cinco canciones "Bedroom Tapes" captura de verdad la esencia de "Rikas": ritmos compactos y animados y melodías relajadas. El single principal, "Tequila Shots", una de las primeras canciones que "Rikas" compuso como grupo, invita a los oyentes a la pista de baile con una guitarra vibrante y un estribillo de llamada y respuesta.

  ""Tequila Shots" es una especie de historia sobre cómo la gente tiende a casarse con una visión muy romántica de cómo puede ser el día de la boda, cuando en realidad puede pasar cualquier cosa, como que llueva", dice Sam. "También es divertido porque ahora tenemos muchos amigos de nuestra edad que se están casando. Mucha gente que escucha la canción la toma más como una celebración, pero en realidad, si se profundiza un poco más, estamos cuestionando todo el concepto de las bodas a lo grande".

  Otro momento irónico llega con "Mister Anxiety", un tema al estilo de los Beach Boys en el que "Rikas" trata de restar importancia a sus preocupaciones convirtiendo la inquietud en un personaje. "En aquel entonces, se trataba sobre todo de cómo mi madre lidiaba con la ansiedad y cómo se vivía en mi familia", explica Sam. "Siempre nos gusta componer canciones que suenen muy alegres pero que tengan letras más oscuras". Sascha añade: "Para lidiar con la ansiedad, la personificamos y le pusimos un nombre".

  Por último, el evocador tema de apertura de surf-rock "Raindance" rinde homenaje a la variedad de influencias sonoras tradicionales de "Rikas". Escrita al estilo del álbum Mambo Sinuendo de Manuel Galbán y Ry Cooder de 2003, "Raindance" evoca imágenes de furgonetas Volkswagen de los años 60 frente a la costa de California. ""Raindance" es una canción de banda sonora para una película de los 70, quizá un viejo western o una película de Tarantino", dice Sascha. "También escuchábamos mucho Mambo Sinuendo de Ry Cooder, que tiene ese sonido de guitarra vibrante. Es muy vintage y tiene un aire nostálgico".

  Mientras "Rikas" prepara su momento de cerrar el círculo con "Bedroom Tapes", están saboreando una oportunidad única de pasar tiempo con sus yo más jóvenes: los músicos rebosantes de energía y entusiasmo, pero que también tocaban juntos simplemente porque les hacía sentir bien.

  Las fechas anunciadas son:

  • MADRID, sala Copérnico - miércoles 9 de diciembre de 2026 
  • BARCELONA, sala Apolo - jueves 10 de diciembre de 2026

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Rikas". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 27 de julio de 2026

"Tiwayo" anuncia su nueva gira

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Tiwayo! Y bueno, ¡comencemos!

  Apodado "The Young Old" por una voz que parece haber vivido muchas más vidas que su apariencia, el cantante y compositor parisino Tiwayo vuelve con Outsider, un extraordinario nuevo álbum producido por el ganador del Grammy Adrián Quesada, guitarrista y productor de Black Pumas. Disponible desde el 10 de abril de 2026, Outsider supone el esperado regreso de un artista libre e inclasificable que ha recorrido carreteras de medio mundo absorbiendo la esencia del blues, el soul y el góspel hasta convertirlos en el lenguaje propio de sus canciones. 

  Tras su publicación, Tiwayo regresará a España el próximo mes de noviembre con una gira en la que presentará en directo las canciones de este nuevo trabajo. El tour hará parada en Santiago de Compostela, Bilbao, Barcelona, Madrid, Valencia y Sevilla, ofreciendo una oportunidad única para descubrir la intensidad de uno de los directos de soul más cautivadores del panorama europeo.

  Fue precisamente durante uno de sus viajes por Estados Unidos cuando nació el nombre que hoy le identifica. En una ruta hacia Memphis, un veterano músico cajún de blues quedó fascinado por el contraste entre el aspecto juvenil de Tiwayo y la profundidad áspera y conmovedora de su voz. Divertido, lo bautizó como "The Young Old" ("el joven viejo"). De vuelta a Francia, aquellas iniciales, T.Y.O., evolucionaron hasta convertirse en Tiwayo, un nombre que desde entonces acompaña su carrera.

  Francia puede presumir de grandes vinos, de una influyente escena de música electrónica o de su gastronomía, pero difícilmente se asocia con algunos de los mejores discos de soul contemporáneo. Tiwayo rompe todos esos prejuicios. Con Outsider demuestra que el soul auténtico no entiende de fronteras ni de nacionalidades.

  A lo largo de su trayectoria ha recibido el reconocimiento de figuras como Norah Jones, Marcus Miller, Tony Visconti o Don Was, además de compartir escenario con artistas como Curtis Harding, Cody Chesnutt y el propio Marcus Miller. Tras publicar los aclamados Desert Dream (Yotanka Records) y The Gypsy Soul of Tiwayo (Blue Note Records), producido por el ganador del Grammy Mark Neill, responsable también del mítico Brothers de The Black Keys, Tiwayo prácticamente desapareció del mapa musical durante un tiempo.

  Todo cambió cuando Adrián Quesada escuchó sus maquetas. Ambos coincidieron en el festival francés Les Eurockéennes, un encuentro que terminó llevando al músico francés desde París hasta Austin (Texas), donde grabaron Outsider en los legendarios Electric Deluxe Studios de Quesada. Allí, rodeados de músicos de Black Pumas y de algunos de los nombres más destacados de la nueva escena soul estadounidense, dieron forma a un disco que respira honestidad, emoción y un profundo respeto por las raíces del género.

