Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Ariana Grande! Y bueno, ¡comencemos!
El pasado 31 de julio, la ganadora de tres premios GRAMMY® Ariana Grande publica su octavo álbum de estudio, "petal", a través de "Babydoll Music" / "Republic Records". El esperado trabajo ha sido escrito y producido por Ariana Grande e ILYA, con Max Martin participando como coautor y productor en tres de sus canciones.
Coincidiendo con el lanzamiento del álbum, hoy a las 17:00 h (hora peninsular española) se estrena el videoclip oficial de "petal", dirigido por Christian Breslauer.
El primer sencillo del álbum, "hate that i made you love me", debutó directamente en el nº 1 del Billboard Hot 100, convirtiéndose en el décimo número uno de Ariana Grande en esta lista. Con este logro, la artista hace historia al convertirse en la primera en debutar con el sencillo principal de cada uno de sus ocho primeros álbumes de estudio dentro del Top 10 del Billboard Hot 100.
Este verano, Ariana regresó a los escenarios con "The Eternal Sunshine Tour", su primera gira mundial en más de siete años. La gira, con todas las entradas agotadas, ha recibido el aplauso unánime de la crítica y del público. Tras una exitosa serie de conciertos con el cartel de sold out en Estados Unidos, incluyendo actuaciones en Los Ángeles y Brooklyn, la gira llegará a su fin con sus últimas fechas en Montreal y en el O2 Arena de Londres.
Los temas que componen "petal" son:
kiss me
hate that i made you love me
petal
stay
oh well
big feelings
freak
warning signs (interlude)
like i do
never get over me
bad thing (bunny hop)
nowhere, nobody
Os dejo por aquí el videoclip de "the boy is mine". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una artista: ¡El Toed! Y bueno, ¡comencemos!
El Toed presenta "Por si no me vuelves a escuchar", un álbum profundamente personal que aborda el suicidio y la prevención desde la experiencia, la vulnerabilidad y la necesidad de encontrar un refugio en la música. A través de letras íntimas y un sonido que se transforma a lo largo del proyecto, el artista construye una historia alternativa en la que se despide del mundo, dejando tres cartas personales que funcionan como interludios y que permiten acercarse a los pensamientos y emociones que atravesaron una etapa compleja de su vida.
El recorrido comienza con "Víctima", una canción sobre la imposibilidad de expresar aquello que se lleva por dentro y que termina convirtiéndose en una carga. A partir de ahí, temas como "Súplica", "Solo quiero llorar" y "Yo nunca fui tu flaco" exploran el desamor, las inseguridades, las dudas y el impacto que pueden tener terceras personas dentro de una relación. Sin embargo, el álbum también se permite recordar aquello que alguna vez hizo que valiera la pena quedarse. "Quiero escapar", "Miel Carmín" y "Por Ti Me Quiero Quedar" representan ese otro lado de la historia: el amor como refugio, deseo y motivo para permanecer.
Más que un disco sobre la despedida, "Por si no me vuelves a escuchar" es también un registro del crecimiento interno de El Toed. El proyecto fue construido durante un año en el que su sonido evolucionó junto con él: comienza desde un folk de corte clásico, cercano a propuestas como la de Kevin Kaarl, para después adentrarse en producciones más arriesgadas con influencias del hyperpop y el universo sonoro de Mk.gee. Hacia el cierre, el álbum regresa al folk desde una perspectiva más madura, vital y detallista, donde la composición, los arreglos, la grabación y la producción reflejan una nueva etapa artística.
El proyecto cuenta con la participación de Besasa, Irvin Mach, El Verumcito y Koi No Yokani, colaboradores que llegan al álbum desde vínculos de amistad genuinos y que aportan sus propias identidades y universos sonoros a la narrativa de El Toed.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Tony Iommi! Y bueno, ¡comencemos!
"BMG Records" se complace en anunciar el lanzamiento mundial del nuevo álbum del legendario guitarrista Tony Iommi, titulado "From The Dark". El lanzamiento se anuncia con el primer single, "World Alone", que se ha estrenado esta tarde en un evento especial de transmisión global celebrado en Birmingham, Inglaterra, ciudad natal de Iommi, muy cerca del famoso puente Black Sabbath sobre el canal, inaugurado en 2019 como homenaje cívico a la icónica banda.
