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lunes, 20 de julio de 2026

Stu Larsen anuncia su próximo concierto

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Stu Larsen! Y bueno, ¡comencemos!

  El cantautor australiano Stu Larsen regresa a nuestro país con su gira "The Solitude Tour" para dar un único concierto. Será el 22 de octubre en la sala Golem’S de Barcelona cuando podremos disfrutar de este show en formato íntimo del músico. 

  En un mundo implacable e inquieto, Stu Larsen salió en busca del silencio y la tranquilidad en algunos de los rincones más remotos del planeta. La soledad no consiste en escapar de la vida, sino en ralentizar el ritmo lo suficiente como para poder apreciarla.

  A lo largo de los años, los viajes de Stu Larsen le han llevado a recorrer el mundo de punta a punta. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum de larga duración, Solitude.

  Durante la creación de Solitude, decidió visitar un lugar al mes durante todo un año, para escribir una canción y grabar un vídeo de la actuación en cada lugar. Este viaje le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, Inglaterra, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina.

  "Esta idea loca llevaba tiempo gestándose, pero realmente empecé a entenderla en 2023", cuenta Stu. "Vivo una vida muy nómada; no he tenido un hogar en casi dos décadas. Así que intenté idear una forma creativa de pasar un año componiendo y grabando maquetas de estas canciones. Estuve completamente solo, creando 12 canciones en 12 lugares a lo largo de 12 meses. Elegí deliberadamente estos lugares remotos para crear las nuevas canciones que componen mi nuevo álbum, "Solitude"".

  A lo largo de las últimas dos décadas, Stu Larsen no ha permanecido mucho tiempo en un mismo lugar. A lo largo de los años, los viajes de este trovador itinerante le han llevado por todo el mundo y de vuelta al punto de partida. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum, Solitude [Nettwerk Music Group]. Decidió visitar un lugar al mes durante doce meses, componer una canción y grabar un vídeo con la interpretación correspondiente en cada uno de esos lugares. Esta estancia le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, el Reino Unido, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina. Por mucho que absorba el espíritu y el alma de cada lugar, la música también refleja auténticamente quién es él como artista, narrador y hombre.

  La música de Stu siempre ha canalizado la energía de su viaje y la ha transformado en canciones. Tras el EP The Black Tree de 2009, lanzó una serie de álbumes muy apreciados por sus fans, como "Vagabond" [2014], "Resolute" [2017] y"Marigold"[2020]. Al desconectarse, Stu acaba conectando con el tipo de conexión que todos buscamos.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Stu Larsen. No olvidéis seguirlo en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 13 de julio de 2026

"BLISS", el nuevo disco de "Temples"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Temples"! Y bueno, ¡comencemos!

  El cuarteto de Kettering "Temples" publica hoy su nuevo álbum de estudio, "BLISS", a través de V2 Records, un trabajo que explora nuevas direcciones electrónicas sin perder de vista el ADN que ha definido a la banda desde sus inicios, dando como resultado su disco más aventurero, libre y ambicioso hasta la fecha. 

  Tras los primeros adelantos "Jet Stream Heart" y "Vendetta", que recibieron elogios inmediatos de medios como NME, The Times y Clash, además de entrar en la playlist de Virgin Radio , sonar en rotación en BBC 6 Music, y con mucho apoyo en Radio 3,  llegó "Blue Flame", una pieza de atmósferas oníricas que reveló una nueva dimensión en la hipnótica forma de componer de "Temples". El conjunto de estos lanzamientos llevó a Uncut a afirmar que "BLISS" reúne "algunas de las canciones más contundentes y enérgicas que la banda ha publicado desde el momento álgido de su carrera a mediados de la década de 2010".

  El álbum marca un emocionante nuevo capítulo tras Exotico (2023) y encuentra a la banda - James Bagshaw (voz y guitarra), Thomas Walmsley (bajo), Adam Smith (teclados y guitarra) y Rens Ottink (batería)- reinterpretando sus raíces psych-rock a través del prisma de la música de baile de finales de los noventa y principios de los dos mil. Inspirándose en la melancolía eufórica de la escena ibicenca y la electrónica europea, pero manteniéndose fieles a su esencia, "Temples" construyen un disco influenciado por la intensidad emocional de artistas como Faithless, Underworld, Massive Attack o Portishead.

  "BLISS" gira en torno a lo que la banda define como "euforia melancólica": estructuras aparentemente sencillas capaces de despertar emociones complejas y profundas.

  Si en Exotico trabajaron junto al productor Sean Ono Lennon, en esta ocasión sintieron que "BLISS" solo podía ser producido por ellos mismos. Apostaron por un enfoque mucho más intuitivo y directo, trabajando juntos en la misma sala y dejando espacio a la improvisación y la experimentación. Los samplers desempeñaron un papel esencial durante el proceso, no para reutilizar material ajeno, sino para manipular y reconstruir sus propias composiciones dentro de un mismo universo sonoro. El resultado es un álbum con espíritu de collage, donde motivos, texturas e ideas se entrelazan y reaparecen a lo largo de todo el recorrido.

  A lo largo de "BLISS", las canciones abordan temas como la desconexión, la frustración, la rendición y la renovación. "Revelations" hace un guiño a los cantos gregorianos que se popularizaron en la música de baile europea de finales de los noventa y principios de los dos mil, mientras que la poderosa "Megalith" reflexiona sobre la frustración y la sensación de inmovilidad frente a un mundo que no deja de avanzar.

  Como explica Adam Smith, teclista y guitarrista de la banda:

  "Habla de encontrar la calma interior, pero descubrir que, una vez la encuentras, quizá no sea un lugar tan agradable. A veces puedes sentirte impotente y atrapado mientras el mundo sigue moviéndose a tu alrededor, como una piedra megalítica que permanece inmóvil y no puede hacer nada para cambiarlo."

  Para "Temples", "BLISS" es mucho más que un cambio estilístico: es una auténtica declaración de intenciones. Un álbum creado sin concesiones, impulsado por la intuición, la química entre sus miembros y el placer de volver a hacer música juntos.

  Como resume la propia banda:

  "Se trata de darte permiso: para soltarte, para moverte y para convertirte en algo inesperado."

  La banda regresará a España el próximo mes de noviembre con una gira que pasará por Santiago de Compostela (NdP Recomenda, día 16 en Sala Capitol), Madrid (día 17, Teatro Eslava), Zaragoza (día 18, Sala López), Granada (día 19, Sala Aliatar), Sevilla (día 20, Sala X), Bullas (día 21, Antioxidante), y Barcelona (día 22, Paral.lel 62), ofreciendo la primera oportunidad de disfrutar en directo de las canciones de "BLISS".

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Temples". No olvidéis seguirles en sus redes sociales (X, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Gigantic Storm", el nuevo single de Rüdiger

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Rüdiger! Y bueno, ¡comencemos!

  Rüdiger presenta "Gigantic Storm", el primer sencillo de su próximo álbum, "Love is a Muscleu", que verá la luz el próximo mes de septiembre. Se trata de una de las composiciones más luminosas y accesibles de este tercer trabajo, una canción concebida para acompañar trayectos largos, horizontes abiertos y viajes de verano por carretera. 