  El álbum cuenta además con la participación del prestigioso guitarrista Doyle Bramhall II, colaborador habitual de Eric Clapton, que firma tres de las canciones del disco, entre ellas "Daddy Was Born with the Blues", un sentido homenaje al padre de Tiwayo enriquecido con los arreglos de cuerda de Sly5thAve. También participa la cantante Kendra Morris (Colemine Records) en "Unchained Lovers", un elegante dúo impregnado del espíritu del legendario sello Hi Records.

  Mientras gran parte del soul contemporáneo busca la elegancia pulida del sonido Motown, Tiwayo apuesta por un enfoque mucho más orgánico y visceral. Su música nace directamente de la tradición del soul sureño, una conexión que el propio artista pudo experimentar en primera persona al conocer en Memphis al reverendo Al Green, uno de sus grandes referentes.

  En Outsider, Tiwayo reflexiona sobre la soledad y la libertad de quien decide seguir su propio camino como artista en "I've Got to Travel Alone", celebra el poder transformador de la música en "Up for Soul", encuentra belleza en las pequeñas cosas en "Sunshine Lady" y "My House Is Your Home", y afronta el duelo con una enorme sensibilidad en "Dark Skies". El resultado es un álbum lleno de historias profundamente humanas, construido sobre grooves irresistibles y una interpretación vocal que emociona desde la primera escucha.

  iwayo nunca ha encajado en los moldes habituales. Francés de nacimiento, texano por adopción musical, cantante de soul con alma de bluesman y viajero incansable, ha construido una identidad única precisamente desde los márgenes. En Outsider abraza definitivamente esa condición de "outsider", demostrando que la autenticidad sigue siendo el mayor lujo que puede ofrecer la música.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Tiwayo. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 20 de julio de 2026

Stu Larsen anuncia su próximo concierto

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Stu Larsen! Y bueno, ¡comencemos!

  El cantautor australiano Stu Larsen regresa a nuestro país con su gira "The Solitude Tour" para dar un único concierto. Será el 22 de octubre en la sala Golem’S de Barcelona cuando podremos disfrutar de este show en formato íntimo del músico. 

  En un mundo implacable e inquieto, Stu Larsen salió en busca del silencio y la tranquilidad en algunos de los rincones más remotos del planeta. La soledad no consiste en escapar de la vida, sino en ralentizar el ritmo lo suficiente como para poder apreciarla.

  A lo largo de los años, los viajes de Stu Larsen le han llevado a recorrer el mundo de punta a punta. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum de larga duración, Solitude.

  Durante la creación de Solitude, decidió visitar un lugar al mes durante todo un año, para escribir una canción y grabar un vídeo de la actuación en cada lugar. Este viaje le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, Inglaterra, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina.

  "Esta idea loca llevaba tiempo gestándose, pero realmente empecé a entenderla en 2023", cuenta Stu. "Vivo una vida muy nómada; no he tenido un hogar en casi dos décadas. Así que intenté idear una forma creativa de pasar un año componiendo y grabando maquetas de estas canciones. Estuve completamente solo, creando 12 canciones en 12 lugares a lo largo de 12 meses. Elegí deliberadamente estos lugares remotos para crear las nuevas canciones que componen mi nuevo álbum, "Solitude"".

  A lo largo de las últimas dos décadas, Stu Larsen no ha permanecido mucho tiempo en un mismo lugar. A lo largo de los años, los viajes de este trovador itinerante le han llevado por todo el mundo y de vuelta al punto de partida. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum, Solitude [Nettwerk Music Group]. Decidió visitar un lugar al mes durante doce meses, componer una canción y grabar un vídeo con la interpretación correspondiente en cada uno de esos lugares. Esta estancia le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, el Reino Unido, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina. Por mucho que absorba el espíritu y el alma de cada lugar, la música también refleja auténticamente quién es él como artista, narrador y hombre.

  La música de Stu siempre ha canalizado la energía de su viaje y la ha transformado en canciones. Tras el EP The Black Tree de 2009, lanzó una serie de álbumes muy apreciados por sus fans, como "Vagabond" [2014], "Resolute" [2017] y"Marigold"[2020]. Al desconectarse, Stu acaba conectando con el tipo de conexión que todos buscamos.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Stu Larsen. No olvidéis seguirlo en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 13 de julio de 2026

"BLISS", el nuevo disco de "Temples"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Temples"! Y bueno, ¡comencemos!

  El cuarteto de Kettering "Temples" publica hoy su nuevo álbum de estudio, "BLISS", a través de V2 Records, un trabajo que explora nuevas direcciones electrónicas sin perder de vista el ADN que ha definido a la banda desde sus inicios, dando como resultado su disco más aventurero, libre y ambicioso hasta la fecha. 

  Tras los primeros adelantos "Jet Stream Heart" y "Vendetta", que recibieron elogios inmediatos de medios como NME, The Times y Clash, además de entrar en la playlist de Virgin Radio , sonar en rotación en BBC 6 Music, y con mucho apoyo en Radio 3,  llegó "Blue Flame", una pieza de atmósferas oníricas que reveló una nueva dimensión en la hipnótica forma de componer de "Temples". El conjunto de estos lanzamientos llevó a Uncut a afirmar que "BLISS" reúne "algunas de las canciones más contundentes y enérgicas que la banda ha publicado desde el momento álgido de su carrera a mediados de la década de 2010".

