"GÉMINIS MAL", el nuevo single de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  Si buena parte del universo compositivo de Sandré suele construirse desde la tensión, con riffs incómodos, armonías que rozan la disonancia y compases que escapan del clásico 4/4, "GÉMINIS MAL" nace precisamente del deseo de hacer lo contrario. 

  Fue el primer tema que la banda compuso para Paciencia Infinita y, de algún modo, marcó una nueva vía dentro del proceso creativo del disco. Aquí Sandré aparca momentáneamente la complejidad estructural para abrazar una fórmula más inmediata: acordes afilados, una rítmica clara y contundente, y una ejecución honesta, frontal y sin rodeos.

  Pero incluso en esa aparente sencillez, la banda no renuncia del todo a su lenguaje. A lo largo del tema aparecen dos pasajes instrumentales en los que la canción se descarrila ligeramente, permitiéndose pequeñas fugas hacia terrenos más imprevisibles. Ahí emerge ese toque Betunizer que introduce tensión, rareza y una pequeña grieta en la linealidad del tema.

  Más allá de lo musical, "GÉMINIS MAL" supone otro pequeño hito en la trayectoria de la banda: es la primera canción de Sandré que habla abiertamente de desamor.

  La letra nace de experiencias personales de Rosa (con hombres casualmente todos del signo Géminis) y pone el foco en las relaciones frustradas, en la repetición de patrones dañinos y en el aprendizaje que implica saber detectarlos a tiempo para no volver a caer. Habla de cuidarse, de reconocer señales y de cortar ciertos ciclos antes de que vuelvan a hacer daño.

  Todo ello atravesado por una capa de ironía muy Sandré. El estribillo juega con el imaginario del horóscopo y se ríe de esa contradicción tan contemporánea: decir que no creemos en la astrología mientras buscamos compatibilidades, cartas astrales y respuestas emocionales en internet.

  Si "EMPATÍA NO" apuntaba al conflicto y la falta de reciprocidad, "CABEÇA" convertía la amistad en refugio colectivo (con la colaboración de Miguelito García "Dandy Piranha") y "PIJAMA DE FUSTA" disparaba contra el agotamiento sistémico y los psicópatas que nos gobiernan, "GÉMINIS MAL" abre un nuevo frente: el emocional, el de las heridas íntimas, sin perder mordida ni sarcasmo.

  Musicalmente, el tema conecta con referencias como Shame, Amyl and the Sniffers, Osees, Ty Segall o Frankie and the Witch Fingers, filtradas por esa manera tan particular que tiene Sandré de mezclar pegada, nervio y extrañeza.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Sandré". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Don’t Even Have To Say His Name", el nuevo single de "The Waterboys"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Waterboys"! Y bueno, ¡comencemos!  

  "The Waterboys" han sacado una nueva canción, "Don’t Even Have To Say His Name", que expresa sin tapujos su rechazo a la administración Trump. Mike Scott, líder de la banda y quien firma la música y letra del flamante tema, lo describe así: Odio a los abusadores y con esta composición reflejo mis sentimientos sobre el liderazgo político de un país que amo. La música y cultura estadounidenses me han inspirado toda la vida y creo que la decencia de Estados Unidos permanecerá intacta cuando este gobierno corrupto haya desaparecido, pero solo si la gente, tanto allí como en todo el mundo, cuestiona y protesta. Así que esta canción es nuestra pequeña contribución a ese proceso. Ojalá cumpla su propósito".  

  Os recordamos que "The Waterboys" ofrecerán el 3 de septiembre en el Roig Arena de València el único concierto que van a dar este 2026 en España (una coproducción entre Houston Party y Just Life Music). Un concierto muy especial, pues ese día recalará en la capital levantina "The Fisherman’s Blues Revue", la gira con que "The Waterboys" homenajean a uno de sus trabajos más emblemáticos, el que fue su cuarto álbum, "Fisherman’s Blues" (1988), uno que ha incrustado en la memoria melómana canciones que el paso del tiempo no borra, sino que abrillanta aún más. Un conjunto de temas conectado a una poderosa resonancia creativa y a una batería de fuentes inspiradoras que se remontan a mucho antes del nacimiento del rock’n’roll. 

  El resultado, trece canciones referenciales para sus fans, de esas que no solo les marcaron en su época, sino que han seguido acompañándolos en las posteriores: hablamos de la que da título al disco, de "We Will Not Be Lovers", de "Stranger Boat", de su versión de la vanmorrisoniana "Sweet Thing", de "When Ye Go Away" …  Y así podríamos seguir nombrando las trece que contiene. Uno de esos álbumes que se saborea de principio a fin, sin saltarse ninguna estación. Ya lo dicen en Powerpop: "Había escuchado este álbum antes, pero esta semana lo tuve puesto constantemente y lo repasé varias veces. No le sobra nada, no falla en nada. Es uno de esos álbumes en los que es difícil elegir solo una canción y seguirla. Hay que escucharlo completo". 

  Y por si con ello no hubiera bastante celebración, subrayar que en este singular concierto, una de esas citas para recordar, Mike Scott y su banda, además de a las trece canciones del LP original, empezando por la titular que lo abre y finalizando por la versión del "This Land Is Your Land" de Woody Guthrie, también podrán recurrir a alguno de los temas incluidos en "Atlantic Rain: The Lost Fisherman's Blues Recordings" (Chrysalis Records), el triple álbum que publicarán el 17 de julio con piezas inéditas de las sesiones de "Fisherman’s Blues", así como con tomas alternativas de las canciones que acabaron conformando ese referencial disco. "Hicimos tanta música en aquella época, con cientos y cientos de grabaciones individuales, que todavía sigo descubriendo cosas mágicas. Este conjunto de temas contiene lo mejor que he encontrado hasta ahora", ha comentado Mike Scott sobre "Atlantic Rain". Y también ha colgado en sus redes sociales lo siguiente: "Es tan bueno como el álbum original". 