  Detrás de Rüdiger se encuentra Felix Buff, músico fundamental de la escena independiente vasca y batería habitual de artistas como Gorka Urbizu, Ruper Ordorika, Rafa Berrio, Joseba Irazoki, Atom Rhumba, Willis Drummond o Duncan Dhu. Tras dos álbumes aclamados por crítica y público, el músico regresa con una colección de canciones que reflexionan sobre el amor como una fuerza capaz de resistir, regenerarse y crecer incluso en tiempos de incertidumbre.

  "Elegí compartir esta canción porque refleja a la perfección el carácter más luminoso de mi tercer álbum. Además, es ideal para escuchar en un viaje de verano por carretera y encaja perfectamente con la fecha de lanzamiento", explica Buff.

  Musicalmente, "Gigantic Storm" se construye a partir de una idea tan sencilla como hipnótica: una sucesión constante de dos acordes, Do y Re, interrumpida únicamente por un La que aparece en el puente. Una estructura minimalista que conecta con la tradición de artistas como Fleetwood Mac, Kurt Vile o The War on Drugs, referentes evidentes en su forma de entender la repetición, el detalle y el movimiento constante dentro de una canción.

  Aunque la canción contiene una inevitable carga melancólica, "Gigantic Storm" es, sobre todo, una canción de redención. Su letra retrata a alguien que, enfrentado a las dudas, las tentaciones y las infinitas posibilidades de vidas alternativas, reafirma su decisión de permanecer junto a la persona amada.

  "Estoy frente al ojo de una tormenta gigantesca que sopla sin cesar, una y otra vez y me aplasta", canta Buff antes de concluir: "Y no me voy a ninguna parte. Sé que todavía hay alguien ahí".

  La canción habla de esos momentos en los que todo parece tambalearse y, sin embargo, una presencia cercana es capaz de disipar las dudas. De la elección consciente de permanecer. De recordar cada día por qué se eligió amar.

  "Estamos condenados a imaginar otras vidas posibles, pero si tenemos suerte, tenemos a alguien a nuestro lado que nos reconforta y aleja esas dudas. Te elegí, y cada día me recuerdas por qué lo hice. Creo que siempre creeré en el amor", resume el músico.

  Ese mensaje conecta directamente con el concepto de "Love is a Muscle", un álbum que explora el amor desde múltiples perspectivas: su experiencia, su ausencia, su recuerdo y la necesidad de ejercitarlo para evitar que se atrofie. A través de una combinación personal de folk, rock, electrónica y escritura introspectiva, Rüdiger ofrece su trabajo más luminoso hasta la fecha, evocando ecos de Neil Young, Low, Kurt Vile, MGMT o The Beatles sin perder una voz propia y reconocible.

  Coproducido junto a Johannes Buff en los estudios Shorebreaker de Tarnos durante el invierno de 2025-2026, "Love is a Muscle" incluye colaboraciones con su fiel banda de directo compuesta por Joseba Irazoki a la guitarra, Vincent Bestaven a los teclados y coros, Antoine Philippe al bajo y Mikel Sánchez a la batería, así como con la participación de Elena Setién, Iban Urizar (Amorante) y Anari, autora de la letra de "Bi Egun", la primera canción en euskera de Rüdiger.

  El álbum supondrá además el regreso de Rüdiger a los escenarios durante 2026, tanto en formato de banda como en solitario.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Rüdiger. No olvidéis seguir a Borja Picó en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 6 de julio de 2026

"Soldadito", el nuevo single de Sila Lua

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Sila Lua! Y bueno, ¡comencemos!

  Nacida en Vigo, criada en Madrid y formada en Producción Musical en la University of Westminster de Londres, Sila Lua se ha consolidado como una de las voces más singulares del panorama alternativo español gracias a una propuesta que combina electrónica, pop experimental, hip hop y tradición desde una mirada profundamente personal. Su trayectoria incluye actuaciones en festivales como Mad Cool, O Son do Camiño, The Great Escape, Iceland Airwaves o ESNS, así como reconocimientos como el Premio Martín Códax al Mejor Álbum de Música Urbana por ROMPE y diversos galardones internacionales por sus trabajos audiovisuales. 

  En "Soldadito", la artista construye el retrato de un joven militar que abandona su hogar convencido de una misión noble para terminar enfrentándose a las consecuencias morales de la violencia y la obediencia ciega. La canción, producida junto a Mumbai Moon (Amaral, Fillas de Cassandra, Mala Rodríguez, entre otrxs) y Pau Aymí (Amaia, Niño de Elche, Christina Len, entre otrxs), combina una narrativa cargada de simbolismo con una producción de gran intensidad emocional. A través de una mirada profundamente humana, la obra cuestiona los relatos heroicos actuales para situar el foco sobre quienes quedan atrapados entre las promesas del poder y el peso de sus actos. Lejos de plantear una lectura política concreta, Sila Lua construye una reflexión universal sobre la violencia, la culpa, el desencanto y la fragilidad de las convicciones humanas.

  El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Mikel Godoy y rodado en las afueras de Bilbao. La pieza audiovisual amplía el universo simbólico de la canción y refuerza visualmente algunos de sus temas centrales: la memoria, el desencanto, la obediencia y las consecuencias humanas de la violencia.

  La publicación de "Soldadito" coincide además con una fecha muy especial para la artista. El próximo 21 de junio, Sila Lua actuará en el Festival Acento, un evento de acceso gratuito que tendrá lugar en la terraza de la SGAE, en el Parque Vista Alegre de Santiago de Compostela. Para esta ocasión, la compositora gallega estrenará una formación inédita creada exclusivamente para este concierto: un trío de cuerdas se sumará a la propuesta electroacústica con la que habitualmente gira junto a la multiinstrumentista Greta Ch’aska, ampliando las posibilidades expresivas de un repertorio que siempre ha transitado entre lo orgánico y lo electrónico.

  Con "Soldadito", Sila Lua entrega una de sus composiciones más narrativas y cinematográficas hasta la fecha, una obra que invita a cuestionar los relatos heroicos y a mirar de frente las consecuencias humanas que se esconden detrás de ellos.

  Os dejo por aquí el videoclip de "HACER TEATRO". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Sila Lua. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"HILO", el nuevo single de Cristalino

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cristalino! Y bueno, ¡comencemos!  

  Si en su anterior single, "DESTELLO", proponía recobrar la materialidad de los sentidos frente a la inercia de las pantallas, en "HILO" reúne y sana. En el reconocimiento del otro —el punto exacto donde comienza la complicidad— brilla Cristalino : sugiriendo la necesidad de perspectiva y pausa, aceptando que la existencia es, ante todo, vínculo, invitándonos a salir al mundo a encontrarnos con lo desconocido. 

  En los dos EPs y varios singles en colaboración publicados desde su debut en 2023, Cristalino ha humanizado el pop electrónico derritiendo el sonido sintético con la calidez de una  expresión íntima, espiritual, que, entre la introspección y la efervescencia urbana, no deja de depurarse. En paralelo, una dimensión interpretativa de instinto meticuloso, de veracidad rotunda, le ha valido el Premio Carmen a Mejor Actor Revelación y la nominación en la misma categoría en los Premios Goya por su papel en la película Segundo Premio.