  El álbum marca un emocionante nuevo capítulo tras Exotico (2023) y encuentra a la banda - James Bagshaw (voz y guitarra), Thomas Walmsley (bajo), Adam Smith (teclados y guitarra) y Rens Ottink (batería)- reinterpretando sus raíces psych-rock a través del prisma de la música de baile de finales de los noventa y principios de los dos mil. Inspirándose en la melancolía eufórica de la escena ibicenca y la electrónica europea, pero manteniéndose fieles a su esencia, "Temples" construyen un disco influenciado por la intensidad emocional de artistas como Faithless, Underworld, Massive Attack o Portishead.

  "BLISS" gira en torno a lo que la banda define como "euforia melancólica": estructuras aparentemente sencillas capaces de despertar emociones complejas y profundas.

  Si en Exotico trabajaron junto al productor Sean Ono Lennon, en esta ocasión sintieron que "BLISS" solo podía ser producido por ellos mismos. Apostaron por un enfoque mucho más intuitivo y directo, trabajando juntos en la misma sala y dejando espacio a la improvisación y la experimentación. Los samplers desempeñaron un papel esencial durante el proceso, no para reutilizar material ajeno, sino para manipular y reconstruir sus propias composiciones dentro de un mismo universo sonoro. El resultado es un álbum con espíritu de collage, donde motivos, texturas e ideas se entrelazan y reaparecen a lo largo de todo el recorrido.

  A lo largo de "BLISS", las canciones abordan temas como la desconexión, la frustración, la rendición y la renovación. "Revelations" hace un guiño a los cantos gregorianos que se popularizaron en la música de baile europea de finales de los noventa y principios de los dos mil, mientras que la poderosa "Megalith" reflexiona sobre la frustración y la sensación de inmovilidad frente a un mundo que no deja de avanzar.

  Como explica Adam Smith, teclista y guitarrista de la banda:

  "Habla de encontrar la calma interior, pero descubrir que, una vez la encuentras, quizá no sea un lugar tan agradable. A veces puedes sentirte impotente y atrapado mientras el mundo sigue moviéndose a tu alrededor, como una piedra megalítica que permanece inmóvil y no puede hacer nada para cambiarlo."

  Para "Temples", "BLISS" es mucho más que un cambio estilístico: es una auténtica declaración de intenciones. Un álbum creado sin concesiones, impulsado por la intuición, la química entre sus miembros y el placer de volver a hacer música juntos.

  Como resume la propia banda:

  "Se trata de darte permiso: para soltarte, para moverte y para convertirte en algo inesperado."

  La banda regresará a España el próximo mes de noviembre con una gira que pasará por Santiago de Compostela (NdP Recomenda, día 16 en Sala Capitol), Madrid (día 17, Teatro Eslava), Zaragoza (día 18, Sala López), Granada (día 19, Sala Aliatar), Sevilla (día 20, Sala X), Bullas (día 21, Antioxidante), y Barcelona (día 22, Paral.lel 62), ofreciendo la primera oportunidad de disfrutar en directo de las canciones de "BLISS".

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"Gigantic Storm", el nuevo single de Rüdiger

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Rüdiger! Y bueno, ¡comencemos!

  Rüdiger presenta "Gigantic Storm", el primer sencillo de su próximo álbum, "Love is a Muscleu", que verá la luz el próximo mes de septiembre. Se trata de una de las composiciones más luminosas y accesibles de este tercer trabajo, una canción concebida para acompañar trayectos largos, horizontes abiertos y viajes de verano por carretera. 

  Detrás de Rüdiger se encuentra Felix Buff, músico fundamental de la escena independiente vasca y batería habitual de artistas como Gorka Urbizu, Ruper Ordorika, Rafa Berrio, Joseba Irazoki, Atom Rhumba, Willis Drummond o Duncan Dhu. Tras dos álbumes aclamados por crítica y público, el músico regresa con una colección de canciones que reflexionan sobre el amor como una fuerza capaz de resistir, regenerarse y crecer incluso en tiempos de incertidumbre.

  "Elegí compartir esta canción porque refleja a la perfección el carácter más luminoso de mi tercer álbum. Además, es ideal para escuchar en un viaje de verano por carretera y encaja perfectamente con la fecha de lanzamiento", explica Buff.

  Musicalmente, "Gigantic Storm" se construye a partir de una idea tan sencilla como hipnótica: una sucesión constante de dos acordes, Do y Re, interrumpida únicamente por un La que aparece en el puente. Una estructura minimalista que conecta con la tradición de artistas como Fleetwood Mac, Kurt Vile o The War on Drugs, referentes evidentes en su forma de entender la repetición, el detalle y el movimiento constante dentro de una canción.

  Aunque la canción contiene una inevitable carga melancólica, "Gigantic Storm" es, sobre todo, una canción de redención. Su letra retrata a alguien que, enfrentado a las dudas, las tentaciones y las infinitas posibilidades de vidas alternativas, reafirma su decisión de permanecer junto a la persona amada.