  Para cerrar el círculo apuntar que para "The Fisherman’s Blues Revue" el legendario violinista Steve Wickham volverá a unirse a la banda, así como también lo hará, nada más y nada menos, el cantautor estadounidense Steve Earle, quien actuará como miembro de esta revue, tanto cantando sus propias canciones como agregando voces, guitarra y mandolina a las de "The Waterboys". En este sentido, Earle ha declarado: "Yo solo quería estar en tres bandas: The Rolling Stones, NRBQ y "The Waterboys"". La banda la completará Brother Paul (órgano), Famous James (piano), Aongus Ralston (bajo), Eamon Ferris (batería) y al noruego Roar Øien a cargo del lap steel.

  Sobre el momento de la carrera de "The Waterboys" que este concierto revivirá, el líder de la formación, Mike Scott, lo ha definido así: "Fue una época trascendental para "The Waterboys" y siempre es emocionante sumergirse en su espíritu y ver qué sucede. Tocaremos como una banda de ocho integrantes, incluyendo al gran Steve Earle, con quien llevo años queriendo hacer un proyecto, que traerá sus raíces americanas e increíbles canciones a la fiesta. Estos prometen ser de los mejores conciertos de la historia de "The Waterboys"".

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"Fuera de la Ley", el nuevo single de "Rambalaya"

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  La banda "Rambalaya", una de las formaciones más destacadas del panorama nacional de rhythm & blues, presenta su nuevo sencillo, "Fuera de la Ley", una colaboración excepcional junto a Carlos Segarra, figura clave del rock & roll español al frente de Los Rebeldes. 

  Este tema supone un paso significativo en la trayectoria de "Rambalaya", al convertirse en su primera canción interpretada íntegramente en castellano, y es además el primer adelanto de Siete, su próximo trabajo discográfico, que verá la luz el 22 de mayo.

  Siete es un proyecto singular dentro de la carrera de la banda: un álbum compuesto por canciones de "Rambalaya" reinterpretadas en castellano, manteniendo intacta su esencia de rhythm & blues, soul y rock’n’roll, pero explorando una nueva dimensión expresiva a través del idioma. Para este trabajo, el grupo ha querido rodearse de algunas de las voces más reconocibles del panorama musical nacional, con colaboraciones destacadas de Ovidi Tormo, de Los Zigarros, Carlos Tarque, y Angie Sánchez, además de la ya anunciada participación de Carlos Segarra.

  "Fuera de la Ley" es una adaptación de su tema "Bootlegger Man", reinterpretado para la ocasión con una letra adaptada por Dani Nel.lo. El resultado es una pieza poderosa y elegante, donde el sonido inconfundible de "Rambalaya" se funde con la voz icónica de Segarra en un cruce natural entre soul, rhythm & blues y rock’n’roll, bajo la inspiración de referentes como Elvis Presley y Charlie Rich.

  Con esta colaboración, "Rambalaya" y Carlos Segarra firman un encuentro artístico de alto voltaje que conecta tradición y personalidad, consolidando un puente entre generaciones dentro de la música de raíces.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Telephone". ¡No os lo perdáis!

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"The New Raemon" reprograma su concierto en Barcelona

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  El concierto de "The New Raemon" previsto inicialmente para el mes de junio en La Nau de Barcelona ha sido reprogramado al próximo 16 de octubre, en la misma sala, debido a una urgencia médica reciente. 

  En esta nueva cita con el público barcelonés, "The New Raemon" presentará en directo, junto a toda su banda, su último trabajo, Ocurrimos lejos (Cielos Estrellados, 2025), además de ofrecer un recorrido por algunas de las canciones más representativas de su trayectoria.

  Las entradas adquiridas para la fecha original seguirán siendo válidas para el concierto del 16 de octubre. Aquellas personas que prefieran solicitar el reembolso podrán hacerlo a través de los canales oficiales de venta.

  Desde la organización y el artista, se agradece la comprensión del público y el apoyo recibido.

  Con más de veinte años de trayectoria y cerca de una veintena de discos publicados entre todos sus proyectos, "The New Raemon" (nombre artístico de Ramón Rodríguez) vuelve a los escenarios con toda su banda para presentar Ocurrimos lejos, un trabajo escrito e interpretado junto a Ricky Lavado, conocido por su trayectoria en Standstill, Egon Soda y La Joya.

  Os dejo por aquí el visualizer de "Aurora Ocho". ¡No os lo perdáis!

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"Cosquilleo", el nuevo single de Hanz Ruiz

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  Digan lo que digan los más agoreros, la escena rock nacional goza de un excelente estado de salud y tiene aún mucho margen para sorprendernos. El último que ha llamado a la puerta, con serio riesgo de echarla abajo, es Hanz Ruiz, que lleva desde 2023 cogiendo carrerilla para el lanzamiento del que será su álbum de debut este mismo año. El nuevo proyecto personal del músico catalán, que durante algunos años militó en la banda de música mestiza Segonamà, se presenta como un power trío completado por Ignasi Mir (guitarra) y Joel Llauradó (batería, además de productor del álbum). Una propuesta independiente y sólida que se proyecta como uno de los nombres a los que habrá que seguir de cerca este año. 

  Tras adelantar en mayo de 2025 "Frío", Hanz Ruiz acelera ahora el ritmo hacia su álbum debut publicando "Cosquilleo", un nuevo single que funciona como un salto al vacío sin red. Recuperando esa vocación que le hizo sentarse a la batería a los 12 años para tocar a Green Day, pero filtrándolo por un diseño sonoro que respira actualidad, el artista tarragonés consolida su nueva etapa entregando un cañonazo de indie-rock que funde las guitarras al estilo Green Day o Bloc Party, con mucho nervio, en el diseño sonoro actual que tanto caracteriza a La Paloma, a trashi, a shego o a Barry B. El resultado es un sonido sucio pero de factura impecable que mantiene el equilibrio entre el ruido y la melodía mientras retrata el vértigo de los nuevos comienzos.

  Sin rodeos, y materializando la urgencia de una invitación explícita al riesgo emocional, Hanz Ruiz lanza su órdago en el estribillo: "Si me disparas en el corazón / apunta bien, APUNTA BIEN / Si pruebas y fallas, por favor / inténtalo de nuevo", dejándonos una composición directa y cargada de verdad que, partiendo del sentimiento de incertidumbre, sirve a su autor para explicar una vulnerabilidad que ya siente inevitable. Además, la narrativa visual del proyecto también refuerza su retorno a la esencia. En el vídeo, el protagonismo recae en el power trío, destacando detalles cargados de simbolismo como la correa roja de Hanz. Más que un accesorio, es un tributo explícito a la estética de Billie Joe Armstrong y a esa cultura que definió a una generación, conectando el pasado del artista con su presente más ambicioso.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Cosquilleo". ¡No os lo perdáis!