   Casa Maracas publica este viernes el 10 de abril "HILO", segundo adelanto de una serie que se completará con la publicación de su nuevo EP al completo el próximo 29 de mayo. Si en "DESTELLO" respondía a la desmaterialización cultural, en esta entrega Cristalino propone la aceptación de la disparidad como una forma de sanación. El reconocimiento del otro se articula a nivel sonoro mediante la natural integración de la guitarra acústica en la atmósfera electrónica predominante. La producción de Jaime Beltrán equilibra el peso de lo sintético y lo orgánico con precisión quirúrgica y la belleza nace de la sencilla unión de sonidos de naturaleza diversa.

  "HILO" cuenta con portada digital de Lakore y una pieza audiovisual de Adrián Cecilio, colaborador habitual de Cristalino.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Cristalino. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 29 de junio de 2026

"Stella", el nuevo single de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda liderada por Kurt Wagner dio a conocer hace unas semanas "Weakened", el primer avance del álbum, una canción que The Guardian definió como "una de las baladas más simples y hermosas de los más de cuarenta años de trayectoria musical de Kurt Wagner". Ahora, con "Stella" "Lambchop" desvelan una nueva dimensión del universo sonoro que articula este nuevo trabajo. 

  Si "Weakened" se presentaba como un himno para los espíritus frágiles en un mundo febril, "Stella" habita un territorio de luminosa contención. La guitarra y el banjo se entrelazan delicadamente bajo la presencia constante de un coro que atraviesa la canción con elegancia y serenidad, anticipando una de las señas de identidad de "Punching The Clown": la capacidad de encontrar una enorme profundidad emocional a partir de elementos mínimos.

  Sobre la canción, Kurt Wagner comenta:

  "Anoche tuve un sueño muy largo en el que acababa en medio del bosque tocando la guitarra y cantando. Cuando terminé y regresaba hacia mi coche, había algunas personas entre los árboles que mostraban su aprobación. Me hizo sentir bastante bien. No tengo ni idea de qué significaba aquello.

  Algunas canciones son como los sueños. "Stella" fue una de ellas"

  En "Punching The Clown", "Lambchop" presentan una de las formaciones más singulares de sus 33 años de trayectoria. El universo musical del álbum se construye a partir de apenas cuatro elementos: voz, coros, banjo y guitarra. Con ellos, la banda ha creado una obra que se mueve entre el gospel, el folk y el country, tan austera en apariencia como inmensa en matices y emoción.

  El disco cuenta con Kurt Wagner acompañado por Andrew Broder a la guitarra, Justin Vernon al banjo y varios coros dirigidos por Blake Morgan. La grabación y mezcla han corrido a cargo de Mark Nevers, mientras que la producción ha sido realizada por Ryan Olson, colaborador fundamental en esta nueva etapa creativa de la banda.

  El origen de "Punching The Clown" se remonta a un momento aparentemente insignificante. En 2024, mientras conducía hacia una gasolinera en Nashville, Wagner escuchó en la radio una canción construida sobre un único acorde de banjo y un pequeño grupo de voces. Fascinado por aquella experiencia, inició una búsqueda que le llevó a descubrir la tradición del lining out, una forma ancestral de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX y que acabaría influyendo decisivamente en el desarrollo del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  Aquella revelación inspiró la creación de un álbum que capturara la esencia de esa música: la fuerza de la voz humana, la emoción colectiva y la belleza de la sencillez.

  Como en cada etapa de su trayectoria, "Lambchop" vuelven a reinventarse sin perder su identidad. Desde la sofisticada fusión de soul y country de Nixon hasta las exploraciones vocales de FLOTUS o la intimidad pianística de Is A Woman, la banda ha convertido la transformación constante en una de sus principales señas de identidad.

  Sin embargo, "Punching The Clown" posee algo especial. Desde sus primeros compases, el álbum suena a un nuevo capítulo en la historia de "Lambchop": fresco y sorprendente, pero también profundamente familiar, como regresar a un lugar querido que solo existe en la memoria.

  La voz de Kurt Wagner vuelve a ocupar el centro de la escena. Esta vez prescinde de tratamientos electrónicos para dialogar directamente con dos coros dirigidos por Blake Morgan -uno de 6 voces en Eau Claire y otro con 11 voces en Londres- que no actúan como mero acompañamiento, sino como interlocutores activos dentro de las canciones.

  El banjo de Justin Vernon (Bon Iver) desempeña también un papel esencial. Un instrumento que Wagner confiesa haber observado siempre con cierta distancia se convierte aquí en uno de los pilares del álbum, demostrando cómo las mejores ideas suelen surgir precisamente cuando se desafían los propios prejuicios creativos.

  Esta formación está compuesta por Kurt Wagner y Andrew Broder, quien lleva varios años acompañándolo en directo como pianista. A ellos se suman los dos coros dirigidos por Blake Morgan y Justin Vernon al banjo. Nunca antes había existido un grupo como este. Tampoco una banda como "Lambchop".

  También merece una mención especial el productor Ryan Olson. "No es simplemente alguien que trastea con botones", dice Wagner, "sino alguien que deja su huella como artista".

  Precisamente porque esta formación es tan buena y tan especial, Kurt Wagner necesitaba canciones a la altura. "Me tomé muy en serio la tarea de escribir canciones para este álbum", explica. Estudió cómo trabajan otros grandes compositores, leyó biografías, analizó sus canciones y se planteó preguntas a sí mismo: "¿Qué es lo que te conmueve y te emociona de tus canciones favoritas, y por qué? ¿Y cómo puedes aplicar esas enseñanzas a tu propio mundo?".

  A ese trabajo de estudio le siguieron los primeros intentos de composición, muchos de los cuales fracasaron. Así que tocó empezar de nuevo. Las cosas mejoraron, pero seguía sin ser suficiente. Otro nuevo comienzo, sumado a la propuesta de escribir junto al guitarrista Andrew Broder, y de repente todo encajó.

  Se compusieron treinta canciones que fueron grabadas como maquetas. Después llegó el momento de elegir doce para el álbum y decidir su orden definitivo. La estructura de "Punching The Clown" estaba, por tanto, definida antes incluso de que comenzara la producción propiamente dicha.

  "Desde el principio concebimos el álbum como una obra completa", afirma Wagner.

  No es de extrañar que suene tan cohesionado y seguro de sí mismo. Muy propio de "Lambchop", por un lado. Pero, por otro, este disco va un paso más allá. La calidad de las canciones, la formación de la banda, la singularidad de los arreglos y de la producción... "Punching The Clown" es una obra maestra dentro de la ya magistral discografía de "Lambchop". Incluyendo unas letras capaces de hacerte caer de rodillas.

  Los temas que compoenen "Punching The Clown" son:

  1. Just West Of Nicollet
  2. A Doctor In The House
  3. Weakened
  4. Stella
  5. Punching The Clown
  6. White People
  7. The New World Wave
  8. Andrew Jackson Asshat
  9. Afterburner
  10. Cigar
  11. To Do
  12. No Chicago

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Lambchop". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 22 de junio de 2026

"Losing Game (Sick)", el nuevo single de José González

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡José González! Y bueno, ¡comencemos!