  "Estoy frente al ojo de una tormenta gigantesca que sopla sin cesar, una y otra vez y me aplasta", canta Buff antes de concluir: "Y no me voy a ninguna parte. Sé que todavía hay alguien ahí".

  La canción habla de esos momentos en los que todo parece tambalearse y, sin embargo, una presencia cercana es capaz de disipar las dudas. De la elección consciente de permanecer. De recordar cada día por qué se eligió amar.

  "Estamos condenados a imaginar otras vidas posibles, pero si tenemos suerte, tenemos a alguien a nuestro lado que nos reconforta y aleja esas dudas. Te elegí, y cada día me recuerdas por qué lo hice. Creo que siempre creeré en el amor", resume el músico.

  Ese mensaje conecta directamente con el concepto de "Love is a Muscle", un álbum que explora el amor desde múltiples perspectivas: su experiencia, su ausencia, su recuerdo y la necesidad de ejercitarlo para evitar que se atrofie. A través de una combinación personal de folk, rock, electrónica y escritura introspectiva, Rüdiger ofrece su trabajo más luminoso hasta la fecha, evocando ecos de Neil Young, Low, Kurt Vile, MGMT o The Beatles sin perder una voz propia y reconocible.

  Coproducido junto a Johannes Buff en los estudios Shorebreaker de Tarnos durante el invierno de 2025-2026, "Love is a Muscle" incluye colaboraciones con su fiel banda de directo compuesta por Joseba Irazoki a la guitarra, Vincent Bestaven a los teclados y coros, Antoine Philippe al bajo y Mikel Sánchez a la batería, así como con la participación de Elena Setién, Iban Urizar (Amorante) y Anari, autora de la letra de "Bi Egun", la primera canción en euskera de Rüdiger.

  El álbum supondrá además el regreso de Rüdiger a los escenarios durante 2026, tanto en formato de banda como en solitario.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Rüdiger. No olvidéis seguir a Borja Picó en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 6 de julio de 2026

"Soldadito", el nuevo single de Sila Lua

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Sila Lua! Y bueno, ¡comencemos!

  Nacida en Vigo, criada en Madrid y formada en Producción Musical en la University of Westminster de Londres, Sila Lua se ha consolidado como una de las voces más singulares del panorama alternativo español gracias a una propuesta que combina electrónica, pop experimental, hip hop y tradición desde una mirada profundamente personal. Su trayectoria incluye actuaciones en festivales como Mad Cool, O Son do Camiño, The Great Escape, Iceland Airwaves o ESNS, así como reconocimientos como el Premio Martín Códax al Mejor Álbum de Música Urbana por ROMPE y diversos galardones internacionales por sus trabajos audiovisuales. 

  En "Soldadito", la artista construye el retrato de un joven militar que abandona su hogar convencido de una misión noble para terminar enfrentándose a las consecuencias morales de la violencia y la obediencia ciega. La canción, producida junto a Mumbai Moon (Amaral, Fillas de Cassandra, Mala Rodríguez, entre otrxs) y Pau Aymí (Amaia, Niño de Elche, Christina Len, entre otrxs), combina una narrativa cargada de simbolismo con una producción de gran intensidad emocional. A través de una mirada profundamente humana, la obra cuestiona los relatos heroicos actuales para situar el foco sobre quienes quedan atrapados entre las promesas del poder y el peso de sus actos. Lejos de plantear una lectura política concreta, Sila Lua construye una reflexión universal sobre la violencia, la culpa, el desencanto y la fragilidad de las convicciones humanas.

  El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Mikel Godoy y rodado en las afueras de Bilbao. La pieza audiovisual amplía el universo simbólico de la canción y refuerza visualmente algunos de sus temas centrales: la memoria, el desencanto, la obediencia y las consecuencias humanas de la violencia.

  La publicación de "Soldadito" coincide además con una fecha muy especial para la artista. El próximo 21 de junio, Sila Lua actuará en el Festival Acento, un evento de acceso gratuito que tendrá lugar en la terraza de la SGAE, en el Parque Vista Alegre de Santiago de Compostela. Para esta ocasión, la compositora gallega estrenará una formación inédita creada exclusivamente para este concierto: un trío de cuerdas se sumará a la propuesta electroacústica con la que habitualmente gira junto a la multiinstrumentista Greta Ch’aska, ampliando las posibilidades expresivas de un repertorio que siempre ha transitado entre lo orgánico y lo electrónico.

  Con "Soldadito", Sila Lua entrega una de sus composiciones más narrativas y cinematográficas hasta la fecha, una obra que invita a cuestionar los relatos heroicos y a mirar de frente las consecuencias humanas que se esconden detrás de ellos.

  Os dejo por aquí el videoclip de "HACER TEATRO". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Sila Lua. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"HILO", el nuevo single de Cristalino

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cristalino! Y bueno, ¡comencemos!  

  Si en su anterior single, "DESTELLO", proponía recobrar la materialidad de los sentidos frente a la inercia de las pantallas, en "HILO" reúne y sana. En el reconocimiento del otro —el punto exacto donde comienza la complicidad— brilla Cristalino : sugiriendo la necesidad de perspectiva y pausa, aceptando que la existencia es, ante todo, vínculo, invitándonos a salir al mundo a encontrarnos con lo desconocido. 

