Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Acuarteto"! Y bueno, ¡comencemos!
"Acuarteto" es una destacada agrupación de jazz chileno integrada por el saxofonista y compositor Felipe Carrasco, el guitarrista Matías González, el contrabajista Álvaro Godoy y el baterista Tomás Hoces. Con una propuesta sonora moderna y expresiva, el grupo ha consolidado su presencia en la escena del jazz nacional a través de presentaciones en reconocidos clubes de jazz de Santiago. Su discografía incluye dos álbumes: "Acuarteto" (2021), publicado por el sello Discos Pendiente, y "Onírico" (2023), trabajos que reflejan una constante búsqueda artística y una profunda cohesión musical. Este año, el grupo regresa con un nuevo trabajo discográfico titulado "Nativo".
Compuesto por siete canciones, "Nativo" es el tercer disco en la breve pero fructífera carrera musical de "Acuarteto". Grabado en octubre de 2025, el álbum recibe su inspiración principal en la naturaleza, en su fuerza y sus misterios, en el amor y la espiritualidad, en la tierra y sus elementos. "Es una búsqueda desde el río a la montaña, para reconocer y recordar la naturaleza en uno mismo", comenta la banda.
La calidez de un género tan expresivo como el jazz se deja ver desde el primer track de "Nativo", titulado "Desde el Río". Así, "Acuarteto" nos sumerge en aguas movidas, intercalando el ritmo entre pasajes de calma y de completo desborde. En la última sección del álbum, destaca la participación de Mauricio Gallardo en el vibráfono, incorporando un nuevo color a este viaje sonoro.
"Nativo" contó con la edición, mezcla y masterización de Ricardo Hinojosa. El arte estuvo a cargo de Nicolas Navarrete, mientras que la producción fue realizada por Felipe Carrasco. El disco ya está disponible en Spotify, Deezer, Tidal y todas las plataformas digitales.
Os dejo por aquí el audio de "Onírico". ¡No os lo perdáis!
Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Acuarteto". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡La Plazuela! Y bueno, ¡comencemos!
Después de dos años, llega "Lugar nº0 (DLY)" – del inglés Don’t Lose Yourself – el segundo y esperado disco en formato largo del que sin duda es uno de los proyectos musicales más interesantes y frescos del panorama nacional, La Plazuela.
Dos años pasan volando, casi sin darnos cuenta, pero a la vez en ese tiempo también pueden cambiar muchas cosas. Hay cambios que ocurren fuera, en todo lo que nos rodea, pero muchas veces los cambios más significativos ocurren por dentro. Así, un día nos damos cuenta de que la perspectiva con la que miramos las cosas ya no es la misma. Es posible incluso que lo que fuera un sueño ahora sea una realidad, con la diferencia de que en la realidad las cosas no son como las soñamos. Según pasan los años las emociones dejan de ser simples. Aparecen el desarraigo, la nostalgia, la ansiedad… emociones que surgen de la suma de otras emociones. Aunque hasta que lo entiendes todo se vuelve extraño, confuso y te haces preguntas.
De esas preguntas y de sus respuestas surge este segundo disco de La Plazuela, del nexo entre el ayer y el hoy, de los diálogos interiores entre la persona que eras y la que serás en un ejercicio de honestidad y crecimiento. Por eso en este disco, "Lugar nº0 (DLY)", se pone en valor la necesidad de recuperar la calma, la soledad elegida, y abandonar el ritmo frenético de las ciudades y las redes en el que las cosas nos pasan por encima casi sin darnos cuenta. Se pone en valor la escucha con atención, con intención, con acción.
Musicalmente se mantiene la esencia sonora de La Plazuela con su característica fusión del flamenco, la electrónica de baile y el funk. Eso sí, elevada al siguiente nivel con elementos de jazz, jungle, city pop japonés, salsa y un largo etcétera en el que las temáticas complejas y emocionales se ven reflejadas en la evolución musical (también más compleja) del proyecto. Un sonido alegre y vitalista que en muchas ocasiones acompaña temáticas más profundas, convulsas y reflexivas al más puro estilo de la Motown. La producción corre a cuenta de Álvaro Arellano, del dúo granadino Texture, quien ya trabajara con ellos en su anterior trabajo en formato corto: La Caleta
En este nuevo trabajo destaca “B12”, el focus track del álbum. Un auténtico hit, un himno de baile capaz —como la propia vitamina— de resucitar a cualquiera. En lo musical, “B12” despliega un elegante disco house en el que, por momentos, se asoman elementos del pop japonés de los 80, aportando una capa estética fresca y singular al conjunto del disco. Además, la canción llega acompañada de su videoclip, que mantiene y amplifica la línea visual y conceptual que La Plazuela ha ido construyendo en esta nueva etapa.
Este segundo disco, "Lugar nº0 (DLY)", representa un cambio notable de temáticas y sonidos a la vez que se siente como un crecimiento, una continuidad de lo más natural para una banda que siempre se ha mostrado honesta y respetuosa consigo misma y con su música. Una vez lo escuchas, no te queda ninguna duda de que el segundo disco de La Plazuela no podía ser otro que este "Lugar nº0 (DLY)".
La Plazuela, además, anuncia las primeras fechas confirmadas en las que presentará este nuevo proyecto en directo. Tres citas muy especiales donde el público podrá experimentar el universo de "Lugar nº0 (DLY)".
Os dejo por aquí el videoclip de "Mala de verdad". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡J. Rushwell! Y bueno, ¡comencemos!