  "¿Cómo terminamos haciendo un vídeo en el que monstruos robot se comen a los humanos?", reflexiona José González. "Todo empezó cuando contacté con Mads Damsbo para hacer un videoclip para "A Perfect Storm". Después de escuchar mis ideas, me propusieron una alternativa. Me gustó tanto que acabamos haciendo ambos vídeos: uno serio, en blanco y negro, con Mads dirigiendo la historia del autobús cayendo hacia la tormenta, y otro más cómico y sangriento con Bine Bach al frente". 

  ""Losing Game (Sick)" plantea qué ocurre cuando la humanidad se pregunta qué ha pasado después de perder el control frente a la inteligencia artificial y los robots. Es una preocupación sincera, pero me pareció adecuado abordarla con humor. Ninguno de los expertos que he escuchado hablar sobre este tema imagina un escenario en el que los robots se pregunten qué humanos saben mejor. Pero si alguna vez sucede, estoy seguro de que disfrutarán especialmente del sabor de un cantante folk pretencioso y lleno de tópicos".

  Por su parte, la directora Bine Bach explica:

  "José ha hecho un álbum precioso sobre la compleja relación entre la humanidad y la tecnología, y sobre la necesidad de ser cautelosos antes de que esta termine "engulléndonos". Quería utilizar la IA dentro del propio proceso creativo para reforzar ese mensaje. Como es una herramienta que genera tanto entusiasmo como emociones contradictorias, teníamos que ser inteligentes para crear algo deliberadamente absurdo".

  "Después de muchas ideas, llegamos al concepto de ser devorados por la IA, porque encajaba perfectamente con la temática de la canción y ofrecía una vertiente cómica al mezclar robots con algo tan cotidiano como un grupo de discusión. A partir de ahí desarrollamos el proyecto combinando imágenes reales y animación generada mediante inteligencia artificial. Fue un proceso exigente y, en ocasiones, imprevisible".

  José González en "Sounds Like Art"

  Además del estreno de este nuevo videoclip, José González participó recientemente en un episodio de la aclamada serie documental de ARTE Sounds Like Art. El programa lo sigue por las instalaciones del Moderna Museet de Estocolmo mientras reflexiona sobre las raíces familiares marcadas por el exilio político, sus esperanzas para el futuro y ofrece interpretaciones íntimas de canciones nuevas y clásicos de su repertorio, incluyendo una actuación en español al atardecer.

  "Against The Dying Of The Light", el quinto álbum de estudio de José González y su primer trabajo con canciones originales en más de cuatro años, sigue la estela y funciona en muchos sentidos como una obra complementaria al aclamado Local Valley (2021). En él, el cantautor y guitarrista sueco vuelve a reflexionar sobre la humanidad y su futuro incierto a través de su característica escritura acústica, tan cautivadora como profundamente contemplativa.

  Inspirado por el pensamiento de autores como Jonathan Haidt, Liv Boeree, Yuval Harari y Steven Pinker, González presenta una amplia colección de canciones llenas de matices que abordan grandes cuestiones con claridad e intención. El álbum explora temas como la teoría de juegos, la filosofía moral y los relatos con los que damos sentido al mundo. También se adentra en la ambigüedad ética de la tecnología contemporánea, capaz de impulsar el progreso mientras pone a prueba nuestra propia concepción de lo humano. Todo ello se transmite con cercanía y calidez a través de su voz intuitiva y su inconfundible técnica de fingerpicking.

  Entre las canciones del álbum destaca "A Perfect Storm". En ella, González advierte sobre lo que muchos expertos en inteligencia artificial describen como una "carrera por perder el control". El tema está acompañado por un videoclip inmersivo y deliberadamente provocador que utiliza la propia IA para profundizar en el complejo debate sobre su aplicación en la sociedad.

  Tras el estreno de "A Perfect Storm", se celebró además un encuentro exclusivo en YouTube en el que González y el productor Mads Damsbo conversaron durante quince minutos sobre el proceso de creación del videoclip y compartieron sus reflexiones acerca de la inteligencia artificial y su papel en la intersección entre el arte y la ciencia.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre José González. No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, FacebookInstagramYouTubeGoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"PACIENCIA INFINITA", el neuvo disco de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  En los tiempos que corren el punk vuelve a ser muy necesario. Como si algún día los tiempos corrieran buenos; o como si en algún momento el punk hubiera perdido su vigencia y su valor. 2026 nos está poniendo a todos a prueba y conviene recordar qué herramientas tenemos al alcance para aguantar. El punk puede ser una de ellas. Ningún género vehicula mejor la necesidad de desahogo. Conjuga rabia y diversión como ningún otro, llegando a ser incluso terapéutico, tanto para quienes lo practican como para quienes lo escuchan. En este contexto, la banda barcelonesa Sandré, surgida en 2018 de las grietas del underground, se ponen al servicio de su público con una sencilla receta para que no nos hundamos frente al mundo que nos rodea, un consejo resumido en el título de su nuevo disco: "PACIENCIA INFINITA". 

  Desahogo y diversión, protesta y exploración. Eso buscaba el cuarteto al componer el que es su tercer álbum, el primero con el sello Calaverita Records. Desahogo porque sus canciones responden ante situaciones que les provocan rabia, más desde un plano personal, relacional y social que político, que también indirectamente; y diversión porque el disco es el pretexto perfecto para explorar los límites del punk y del rock, apretándole las tuercas a su marcada identidad sonora. "PACIENCIA INFINITA" es un álbum con composiciones muy particulares que expanden el marco creativo de Sandré, presentando estructuras más abiertas, nuevas texturas rítmicas y combinando el característico lenguaje musical de la banda con elementos del rock alternativo, del krautrock, del math rock, del garage o del post-punk.

  Esta línea compositiva del disco queda bien estipulada desde su primer corte, "EMPATÍA NO", con su textura expansiva, su potente rítmica y su arquitectura instrumental en forma de puzle. A partir de ahí, el repertorio pasa por los acordes afilados de "GÉMINIS MAL", la primera canción de desamor de Sandré, por la solidez y la contundencia de "CABEÇA", esa mezcla visceral de tensión y electricidad en la que colabora Miguelito García ("Dandy Piranha" de "Derby Motoreta’s Burrito Kachimba" y Cervatana), por un pogo de 55 segundos titulado "JOIA DE MALVIURE" y por la locomotora en movimiento que es "GOLDEN", para acabar volviendo al espíritu punk más trepidante y honesto que representa "A-MU-MÍ", la pieza final.