‘World Alone’ es una canción de rock atronadora que avanza a toda velocidad con una avalancha de riffs y solos de guitarra vertiginosos, respaldada por una sección rítmica potente y rematada con la poderosa voz operística del aclamado vocalista noruego Jorn Lande. El video se ambienta en un universo distópico retrofuturista donde el protagonista, The Believer (El Creyente), se ve inmerso en un videojuego retorcido para salvar su vida y, finalmente, encontrar la salvación.
En "From The Dark", Tony Iommi cuenta con la colaboración de Jorn Lande, quien comparte créditos de composición en todas las canciones, así como de la bajista Becky Baldwin y el baterista Karl Brazil. Coproducido por Tony y Mike Exeter, su socio creativo de larga trayectoria, coautor, productor e ingeniero de sonido, el sonido es cristalino, vibrante e imponente, sumergiendo al oyente en una experiencia sonora vanguardista, tan contemporánea como atemporal.
Tony Iommi comenta, "Es un álbum que hemos disfrutado mucho haciendo. No estamos tratando de demostrar nada, es un gran álbum, ¡es genial!!"
Desde las primeras notas de "Over The Violent Sun", con un clásico y potente riff de guitarra grave de Tony Iommi y la dramática destreza vocal de Jorn Lande, queda claro que From The Dark es un álbum excepcional que se sitúa a la altura de la impresionante discografía de Iommi.
"Black Times" continúa el viaje, un golpe fulminante que no deja indiferente a nadie, dando paso al arrollador primer sencillo "World Alone", antes de que el cuarto tema, "Beyond The Dead", cambie el ritmo con un riff majestuoso y siniestro entrelazado con una orquestación épica.
El cuestionamiento existencial de las letras de Lande, repletas de imágenes distópicas y reflexiones sobre la fugacidad de la experiencia humana, se manifiesta con fuerza a lo largo del álbum, especialmente en "Stormwatcher", con sus metáforas náuticas y sueños de nuevos horizontes. "Stormwatcher", un tema central brillante de este extraordinario álbum, se ve igualado en alcance y dramatismo por el posterior "Death Wake", donde tanto la música como la letra se combinan para crear una imagen vívida de las crueldades de una vida sin amor ni humanidad.
Desde las dos últimas canciones de The Dark, la furiosa pasión de "Return Of The Arbalist" y el caleidoscopio verdaderamente épico de "Legacy" demuestran la potencia y el dramatismo, la luz y la sombra que recorren el álbum. Un año después del último concierto de Black Sabbath, en el festival Back To The Beginning de Birmingham en 2025, este álbum evidencia la llama creativa que arde con fuerza en Tony Iommi y es, sin duda, uno de los mejores álbumes de rock publicados este año.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Reyner! Y bueno, ¡comencemos!
Durante el primer semestre del año, Reyner, el proyecto solista del artista colombiano Deiner Mosquera, estuvo lleno de trabajo con el lanzamiento de su nuevo disco y dando los últimos conciertos con la temática y el concepto del anterior EP, dejando ir "La Passión" para recibir de "La Divinidad".
"La Divinidad", nuevo disco de Reyner, tiene un concepto que se divide en dos, primero una visión superficial que define a los artistas como un personaje que por su talento está en un pedestal donde es elogiado y solo disfruta del beneficio, siendo estos elementos narrados en la primera parte del álbum. El segundo es una visión profunda que tiene en cuenta que todos son humanos y buscan conexión con las demás personas. "La Divinidad" es un viaje en el que al final se recuerda lo lindo que es sentir y lo lindo que es amar.
"La historia y el viaje que narra "La Divinidad" se construyó en noches de composición, soledad, lecturas, escuchas y una búsqueda que no sabía que estaba haciendo, hasta que encontré una lectura budista que me ayudó porque decía que en el budismo la divinidad es un estado al que se llega recorriendo un camino en soledad, de autodescubrimiento, de enfrentar el ego y de ser más consciente y humano. En ese estado se es capaz de dar amor y de poder recibirlo", comenta Reyner.
El álbum le canta a la soledad, el desamor, el ego, la sensualidad, el sexo y el amor que es la fuerza que mueve al mundo. En este disco, el artista habla con mucha honestidad sobre él.