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"PIJAMA DE FUSTA", el nuevo single de "Sandré"

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  El título de la canción nace de la expresión popular catalana "pijama de fusta", una forma irónica de referirse a la muerte. Sandré recupera este imaginario desde el humor para hablar de situaciones cotidianas en las que todo se tuerce: cuando algo sale mal, cuando te descubren o cuando una situación se vuelve insostenible. 

  La letra, sin embargo, va más allá de lo anecdótico y se adentra en la agonía de lo rutinario. La canción retrata cómo el sistema acaba desgastando a las personas hasta vaciarlas de energía, convirtiendo la vida en una sucesión interminable de tareas. En ese contexto, la frustración se canaliza a menudo hacia otros, o hacia uno mismo, pero el foco real está en otro lugar. En quienes sostienen y perpetúan este modelo: estructuras de poder deshumanizadas, decisiones tomadas desde arriba por quienes convierten el mundo en un espacio cada vez más hostil y agotador.

  "PIJAMA DE FUSTA" apunta directamente ahí: a los psicópatas que nos gobiernan. Y condensa esa idea en una ecuación tan simple como demoledora: todo mal.

  A nivel musical, el tema está construido como una pieza en dos actos. La primera parte representa la vida: un recorrido irregular, con subidas y bajadas, momentos de energía y otros más contenidos, manteniendo la tensión característica del sonido de la banda.

  A mitad de la canción, la estructura se disuelve en una especie de purgatorio sonoro, donde todo se vuelve más difuso. Capas de ruido y delays generan un espacio en el que el oyente se pierde progresivamente, reforzando la idea de tránsito y desorientación.

  El tema culmina con un recurso inédito en la trayectoria de la banda: un fade-out, el primero en toda su discografía. Lejos de cerrar la canción de forma abrupta, este final sugiere una sensación de continuidad y de eternidad, en coherencia con el concepto que articula la pieza.

  "PIJAMA DE FUSTA" llega acompañado de un videoclip dirigido por Jordi Castells y Aitor Garay, realizadores vinculados a la escena independiente que han trabajado previamente en videoclips para bandas como Za!, Nueva Vulcano o Chaqueta de Chándal.

  La pieza parte de una referencia tan clásica como irónica: "Pulvis et umbra sumus" ("somos polvo y sombra"), escribió el poeta Horacio en el año 6 a.C. Seguramente, tras de un par de cervezas mal encajadas y sin haber cenado.

  Con ese espíritu entre lo existencial y lo mordaz, el videoclip presenta a cuatro músicos que un día fueron jóvenes y fuertes y que ahora regresan convertidos en calaveras, tocando para una figura que encarna a la propia Muerte. Una puesta en escena que conecta directamente con el imaginario de la canción: la finitud, el desgaste y el humor negro como forma de resistencia.

  Con "PIJAMA DE FUSTA", Sandré profundiza en una línea que ya se intuía en "EMPATÍA NO" (más centrada en el conflicto y la tensión interpersonal) y en "CABEÇA" (un estallido de energía y comunidad con la colaboración de Miguelito García "Dandy Piranha"). Este tercer adelanto, uno de los temas en catalán del disco, añade una dimensión más reflexiva y conceptual al conjunto. El resultado es un tema que se mueve entre el post-punk y la experimentación estructural, con referencias que pueden recordar a Shame, Amyl and the Sniffers, Osees, Ty Segall o Frankie and the Witch Fingers, pero siempre filtradas por el lenguaje propio de la banda.

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"The Call", el nuevo single de "Broken Social Scene"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Broken Social Scene"! Y bueno, ¡comencemos!  

  El 8 de mayo, "Broken Social Scene" publicará Remember The Humans a través de Arts & Crafts. El LP marca su primer nuevo álbum de estudio en casi una década y reúne nuevamente al colectivo de Toronto con el productor David Newfeld, quien estuvo al frente de sus álbumes clave You Forgot It in People (2002) y el homónimo "Broken Social Scene" (2005). 

   Con letras fragmentadas -líneas superpuestas y estribillos compartidos- "The Call" converge en una consigna urgente: "let me hear the call / we’re going / either restless or reborn, we’re going". En parte moldeada por la escritura enigmática de Andrew Whiteman, la canción impulsa hacia adelante sin certezas, apelando a una acción guiada por el instinto más que por la lógica.

  En su sentido de impulso colectivo, "The Call" captura a "Broken Social Scene" en su estado más reconocible: el momento en que las individualidades se disuelven en algo mayor. Sin embargo, frente al carácter más reflexivo de otras canciones de Remember The Humans, este nuevo single se sitúa en un plano más físico que intelectual. Es una pieza orgánica y urgente, marcada por la respiración, el pulso, el sudor y los nervios.

  En una cultura dominada por lo superficial, "The Call" se arraiga en lo esencial. Se impone como una llamada casi vocacional, un recordatorio de avanzar juntos, de reconectar con lo humano en su forma más cruda y compartida.

  Este lanzamiento refuerza la evolución del grupo: una banda que, lejos de reinventarse, profundiza en su identidad, explorando las dimensiones emocionales de un lenguaje musical que lleva más de dos décadas desarrollando.

  Remember the Humans se formó tanto a partir del reencuentro como de la pérdida. Cuando Drew y Newfeld volvieron a encontrarse después de casi 20 años sin trabajar juntos, un simple encuentro terminó convirtiéndose en lo que ellos llaman "un huracán de diversión". Durante la grabación, ambos perdieron a sus madres, un duelo compartido que los unió aún más. Como recuerda Newfeld: "Nuestras madres habrían querido que hiciéramos esto y que lo hiciéramos bien después de 20 años sin trabajar juntos".