  Pero en el camino también juegan con cosas distintas. Se ponen retos, generalmente para reforzar la expresión narrativa de lo que nos quieren contar. En "DISCURSO MOTIVACIONAL", por ejemplo, un tema donde hace los coros el barcelonés "BANANI", transitan entre diferentes tipos de compases para generar una energía muy bailable, muy de criptobro ultramotivado de masculinidad frágil. En "PIJAMA DE FUSTA" destruyen la estructura a mitad de tema, dejándolo disolverse en un fade-out eterno para expresar el desgaste al que nos somete el sistema. Del mismo modo, romper la estructura habitual de la canción también les sirve en "EL POU" para plasmar esos momentos en los que nos invade la oscuridad. Así como el uso irónico del contraste entre el punk psicodélico de las estrofas y las melodías pop del estribillo de "SIEMPRE MÁS", que funciona como una metáfora musical perfecta de lo mucho que pesa lo malo y lo poco que pesa lo bueno.

  En "PACIENCIA INFINITA" las canciones hablan de frustración, de la agonía de lo rutinario, de oscuridad, de la dificultad para resolver conflictos e incluso, por primera vez, de rupturas y desamor. Pero también revela la importancia que tiene, como acto de resistencia, buscar y encontrar fuerza en quienes tenemos al lado; la importancia que tiene, como acto de libertad, cuestionar las normas. Y ese es precisamente el punto de fondo esperanzador que tiene este disco: que subraya la necesidad de unirnos para divertirnos siendo rebeldes. "EXCEL DE NORMAS" es el mejor ejemplo, porque si publicar una canción tocada a la vez por ellos y por sus amigos Chaqueta de Chándal no es divertirse y romper las normas, ¿qué lo es? Para eso sirve el punk, y teniendo eso la paciencia puede ser infinita. 

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Sandré". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo po

lunes, 15 de junio de 2026

"Rambla", el nuevo single de FARMAR

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡FARMAR! Y bueno, ¡comencemos!

  FARMAR es el proyecto en solitario del productor, compositor y multiinstrumentista Mario Fartacek, un músico vienés que en la última década ha ayudado a dar forma a más de 40 álbumes. Entre ellos los de Mynth, un dúo de pop electrónico que formó con su hermana gemela, y por el que fue premiado en los prestigiosos Amadeus Music Award de 2017 en Austria. Ahora ha decidido dar un paso al frente y ocupar su propio espacio, presentando una propuesta que fusiona composiciones melancólicas con producciones electrónicas profundas y llenas de energía de club. Un magnético universo sonoro pensado tanto para la introspección como para el movimiento. 

  Conocido ya en nuestro país por haber teloneado al dúo "ATZUR" en su reciente gira, formación con la que guarda una estrecha relación, FARMAR publica esta primavera un nuevo single titulado "Rambla", escrito y producido en su paso por Barcelona, impregnando en su ADN su instantánea conexión con la ciudad. El tema captura la sensación que él vivió durante su estancia en la capital catalana: las noches cálidas, el constante ir y venir, los desconocidos que casi resultan familiares. Hay una atmósfera de movimiento que lo atraviesa todo, desplegándose poco a poco hasta atraparte en un flujo hipnótico pensado tanto para la reflexión como para la liberación. La energía de Barcelona se transforma en un pulso febril, casi onírico, logrando que todo se sienta cercano y ligeramente difuso, como un recuerdo en el que aún sigues metido. 

  Impulsado por una profunda energía techno y por un pulso constante y adictivo, "Rambla" es una pieza electrónica que mezcla melodías melancólicas con ritmos contundentes, subgraves densos y una estructura de combustión lenta. Introspectiva pero hecha para moverse. Capaz de golpear como un track de club, pero con algo íntimo latiendo debajo. Su propuesta escénica, de hecho, apuesta claramente por desarrollar esa profundidad emocional que también se puede bailar. Lo pudimos comprobar en su gira con "ATZUR", donde levantó él solito un show intenso, inmersivo, honesto, inmediato y completamente vívido, sirviéndose tan solo de una guitarra, su voz y unas cuantas maquinitas. Y lo volveremos a experimentar en sus próximas fechas en nuestro país: en la sala Siroco de Madrid el 4 de noviembre y en la Paral·lel 62 de Barcelona el 5, donde actuará en solitario, y en la sala Hangar de Córdoba el 5, en la sala Factory de Cauta el 6, en la Marea Rock de Alicante el 8, en la Planta Baja de Granada el 10, en la Porta Caeli de Valladolid el 12 y en la sala Directo de Cuenca el 13, donde de nuevo teloneará a "ATZUR".

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de FARMAR. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"FORMAS DE HABITAR LA INCERTIDUMBRE", el nuevo EP de Cristalino

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cristalino! Y bueno, ¡comencemos!  

  Disponible en plataformas digitales desde el pasado 29 de mayo vía Casa Maracas. Notificaciones, estímulos, imágenes, consignas, conexión permanente y, sin embargo, cada vez resulta más difícil distinguir qué merece realmente nuestra atención, qué permanece y qué se desvanece apenas unos segundos después de aparecer frente a nosotros. 

  Destello, señal, hilo y alba, el tercer EP de Cristalino, convierte esa desorientación en el motor de sus canciones. Entre intuiciones y pequeños desplazamientos de la experiencia diaria, el disco busca contacto y permanencia.

  Hay algo especialmente valioso en cómo este nuevo trabajo amplía el lenguaje que Cristalino venía desarrollando desde sus primeros lanzamientos y lo proyecta hacia un lugar más definido. Sin abandonar la lógica del pop digital contemporáneo sobre la que ha construido su identidad, el EP desplaza el foco hacia texturas más físicas y abiertas: baterías y guitarras acústicas, respiración, resonancia. Especialmente en "HILO" y "ALBA" aparece una relación más amplia con el espacio y la materia.

  La estructura simbólica del EP es sorprendentemente compacta. Los títulos no son decorativos. "DESTELLO", "SEÑAL", "HILO" y "ALBA" funcionan como distintas formas de orientación: la aparición repentina, la necesidad de interpretar, el vínculo entre unas cosas y otras, la posibilidad de empezar de nuevo.

  También la música avanza de ese modo, suspendida muchas veces entre la fragilidad y la precisión melódica. Los cambios de textura y la forma en que la voz de Cristalino aparece y se repliega construyen una sensación constante de búsqueda. Las canciones permanecen dentro de aquello que todavía no termina de entenderse. Eso separa al EP del sentimentalismo urbano contemporáneo más estándar y lo acerca a una percepción aumentada de lo cotidiano.

  "SEÑAL", una de las piezas centrales del trabajo, concentra especialmente bien esa tensión entre extrañamiento y cercanía. El videoclip dirigido por Adrián Cecilio junto al propio Cristalino prolonga esa atmósfera. Entre electrónica, guitarras acústicas y melodías que parecen avanzar siempre unos centímetros por delante de sus propias certezas, Cristalino y Jaime Beltrán construyen un disco que evita tanto la nostalgia como el cinismo. Un trabajo que no intenta explicarlo todo, sino permanecer despierto dentro de la confusión.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

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"Siete", el nuevo EP de "Rambalaya"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Rambalaya"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay discos que nacen como una anomalía dentro de una trayectoria. No porque renieguen de lo anterior, sino porque deciden tensar sus límites. "Siete", el nuevo trabajo de "Rambalaya", pertenece a esa categoría. Después de tres álbumes construyendo uno de los cancioneros más sólidos del rhythm & blues estatal contemporáneo (siempre en inglés, siempre mirando de frente a la tradición afroamericana), la banda decide ahora girar el volante y enfrentarse a su propio idioma. Y lo hace sin red. 