Luego de estar escribiendo y tocando en el sector de eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y de estar inmerso en el mundo de la paternidad, rol que lo inspiró y le dio más experiencia como ser humano y artista; el cantante, compositor y productor colombiano J. Rushwell presenta su nuevo disco "Bitácora", un trabajo compuesto y grabado en el último año.
"Bitácora", el quinto álbum en su carrera, es un diario de diez canciones lleno de historias y canciones relacionadas con momentos de la vida del músico bogotano. Aborda temáticas de depresión, miedo, soledad y frustración con el sistema. El disco tiene influencias marcadas de bandas como Poligamia, Enanitos Verdes, Pedro Aznar, pero también hay rasgos de artistas como Dio y Foo Fighters.
"Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma", comenta el artista.
"Bitácora" de J. Rushwell es una oda al rock latinoamericano de los años 80's y 90's. En términos de producción, este disco es más maduro que los anteriores que ha realizado. También, a nivel de composición, el músico tiene satisfacción total de lo hecho para esta producción.
"Con este álbum quiero enviar un mensaje de que la música sigue viva y que es lo que alimenta nuestras esperanzas. En medio de tanta cosa artificial, todavía existimos artistas que trabajamos duro y dejamos el alma al aire por lo que nos apasiona. Siempre he querido dejar mi imprenta en el mundo trayendo una opción musical diferente para los amantes del rock en español", enfatiza.
"Bitácora" de J. Rushwell presenta en "Cinema del ayer" un rock pegajoso, en "Alguien más" una frustración hecha rock melódico, en "Tu nombre" un clásico de los noventas del artista Nek, en "Destino final" un manifiesto honesto de la vida, en "Espiral" un canto desesperado por el cambio, en 'Me da igual' un retrato sonoro de la actualidad en el mundo, en "No podrás" un hit de Cristian Castro con un twist de hard rock, en "Hijos del Microchip" una agresiva descripción de nuevas generaciones, en "Sin oxígeno" un grito de ayuda con beats de rock noventero y en "Fin de la transmisión" la canción que nunca se tocará en vivo, técnica musical y expresión de inconformidad.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el audio de "Castillo de Cristal". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Micromambo"! Y bueno, ¡comencemos!
"Micromambo", la nueva banda formada por Jairo Zavala (Depedro), Martín Bruhn y Héctor Rojo (Sr Mañana), anuncia el lanzamiento de su esperado álbum debut "La República del Baile", disponible desde el pasado 28 de noviembre.
El trío, tres músicos curtidos en mil escenarios, revoluciona el folclore latinoamericano al llevarlo directamente a la pista de baile de los clubs más oscuros del corazón de la ciudad, donde la noche nunca termina y el ritmo manda.
"La República del Baile" se consolida como un universo propio donde el calor tropical se mezcla con el pulso urbano. El álbum se compone de 11 temas que prometen hacer temblar las paredes de cualquier club, incluyendo sus dos adelantos: "Diosa Rumbera", esa oda tropical callejera con alma africana y el "Baile infinito".
El álbum está disponible en formato CD y vinilo edición rojo "La República del Baile" en la tienda de "Calaverita Records" demás tiendas especializadas.
Os dejo por aquí el audio de "Diosa Rumberaii". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Peso Pluma! Y bueno, ¡comencemos!
El líder de la Música Mexicana y superestrella global Peso Pluma, junto al imparable Tito Double P, sacudieron al mundo de la música con el lanzamiento de un tráiler cinematográfico que revela la fecha oficial de su esperado álbum colaborativo, "DINASTÍA", disponible este 25 de diciembre. Tras más de un año de especulación, la dupla confirma oficialmente que el legado de su linaje familiar será el eje central de este proyecto sin precedentes.
El tráiler, filmado completamente en blanco y negro, funciona como una metáfora visual de la dualidad, el contraste y el equilibrio, temas profundamente ligados a su evolución musical y a la conexión que comparten como familia. Además, las imágenes incorporan máscaras de luchador, un poderoso símbolo de herencia, tradición y orgullo mexicano, reforzando el peso cultural que sostiene el corazón de "DINASTÍA".
El anuncio llega tras el estreno de su electrizante primer sencillo, "intro", que marcó el poderoso regreso de Peso Pluma a sus raíces de Música Mexicana, reforzado por la energía cruda y dominante de su primo Tito Double P. En menos de 24 horas, el tema superó el millón de visualizaciones en YouTube, evidenciando la fuerza irrefutable de su química artística y la enorme expectativa por sus colaboraciones. Juntos, Peso Pluma y Tito Double P han entregado himnos que encabezan listas, éxitos aclamados por los fans y momentos que han transformado la cultura del género.
Con el tráiler y la revelación del álbum, la dupla inaugura un nuevo capítulo, uno arraigado en la herencia, la innovación y el poder artístico. "DINASTÍA" promete expandir los límites de la Música Mexicana mientras honra el legado familiar que los inspira. Unidos, Peso Pluma y Tito Double P se posicionan al frente de una nueva era, y "DINASTÍA" está destinado a convertirse en el álbum más icónico del año.
Os dejo por aquí el videoclip de "Rari". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡DICE! Y bueno, ¡comencemos!
"Yin Yang" es la muestra del crecimiento musical, personal y espiritual de DICE, con el que busca reflejar un viaje por los contrastes del alma: la luz y la oscuridad, el deseo y la calma, el corazón roto y la esperanza. Con una propuesta fresca, íntima y global, DICE reafirma su lugar como una de las voces más prometedoras del género y una figura destinada a expandir los límites del sonido urbano latino.