  En los dos EPs y varios singles en colaboración publicados desde su debut en 2023, Cristalino ha humanizado el pop electrónico derritiendo el sonido sintético con la calidez de una  expresión íntima, espiritual, que, entre la introspección y la efervescencia urbana, no deja de depurarse. En paralelo, una dimensión interpretativa de instinto meticuloso, de veracidad rotunda, le ha valido el Premio Carmen a Mejor Actor Revelación y la nominación en la misma categoría en los Premios Goya por su papel en la película Segundo Premio.

   Casa Maracas publica este viernes el 10 de abril "HILO", segundo adelanto de una serie que se completará con la publicación de su nuevo EP al completo el próximo 29 de mayo. Si en "DESTELLO" respondía a la desmaterialización cultural, en esta entrega Cristalino propone la aceptación de la disparidad como una forma de sanación. El reconocimiento del otro se articula a nivel sonoro mediante la natural integración de la guitarra acústica en la atmósfera electrónica predominante. La producción de Jaime Beltrán equilibra el peso de lo sintético y lo orgánico con precisión quirúrgica y la belleza nace de la sencilla unión de sonidos de naturaleza diversa.

  "HILO" cuenta con portada digital de Lakore y una pieza audiovisual de Adrián Cecilio, colaborador habitual de Cristalino.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

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lunes, 29 de junio de 2026

"Stella", el nuevo single de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda liderada por Kurt Wagner dio a conocer hace unas semanas "Weakened", el primer avance del álbum, una canción que The Guardian definió como "una de las baladas más simples y hermosas de los más de cuarenta años de trayectoria musical de Kurt Wagner". Ahora, con "Stella" "Lambchop" desvelan una nueva dimensión del universo sonoro que articula este nuevo trabajo. 

  Si "Weakened" se presentaba como un himno para los espíritus frágiles en un mundo febril, "Stella" habita un territorio de luminosa contención. La guitarra y el banjo se entrelazan delicadamente bajo la presencia constante de un coro que atraviesa la canción con elegancia y serenidad, anticipando una de las señas de identidad de "Punching The Clown": la capacidad de encontrar una enorme profundidad emocional a partir de elementos mínimos.

  Sobre la canción, Kurt Wagner comenta:

  "Anoche tuve un sueño muy largo en el que acababa en medio del bosque tocando la guitarra y cantando. Cuando terminé y regresaba hacia mi coche, había algunas personas entre los árboles que mostraban su aprobación. Me hizo sentir bastante bien. No tengo ni idea de qué significaba aquello.

  Algunas canciones son como los sueños. "Stella" fue una de ellas"

  En "Punching The Clown", "Lambchop" presentan una de las formaciones más singulares de sus 33 años de trayectoria. El universo musical del álbum se construye a partir de apenas cuatro elementos: voz, coros, banjo y guitarra. Con ellos, la banda ha creado una obra que se mueve entre el gospel, el folk y el country, tan austera en apariencia como inmensa en matices y emoción.

  El disco cuenta con Kurt Wagner acompañado por Andrew Broder a la guitarra, Justin Vernon al banjo y varios coros dirigidos por Blake Morgan. La grabación y mezcla han corrido a cargo de Mark Nevers, mientras que la producción ha sido realizada por Ryan Olson, colaborador fundamental en esta nueva etapa creativa de la banda.

  El origen de "Punching The Clown" se remonta a un momento aparentemente insignificante. En 2024, mientras conducía hacia una gasolinera en Nashville, Wagner escuchó en la radio una canción construida sobre un único acorde de banjo y un pequeño grupo de voces. Fascinado por aquella experiencia, inició una búsqueda que le llevó a descubrir la tradición del lining out, una forma ancestral de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX y que acabaría influyendo decisivamente en el desarrollo del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  Aquella revelación inspiró la creación de un álbum que capturara la esencia de esa música: la fuerza de la voz humana, la emoción colectiva y la belleza de la sencillez.

  Como en cada etapa de su trayectoria, "Lambchop" vuelven a reinventarse sin perder su identidad. Desde la sofisticada fusión de soul y country de Nixon hasta las exploraciones vocales de FLOTUS o la intimidad pianística de Is A Woman, la banda ha convertido la transformación constante en una de sus principales señas de identidad.

  Sin embargo, "Punching The Clown" posee algo especial. Desde sus primeros compases, el álbum suena a un nuevo capítulo en la historia de "Lambchop": fresco y sorprendente, pero también profundamente familiar, como regresar a un lugar querido que solo existe en la memoria.

  La voz de Kurt Wagner vuelve a ocupar el centro de la escena. Esta vez prescinde de tratamientos electrónicos para dialogar directamente con dos coros dirigidos por Blake Morgan -uno de 6 voces en Eau Claire y otro con 11 voces en Londres- que no actúan como mero acompañamiento, sino como interlocutores activos dentro de las canciones.

  El banjo de Justin Vernon (Bon Iver) desempeña también un papel esencial. Un instrumento que Wagner confiesa haber observado siempre con cierta distancia se convierte aquí en uno de los pilares del álbum, demostrando cómo las mejores ideas suelen surgir precisamente cuando se desafían los propios prejuicios creativos.

  Esta formación está compuesta por Kurt Wagner y Andrew Broder, quien lleva varios años acompañándolo en directo como pianista. A ellos se suman los dos coros dirigidos por Blake Morgan y Justin Vernon al banjo. Nunca antes había existido un grupo como este. Tampoco una banda como "Lambchop".