  Como siempre, "Broken Social Scene" funciona menos como una banda que como una comunidad, y las canciones evolucionan cediendo el control a quien mejor pueda llevarlas adelante en cada momento. Drew puede ser el conductor designado, pero los colaboradores en Remember the Humans, entre ellos Hannah Georgas, Lisa Lobsinger y Feist, pasan al primer plano a lo largo del disco, dando forma a las canciones con un sentido de autoría colectiva que siempre ha definido el espíritu del grupo.

  Las canciones funcionan porque nadie las controla por completo. Y aquí es donde Newfeld resulta más importante. Como dice Charles Spearin de BSS: "Su producción encaja perfectamente con el caos de nuestra forma de componer… tiene una energía infantil muy contagiosa. Cuando escuchas una pieza de música que le encanta, Dios mío, está saltando como un niño pequeño".

  La misma energía indisciplinada que mantiene joven a una banda también puede atraparla en su propio pasado. Sin embargo, en Remember the Humans, "Broken Social Scene" ha evolucionado con un profundo sentido de intención. Es el sonido de una banda que profundiza en su identidad en lugar de reinventarse, explorando las implicaciones emocionales de las formas musicales que han pasado veinte años moldeando. "Hay un tipo diferente de honestidad en este disco", dice Spearin. "Hemos tenido éxito, hemos perdido amigos, hemos perdido a nuestros padres; estamos en esa etapa de la vida de "¿qué viene después?"".

  Remember the Humans es música adulta en el mejor sentido: contradictoria, herida, expansiva, esperanzadora de una forma que se siente ganada y no simplemente proclamada. Y también es, en su rechazo del control y en su aceptación de lo indomable, un testimonio de algo cada vez más raro: arte que no está optimizado, ni simplificado, ni diseñado estratégicamente.

  La propia evolución de BSS refleja algo que también está ocurriendo fuera de la banda. Después de años de saturación y ruido, la cultura parece haber regresado a un deseo por lo crudo, lo colectivo y lo espontáneo. Las condiciones que hicieron que You Forgot It in People pareciera necesario en 2002 han regresado, de una forma transformada, en 2026. Según Drew: "En 2026 vas a ver un gran resurgimiento de personas que vuelven a las raíces de quiénes son, porque muchas cosas en sus vidas se han perdido. Creo que nos hemos fallado unos a otros, y creo que es el arte el que siempre intenta prevalecer y volver a encaminarnos".

  En una cultura definida por la abstracción y la distancia, "Broken Social Scene" ha hecho un disco que insiste en el hecho analógico de la presencia humana. Un disco que nos pide, con suavidad pero con insistencia, que nos recordemos unos a otros, que recordemos lo humano.

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"The Reytons" anuncian su gira por España

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo grupo: ¡"The Reytons"! Y bueno, ¡comencemos!

  Después de un 2025 marcado por una intensa gira por Reino Unido, su actuación como cabezas de cartel en el Tramlines Festival y un multitudinario concierto propio en el emblemático Wembley Arena, la banda da el siguiente paso natural en su carrera: su primera gira mundial. 

  Dentro del tramo europeo del tour, que tendrá lugar en febrero y marzo de 2027, "The Reytons" actuarán en tres ciudades españolas:

•  4 de marzo de 2027 – Barcelona, La Nau
• 5 de marzo de 2027 – Madrid, Sala But
• 6 de marzo de 2027 – Valencia, Rock City

  Entradas a la venta el viernes, 24 de abril a las 10am : www.thereytons.com

  Estos conciertos marcarán el esperado regreso de la banda a España, ofreciendo a sus fans la oportunidad de experimentar en directo su característico sonido, cargado de energía, actitud y letras con fuerte componente social.

  La gira mundial recorrerá Estados Unidos, Reino Unido, Asia, Oceanía y Europa, consolidando a la banda como una de las propuestas más sólidas del rock británico actual. Este ambicioso tour refleja su crecimiento continuo, construido a base de determinación, trabajo constante y conexión directa con su público.

  Coincidiendo con este anuncio, la banda también ha confirmado el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, A Love Letter To A Broken Town, previsto para el 24 de julio.

  El nuevo trabajo mantiene la esencia de "The Reytons": historias cotidianas, honestidad y crítica social, combinadas con una evolución sonora que amplía su propuesta sin perder identidad.

  El vocalista Jonny Yerrell lo resume así: "Sinceramente, creo que este es el mejor álbum que hemos hecho. No queremos cambiar lo que somos: nos encanta nuestra música, lo que contamos y la gente que viene a nuestros conciertos. Esperad lo mismo… pero más grande, mejor y con alguna sorpresa."

  Os dejo por aquí el videoclip de "Red Smoke". ¡No os lo perdáis!

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"No Me Hagas Ghosting", el nuevo single de Muyaio

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  Pocos lo reconocerán, pero lo cierto es que las ferias musicales y los encuentros de profesionales del sector son para los músicos emergentes lo correspondiente al Tinder para los solteros. Lo que al principio parece un chollo lleno de oportunidades acaba resultando algo frustrante. Porque sí, los músicos también sufren ghosting tras haber sido alabados y seducidos por malvados cazatalentos que les prometían slots en festivales, copar todas las playlists importantes y firmar suculentos contratos editoriales. Muyaio lo ha vivido alguna que otra vez en sus propias carnes tras una dilatada carrera como artista independiente, que avanza en solitario desde 2021 contabilizando un par de discos, y nos cuenta su experiencia en su nuevo single, "No Me Hagas Ghosting". Un tema producido por él mismo junto a Yeray Herrera, masterizado por César J. de Cisneros, que sirve de segundo adelanto de su próximo EP, Scroll Infinito, programado para el 15 de mayo. 

  Recurriendo a su habitual ironía, combinando voz melódica con rap/spoken word, y dejándonos un estribillo que podría hacer suyo medio planeta, el músico canario construye una pieza tragicómica de pop de tempo lento que refleja una de las realidades más frustrantes de la industria musical. La canción además conecta con la vertiente más bedroompop de Muyaio, la de "Soñé con Julio" o "Playa de Benidrom", sin rastro de elementos latinos. Le basta con una producción minimalista, con sintetizadores a lo Men I Trust y guitarras a lo Mac DeMarco, para crear una atmósfera que nos permita tomarnos el asunto con humor, que es la visión que siempre termina ganando en las canciones de Sergio Oramas. No en vano, el pasado mes de febrero el músico hizo su debut en la comedia escénica presentando un espectáculo que mezcla música en directo y monólogos de stand-up comedy titulado precisamente Scroll Infinito. Como experto que es en la relación entre tecnología y sociedad, tiene mucho que contarnos; y no olvidemos que la triste realidad es más fácil de aceptar si nos la cuentan con humor. 