El proyecto incluye canciones como "My Lady", "Tú", "Impostora", "Why", "Cora a 200" y "La Neverita", cada una mostrando una faceta distinta de su universo musical. A través de melodías envolventes y letras directas, el cantante logra capturar las emociones cotidianas con una naturalidad que lo conecta con públicos de distintas generaciones.
Respaldado por Gangsta, uno de los productores más influyentes del momento, DICE presenta un proyecto que refleja el equilibrio entre lo emocional y lo bailable.
Este álbum no solo representa su madurez artística, sino también su capacidad para explorar las dualidades del amor, la pasión y la introspección desde una mirada honesta y humana.
DICE continúa consolidando su lugar en la escena urbana al alcanzar la posición número 1 con su segundo sencillo ‘Prototipo’ en el chart Hot Song de Monitor Latino, uno de los rankings más influyentes de la industria musical en América Latina. Desde el lanzamiento y posterior éxito de su primer sencillo “Mañitas” el artista reafirma su crecimiento dentro de la industria.
DICE se ha convertido en una de las promesas más interesantes de la nueva ola del afrobeat latino y el dancehall emocional, un movimiento que fusiona ritmo, vulnerabilidad y energía.
Os dejo por aquí el videoclip de "Nena". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Dice. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡"Los Rieleros del Norte"! Y bueno, ¡comencemos!
Con más de cuatro décadas de trayectoria y un legado inigualable que honra profundamente sus raíces y su cultura, "Los Rieleros del Norte" presentan su nuevo álbum "Maldito Corazón". Una producción que reafirma la experiencia y calidad de la máquina musical norteña #1, destacando su estilo único que combina acordeón, saxofón y otros elementos característicos del sonido chihuahuense.
"Maldito Corazón" incluye 12 temas que exploran de manera profunda las distintas facetas del amor y el desamor, manteniendo la narrativa emotiva y directa que caracteriza a la agrupación. En este nuevo material, la agrupación combina su tradicional sonido norteño con elementos modernos, logrando un estilo refrescante que a la vez honra su identidad musical.
El tema que encabeza el álbum es "Cambias o me pierdes", escrita por Tony Montoya. La canción relata la firme decisión de alguien que, cansado de los desplantes, caprichos y cambios de ánimo de su pareja, pone un alto definitivo a la relación, reconociendo su propio valor.
Con este álbum, "Los Rieleros del Norte" celebran un nuevo capítulo en su carrera, reafirmando su lugar como una de las agrupaciones más importantes del género y conectando con nuevas generaciones sin perder la autenticidad que los ha acompañado desde sus inicios.
Los temas que componen "Los Rieleros del Norte" son:
La Pienses Tanto
Sigue Tu Camino
El Adiós
Cambias O Me Pierdes
Así De Dolido
Pensando En Usted
La Tuneada
Vámonos
Despistando Al Enemigo
30 de Febrero
Fin De Semana
Maldito Corazón
Os dejo por aquí el videoclip de "No La Pienses Tanto". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste, y que así estéis al todo de todo lo relacionado con la carrera de "Los Rieleros del Norte". No olvides seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Keta Lenis! Y bueno, ¡comencemos!
El músico y compositor chileno Keta Lenis presenta "Reimaginar", su esperado debut solista, un álbum concebido en movimiento y en diálogo con múltiples territorios de Latinoamérica. La obra nació entre los paisajes del desierto de Atacama, el sur de Chile y Argentina, y la selva tropical, permitiendo que cada lugar dejara una huella sonora en la composición. Desde sus primeros trazos, "Reimaginar" se configuró como un proceso de observación y transformación: un disco que invita a mirar el mundo —y a uno mismo— desde nuevas perspectivas.
En este trabajo, Lenis entrelaza lo íntimo y lo expansivo, combinando guitarras, synthes, atmósferas ambientales, pianos y ritmos que emergen como si fueran paisajes en movimiento. Su voz, profunda y sutil, actúa como un hilo conductor entre lo humano y lo natural, guiando al oyente a través de un recorrido emocional que va del amanecer al ocaso, del caos a la calma, del adentro hacia afuera.
La creación del disco fue un proceso completamente libre y orgánico, sin estructuras rígidas ni búsqueda de perfección técnica. Parte fundamental de su identidad se sostiene en la captura de tomas en vivo —bajo, batería, guitarras y teclados grabados en no más de tres registros— preservando la energía real e imperfecta de la interpretación. "No buscábamos la perfección, sino la belleza de la realidad misma, esa sensación de algo frágil, crudo, impredecible y verdadero", explica Lenis.
Producido por Mario Breuer (Charly García, Soda Stereo, Spinetta) y grabado en Estudios Desdemona (Córdoba, Argentina), "Reimaginar" toma elementos de la psicodelia, el rock, la electrónica, el folk y arreglos orquestales para crear un lenguaje propio. Más que un álbum, es un gesto: un llamado a remover lo interior, cuestionar lo establecido y reimaginar nuevas formas de existencia en un mundo atravesado por la violencia, la competencia y el individualismo. "Quiero provocar un movimiento interno que nos permita repensarnos y abrir espacio para la empatía, la sensibilidad y un futuro más consciente", afirma el artista.