  También merece una mención especial el productor Ryan Olson. "No es simplemente alguien que trastea con botones", dice Wagner, "sino alguien que deja su huella como artista".

  Precisamente porque esta formación es tan buena y tan especial, Kurt Wagner necesitaba canciones a la altura. "Me tomé muy en serio la tarea de escribir canciones para este álbum", explica. Estudió cómo trabajan otros grandes compositores, leyó biografías, analizó sus canciones y se planteó preguntas a sí mismo: "¿Qué es lo que te conmueve y te emociona de tus canciones favoritas, y por qué? ¿Y cómo puedes aplicar esas enseñanzas a tu propio mundo?".

  A ese trabajo de estudio le siguieron los primeros intentos de composición, muchos de los cuales fracasaron. Así que tocó empezar de nuevo. Las cosas mejoraron, pero seguía sin ser suficiente. Otro nuevo comienzo, sumado a la propuesta de escribir junto al guitarrista Andrew Broder, y de repente todo encajó.

  Se compusieron treinta canciones que fueron grabadas como maquetas. Después llegó el momento de elegir doce para el álbum y decidir su orden definitivo. La estructura de "Punching The Clown" estaba, por tanto, definida antes incluso de que comenzara la producción propiamente dicha.

  "Desde el principio concebimos el álbum como una obra completa", afirma Wagner.

  No es de extrañar que suene tan cohesionado y seguro de sí mismo. Muy propio de "Lambchop", por un lado. Pero, por otro, este disco va un paso más allá. La calidad de las canciones, la formación de la banda, la singularidad de los arreglos y de la producción... "Punching The Clown" es una obra maestra dentro de la ya magistral discografía de "Lambchop". Incluyendo unas letras capaces de hacerte caer de rodillas.

  Los temas que compoenen "Punching The Clown" son:

  1. Just West Of Nicollet
  2. A Doctor In The House
  3. Weakened
  4. Stella
  5. Punching The Clown
  6. White People
  7. The New World Wave
  8. Andrew Jackson Asshat
  9. Afterburner
  10. Cigar
  11. To Do
  12. No Chicago

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lunes, 22 de junio de 2026

"Losing Game (Sick)", el nuevo single de José González

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡José González! Y bueno, ¡comencemos!

  "¿Cómo terminamos haciendo un vídeo en el que monstruos robot se comen a los humanos?", reflexiona José González. "Todo empezó cuando contacté con Mads Damsbo para hacer un videoclip para "A Perfect Storm". Después de escuchar mis ideas, me propusieron una alternativa. Me gustó tanto que acabamos haciendo ambos vídeos: uno serio, en blanco y negro, con Mads dirigiendo la historia del autobús cayendo hacia la tormenta, y otro más cómico y sangriento con Bine Bach al frente". 

  ""Losing Game (Sick)" plantea qué ocurre cuando la humanidad se pregunta qué ha pasado después de perder el control frente a la inteligencia artificial y los robots. Es una preocupación sincera, pero me pareció adecuado abordarla con humor. Ninguno de los expertos que he escuchado hablar sobre este tema imagina un escenario en el que los robots se pregunten qué humanos saben mejor. Pero si alguna vez sucede, estoy seguro de que disfrutarán especialmente del sabor de un cantante folk pretencioso y lleno de tópicos".

  Por su parte, la directora Bine Bach explica:

  "José ha hecho un álbum precioso sobre la compleja relación entre la humanidad y la tecnología, y sobre la necesidad de ser cautelosos antes de que esta termine "engulléndonos". Quería utilizar la IA dentro del propio proceso creativo para reforzar ese mensaje. Como es una herramienta que genera tanto entusiasmo como emociones contradictorias, teníamos que ser inteligentes para crear algo deliberadamente absurdo".

  "Después de muchas ideas, llegamos al concepto de ser devorados por la IA, porque encajaba perfectamente con la temática de la canción y ofrecía una vertiente cómica al mezclar robots con algo tan cotidiano como un grupo de discusión. A partir de ahí desarrollamos el proyecto combinando imágenes reales y animación generada mediante inteligencia artificial. Fue un proceso exigente y, en ocasiones, imprevisible".

  José González en "Sounds Like Art"

  Además del estreno de este nuevo videoclip, José González participó recientemente en un episodio de la aclamada serie documental de ARTE Sounds Like Art. El programa lo sigue por las instalaciones del Moderna Museet de Estocolmo mientras reflexiona sobre las raíces familiares marcadas por el exilio político, sus esperanzas para el futuro y ofrece interpretaciones íntimas de canciones nuevas y clásicos de su repertorio, incluyendo una actuación en español al atardecer.

  "Against The Dying Of The Light", el quinto álbum de estudio de José González y su primer trabajo con canciones originales en más de cuatro años, sigue la estela y funciona en muchos sentidos como una obra complementaria al aclamado Local Valley (2021). En él, el cantautor y guitarrista sueco vuelve a reflexionar sobre la humanidad y su futuro incierto a través de su característica escritura acústica, tan cautivadora como profundamente contemplativa.