   Scroll Infinito, el show de comedia y música en vivo

  Desde la soledad de su baño, Muyaio intenta encontrar el antídoto contra la ansiedad social con el simple movimiento de su dedo, guiándonos en un viaje desde la burbuja digital hasta su intimidad más real. Entre monólogos y canciones, Scroll Infinito explora la búsqueda de afecto en tiempos de hiperconexión y soledades compartidas. Como un Quijote que lucha contra algoritmos en lugar de molinos, Muyaio cabalga sobre su taza del wáter armado tan solo de ironía, nostalgias analógicas y un deseo irrefrenable de darle sentido a este desatino contemporáneo.

  Con la tranquilidad de un canario y el criterio de un doctor en Inteligencia Artificial, comparte cómo navega un mundo que no se detiene y que nos abruma con sus pequeños dramas cotidianos.

  El resultado es una experiencia que mezcla música, humor y filosofía de bar: un espectáculo que abraza la risa, la duda y el vértigo de existir en la era del algoritmo.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Quiero ser como Manu Chao". ¡No os lo perdáis!

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"HILO", el nuevo single de Cristalino

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  Si en su anterior single, "DESTELLO", proponía recobrar la materialidad de los sentidos frente a la inercia de las pantallas, en "HILO" reúne y sana. En el reconocimiento del otro —el punto exacto donde comienza la complicidad— brilla Cristalino: sugiriendo la necesidad de perspectiva y pausa, aceptando que la existencia es, ante todo, vínculo, invitándonos a salir al mundo a encontrarnos con lo desconocido. 

  En los dos EPs y varios singles en colaboración publicados desde su debut en 2023, Cristalino ha humanizado el pop electrónico derritiendo el sonido sintético con la calidez de una  expresión íntima, espiritual, que, entre la introspección y la efervescencia urbana, no deja de depurarse. En paralelo, una dimensión interpretativa de instinto meticuloso, de veracidad rotunda, le ha valido el Premio Carmen a Mejor Actor Revelación y la nominación en la misma categoría en los Premios Goya por su papel en la película Segundo Premio.

  Casa Maracas publica este viernes el 10 de abril "HILO", segundo adelanto de una serie que se completará con la publicación de su nuevo EP al completo el próximo 29 de mayo. Si en "DESTELLO" respondía a la desmaterialización cultural, en esta entrega Cristalino propone la aceptación de la disparidad como una forma de sanación. El reconocimiento del otro se articula a nivel sonoro mediante la natural integración de la guitarra acústica en la atmósfera electrónica predominante. La producción de Jaime Beltrán equilibra el peso de lo sintético y lo orgánico con precisión quirúrgica y la belleza nace de la sencilla unión de sonidos de naturaleza diversa.

  "HILO" cuenta con portada digital de Lakore y una pieza audiovisual de Adrián Cecilio, colaborador habitual de Cristalino.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

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"Moviment Oscil.lant Polinòmic y=1/x", el nuevo single de "Minibús Intergalàctic"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡"Minibús Intergalàctic"! Y bueno, ¡comencemos!  

  Siempre se ha dicho que dar la talla con el segundo disco puede ser para una banda más crucial incluso que marcarse un buen debut. Es el momento de confirmar expectativas, de cumplir promesas, de resultar de verdad creíbles. Pero lo que han hecho "Minibús Intergalàctic" con su "Moviment Oscil.lant Polinòmic y=1/x" va mucho más allá de estar simplemente a la altura. Sus diez canciones son genuinas, contundentes, un golpe tras otro encima de la mesa. No han dado la talla, han reventado las costuras. 

 

  El quinteto de Girona tenía ganas de explorar más allá de las referencias sesenteras que impregnan Meditacions des dels Miratges Mercúrics, su primer disco, y de profundizar en ellos mismos conectando más directamente con sus propias emociones. El resultado es un trabajo sólido y lleno de personalidad en lo musical, capaz de coquetear con el space-rock, el shoegaze, el post-punk y el indie pop ruidoso de finales de los 80, el rock sureño e incluso con el rock electrónico sin dejar de sonar, sobre todo, psicodélicos; y poderosamente vital y sincero en su temática. El álbum trata de reflejar algunas de las paradojas que definen la experiencia humana, que transcurre siempre en una escala imprecisa de grises muy sutiles que puede llegar a ser contradictoria. Tal vez sea más triste y oscuro que el primero, pero también es más real.

  Con su dos singles, "Per sentir-me ple" y "l’Agredolça lliçó de la Vall del Mas Daurat", ya nos anticiparon la paradoja existente entre el victimismo y el placer, entre el sufrimiento y el pensamiento utópico, así como un ligero cambio de registro hacia territorios de un pop-rock más oscuro. Una sonando como si Jason Pierce hubiera militado en The Jesus and Mary Chain y la otra acercándose al rock alternativo de la escena Madchester. Sin embargo, la contradicción que más parece preocupar a "Minibús Intergalàctic", y seguramente a todxs, es la de olvidarse de vivir por pensar demasiado en cómo vivir. Tratan el tema en "Barqueta", curiosamente la canción más pop del disco, con sus melodías soleadas, el eco a The Smiths y ese interludio bailable en el que asoma Kevin Parker; y también en "Camí vell", en este caso la pieza más larga y folk, la que suena más a rock clásico, cuyo mensaje debería ayudarnos a aceptar la imposibilidad de controlarlo todo.

  Partiendo de esa trascendental paradoja, "Moviment Oscil.lant Polinòmic y=1/x" también nos advierte sobre uno de los riesgos de pensar demasiado: el vacío existencial. Lo plasman a la perfección con un poco de rock sucio a lo Let it Bleed de los Stones en "Mòbil continu", mezclándolo con la frustración por la alarmante carencia de referentes que pudieran servirnos para entender un mundo en constante cambio pero sin dirección alguna. Una sensación sofocante que te ralentiza y te paraliza, que puede incluso provocar miedo a vivir y que te deja flotando solo en el espacio, como refleja "Gos ferit" con clara influencia de Spacemen 3 y Spiritualized.