A lo largo de sus diez canciones —entre ellas Amaneceres, Andante Intrépida y Principio del Final— el disco funciona como una constelación de emociones, territorios y estados oníricos que dialogan entre sí. La obra respira transformación, memoria y renovación, llevando al oyente por un mapa sensorial donde lo folclórico, lo ambiental y lo experimental conviven sin fronteras. "Reimaginar" es una invitación a sentir, a remover y a imaginar otros posibles.
Keta Lenis, también cofundador de la histórica banda chilena Alasido, con más de dos décadas en la escena del rock psicodélico, inicia así una nueva etapa solista marcada por libertad creativa, sensibilidad política y una profunda conexión con los territorios que lo han formado.
En su producción minuciosa y su intensidad contenida, "Reimaginar" captura la turbulencia emocional, social y ecológica de nuestro tiempo. Es un disco que observa, escucha y responde: no se define por un solo género, sino por una sensibilidad mestiza que abraza la experimentación, la textura y la profundidad afectiva. Keta Lenis propone aquí una nueva lectura de la canción latinoamericana para el presente —una obra reflexiva y vibrante, táctil y viva— que vincula lo íntimo con lo colectivo y lo sonoro con lo consciente. Un álbum que invita a repensar el mundo desde el oído y a reencontrarse con una emoción que sigue en movimiento.
Os dejo por aquí el audio de "Deorma". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Keta Lenis. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Ineino"! Y bueno, ¡comencemos!
El pop chileno nunca deja de sorprender, y esta marea fresca lo deja claro. La nostalgia no es sinónimo de falta de renovación, puede ser un excelente recurso sonoro y estético, un viaje a nuestra historia familiar y musical.
"Ineino", la banda de pop expresionista formada en la Región del Biobío, lanza su cuarto disco: "La Nueva Ola", un trabajo que "fusiona la música romántica y popular latinoamericana de los años 60 y 70 con influencias modernas", como detalla el proyecto conformado por José Riquelme, Alejandro Riquelme, Katherine Carrasco y Fernando de la Jara.
Adelantos como "He Pensado en Ti", "Ay! Cielo", "Albahaca" y un emotivo cover de Cecilia y su "Baño de Mar a Medianoche", además de aperturas para Miranda! y la popular banda surcoreana Wave To Earth en su sideshow Lollapalooza 2025, han sido la antesala perfecta para la llegada del álbum que ya podemos disfrutar en extendido.
"Este trabajo va más allá del homenaje, creando un punto de encuentro entre épocas y estilos. En él conviven inspiraciones de artistas tan diversos como Juan Gabriel, Cecilia, Nirvana, Sandro, Zalo Reyes y Violeta Parra. Quisimos capturar una mezcla única de expresiones intensas, conjugando lo íntimo con lo colectivo, lo popular con lo experimental, mediante arreglos que entrelazan sonidos de guitarras retro con texturas y arreglos sonoros contemporáneos", aseguran, describiendo "La Nueva Ola" como un rescate a la esencia de la música de nuestra región, con el prisma distintivo que trae "Ineino" desde Carampangue y Concepción.
Entre violines, contrabajo, autotune, trompetas, temores de reversionar clásicos hermosos, y un proceso grupal de todo un año, el cuarto paso por el estudio dio con la claridad que la agrupación siempre buscó. "Logramos darle forma a una idea que venía rondando hace tiempo: una mezcla entre lo nostálgico y lo moderno, de manera consciente y completa. Este álbum marca una banda más consolidada, con un lenguaje visual y sonoro mucho más trabajado, una identidad que se reconoce a simple vista y oído. Es el disco más pensado y articulado que hemos hecho; menos experimental en el sentido de la búsqueda constante y más enfocado en concretar una propuesta sólida. Todo suena más conectado e intencionado".
Evolución y síntesis que se hacen notar en 13 tracks, que conversan entre sí y se alimentan de la intensidad de Sandro, la fuerza de Cecilia, la contemporaneidad de Mon Laferte y la fusión de géneros que propone C. Tangana.
"No se trató de imitarlos, sino de tomar elementos tal como una voz puede reclamar el centro; la manera de dramatizar una frase, la tensión entre lo íntimo y lo grandilocuente", confiesan sobre un ejercicio que también involucra revisitar la memoria propia. "Pensamos en cómo la música puede ser parte de la vida de la gente, de impregnarse y acompañar actos de agradecimiento, rituales y reuniones. Esa idea de la música como puente social inspiró arreglos que invitan a la participación –como coros que suenan como plazas, frases que pueden ser cantadas por más de una voz– y el uso de texturas como vientos, cuerdas y ensambles, que funcionan tanto para la escucha personal como comunitaria", agregan.
La nueva ola de la nueva ola ya está aquí. "Ineino" revisita la canción romántica, los arreglos orquestales, las armonías vocales que tanto quiso Chile en décadas pasadas y las trae al contexto actual, un relato amplificado por su portada y contraportada: el imaginario de los ídolos de antaño y las estrellas del tiempo actual conviven tal como logramos escuchar.
Un híbrido que no descansa en el presente, sino que se recoge y revienta con potencia entre el pasado y el futuro, buscando unir dos tiempos en un mismo gesto sonoro. "Rescatar lo emocional sin miedo, jugar con la estética clásica y volverla propia, dándole una nueva vida a esos sonidos que alguna vez marcaron a generaciones enteras", concluyen sobre este vaivén que sabe de llanto y risa, en un disco a ratos alegre y, otros, melancólico, tal como mirar las olas en un atardecer atemporal.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el vidoelcip de "Albahaca". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Ineino". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Luz Casal! Y bueno, ¡comencemos!