"A través de mis historias, mis sentimientos y mis canciones narro mi propio camino hacia la divinidad; aunque para ser más coherente con mis ideas y creencias, el lugar al que yo llego se llama "El Paraíso"", agrega el músico colombiano.
Los sonidos que se exploran a lo largo del disco son el blues, el funk, el pop y el soul, teniendo como novedad la adición de arreglos corales basados en la música góspel y detalles que evocan el son cubano, sin embargo, el rock es una de las exploraciones sonoras más notorias del disco, teniendo mucha distorsión y solos de guitarra más agresivos.
"Es hermoso experimentar todas las emociones y los sentimientos que nos brindan las conexiones con otros porque, aunque a todos nos guste más lo dulce del amor, la experiencia es que la vida se compone de sentir todo lo que nos brinda y solo así disfrutamos con más gusto el amar", enfatiza Reyner, quien se inspiró en este disco en artistas y grupos como Marvin Gayé, Giveon, Jeff Buckley, Amy Winehouse, Alabama Shakes, Sade, Queen, Arctic Monkeys, Tino Drima y Lenny Kravitz.
Os dejo por aquí el audio de "Ojos". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡ADÉLA! Y bueno, ¡comencemos!
Tras varios meses alimentando la expectación con sus recientes singles "KGB" y "Red Bottoms", ADÉLA anuncia el lanzamiento de su esperado álbum debut, "PRIMA", que verá la luz el próximo 4 de septiembre a través de "Capitol Records".
El anuncio llega acompañado del estreno de su nuevo single, "Ain't In LA", así como de un videoclip dirigido por Fred Gervais y rodado en su ciudad natal, Bratislava.
Impulsada por potentes líneas de 808, percusiones con texturas glitch, voces manipuladas y versos de gran magnetismo, "Ain't In LA" encuentra a ADÉLA reflexionando sobre el vertiginoso camino que ha recorrido hasta ahora y mostrando su agradecimiento por todas las oportunidades que han llegado a su vida desde que dejó Eslovaquia para perseguir su sueño de convertirse en estrella del pop.
La inspiración para la canción surgió durante una visita a su país natal, cuando encontró unas fotografías de su madre con 18 años posando frente a una pared cubierta de imágenes de la cultura pop.
«Mi abuelo introducía aquellos pósteres de contrabando desde Alemania», explica ADÉLA. «Me hizo pensar que hay muchísimas chicas increíbles con grandes sueños que nunca recibirán el reconocimiento que merecen, igual que ocurrió con mi madre. Escribí esta canción para ella... y para los mil millones de zorras que probablemente sean más guays que yo.»
Con producción ejecutiva de Dylan Brady y Blake Slatkin, su esperado álbum debut es un retrato tridimensional del universo artístico de ADÉLA y el reflejo sin filtros de una joven que ha tomado las riendas de su propio destino. «Quiero que este disco suene exactamente como una chica de 22 años», afirma. «Quise mostrar ambas facetas de mi personalidad. Mezclé la dureza con la delicadeza, la vulnerabilidad con la actitud, los ritmos más contundentes con la energía femenina. Hice exactamente el álbum que quería hacer».
En "PRIMA", ADÉLA explora su lado más vulnerable mientras profundiza en sus inseguridades, las relaciones tóxicas y temas universales de la experiencia femenina como el amor, la pérdida, la identidad, la autonomía y la amistad. Sobre una identidad sonora marcada por los tacones y las piruetas, teclados empapados de sudor y letras tan íntimas como un mensaje enviado a las tres de la madrugada, mantiene los pies en la tierra gracias a una determinación tan firme como desprejuiciada por alcanzar lo más alto. «PRIMA significa "primera", y no podría haber un título más apropiado para mi álbum debut. Ser una prima ballerina significa ser la bailarina principal, la mejor de la compañía. Es un término muy especial dentro del mundo del ballet. Yo quiero convertirme en la prima ballerina del pop, y este disco es el primer paso para conseguirlo».