  "Siete" no es un simple ejercicio de traducción ni un movimiento táctico para ampliar mercado. Lo que plantea el grupo aquí es algo bastante más complejo: desmontar siete canciones clave de su repertorio y volverlas a levantar desde otro lugar emocional. Cambia la lengua, pero también la temperatura de las canciones. El resultado conserva intacta la pegada del rhythm & blues clásico, el soul musculoso y el rock americano que siempre han definido a "Rambalaya", aunque ahora todo parece suceder unos centímetros más cerca.

  La transformación no habría sido posible sin un trabajo minucioso de reescritura. Los propios miembros de la banda han liderado la adaptación de los textos, acompañados por las aportaciones de Raquel Salvador y Dani Nel.lo, responsables de trasladar al castellano las canciones compuestas por Anton Jarl, Matías Míguez y Héctor Martín sin perder naturalidad ni nervio narrativo.

  También hay algo profundamente simbólico en el propio título del disco. "Siete" remite al número de canciones que conforman el EP, pero también a la identidad colectiva de una banda formada precisamente por siete músicos que llevan años funcionando como una maquinaria perfectamente engrasada de soul sudoroso, vientos incendiarios y rock de carretera.

  El disco cuenta además con cuatro colaboraciones que ayudan a ampliar el mapa estilístico del proyecto sin romper su coherencia interna. Carlos Segarra aporta su veteranía rockabilly y ese fraseo que parece salido de una carretera secundaria norteamericana; Tarque introduce gravedad y electricidad; Ovidi Tormo de Los Zigarros suma filo guitarrero y actitud; mientras Angie Sánchez añade textura, sensualidad y contraste.

  Musicalmente, "Siete" funciona como una pequeña cartografía de las obsesiones sonoras de "Rambalaya". Hay rhythm & blues clásico en "Estás a la que salta" ("Chip on your shoulder"), rock sureño en "Cantos de sirena" ("Let me get out of this place"), aromas fronterizos, medios tiempos soul y baladas nocturnas como "Solo te soñé", nueva encarnación de "Only In My Dreams" o el pop cinematográfico de "Llorándote" ("Cry"). También reaparece "Bootlegger Man", convertida ahora en "Fuera de la Ley", probablemente una de las canciones más inmediatas y magnéticas de todo el repertorio reciente del grupo. "The Border" y "Rider with no head", que se convierten en "La Frontera" y  "Pollo Sin Cabeza", respectivamente.

  Grabado entre estudios de Alicante, Valencia, Mallorca y Barcelona, el EP sirve además para poner definitivamente en primer plano las posibilidades vocales de Jonathan Herrero. Su interpretación, siempre intensa, encuentra aquí una dimensión distinta: menos impostada, más física, más cercana. Como si el castellano hubiese abierto una puerta emocional que permanecía entrecerrada.

  Lo más interesante de "Siete" es que evita caer en la nostalgia o en el cliché de "hacer soul en español" como rareza exótica. "Rambalaya" entiende perfectamente que el soul no depende de un idioma concreto, sino de la manera en que una canción transmite deseo, pérdida, euforia o derrota. Y en ese sentido, este disco no suena a experimento: suena a evolución.

  Con "Siete", "Rambalaya" no abandona el territorio que llevaba años conquistando. Simplemente decide nombrarlo con palabras nuevas.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Telephone". ¡No os lo perdáis!

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lunes, 8 de junio de 2026

"Tu Mirada", el nuevo single de Hanz Ruiz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Hanz Ruiz! Y bueno, ¡comencemos!

  Tras el buen sabor de boca y el impacto generado con "Cosquilleo", Hanz Ruiz da un golpe sobre la mesa y amplía su registro con el lanzamiento de "Tu Mirada", ya disponible en todas las plataformas. Si en entregas anteriores primaba la urgencia, el artista presenta ahora una propuesta mucho más densa y reflexiva, marcando el camino hacia su primer disco con un tema muy fresco que nos conduce de lleno a una primavera con sabor veraniego. 

  A nivel sonoro, la canción es un ejercicio brillante de claroscuros que domina las dinámicas con absoluta precisión. La composición nace desde la belleza y calidez de una guitarra acústica para acabar rompiendo en un muro de sonido definido por guitarras eléctricas sucias y baterías de pegada orgánica. Es una arquitectura musical que bebe directamente de la nostalgia de los años 90, conectando referencias históricas de la escena estatal como Los Planetas o Australian Blonde con el nervio contemporáneo de bandas como Carolina Durante. Todo ello, arropado por una producción actual y moderna que no resta espacio a la esencia de tocar en banda.

  En el apartado lírico, Hanz Ruiz abandona el riesgo compartido para centrarse en la resistencia individual y la crítica social. "Tu Mirada" retrata el caos mental frente a la parálisis de una rutina alienante y cuestiona frontalmente el discurso sedante de los medios y la publicidad: "Los anuncios en la tele dicen que todo va bien. No hace falta decir para quién". La canción culmina en un proceso de autoafirmación necesario, donde el refugio en el otro da paso a la identidad propia como única vía de supervivencia en un mundo fragmentado: "si todo aguanta es por mi", "no pasaré de todo lo que fuí"... Como detalle de producción impecable y guiño a esta queja social, la pista esconde en su atmósfera samples de Donald Trump y los inconfundibles gritos del tema "Holiday" de Green Day.

  La narrativa del proyecto se expande visualmente con un videolyric de marcada estética británica. En él, el uso de la icónica parka funciona como un tributo directo a Oasis y al espíritu de Mánchester, sirviendo aquí para reivindicar un presente ambicioso y coherente con sus influencias.

  Con "Tu Mirada", el tercer adelanto de su esperado disco debut, Hanz Ruiz se aleja de las fórmulas efímeras de la industria para proyectarse como un artista de largo recorrido. Un paso adelante firme que demuestra su capacidad para combinar el impacto sonoro con un discurso cargado de poso, mensaje y verdad.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Cosquilleo". ¡No os lo perdáis!

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"Blue Flame", el nuevo single de "Temples"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Temples"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Temples" presentan "Blue Flame", un nuevo adelanto de su próximo álbum de estudio "BLISS", que verá la luz el próximo 26 de junio a través de V2 Records. Con este nuevo tema, la banda de Kettering continúa expandiendo los límites de su universo sonoro, explorando nuevas direcciones electrónicas sin abandonar el ADN psicodélico y melódico que les ha convertido en una de las bandas más singulares de su generación. 

  Tras la excelente acogida de los anteriores adelantos, "Jet Stream Heart" y "Vendetta", elogiados por medios como NME, The Times o Clash, "Blue Flame" muestra una faceta más etérea y cinematográfica de la banda. Construida sobre atmósferas envolventes y paisajes sonoros oníricos, la canción vuelve a demostrar la capacidad de "Temples" para combinar emoción, experimentación y sensibilidad pop.