No es un disco de versiones. Tampoco un álbum inédito. Pero poco importan las etiquetas, y de nada sirven, cuando se trata de Luz Casal. En "Me voy a permitir", el trabajo más ecléctico e inclasificable de su carrera, se concede el antojo de mostrar diez caras, tantas como canciones: diez actitudes, diez miradas, diez formas de entender el mundo. Se mueve con la libertad de quien ya no tiene que demostrar nada. Enseña sus cartas como dama de la chanson francesa y voz contemporánea del cancionero latinoamericano. Como cronista de lo cotidiano y rockera que jamás colgó los pantalones de cuero. Ya lo advirtió Pablo Guerrero: Luz puede acariciar como la seda o desgarrar como los colmillos de un animal herido. Capaz de cantar desde el despecho o la esperanza, canalla o luminosa, libérrima siempre.
Abre el disco "Nada es imposible", título inspirado en el lema de la escritora Noah Higón, que padece siete enfermedades raras. "Cuando todos dicen "no puedes", / yo lo intento el triple de veces", canta Luz en este hermoso corte, coronado por un brillante crescendo de metales. Es una de las cinco canciones originales de "Me voy a permitir". Le sigue otra de las nuevas composiciones, "¿Qué has hecho conmigo?", el tema de estribillo pegadizo y marcado carácter pop que sirve como carta de presentación del álbum.
En "Lágrima", uno de los fados más emblemáticos de Amália Rodrigues, la voz de Luz suena desnuda y contenida, apenas deslizada sobre el acompañamiento de una guitarra portuguesa. Su interpretación constituye, además, el primer gesto de una cadena de homenajes a mujeres que, como ella, se abrieron paso en la música, a menudo contra viento y marea. Esa fue, de hecho, la simiente de "Me voy a permitir": un proyecto inicialmente concebido como reconocimiento a algunas de las voces femeninas que la han acompañado e inspirado a lo largo de su trayectoria, y que, una vez descorchado el proceso creativo, acabó incorporando temas inéditos.
En "Parece ser", una de las letras más afiladas del disco, Luz se confirma como una extraordinaria narradora de la actualidad ("Parece ser que hay incendios / devorando las casas / y conflictos eternos, / tierras que se desangran") sin renunciar a la mirada crítica que caracteriza muchas de sus letras, aquí sostenida por una impresionante algarabía rítmica de percusión y viento: "Parece ser que se miente mucho más que se habla / y que el mundo se ahoga en un mar de pantallas".
El ecuador del álbum regala uno de los temas más descarados y rockeros de su carrera, el que da título al disco ("Me voy a permitir ser mediocre, / macarra, prepotente, chabacana y vulgar"), toda una declaración de intenciones con la que Luz reivindica su condición de verso suelto en una industria atada a apariencias y fugacidades: "Yo no quiero encajar en eso que defines como un mundo ideal, / yo prefiero cambiar las reglas del juego, no ser una más".
Sigue una emocionante revisión de "Todo cambia", una letra cruda pero esperanzadora que en la voz de Luz adquiere nuevos matices y reafirma su talento para transformar clásicos del cancionero popular en hallazgos íntimos, como si acabaran de ser escritos. La letra tantas veces cantada por Mercedes Sosa, otra de las mujeres homenajeadas en el disco, se erige aquí como testimonio de resistencia y optimismo, valores que la intérprete de "Piensa en mí" y "No me importa nada" ha encarnado desde sus inicios.
Con "Bravo" se mide a uno de los himnos más rotundos y oscuros del repertorio mexicano, una balada compuesta por Luis Demetrio que Luz, más sobria que teatral y bajo la producción de Renaud Letang, con quien ya trabajó en "La pasión", convierte en una herida contenida, un reproche primero irónico ("Bravo, permíteme aplaudir / por tu forma de herir mis sentimientos") y luego elevado a testimonio de orgullo y dignidad serena. Sin salir del país azteca, Luz se adentra en "Te mereces un amor", de Vivir Quintana, una de las cantautoras más interesantes de la música latina. Su interpretación, de una delicadeza casi susurrada al principio, explosiva después, mezcla ecos de nana y ranchera, como si arrullara un consejo infalible antes de lanzarlo al vacío.
Con "Ella", de Charles Aznavour, llega la primera y única colaboración cantada del disco. Carla Bruni, icono de la música francesa contemporánea, se une a Luz para tejer un diálogo elegante y emotivo que enriquece este corte intimista que dio la vuelta al mundo tras formar parte de la banda sonora de la película "Notting Hill". Cierra el álbum "El blues de la cebolla", una composición original de Chris Barron (Spin Doctors) producida por Paul "Wix" Wickens, músico habitual de Paul McCartney. Luz, autora del tema junto a Pablo Sycet, aporta una lectura feminista en la letra ("Y, por tanto, compañera, / pon las manos en la masa / porque aquí tú eres la joya") y una interpretación rugosa y viva, como exige la crudeza del blues, acompañada de un memorable puente musical protagonizado por un solo de guitarra de Robbie McIntosh (The Pretenders, Norah Jones, John Mayer), uno de los músicos más respetados y elegantes del panorama internacional.
Diez canciones, diez piezas de un puzle con el que Luz, genuina y tentacular, ajena a la pirotecnia y los artificios, se permite no seguir más señales que las de su propio instinto, una libertad que le ha brindado la admiración del público, el respeto de la crítica y la complicidad de sus colegas, un triple reconocimiento que se produce en contadas ocasiones. Este nuevo trabajo, un puente entre pasado y futuro, certifica su doble condición de compositora intuitiva y talentosa e intérprete excepcional, capaz no solo de cantar sino de habitar las canciones, sean suyas o ajenas, y la confirma como uno de los mayores iconos vivos de la música europea.