El anuncio de "PRIMA" llega después de que ADÉLA anunciara su primera gira como cabeza de cartel, cuyas entradas se agotaron en cuestión de minutos, y tras el lanzamiento de los singles "KGB" y "Red Bottoms". Hace menos de un año publicó su EP debut, The Provocateur, a través de "Capitol Records": una historia dramatizada sobre una joven dispuesta a hacer lo que sea necesario para cumplir sus sueños. Desde entonces, ha recibido el reconocimiento de medios como Vogue, Interview Magazine, The FADER, Harper's Bazaar, NYLON, Rolling Stone, Cosmopolitan, i-D y PAPER Magazine, publicación que llegó a afirmar que «su éxito no sorprende en absoluto». Impulsada por esta excelente acogida, ADÉLA agotó rápidamente las entradas para sus primeros conciertos en solitario en Londres, Nueva York y Los Ángeles, antes de acompañar a Demi Lovato como artista invitada en su gira norteamericana.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Glassrows"! Y bueno, ¡comencemos!
"VÉRTIGO" es un disco que explora la ansiedad, la incertidumbre y los cambios que atraviesan la vida cotidiana. A través de sus canciones, "Glassrows" retrata la sensación de perder el control, enfrentar los propios miedos y encontrar la fuerza para seguir adelante. Con una combinación de rock alternativo y melodías modernas, el álbum busca conectar con quienes alguna vez se sintieron atrapados en sus pensamientos, pero decidieron seguir avanzando.
Cada canción representa un capítulo dentro de ese viaje emocional, retratando la sensación de perder el control, caer en un espiral de pensamientos, enfrentarse a los propios fantasmas y descubrir que, incluso en los momentos más oscuros, siempre existe la posibilidad de reconstruirse. El vértigo funciona como una metáfora de la vida misma: ese instante de incertidumbre antes de dar un paso hacia lo desconocido, donde el miedo y la esperanza conviven al mismo tiempo.
Musicalmente, el álbum combina la fuerza del rock alternativo con melodías contemporáneas, guitarras contundentes, pasajes atmosféricos y una producción moderna que potencia la carga emocional de cada composición. "Glassrows" encuentra el equilibrio entre la energía, la vulnerabilidad y la catarsis, construyendo un sonido capaz de transmitir tanto intensidad como sensibilidad.
Los productores del álbum son Jonathan Luisi y Gabriel Sotomayor y fue grabado en Indigo Producciones.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Joaquin Vanrafelghem! Y bueno, ¡comencemos!
Después de abrir una nueva etapa con "Expresso Magnolia", Joaquin Vanrafelghem presenta "Autobahn", un álbum donde la improvisación deja de ser el punto de llegada para convertirse en el punto de partida. Grabado entre su casa y el estudio, el disco conserva la intuición que definió su debut, pero ahora la despliega desde canciones construidas con otra paciencia: instrumentos registrados uno por uno, una banda que amplía las maquetas originales y una producción que encuentra en el groove una nueva forma de narrar. Cedron, el tema foco del álbum, resume esa transición. Un Rhodes insistente sostiene una pieza que atraviesa pasajes contemplativos, breaks de inspiración acid jazz y una resolución guiada por saxo y flauta, sin abandonar nunca la sensación de movimiento continuo que atraviesa todo el disco.
"En este disco quise construir más cada tema, pero sin perder esa primera intuición. Nació de una idea muy simple y fue creciendo de manera natural. Lo único que busco es tocar algo que me lleve a una imagen. casi como una película que cambia de escena sin avisar, pero que igual mantiene el mismo clima", agrega Joaquin.
Paciente, envolvente y concebido para revelar más detalles con cada nueva escucha, "Autobahn", termina de definir el lenguaje que comenzó a esbozar en "Expresso Magnolia". Influenciado por el jazz-house británico, el acid jazz japonés y la estética visual de los catálogos automotrices de los años ochenta y noventa, Joaquin Vanrafelghem propone un universo donde la música, diseño e interpretación responden a una misma lógica. "Autobahn" funciona como un recorrido continuo que confirma una dirección clara para un proyecto que sigue creciendo desde la curiosidad, el detalle y una identidad cada vez más definida.
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Joaquin Vanrafelghem. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"IDO"! Y bueno, ¡comencemos!
"IDO" publica "Predestinados", su nuevo trabajo discográfico, ya disponible en las principales plataformas digitales. Este álbum representa un paso decisivo en la evolución artística de la banda, consolidando un sonido propio en el que confluyen el rock alternativo, la electrónica, el grunge y el metal progresivo, sin renunciar a la intensidad emocional que caracteriza sus composiciones.