  Por suerte, "Minibús Intergalàctic" no se han olvidado de vivir y por eso este disco suena tan rotundo, escrito con mano firme. Porque también presenta escenas puramente vivenciales, emocionalmente costumbristas. Como "Cap de trons", el corte más gamberro del disco, que sencillamente habla del lujo de no tener responsabilidades mientras nos remite a los primerísimos Oasis. Como "Retalls i repunts", que traduce la plenitud y la certeza del amor haciendo un collage de frases de otras canciones de amor sonando más que nunca a The Brian Jonestown Massacre. O como en las dos canciones más sorprendentes del álbum: "Blau", esa maravilla shoegaze al más puro estilo Slowdive, que simplemente describe el trayecto entre la tristeza y la esperanza; y "Trapella", esa excursión hacia el rock electrónico de Primal Scream o Kasabian que nos habla del exceso, del hedonismo, de intentar seguir adelante, de amistad, de noches en lavabos sucios llenos de pegatinas.

  Hay mucha vida en "Moviment Oscil.lant Polinòmic y=1/x". A veces es absurda y paradójica, pero también es bonita y está llena de oportunidades. Así lo han entendido "Minibús Intergalàctic", y así lo han sabido interpretar construyendo un disco fantástico que dará mucho que hablar. Lo han hecho con la inestimable ayuda del legendario productor Martin “Youth” Glover, que ha sumado fuerzas a las de Xebi Salvatella y Enric Teruel productores del sello NEU!, su casa discográfica, en una coproducción junto a La Casa Estudio de Granada.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Drama Nacional". ¡No os lo perdáis!

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"Banani" publicará una edición de 100 copias en vinilo amarillo transparente de su nuevo álbum

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Banani"! Y bueno, ¡comencemos!

  No hace falta ser un sinvergüenza para hacer un disco sin vergüenza. "Banani" lo ha hecho con su nuevo trabajo. El músico barcelonés, que lidera y da nombre a su nueva formación, puede parecer un poco gamberro, pero no es un granuja sin escrúpulos: simplemente no siente vergüenza porque no tiene nada que esconder, porque su lenguaje musical es sincero, profundamente personal y mundano, cero pretencioso. Su nuevo disco, "El Arte Del Terciopelo", es un compendio de vivencias y observaciones narradas en primera persona, sin ánimo de convertir sus opiniones en dogmas ni sus aprendizajes en filosofía universal. Es un retrato sin maquillar de lo que piensa, siente y vive, sin hacerse pasar, como hacen otros músicos, por pensadores-wannabe. Porque su música es su verdad, nada más que su verdad. 

  Editado en colaboración con el sello Magic in the Air, el segundo álbum de "Banani" se presenta casi como un espacio lúdico. Ya no solo por el plano lírico: divertido, siempre punzante, vacilón y modesto a la vez, sino también por lo mucho que su autor ha jugado vistiendo y desvistiendo sus voces con melodías, instrumentos y armonías; como un arquitecto que disfruta forrando con su sello genuino y personal las estructuras que construye. Partiendo de una base garagera, con guitarras descaradas y un sonido sin complejos, "Banani" coquetea con influencias de la psicodelia sesentera, del rock de los 90 y del indie de los 2000; pero siempre sonando a sí mismo.

  Sin embargo, en "El Arte Del Terciopelo" "Banani" no habla tanto de sí mismo como de aquello que observa en su entorno. A excepción de "Gato", un corte de guitarras vidriosas influenciado por Pavement con el que define su estilo de vida desde la autonomía y la mimosa rebeldía, capaz de caer de pie y de volver a levantarse, el grueso de su discurso trasciende la individualidad.

  Hay canciones que apelan directamente a las relaciones humanas. A cómo gestionar los egos desmedidos en "Ego", que también huele al indie deshilachado de Pavement pero más aún al flow de los medios tiempos de Deerhunter; al equilibrio entre admiración y sumisión en la arrolladora y casi punk "Písame", que bebe directamente de King Gizzard & the Lizard Wizard o de The Oh Sees; o al “efecto Rashomon” y los diferentes puntos de vista posibles sobre cualquier historia en "Segundas partes". Las hay también que tocan preocupaciones universales del ser humano: cómo afrontar los miedos que no podemos esquivar en "No dejes de jugar", canción psycho-garagera sesentera por excelencia, o la capacidad de distinguir y aprovechar esos pequeños momentos de felicidad que se presentan cuando menos lo esperamos en la ya conocida "Los Mejores Días Del Año". E incluso en dos cortes "Banani" se permite cierta crítica sarcástica: a la generación Z con humor y cariño en "Peinado de Dios", y a quienes se alimentan del conflicto para demostrar que la suya (la bandera, digo) es más grande en "Equipo ganador".

  Otras piezas del disco, en cambio, sencillamente retratan cierto costumbrismo nocturno, como "Caramelo" y "Del Apolo al Psycho". La primera, rebosante de esencia psycho-garagera sesentera, detalla las sensaciones de una noche un tanto narcótica; mientras que la segunda, que transforma la influencia de Super Furry Animals en los riffs en un final casi de trance electrónico, esconde una visión algo nostálgica de cómo han cambiado las noches de fiesta en Barcelona.

  En conjunto, lejos de ser un altivo decálogo de lecciones inspiradoras, "El Arte Del Terciopelo" no pretende proyectarse más allá de la opinión y de la voz propia de su autor. Es un humilde reconocimiento del yo, tanto a nivel lírico y temático como en el plano formal y estilístico. Es un disco que suena a "Banani", que huele a "Banani"; su tacto de terciopelo es el de "Banani". Y seguro que si pudiéramos degustarlo también sabría a "Banani". Es lo que pasa cuando no tienes vergüenza ni nada que esconder porque la única bandera que ondeas es la de tu propia verdad, personal e intransferible. 

  Os dejo por aquí el audio de "Mi corazón armado". ¡No os lo perdáis!

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"Against The Dying Of The Light", el nuevo disco de José González

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡José González! Y bueno, ¡comencemos!