Os dejo por aquí el videoclip de "¿Qué has hecho conmigo?". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Luz Casal. No olvidéis seguirla en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para estar al tanto de todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Majo Aguilar! Y bueno, ¡comencemos!
Majo Aguilar continúa consolidándose como una figura femenina clave en la música mexicana con el lanzamiento de "Mariachi Mío (Deluxe)", una edición ampliada de su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Con raíces en la tradición, pero impulsado por una innovación audaz, el álbum muestra la capacidad de Majo para presentar el mariachi desde una perspectiva moderna, fusionándose con influencias de huapango, flamenco, rap y tumbado. Creado a lo largo de un año en Puerto Escondido, Monterrey y otros centros creativos, "Mariachi Mío (Deluxe)" refleja a una artista plenamente comprometida con la preservación y la reinvención. Esta edición incluye cuatro temas que no formaban parte del álbum original de 10 canciones, ampliando aún más el panorama emocional del proyecto y destacando el continuo crecimiento de Majo como vocalista, compositora y narradora.
Esta edición Deluxe introduce cuatro temas que profundizan en el arco emocional y temático del álbum. "No Más Canciones De Amor" confronta el desamor persistente con rebeldía, mientras que "Veracruz" celebra la herencia y la familia a través de un dueto con su abuelo, José Carrillo, honrando la tradición mexicana. "Así Son Las Cosas" captura la imprevisibilidad lúdica del amor, y el álbum cierra con "Chilo", un himno empoderador de liberación y amor propio que transforma el dolor del pasado en fortaleza. En conjunto, los 14 temas de esta producción muestran la capacidad de Majo para fusionar tradición e innovación contemporánea, creando un álbum que refleja honestidad emocional, orgullo cultural y su continua evolución como una voz fundamental de la música mexicana.
Majo Aguilar sigue reafirmando su lugar como una de las voces más cautivadoras de la música mexicana, equilibrando tradición e innovación en cada lanzamiento. El pasado 9 de noviembre, hizo historia al convertirse en la primera mujer embajadora del Congreso Mundial del Mariachi, que celebró su segunda edición, un prestigioso encuentro cultural que rinde homenaje a la tradición musical más emblemática de México. Majo clausuró el evento con una presentación especial de cuatro canciones en el Zócalo de la Ciudad de México, marcando un momento poderoso y simbólico en el legado del género. Este hito subraya la creciente influencia de Majo como una voz contemporánea líder, que combina un profundo respeto por la herencia con una perspectiva fresca y auténtica. Con más de 458 millones de reproducciones globales, su impacto en la música mexicana es innegable.
Los temas que componen "Mariachi Mío (Deluxe)" son:
Cuéntame (con Alex Fernández)
Luna Azul (con Santa Fe Klan)
Que Te Vaya Bien
Piel Azteca
El Beso
Si Tú No Vuelves
Mala Mala
Aún Así Te Vas
Quise Algo Bien
No Pidas Perdón
No Más Canciones De Amor
Veracruz (con José Carrillo)
Así Son Las Cosas
Chilo
Os dejo por aquí el video lyric de "No Más Canciones De Amor". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Majo Aguilar. No olvidéis seguir a Majo Aguilar en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Josefina Espejo! Y bueno, ¡comencemos!
En 2020, la cantautora chilena Josefina Espejo dio a conocer su primer EP, "Lilit", una obra que fusiona elementos del folk, el indie y el pop. Durante ese proceso de grabación nació Lxs Mirrors, la banda que la ha acompañado desde entonces y que hoy integran Enzo Nitor, Vicente Soler, Sebastián Quinteros y Maximiliano Díaz. Con esta formación registraron el sencillo doble "XIII", publicado a inicios de este año, además de los singles "Aguas Negras" y "Herida", que funcionaron como adelantos del esperado nuevo álbum de la banda, ya disponible en plataformas digitales bajo el nombre "Madre Negra".
A lo largo de doce canciones, Josefina Espejo y Lxs Mirrors consolidan una propuesta sólida, marcada por el trabajo en sala de ensayo, la experiencia en vivo y la cohesión del conjunto. El resultado es un repertorio donde el rock emerge entre pasajes de calma e introspección, y momentos de rabia y melancolía.
"Mostrarme" abre el disco con una introducción sensible de guitarra y voz que pronto se expande con más instrumentos y fuerza, revelando las dinámicas y versatilidad que atraviesan todo el álbum. Le sigue "Herida", un tema con tintes progresivos y post rock que convive con una estructura cercana al pop rock. Desde allí, el álbum transita por guiños a la balada setentera ("Lo que siento"), rock alternativo con arreglos cercanos al emo ("La conversación"), y atmósferas etéreas y noise con ritmos grooveros y un toque brit ("A través de todo"). La mitad del recorrido está marcada por "Huracán", canción que ya tuvo una versión acústica en "El Rito", pero que aquí alcanza un nuevo nivel de complejidad y vértigo.
El viaje continúa con dosis de rock psicodélico y rabioso ("Rapé"), seguido por canciones más cargadas de groove ("Carolina", "Corazón"), para luego llegar a "Aguas Negras", que fusiona con soltura sonoridades noventeras y actuales. El cierre llega con "Anclo" y "Pálpito", dos composiciones que equilibran lo melancólico e introspectivo con pasajes oscuros, densos y envolventes.