Lejos de ser un lanzamiento aislado, "Predestinados" marca el inicio de una nueva etapa creativa que se desarrollará durante los próximos meses con una serie de propuestas concebidas para ofrecer al público una forma diferente de experimentar la música de "IDO".
Como continuación del lanzamiento del álbum, el grupo estrenará durante el mes de septiembre un videoclip muy especial que incluirá una sorpresa para sus seguidores: una reinterpretación en castellano de una canción perteneciente a una de las bandas más influyentes de la historia del rock. La identidad del tema y el resto de detalles se desvelarán progresivamente en los canales oficiales y redes sociales de la banda.
La culminación de esta nueva etapa llegará en octubre con una presentación privada y de aforo muy reducido. Lejos del formato convencional de un concierto, "IDO" ha concebido una experiencia inmersiva diseñada para eliminar la distancia entre la banda y el público. Cada elemento de esta propuesta estará orientado a potenciar una conexión directa, cercana y profundamente emocional, invitando a los asistentes a vivir la música desde dentro y convirtiéndolos en parte activa de la experiencia. Sin revelar todavía el concepto completo, el grupo adelanta que será una propuesta inédita dentro de su trayectoria y que todos sus detalles se anunciarán en las próximas semanas.
Sobre el álbum
Con una duración cercana a los cuarenta minutos, "Predestinados" reúne ocho composiciones originales que recorren diferentes paisajes sonoros, combinando la contundencia de las guitarras, las atmósferas electrónicas y una marcada carga emocional en sus letras. El disco refleja la madurez compositiva de la banda y su voluntad de seguir explorando nuevos lenguajes musicales sin perder su identidad.
Os dejo por aquí el videoclip de "El Duelo". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Vilax"! Y bueno, ¡comencemos!
La agrupación "Vilax" presenta "CAPÍTULO 8 (La Historia Completa)", el álbum con el que concluye el proyecto iniciado en mayo con el lanzamiento de "CAPÍTULO 8". Disponible a partir de hoy en todas las plataformas digitales, esta producción reúne 15 temas que cierran un recorrido musical y marcan una evolución en la identidad musical del grupo.
Encabezando esta producción se encuentra "Ni al 50", un tema inédito que convierte una historia de desamor en una cumbia norteña llena de ritmo. La canción logra un balance entre una lírica honesta y una melodía pegajosa, retratando la falta de reciprocidad en una relación a través de frases cotidianas como: "Ya te dedico varias de Nodal sin que te des cuenta" y "Tú poniendo el cien por ciento y yo ni al cincuenta me siento".
Si el EP previo sirvió como introducción, "CAPÍTULO 8 (La Historia Completa)" une cada una de las piezas del proyecto. El disco conserva la raíz norteña de "Vilax" — sostenida por el acordeón, el bajo quinto y las percusiones— e incorpora nuevas texturas a través del uso de teclados y guitarra eléctrica.
Este lanzamiento llega tras el impacto de su álbum GANAS (Deluxe), nominado al Latin GRAMMY® 2023 en la categoría Mejor Álbum de Música Tejana, consolidando el crecimiento constante de la banda en la industria.
Los temas que componen "CAPÍTULO 8 (La Historia Completa)" son:
De Beso En Cuando
Después De Las 12
Por La Anécdota
Ni Al 50
¿Qué Hubiera Sido?
Más Acción
Mi Momento Más Humilde
Lotería
Mejor Nadota
Golpe Bajo
Ahora Somos
A Lo Mejor Quizás
Ni Pa’ Novio, Ni Pa’ Ex
Advertencia
Chat Diario
Os dejo por aquí el videoclip de "VT". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Joaquín Hernández! Y bueno, ¡comencemos!
El panorama de la música urbana en español recupera una de sus esencias más magnéticas con proyección internacional. Gonzalo Genek, uno de los arquitectos más respetados del sonido independiente en la región sudamericana, anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, titulado "TODAS SON IGUALES". Este proyecto marca el inicio de una etapa madura pero profundamente conectada con los elementos musicales, emocionales y narrativos que consolidaron su carrera en los escenarios internacionales y que sus seguidores más fieles llevaban años esperando.