  "Against The Dying Of The Light" -que sigue la estela y en muchos sentidos funciona como una obra complementaria al aclamado Local Valley (2021)- muestra de nuevo a González reflexionando sobre la humanidad y su futuro incierto a través de su inconfundible y profundamente contemplativa escritura acústica. Inspirado por pensadores como Jonathan Haidt, Liv Boeree, Yuval Harari y Steven Pinker, el artista presenta una colección amplia y matizada de canciones que abordan grandes ideas con claridad e intención. El álbum explora temas como la teoría de juegos, la filosofía moral y los relatos con los que interpretamos el mundo. González también afronta la ambigüedad ética de la tecnología contemporánea, que impulsa el progreso mientras desafía nuestra propia humanidad. Todo ello se transmite con calidez e inmediatez a través de su voz intuitiva y su característico fingerpicking. 

  " "Against The Dying Of The Light" es una colección de canciones que reflexionan sobre la humanidad", afirma González. "Sobre quiénes somos: tribus de primates conscientes con relatos que a veces son incompatibles entre sí y herramientas que podrían conducirnos a la distopía o incluso a la extinción. También es una reflexión sobre cómo ponemos obstáculos al florecimiento humano al aferrarnos obstinadamente a ideologías dogmáticas, donde la gente sigue a tipos que fingen saber cosas que en realidad no saben.

  Como ciudadano del mundo preocupado, escribí estas canciones como un reflejo de nuestro tiempo: una época de progreso asombroso, pero también de inquietantes retrocesos hacia ideologías tribales y dogmáticas y un futuro extremadamente incierto. Son canciones sobre cómo podemos orientar a la humanidad hacia el bienestar, tanto a nivel individual como colectivo. Se pueden escuchar simplemente por sus sonidos, armonías y ritmos, pero las letras buscan animar a la gente a implicarse y actuar colaborando para resolver problemas comunes. A favor del humanismo y los valores de la Ilustración, y en contra de la extinción de la luz".

  "Against The Dying Of The Light" se presentó inicialmente mostrando el lado más luminoso de González con el single "Pajarito", una canción en español dedicada a su hijo Mateo, acompañada de un videoclip oficial lúdico inspirado en la interacción entre el arte popular sueco y la inteligencia artificial. Le siguió el tema que da título al álbum, junto a un videoclip dirigido por el cineasta Fredrik Egerstrand (conocido por el documental galardonado en 2010 The Extraordinary Ordinary Life of José González). El single más reciente es "A Perfect Storm", inspirado tanto en la intensidad de sus directos como en influencias diversas como el desert blues del Sáhara Occidental, el post-hardcore de Quicksand o el rock experimental de Battles. En este tema, González advierte sobre lo que muchos expertos en IA describen como una "carrera por perder el control", con un fingerpicking rítmico y enérgico que culmina en un clímax distorsionado y electrizante bajo su interpretación vocal íntima. Lejos de ofrecer respuestas fáciles, captura el peso emocional de vivir en este momento acelerado, entre la fascinación y la ansiedad, la esperanza y la soberbia. El videoclip oficial está en producción y se estrenará próximamente.

  González celebrará el lanzamiento de "Against The Dying Of The Light" con una amplia gira internacional como cabeza de cartel. La gira española empezará con los nuevos conciertos anunciados en A Coruña y Madrid, y en el festival Pirineos Sur. La retomará en octubre pasando por Barcelona, València, Murcia y Sevilla. Para más información y entradas, podéis visitar jose-gonzalez.com/tour-dates.

  Recientemente, González se ha sumado al 10% Pledge, un compromiso público para donar el 10% de sus ingresos a organizaciones eficaces que luchan contra la pobreza extrema a través de Giving What We Can. Los miembros de su Pledge Club han donado hasta ahora más de 175.000 dólares a entidades como Helen Keller International, Against Malaria Foundation, New Incentives y el GiveWell Top Charities Fund. Para más información o solicitar una invitación, se puede visitar givewithjose.com.

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"l’Agredolça lliçó de la Vall del Mas Daurat", el nuevo single de "Minibús Intergalàctic"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡"Minibús Intergalàctic"! Y bueno, ¡comencemos!  

  Tras el llamativo y casi impronunciable título del próximo álbum de "Minibús Intergalàctic", Moviment Oscil.lant Polinòmic y=1/x, se esconde una colección de canciones cuya voluntad es reflejar las paradojas y contradicciones que definen la experiencia y la psique humana. Un trabajo que verá la luz esta primavera, tan solo un año después de su última entrega, el EP Música Humana: Thalassa, apenas dos de su celebrado álbum de debut, Meditacions des dels Miratges Mercúrics (todas ellas referencias del sello NEU!), y del que ya conocemos un par de adelantos. Primero fue "Per sentir-me ple", una reflexión sobre el egoísmo que a veces subyace bajo el sacrificio; y ahora llega el segundo: "l’Agredolça lliçó de la Vall del Mas Daurat", un tema bailable y festivo que, sin embargo, nos habla de algo agridulce. Pura contradicción, ¡pero qué bien funciona en sus manos! 

  Se trata de una pieza concebida en principio como algo más bien folk, pero que gracias al genio rítmico, a los riffs de órgano que parecen bajar del cielo y al despliegue guitarrero habitual, se ha convertido en algo muy diferente: en un cruce entre Mánchester y Girona, entre la pista de baile y los guitarrazos de rock psicodélico que nos retrotraen a The Stone Roses, Happy Mondays, Primal Scream o The Real People. Pero es justo toda esa energía instrumental eufórica la que funciona de contrapeso y contraste con respecto a la temática, que entraña una importante lección sobre la vida, sus altibajos y sobre cómo nos defendemos del malestar construyendo alternativas aunque éstas muchas veces sean utópicas.

  De hecho, la inspiración de este nuevo single de "Minibús Intergalàctic" hay que buscarla en "Big Rock Candy Mountains", ese clásico del folk-country estadounidense, registrado por primera vez en 1928 por Harry McClintock y popularizado tras la Gran Depresión, que describe ese lugar idílico del que hablaban los vagabundos estadounidenses de la época, donde los barrotes de las cárceles eran de goma, los perros de los policías no tenían dientes, había cigarrillos infinitos y los ríos bajaban cargados de vino en lugar de agua. 