  Inspirado por el pensamiento de autores como Jonathan Haidt, Liv Boeree, Yuval Harari y Steven Pinker, González presenta una amplia colección de canciones llenas de matices que abordan grandes cuestiones con claridad e intención. El álbum explora temas como la teoría de juegos, la filosofía moral y los relatos con los que damos sentido al mundo. También se adentra en la ambigüedad ética de la tecnología contemporánea, capaz de impulsar el progreso mientras pone a prueba nuestra propia concepción de lo humano. Todo ello se transmite con cercanía y calidez a través de su voz intuitiva y su inconfundible técnica de fingerpicking.

  Entre las canciones del álbum destaca "A Perfect Storm". En ella, González advierte sobre lo que muchos expertos en inteligencia artificial describen como una "carrera por perder el control". El tema está acompañado por un videoclip inmersivo y deliberadamente provocador que utiliza la propia IA para profundizar en el complejo debate sobre su aplicación en la sociedad.

  Tras el estreno de "A Perfect Storm", se celebró además un encuentro exclusivo en YouTube en el que González y el productor Mads Damsbo conversaron durante quince minutos sobre el proceso de creación del videoclip y compartieron sus reflexiones acerca de la inteligencia artificial y su papel en la intersección entre el arte y la ciencia.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre José González. No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, FacebookInstagramYouTubeGoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"PACIENCIA INFINITA", el neuvo disco de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  En los tiempos que corren el punk vuelve a ser muy necesario. Como si algún día los tiempos corrieran buenos; o como si en algún momento el punk hubiera perdido su vigencia y su valor. 2026 nos está poniendo a todos a prueba y conviene recordar qué herramientas tenemos al alcance para aguantar. El punk puede ser una de ellas. Ningún género vehicula mejor la necesidad de desahogo. Conjuga rabia y diversión como ningún otro, llegando a ser incluso terapéutico, tanto para quienes lo practican como para quienes lo escuchan. En este contexto, la banda barcelonesa Sandré, surgida en 2018 de las grietas del underground, se ponen al servicio de su público con una sencilla receta para que no nos hundamos frente al mundo que nos rodea, un consejo resumido en el título de su nuevo disco: "PACIENCIA INFINITA". 

  Desahogo y diversión, protesta y exploración. Eso buscaba el cuarteto al componer el que es su tercer álbum, el primero con el sello Calaverita Records. Desahogo porque sus canciones responden ante situaciones que les provocan rabia, más desde un plano personal, relacional y social que político, que también indirectamente; y diversión porque el disco es el pretexto perfecto para explorar los límites del punk y del rock, apretándole las tuercas a su marcada identidad sonora. "PACIENCIA INFINITA" es un álbum con composiciones muy particulares que expanden el marco creativo de Sandré, presentando estructuras más abiertas, nuevas texturas rítmicas y combinando el característico lenguaje musical de la banda con elementos del rock alternativo, del krautrock, del math rock, del garage o del post-punk.

  Esta línea compositiva del disco queda bien estipulada desde su primer corte, "EMPATÍA NO", con su textura expansiva, su potente rítmica y su arquitectura instrumental en forma de puzle. A partir de ahí, el repertorio pasa por los acordes afilados de "GÉMINIS MAL", la primera canción de desamor de Sandré, por la solidez y la contundencia de "CABEÇA", esa mezcla visceral de tensión y electricidad en la que colabora Miguelito García ("Dandy Piranha" de "Derby Motoreta’s Burrito Kachimba" y Cervatana), por un pogo de 55 segundos titulado "JOIA DE MALVIURE" y por la locomotora en movimiento que es "GOLDEN", para acabar volviendo al espíritu punk más trepidante y honesto que representa "A-MU-MÍ", la pieza final.

  Pero en el camino también juegan con cosas distintas. Se ponen retos, generalmente para reforzar la expresión narrativa de lo que nos quieren contar. En "DISCURSO MOTIVACIONAL", por ejemplo, un tema donde hace los coros el barcelonés "BANANI", transitan entre diferentes tipos de compases para generar una energía muy bailable, muy de criptobro ultramotivado de masculinidad frágil. En "PIJAMA DE FUSTA" destruyen la estructura a mitad de tema, dejándolo disolverse en un fade-out eterno para expresar el desgaste al que nos somete el sistema. Del mismo modo, romper la estructura habitual de la canción también les sirve en "EL POU" para plasmar esos momentos en los que nos invade la oscuridad. Así como el uso irónico del contraste entre el punk psicodélico de las estrofas y las melodías pop del estribillo de "SIEMPRE MÁS", que funciona como una metáfora musical perfecta de lo mucho que pesa lo malo y lo poco que pesa lo bueno.

  En "PACIENCIA INFINITA" las canciones hablan de frustración, de la agonía de lo rutinario, de oscuridad, de la dificultad para resolver conflictos e incluso, por primera vez, de rupturas y desamor. Pero también revela la importancia que tiene, como acto de resistencia, buscar y encontrar fuerza en quienes tenemos al lado; la importancia que tiene, como acto de libertad, cuestionar las normas. Y ese es precisamente el punto de fondo esperanzador que tiene este disco: que subraya la necesidad de unirnos para divertirnos siendo rebeldes. "EXCEL DE NORMAS" es el mejor ejemplo, porque si publicar una canción tocada a la vez por ellos y por sus amigos Chaqueta de Chándal no es divertirse y romper las normas, ¿qué lo es? Para eso sirve el punk, y teniendo eso la paciencia puede ser infinita. 