  Sobre el tema, la propia banda explica: "Nos refugiamos de los elementos, conectando más con la tecnología que con la naturaleza. "Blue Flame" es una historia de advertencia sobre la separación, tanto entre nosotros como seres humanos como respecto al mundo en general".

  El nuevo álbum supone un emocionante nuevo capítulo tras Exotico (2023) y encuentra a "Temples" reinterpretando sus raíces psych-rock a través del prisma de la música de baile de finales de los 90 y principios de los 2000. Inspirándose en la melancolía eufórica de la escena ibicenca y la electrónica europea, "BLISS" toma referencias emocionales y sonoras de artistas como Faithless, Underworld, Massive Attack o Portishead.

La banda define el espíritu del disco como una forma de "euforia melancólica": estructuras aparentemente simples capaces de generar emociones complejas y profundas.

  A diferencia de Exotico, donde trabajaron junto al productor Sean Ono Lennon, en esta ocasión "Temples" decidieron encargarse ellos mismos de la producción del álbum, apostando por un enfoque más intuitivo, directo y experimental. Trabajando juntos en el mismo espacio, utilizaron samplers y procesos de manipulación sonora no para reinterpretar material ajeno, sino para reconstruir sus propias canciones y crear un universo sonoro cohesionado y en constante transformación.

  El resultado es un disco con espíritu de collage, interconectado, donde texturas y motivos musicales fluyen entre canciones y refuerzan la sensación inmersiva de "BLISS".

  La banda actúa el viernes 29 de mayo en el Spring Festival de Alicante, el sábado día 30 en Festival Maig de Santa Coloma de Queralt (Tarragona), y en noviembre harán gira de salas en Madrid (día 17, Teatro Eslava), Zaragoza (día, 18, Sala López), Granada (día 19, Sala Aliatar), Sevilla (día 20, Sala X), Bullas (día 21, Antioxidante), y Barcelona (día 22, Paral.lel 62) (consulta aquí todos los detalles ).

  Para "Temples", "BLISS" es mucho más que un cambio de estilo: es toda una declaración de intenciones. Un álbum creado sin concesiones, guiado por la intuición, la química entre sus miembros y el placer de volver a crear música juntos.

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"Scroll Infinito", el nuevo EP de Muyaio

  Hla a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Muyaio! Y bueno, ¡comencemos!

  La música, al igual que la vida misma, es mejor no tomársela ni demasiado en serio ni demasiado a broma. No es fácil situarse en un punto intermedio, lograrlo es una gran virtud. Y ese es precisamente el plano en el que le gusta moverse al canario Sergio Oramas cuando se viste de Muyaio, el pseudónimo musical con el que lleva un lustro publicando canciones y discos en solitario. Antiguo miembro de Supertrópica, Doctor en Inteligencia Artificial y experto en sistemas de recomendación musical, su principal campo de reflexión es la relación que está estableciendo la humanidad con las nuevas tecnologías, con internet y, en consecuencia, consigo misma. Una temática que enfoca ni muy en serio ni muy en broma, con una sonrisa sobre un fondo de crítica. El canario simplemente se dedica a traducir sus ideas en música, con un estilo que parte del pop alternativo para enriquecerse de ritmos latinos, pero también a más lenguajes: en concreto a la programación informática y al humor. Por eso deberíamos empezar a tratar ya a Muyaio como a un homo universalis. 

  Su faceta musical suma esta primavera un nuevo trabajo, "Scroll Infinito", un EP de tres canciones con el que el tinerfeño continúa ahondando en cómo las nuevas tecnologías poco a poco nos van cambiando. Su temática sigue la línea de Pop Picón, su segundo álbum, que, sin ser en absoluto un manifiesto anti-internet o anti-tecnología, señalaba ciertas dinámicas preocupantes que nos conducen hacia una forma de vida cada vez más hiperconectada; aunque también ofrecía alternativas para no sucumbir a la corriente.

  Ahora, en "Scroll Infinito", Muyaio nos muestra otras tres nuevas realidades a las que nos estamos acostumbrando, y que quizá no deberíamos. "FOMO", con su medio tiempo de pop  y una  combinación de sonidos cotidianos y groove tropical, retrata el bucle mental de querer haber estado en todo, sensación claramente alimentada por las RRSS. "Te Stalkeé", ese suave bolero mezclado con bachata que fusiona lo orgánico y lo electrónico, funciona como una suerte de anti-himno del extraño fenómeno del amor a través de Instagram. Mientras que "No Me Hagas Ghosting", su corte más bedroom pop, se sostiene sobre una producción minimalista, con sintetizadores y guitarras que evocan al sonido de Men I Trust o Mac DeMarco, señalando al ghosting como una costumbre demasiado extendida, ya no solo en el terreno del amor, sino también en la industria musical, especialmente con los artistas emergentes e independientes como él.

  Pero más allá de lo musical, Muyaio se expresa también a través de otras disciplinas. Con Pop Picón se explayó en lo referente a su faceta, digamos, informática. Publicó el disco en forma de fanzine conversacional, una especie de revista digital interactiva hecha a base de IA y chats con diversos personajes, y además creó una web de recomendación musical justa basada en un algoritmo que propone solo artistas independientes. En esta ocasión, lo que ha hecho con "Scroll Infinito" es traducir su mensaje también al lenguaje humorístico, concretamente al formato stand-up comedy. El canario ha preparado y presentado ya en Barcelona un espectáculo escénico que mezcla monólogos con canciones interpretadas en directo. Titulado igual que el EP, resulta un paso más para un artista multidisciplinar que no deja de sorprendernos.

  Desde el principio, el proyecto de Muyaio se ha entroncado en la tradición de la música canaria, caracterizada por el uso del humor, y que encuentra en la figura de Arístides Moreno una suerte de padre fundador y padrino artístico del propio Oramas. Su propuesta siempre se ha emparentado a la de músicos como Javier Krahe, Albert Pla o incluso Pablo Carbonell. Todos ellos, de algún modo, hicieron carrera con un pie en el humor y otro en la música, Muyaio, además de eso, tiene las manos libres para expresarse artísticamente también a través de un teclado de ordenador. 

  "Scroll Infinito", el show de comedia y música en vivo

  Desde la soledad de su baño, Muyaio intenta encontrar el antídoto contra la ansiedad social con el simple movimiento de su dedo, guiándonos en un viaje desde la burbuja digital hasta su intimidad más real. Entre monólogos y canciones, "Scroll Infinito" explora la búsqueda de afecto en tiempos de hiperconexión y soledades compartidas. Como un Quijote que lucha contra algoritmos en lugar de molinos, Muyaio cabalga sobre su taza del wáter armado tan solo de ironía, nostalgias analógicas y un deseo irrefrenable de darle sentido a este desatino contemporáneo.

  Con la tranquilidad de un canario y el criterio de un doctor en Inteligencia Artificial, comparte cómo navega un mundo que no se detiene y que nos abruma con sus pequeños dramas cotidianos.

  El resultado es una experiencia que mezcla música, humor y filosofía de bar: un espectáculo que abraza la risa, la duda y el vértigo de existir en la era del algoritmo.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Quiero ser como Manu Chao". ¡No os lo perdáis!