"Madre Negra", ya disponible en plataformas digitales, fue producido por Josefina Espejo y Lxs Mirrors, grabado por David Catalán con asistencia de Victor Borgert. La mezcla fue realizada por Enzo Nitor (que también estuvo a cargo del master) y Josefina Espejo en Patán Records. La portada es obra de Wacha Taller y Josefina Espejo.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Emmanuel Horvilleur! Y bueno, ¡comencemos!
Emmanuel Horvilleur, uno de los referentes más sofisticados y versátiles de la música argentina, lanza su nuevo álbum "MI AÑO GÓTICO", una obra que confirma su capacidad para reinventarse sin perder identidad. Con una estética cuidada y un sonido que combina elegancia, frescura y riesgo, el artista vuelve a demostrar por qué es considerado un músico de calidad indiscutible.
Este disco llega luego de anticipos que marcaron tendencia, como "Tu cara de Culo" y "En la moto", junto a Julián Kartun y el más reciente lanzamiento "Ya es Tarde" con el artista chileno Alex Anwandter, que dejaron entrever la diversidad sonora y la libertad creativa que atraviesan el proyecto. Además, "MI AÑO GÓTICO" incluye colaboraciones de lujo: Ale Sergi y Javiera Mena en el hipnótico "Santo Domingo", y la participación estelar de Fito Páez en "Caetano", una pieza con espíritu de bossa nova que se perfila como uno de los momentos más sofisticados del álbum.
Con este lanzamiento, Emmanuel reafirma su lugar como un artista que no se detiene, que explora, que se reinventa y que sigue marcando el pulso de la música contemporánea. "MI AÑO GÓTICO" no es solo un disco: es una declaración de estilo, sensibilidad y talento.
Os dejo por aquí el videoclip de "Ya es tardeugo" ¡No os lo perdáis
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡William Barz! Y bueno, ¡comencemos!
El cantante y compositor colombiano de pop y rock William Barz, nacido en Barranquilla, cierra el año con "Mr. Barz", un trabajo discográfico que celebra sus 10 años de carrera.
"Mr. Barz" es un álbum introspectivo. Habla de William Barz, de su manera de ver el mundo. El amor, el deseo, la soledad y todos los demonios internos que el ser humano tiene. Es un disco que nació bajo la necesidad de hacer música honesta. Canciones que me mostraran ante el mundo como quien en verdad es el músico colombiano.
"Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer real sus sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente", comenta el artista.
"Mr. Barz" es un álbum donde el indie pop se funde con el R&B y el soul en una producción minimalista, pero profundamente cálida. Hay beats con texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk, y sintetizadores atmosféricos que sostienen la narrativa emocional. Cada canción está construida desde la intención: dinámicas cuidadas, armonías sensibles, arreglos que respiran y un enfoque vocal íntimo que guía todo el viaje. Es un disco pensado para escucharse con atención, para apreciar sus matices y su carga emocional.
"En este disco regresé al principio en donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati que es de mis artistas favoritos, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin De Graw, Mac Miller, Rex Orange County y, además, una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum. Poesía antológica y hermosa de autores maravillosos como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos, entre otros grandes autores", agrega el barranquillero.
"Mr. Barz" de William Barz presenta en "Dura Dú Dú" un gran opening, un puño de Flow. "Fresh" es cien por ciento Barz, "Dime que sientes" es música y poesía, "Solo" es un Groove honesto que conecta, "Por cuarta vez" es la joya, el focus track y la primera canción que se compuso de este álbum hace 8 años. "Modo avión" es la manera que William utiliza para decirle al rock que, aunque no hace rock jamás se olvida de él. Es energía y fuerza. "Las horas" es poesía pura, "Poker Face" es una joya literaria y musical del álbum. Una historia cantada. "Blowjob" es deseo, pecado y atrevimiento. "Los trucos" es un cierre de película, un collage de emociones dentro de una canción que redacta muchas situaciones complejas sin introducirse demasiado en ninguna.
Según William Barz, "es un álbum para escuchar de noche, con vinito o cerveza. Solo o muy bien acompañado. Es chévere que suena bien para pensar, para reír, para hacer el amor o hasta para disfrutar la parte literaria. Es un disco diferente y muy digerible".
El músico colombiano planea para 2026 duplicar los lanzamientos del 2025, así que el próximo año el artista publicará mínimo 20 canciones nuevas.
Os dejo por aquí el videoclip de "High". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Brünne Romeo! Y bueno, ¡comencemos!
Tras dos años de intensa creación, Brünne Romeo al fin presenta "La Caída del Ángel", un álbum debut profundamente conceptual que lo posiciona como una de las propuestas más prometedoras del pop alternativo nacional. A través de catorce temas, el artista construye un universo propio donde se mezclan relato autobiográfico, búsqueda identitaria y experimentación sonora.
El disco expone sin filtros su historia personal: la huida de un hogar tóxico, la necesidad de validar su vocación artística en un entorno que no la reconoce, las heridas de la infancia y la repetición (y ruptura) de patrones afectivos dañinos. A todo ello se suma su inconformismo, su ambición y el proceso de desprenderse de creencias limitantes que marcaron su crecimiento.
El álbum se articula en dos mitologías sonoras: el cielo y la tierra, conectadas por un interludio, "No Me Hace Falta El Amor", que simboliza la caída del protagonista desde la esfera celestial hacia el mundo terrenal. Esta pieza funciona como un eje narrativo y un puente emocional que sostiene la transición conceptual del proyecto.