El artesano del sonido urbano
Con una trayectoria construida sobre la honestidad lírica y el respeto de la crítica especializada, Gonzalo Genek ha sabido diseñar un universo propio donde el rap, el R&B y la producción meticulosa se abrazan de forma orgánica. Su anterior trabajo discográfico, SALMNF, se convirtió en un fenómeno de audiencias al acumular más de 19 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándolo como una figura clave para entender la evolución y exportación del género. Su habilidad para conectar con las emociones cotidianas lo ha posicionado no solo como un intérprete de gran sensibilidad, sino como un productor de referencia para la escena hispanohablante.
El retorno al origen como evolución artística
El título del álbum juega con ironía y audacia con la percepción popular de que “todas las canciones son iguales”. Lejos de ser una repetición, "TODAS SON IGUALES" funciona como una reinterpretación de la identidad artística de Gonzalo Genek. Es una respuesta directa y honesta a una de las peticiones más constantes de su comunidad: volver a escuchar al creador que los hizo conectar con la música desde el primer día. El álbum rescata esa atmósfera íntima, de barras sinceras y ritmos cálidos, pero con la madurez técnica y la perspectiva que el artista ha desarrollado en sus últimos años de trayectoria.
Un mapa musical a través de sus influencias
Como parte de la experiencia que envuelve a este lanzamiento, el artista presentará una selección musical única: una lista de reproducción curada personalmente donde convivirán temas icónicos de su propio catálogo con canciones de los creadores que han esculpido su ADN sonoro.
Esta iniciativa funcionará como una ventana abierta al universo que dio forma a "TODAS SON IGUALES", permitiendo al público y a la crítica descubrir las referencias y las emociones que inspiraron esta nueva etapa. A través de sus canales oficiales, el músico invitará a sus oyentes a explorar este mapa conceptual para entender el álbum desde una perspectiva mucho más íntima y cercana.
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Joaquín Hernández. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Kaya Q! Y bueno, ¡comencemos!
Kaya Q es una artista colombo-alemana que utiliza la música como un puente hacia el mundo interior. Su proyecto nace de una búsqueda profundamente personal y de la necesidad de transformar las experiencias más difíciles de su vida en historias capaces de conectar con otras personas. Más que escribir canciones, busca crear un espacio donde todos puedan verse reflejados, comprendidos y acompañados.
La propuesta artística de Kaya Q nace del deseo de abrir conversaciones sobre temas que muchas veces permanecen en silencio: la salud mental, la identidad, el trauma generacional, el duelo, el amor propio y la importancia de reconectar con las emociones. En un mundo que constantemente invita a reprimir lo que sentimos, su música propone detenerse, mirar hacia adentro y descubrir que la vulnerabilidad también puede convertirse en una fuente de fortaleza. Musicalmente, fusiona el pop alternativo, el indie pop y las influencias latinas, construyendo un sonido que evoluciona junto con la historia de cada canción. Su formación como actriz de cine influye profundamente en su proceso creativo, llevando una mirada cinematográfica a sus composiciones, videoclips y presentaciones en vivo, donde cada elemento forma parte de un mismo universo narrativo.
"CICLOS" es el viaje más íntimo y honesto de Kaya Q. Es un álbum conceptual inspirado en la década que más la transformó: sus veintes. A través de 14 canciones, recorre un camino de introspección que nace después de años de tocar fondo, romperse en mil pedazos, cuestionarlo todo y volver a encontrarse consigo misma. Más que un álbum, representa el cierre de una etapa transformadora: la despedida, desde el amor, de una versión de sí misma que ya no existe y el comienzo de una nueva, donde finalmente se permite vivir y sentir con autenticidad. A lo largo del disco aborda temas como la depresión, el duelo, el vacío, la niña interior, el trauma generacional, el amor, la identidad, la búsqueda de un hogar, la reconexión con la naturaleza y, finalmente, la liberación. Aunque las historias nacen de experiencias muy personales, el deseo de Kaya siempre fue que cualquier persona pudiera verse reflejada en ellas y recordar que nunca está sola en lo que siente.