  Siempre interesada por la lectura psicológica de la realidad, la banda de Girona nos explica que, de alguna forma, ese estado de euforia, ese exceso de energía y esa sensación de bienestar tan absoluta que refleja instrumentalmente la canción no deja de ser un mecanismo de respuesta a todo lo contrario, a la melancolía y a la depresión que en ciertas ocasiones inundan nuestras vidas. ¡Y está bien! Porque la vida es así, la vida son esos dos polos, y entender esta verdad es una lección agridulce pero a la vez muy transformadora. Porque no hay alegría sin tristeza, porque no serían los mismo los viernes sin los domingos, ni el otoño sin la primavera. 

  Os dejo por aquí el videoclip de "Drama Nacional". ¡No os lo perdáis!

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"2C-B’", el nuevo single de MS OBAMA

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para hablaros de una gran artista: ¡MS OBAMA! Y bueno, ¡comencemos

  La nueva etapa artística de MS OBAMA empieza a coger forma. Siguiendo la línea inaugurada con "Roller Coaster", que nos adentra en un universo sonoro donde conviven lo visceral, lo oscuro, lo poderoso y lo divino, la artista valenciana entrega ahora una segunda pieza que consolida su nuevo rumbo musical: uno mucho más crudo, directo, performativo y provocativo. 

  "2C-B", su nuevo single, vuelve a poner encima de la mesa asuntos como el poder y la identidad, pero en esta ocasión enmarcándolos en el ambiente hedonista de la cultura clubber. Narrada desde una posición dominante, apropiándose de los códigos del deseo, del dinero y de la fama, es una sátira bastante oscura sobre cómo el placer, el consumo y la validación social se mezclan en el clubbing, estableciéndose una frontera muy difusa entre la autocosificación y el empoderamiento.

  Según admite la propia autora, con "2C-B" ha querido “llevar al extremo el imaginario del clubbing, del lujo y del exceso para mostrar lo grotesco y vacío que puede ser cuando el deseo se convierte en negocio”. Busca con ella poner en cuestión la auto mitificación de la cultura nocturna, llegando a funcionar como una especie de espejo incómodo en el que se refleja la perversión del capitalismo cuando se mezcla con el placer, la utilización de los cuerpos como producto y las relaciones como moneda de cambio.

  Asumiendo un alter-ego exagerado, poderoso y sexualizado, MS OBAMA retrata en "2C-B" el contraste entre la euforia y el vacío del ambiente clubber. El tono sensual y seguro de su voz se combina con la contundencia de su estructura musical, que bebe del club culture y, sobre todo, del rave. Todo el tema se articula entonces a través de una reforzada línea de bajo que permite a la voz desarrollar toda su energía agresiva sin necesidad de atacar, dando como resultado una bomba de apenas dos minutos que no sabes si ya ha estallado o está a punto de hacerlo. Como el artefacto industrial inflamable que es, "2C-B" está lleno de tensión y aspereza, como las canciones de Die Antwoord, pero también de elegancia y de precisión, como el estilo de Azealia Banks. Luces y sombras, euforia y vacío. Es el nuevo camino de MS OBAMA, el que ha elegido para expresarse artísticamente y para mirar cara a cara a sus ángeles y a sus demonios. 

  Tras formarse en el circuito underground de la ciudad condal, MS OBAMA ha ido consolidando una identidad sonora propia marcada por la intensidad física, la oscuridad magnética y una fuerte carga emocional.

  Su trayectoria incluye la residencia en 2021 de la fiesta South Block en la sala Jamboree Dance Club, un punto de encuentro clave para artistas emergentes de la escena urbana barcelonesa - cantantes, bailarines, productores y colectivos multidisciplinares-. Reconocida por la potencia de sus directos, decidió registrar un live set de una hora en la emblemática Sala Apolo, reforzando así su perfil escénico.

  En 2026 inicia una nueva etapa artística con un universo audiovisual renovado los singles "Roller Coaster" y "2C-B". 

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Queralt Lahoz protagoniza una sesión especial para KEXP

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Queralt Lahoz! Y bueno, ¡comencemos

  Queralt Lahoz fue una de las artistas protagonistas de las sesiones Live on KEXP en Bilbao, una serie de actuaciones especiales grabadas en el marco del festival BIME que reunieron a algunas de las propuestas más interesantes de la escena musical actual. 

  Por primera vez en su historia, la influyente radio independiente estadounidense KEXP viajó a Bilbao para celebrar cuatro días de música en directo desde la emblemática Iglesia de la Encarnación, un espacio histórico que data de 1499 y que, del 28 al 31 de octubre, se transformó en un escenario único donde confluyeron artistas emergentes y consolidados de distintas escenas musicales.

  Fiel a su misión de conectar audiencias globales a través de la música, KEXP quiso poner el foco en el diverso panorama sonoro que atraviesa la península ibérica y Latinoamérica, ofreciendo una ventana internacional a proyectos que dialogan entre géneros, generaciones y tradiciones.

  En este contexto, Queralt Lahoz ofreció una sesión en directo en la que interpretó seis canciones que recorren distintas facetas de su universo musical, piezas donde confluyen flamenco, sonidos latinos, y sensibilidad urbana con la intensidad interpretativa que caracteriza a la artista catalana.

  La sesión se completó con una charla con la periodista Albina Cabrera, una de las voces habituales de KEXP y figura clave en la difusión internacional de la música iberoamericana. Durante la conversación, Lahoz compartió reflexiones sobre sus raíces, su proceso creativo y el momento artístico que atraviesa.

  Las sesiones Live on KEXP se han convertido en uno de los escaparates musicales más prestigiosos del mundo, con millones de visualizaciones y una audiencia global que ha ayudado a impulsar la carrera de numerosos artistas. La participación de Queralt Lahoz en este formato refuerza su proyección internacional y sitúa su propuesta en un circuito de gran relevancia dentro del panorama musical contemporáneo.

  Tras este hito, la artista continúa presentando su segundo álbum, 9:30 PM, con una intensa agenda de conciertos. En abril iniciará además su nueva gira de salas FAVOROSA TOUR, que la llevará por distintas ciudades de España y también a Londres.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Baila". ¡No os lo perdáis!

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