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lunes, 1 de junio de 2026

"GÉMINIS MAL", el nuevo single de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  Si buena parte del universo compositivo de Sandré suele construirse desde la tensión, con riffs incómodos, armonías que rozan la disonancia y compases que escapan del clásico 4/4, "GÉMINIS MAL" nace precisamente del deseo de hacer lo contrario. 

  Fue el primer tema que la banda compuso para Paciencia Infinita y, de algún modo, marcó una nueva vía dentro del proceso creativo del disco. Aquí Sandré aparca momentáneamente la complejidad estructural para abrazar una fórmula más inmediata: acordes afilados, una rítmica clara y contundente, y una ejecución honesta, frontal y sin rodeos.

  Pero incluso en esa aparente sencillez, la banda no renuncia del todo a su lenguaje. A lo largo del tema aparecen dos pasajes instrumentales en los que la canción se descarrila ligeramente, permitiéndose pequeñas fugas hacia terrenos más imprevisibles. Ahí emerge ese toque Betunizer que introduce tensión, rareza y una pequeña grieta en la linealidad del tema.

  Más allá de lo musical, "GÉMINIS MAL" supone otro pequeño hito en la trayectoria de la banda: es la primera canción de Sandré que habla abiertamente de desamor.

  La letra nace de experiencias personales de Rosa (con hombres casualmente todos del signo Géminis) y pone el foco en las relaciones frustradas, en la repetición de patrones dañinos y en el aprendizaje que implica saber detectarlos a tiempo para no volver a caer. Habla de cuidarse, de reconocer señales y de cortar ciertos ciclos antes de que vuelvan a hacer daño.

  Todo ello atravesado por una capa de ironía muy Sandré. El estribillo juega con el imaginario del horóscopo y se ríe de esa contradicción tan contemporánea: decir que no creemos en la astrología mientras buscamos compatibilidades, cartas astrales y respuestas emocionales en internet.

  Si "EMPATÍA NO" apuntaba al conflicto y la falta de reciprocidad, "CABEÇA" convertía la amistad en refugio colectivo (con la colaboración de Miguelito García "Dandy Piranha") y "PIJAMA DE FUSTA" disparaba contra el agotamiento sistémico y los psicópatas que nos gobiernan, "GÉMINIS MAL" abre un nuevo frente: el emocional, el de las heridas íntimas, sin perder mordida ni sarcasmo.

  Musicalmente, el tema conecta con referencias como Shame, Amyl and the Sniffers, Osees, Ty Segall o Frankie and the Witch Fingers, filtradas por esa manera tan particular que tiene Sandré de mezclar pegada, nervio y extrañeza.

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"Don’t Even Have To Say His Name", el nuevo single de "The Waterboys"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Waterboys"! Y bueno, ¡comencemos!  

  "The Waterboys" han sacado una nueva canción, "Don’t Even Have To Say His Name", que expresa sin tapujos su rechazo a la administración Trump. Mike Scott, líder de la banda y quien firma la música y letra del flamante tema, lo describe así: Odio a los abusadores y con esta composición reflejo mis sentimientos sobre el liderazgo político de un país que amo. La música y cultura estadounidenses me han inspirado toda la vida y creo que la decencia de Estados Unidos permanecerá intacta cuando este gobierno corrupto haya desaparecido, pero solo si la gente, tanto allí como en todo el mundo, cuestiona y protesta. Así que esta canción es nuestra pequeña contribución a ese proceso. Ojalá cumpla su propósito".  

  Os recordamos que "The Waterboys" ofrecerán el 3 de septiembre en el Roig Arena de València el único concierto que van a dar este 2026 en España (una coproducción entre Houston Party y Just Life Music). Un concierto muy especial, pues ese día recalará en la capital levantina "The Fisherman’s Blues Revue", la gira con que "The Waterboys" homenajean a uno de sus trabajos más emblemáticos, el que fue su cuarto álbum, "Fisherman’s Blues" (1988), uno que ha incrustado en la memoria melómana canciones que el paso del tiempo no borra, sino que abrillanta aún más. Un conjunto de temas conectado a una poderosa resonancia creativa y a una batería de fuentes inspiradoras que se remontan a mucho antes del nacimiento del rock’n’roll. 

  El resultado, trece canciones referenciales para sus fans, de esas que no solo les marcaron en su época, sino que han seguido acompañándolos en las posteriores: hablamos de la que da título al disco, de "We Will Not Be Lovers", de "Stranger Boat", de su versión de la vanmorrisoniana "Sweet Thing", de "When Ye Go Away" …  Y así podríamos seguir nombrando las trece que contiene. Uno de esos álbumes que se saborea de principio a fin, sin saltarse ninguna estación. Ya lo dicen en Powerpop: "Había escuchado este álbum antes, pero esta semana lo tuve puesto constantemente y lo repasé varias veces. No le sobra nada, no falla en nada. Es uno de esos álbumes en los que es difícil elegir solo una canción y seguirla. Hay que escucharlo completo". 

  Y por si con ello no hubiera bastante celebración, subrayar que en este singular concierto, una de esas citas para recordar, Mike Scott y su banda, además de a las trece canciones del LP original, empezando por la titular que lo abre y finalizando por la versión del "This Land Is Your Land" de Woody Guthrie, también podrán recurrir a alguno de los temas incluidos en "Atlantic Rain: The Lost Fisherman's Blues Recordings" (Chrysalis Records), el triple álbum que publicarán el 17 de julio con piezas inéditas de las sesiones de "Fisherman’s Blues", así como con tomas alternativas de las canciones que acabaron conformando ese referencial disco. "Hicimos tanta música en aquella época, con cientos y cientos de grabaciones individuales, que todavía sigo descubriendo cosas mágicas. Este conjunto de temas contiene lo mejor que he encontrado hasta ahora", ha comentado Mike Scott sobre "Atlantic Rain". Y también ha colgado en sus redes sociales lo siguiente: "Es tan bueno como el álbum original". 

  Para cerrar el círculo apuntar que para "The Fisherman’s Blues Revue" el legendario violinista Steve Wickham volverá a unirse a la banda, así como también lo hará, nada más y nada menos, el cantautor estadounidense Steve Earle, quien actuará como miembro de esta revue, tanto cantando sus propias canciones como agregando voces, guitarra y mandolina a las de "The Waterboys". En este sentido, Earle ha declarado: "Yo solo quería estar en tres bandas: The Rolling Stones, NRBQ y "The Waterboys"". La banda la completará Brother Paul (órgano), Famous James (piano), Aongus Ralston (bajo), Eamon Ferris (batería) y al noruego Roar Øien a cargo del lap steel.

  Sobre el momento de la carrera de "The Waterboys" que este concierto revivirá, el líder de la formación, Mike Scott, lo ha definido así: "Fue una época trascendental para "The Waterboys" y siempre es emocionante sumergirse en su espíritu y ver qué sucede. Tocaremos como una banda de ocho integrantes, incluyendo al gran Steve Earle, con quien llevo años queriendo hacer un proyecto, que traerá sus raíces americanas e increíbles canciones a la fiesta. Estos prometen ser de los mejores conciertos de la historia de "The Waterboys"".

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