En la primera parte, el cielo, Brünne Romeo subvierte la idea tradicional de un espacio idílico para convertirlo en un territorio inestable, oscuro y hostil. Allí se libra una guerra interna que refleja el caos, la rabia y la confrontación con los valores y creencias de una sociedad celestial que rechaza su autenticidad.
La segunda parte, la tierra, explora el aterrizaje del ángel en un nuevo entorno donde comienza un proceso de adaptación, descubrimiento y liberación. Aquí emergen la búsqueda de identidad, el cambio de paradigma, el escepticismo y, finalmente, la construcción de un nuevo hogar lejos de su origen.
"La Caída del Ángel" despliega la dualidad artística de Brünne Romeo a través de un recorrido por géneros como el indie pop, el synth pop, el dark pop electrónico y baladas experimentales. Así, el artista consolida un abanico estilístico que combina sensibilidad, crudeza y una marcada intención conceptual, una identidad sonora que abarca luz y oscuridad.
El álbum culmina con "Hermoso Hogar", focus track y cierre luminoso que representa el renacer del artista. El tema irradia la energía de una relación sana y del reencuentro con la paz interior. Esta canción simboliza la llegada a un espacio seguro, la reconciliación con la luz y el hallazgo de un hogar emocional propio.
"La Caída del Ángel" es, en esencia, una obra de tránsito y transformación: un descenso que es, al mismo tiempo, una ascensión personal.
Os dejo por aquí el videoclip de "La Eternidad". ¡No os lo perdáis!
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"Denisdenis" lanza su primer álbum "La Virtud del Alba", disponible en todas las plataformas digitales y en edición vinilo. Después del rotundo éxito de los primeros singles estrenados, el disco se plantea como un viaje emocional y conceptual que transita desde la energía del encuentro hasta la luz del renacer, guiado por una narrativa musical que combina lo poético, lo orgánico y lo luminoso.
Con "La Virtud del Alba" y la figura del tigre —presentes tanto en la canción homónima como en la portada—, "Denisdenis" propone una metáfora de fuerza, transformación y claridad.
El tigre simboliza el despertar, la potencia que surge tras la noche; mientras que el alba representa la virtud de comenzar de nuevo.
Este binomio da forma al espíritu del disco y a la experiencia que se revela desde el momento en que se coloca la aguja sobre el vinilo o se pulsa “play”.
El álbum abre con “Baile de Almas”, tema que actúa como motivo principal: la música, los directos y el contacto con la gente. Una introducción que invita al movimiento y marca el tono emocional del viaje.
Le sigue “No Voy a Parar”, probablemente la canción más indie y enérgica del disco. Un tema de motivación total, de ritmo contagioso y espíritu vitalista, con versos que insisten en avanzar sin rendirse: “No voy a parar hasta que sepas bailar, no voy a ceder hasta que hoy sea ayer”.
La pieza central, "La Virtud del Alba", da título al disco y es su punto más poético y experimental. Aquí "Denisdenis" juega con elementos del rock de los 70, texturas analógicas y una carga simbólica que refleja el concepto general del álbum.
El viaje continúa hacia terrenos más introspectivos con "El Tiempo del Suspiro" y "Las Humedades", donde el grupo explora la duda, la vulnerabilidad y el peso de la incertidumbre hasta llegar a la resolución del amor con uno mismo y los demás.
La elipsis del disco llega con "Gran Cielo", un punto de apertura que disipa la oscuridad y prepara la llegada de la claridad.Finalmente, la energía luminosa regresa con “Sin Miedo” y “Eres Real”, que cierran el disco con un tono esperanzador y expansivo. Un cierre “a lo Coldplay”, con un solo emocional y platos abiertos que dejan al oyente una sensación de libertad y horizonte.
Le sigue “No Voy a Parar”, probablemente la canción más indie y enérgica del disco. Un tema de motivación total, de ritmo contagioso y espíritu vitalista, con versos que insisten en avanzar sin rendirse: “No voy a parar hasta que sepas bailar, no voy a ceder hasta que hoy sea ayer”.
La pieza central, "La Virtud del Alba", da título al disco y es su punto más poético y experimental. Aquí "Denisdenis" juega con elementos del rock de los 70, texturas analógicas y una carga simbólica que refleja el concepto general del álbum.
El viaje continúa hacia terrenos más introspectivos con "El Tiempo del Suspiro" y "Las Humedades", donde el grupo explora la duda, la vulnerabilidad y el peso de la incertidumbre hasta llegar a la resolución del amor con uno mismo y los demás. La elipsis del disco llega con "Gran Cielo", un punto de apertura que disipa la oscuridad y prepara la llegada de la claridad.Finalmente, la energía luminosa regresa con "Sin Miedo" y "Eres Real", que cierran el disco con un tono esperanzador y expansivo. Un cierre "a lo Coldplay", con un solo emocional y platos abiertos que dejan al oyente una sensación de libertad y horizonte.
"La Virtud del Alba" es un álbum que combina rock y pop alternativo, oscilando entre la introspección y la euforia. Cada canción contribuye a un relato que evoluciona desde el impulso inicial hasta la reconciliación con la claridad.
El resultado es un trabajo positivo, directo y honesto, donde conviven guitarras eléctricas, sintetizadores suaves y letras que respiran emoción y propósito.
Os dejo por aquí el videoclip de de "La virtud del alba". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Denisdenis". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