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Sandré". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo po

lunes, 15 de junio de 2026

"Rambla", el nuevo single de FARMAR

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡FARMAR! Y bueno, ¡comencemos!

  FARMAR es el proyecto en solitario del productor, compositor y multiinstrumentista Mario Fartacek, un músico vienés que en la última década ha ayudado a dar forma a más de 40 álbumes. Entre ellos los de Mynth, un dúo de pop electrónico que formó con su hermana gemela, y por el que fue premiado en los prestigiosos Amadeus Music Award de 2017 en Austria. Ahora ha decidido dar un paso al frente y ocupar su propio espacio, presentando una propuesta que fusiona composiciones melancólicas con producciones electrónicas profundas y llenas de energía de club. Un magnético universo sonoro pensado tanto para la introspección como para el movimiento. 

  Conocido ya en nuestro país por haber teloneado al dúo "ATZUR" en su reciente gira, formación con la que guarda una estrecha relación, FARMAR publica esta primavera un nuevo single titulado "Rambla", escrito y producido en su paso por Barcelona, impregnando en su ADN su instantánea conexión con la ciudad. El tema captura la sensación que él vivió durante su estancia en la capital catalana: las noches cálidas, el constante ir y venir, los desconocidos que casi resultan familiares. Hay una atmósfera de movimiento que lo atraviesa todo, desplegándose poco a poco hasta atraparte en un flujo hipnótico pensado tanto para la reflexión como para la liberación. La energía de Barcelona se transforma en un pulso febril, casi onírico, logrando que todo se sienta cercano y ligeramente difuso, como un recuerdo en el que aún sigues metido. 

  Impulsado por una profunda energía techno y por un pulso constante y adictivo, "Rambla" es una pieza electrónica que mezcla melodías melancólicas con ritmos contundentes, subgraves densos y una estructura de combustión lenta. Introspectiva pero hecha para moverse. Capaz de golpear como un track de club, pero con algo íntimo latiendo debajo. Su propuesta escénica, de hecho, apuesta claramente por desarrollar esa profundidad emocional que también se puede bailar. Lo pudimos comprobar en su gira con "ATZUR", donde levantó él solito un show intenso, inmersivo, honesto, inmediato y completamente vívido, sirviéndose tan solo de una guitarra, su voz y unas cuantas maquinitas. Y lo volveremos a experimentar en sus próximas fechas en nuestro país: en la sala Siroco de Madrid el 4 de noviembre y en la Paral·lel 62 de Barcelona el 5, donde actuará en solitario, y en la sala Hangar de Córdoba el 5, en la sala Factory de Cauta el 6, en la Marea Rock de Alicante el 8, en la Planta Baja de Granada el 10, en la Porta Caeli de Valladolid el 12 y en la sala Directo de Cuenca el 13, donde de nuevo teloneará a "ATZUR".

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"FORMAS DE HABITAR LA INCERTIDUMBRE", el nuevo EP de Cristalino

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cristalino! Y bueno, ¡comencemos!  

  Disponible en plataformas digitales desde el pasado 29 de mayo vía Casa Maracas. Notificaciones, estímulos, imágenes, consignas, conexión permanente y, sin embargo, cada vez resulta más difícil distinguir qué merece realmente nuestra atención, qué permanece y qué se desvanece apenas unos segundos después de aparecer frente a nosotros. 

  Destello, señal, hilo y alba, el tercer EP de Cristalino, convierte esa desorientación en el motor de sus canciones. Entre intuiciones y pequeños desplazamientos de la experiencia diaria, el disco busca contacto y permanencia.

  Hay algo especialmente valioso en cómo este nuevo trabajo amplía el lenguaje que Cristalino venía desarrollando desde sus primeros lanzamientos y lo proyecta hacia un lugar más definido. Sin abandonar la lógica del pop digital contemporáneo sobre la que ha construido su identidad, el EP desplaza el foco hacia texturas más físicas y abiertas: baterías y guitarras acústicas, respiración, resonancia. Especialmente en "HILO" y "ALBA" aparece una relación más amplia con el espacio y la materia.

  La estructura simbólica del EP es sorprendentemente compacta. Los títulos no son decorativos. "DESTELLO", "SEÑAL", "HILO" y "ALBA" funcionan como distintas formas de orientación: la aparición repentina, la necesidad de interpretar, el vínculo entre unas cosas y otras, la posibilidad de empezar de nuevo.

  También la música avanza de ese modo, suspendida muchas veces entre la fragilidad y la precisión melódica. Los cambios de textura y la forma en que la voz de Cristalino aparece y se repliega construyen una sensación constante de búsqueda. Las canciones permanecen dentro de aquello que todavía no termina de entenderse. Eso separa al EP del sentimentalismo urbano contemporáneo más estándar y lo acerca a una percepción aumentada de lo cotidiano.

  "SEÑAL", una de las piezas centrales del trabajo, concentra especialmente bien esa tensión entre extrañamiento y cercanía. El videoclip dirigido por Adrián Cecilio junto al propio Cristalino prolonga esa atmósfera. Entre electrónica, guitarras acústicas y melodías que parecen avanzar siempre unos centímetros por delante de sus propias certezas, Cristalino y Jaime Beltrán construyen un disco que evita tanto la nostalgia como el cinismo. Un trabajo que no intenta explicarlo todo, sino permanecer despierto dentro de la confusión.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

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