"CICLOS" también marca un antes y un después en su carrera. Es el proyecto más honesto que ha creado y en él puso todo su corazón, su alma y todo lo que es como artista y como persona. Durante algunos de los momentos más oscuros de su vida, la música fue el lugar donde encontró refugio y esperanza. Por eso, este álbum es mucho más que un debut: es el recuerdo de todo lo que vivió, de todo lo que sobrevivió y del camino que la llevó a convertirse en la versión más fiel de sí misma.
Al mismo tiempo, "CICLOS" cierra un ciclo creativo y abre uno nuevo. Después de este proceso, Kaya siente que ha descubierto una nueva profundidad en su mundo interior que apenas comienza a explorar y que será el punto de partida de los próximos capítulos de su proyecto artístico.
"Con "CICLOS" quiero recordar que está bien sentir y que todas las emociones son válidas e importantes. Vivimos en un mundo que muchas veces nos enseña a reprimir nuestras emociones, cuando en realidad son ellas las que nos ayudan a conocernos, sanar y transformarnos", comenta la artista con influencias de Michael Jackson, Lauryn Hill, Amy Winehouse, Jessie Reyez, H.E.R., Naïka, Juanes, Tini y Humbe, artistas que admira por la honestidad de sus letras, la autenticidad de sus propuestas y su capacidad de conectar emocionalmente con el público.
"Espero aportar a generar más conciencia sobre la salud mental y sobre esas partes oscuras de nuestro mundo interior de las que tan poco hablamos. Ojalá este álbum pueda ser una compañía para quienes están atravesando momentos difíciles, un refugio donde puedan sentirse vistos, comprendidos y menos solos, y un espacio que cree una conexión genuina entre las personas. Creo profundamente que la música tiene el poder de sanar, de unir y de devolvernos un poco de la humanidad que, muchas veces, parece que estamos perdiendo", agrega la colombo-alemana.
Cada canción del disco tiene su propio universo sonoro porque cada etapa del viaje emocional necesitaba un lenguaje distinto. "CICLOS" mezcla pop alternativo, indie pop, el afrobeat, e influencias latinas, explorando desde baladas íntimas hasta sonidos más orgánicos y rítmicos. Más que seguir un solo estilo, el disco sigue la historia. Y con eso también evolucionan los sonidos en cada canción.
"La mayor inspiración que tuve para este disco fue mi propia vida, mis experiencias vividas, y la oscuridad en mí. Especialmente la década de mis veintes. Fueron años de mucho aprendizaje, de tocar fondo, sanar, viajar, conectar con personas increíbles y reencontrarme conmigo misma. También me inspiró profundamente la naturaleza, que me enseñó que todo cambia, todo termina y todo vuelve a empezar", puntualiza la artista.
"CICLOS" de Kaya Q evoca en "Nieve" un sentimiento de frío, "Fantasma" es una desconexión y un desgaste emocional, "Vacía" es fragilidad, "Hay Alguien Ahí" le canta a la oscuridad y la supervivencia, "Días de Lluvia" es resiliencia y depresión, "Hogar" habla de nostalgia y esperanza, "Sin Raíces" es búsqueda y exploración, "Primer Amor" habla de perdón y una herida de abandono, "Mi Niña" es reconexión y sanación, "Te Creí" es rebeldía y empoderamiento, "Yo Primero" es amor propio, "Abuela" le canta a las raíces, "Ciclo Natural" es aceptación y paz, y "Suelto" habla de ligereza y renacimiento.
"Abuela" es el focus track del disco porque representa uno de los mensajes más profundos del álbum. Es un homenaje a la abuela de Kaya Q, a sus ancestras y a todas las generaciones que vinieron antes de ella. Habla del trauma generacional, del dolor heredado y de la decisión de romper esos ciclos para liberar tanto a quienes estuvieron antes como a quienes vendrán después. Musicalmente es una canción muy orgánica y emocional, inspirada en mis raíces latinoamericanas. El videoclip refleja ese viaje hacia los ancestros y la sanación, mostrando cómo todas las generaciones están conectadas y cómo el amor también puede heredarse.
Os dejo por aquí el videoclip de "Me Liberaré". ¡No os lo perdáis!
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¿Qué sucede cuando una etapa termina? ¿Cómo se aprende a despedirse de las personas, los lugares y las versiones de nosotros mismos que alguna vez fueron importantes?
Con "Arigato", su primer álbum de larga duración, Marly Marly propone una respuesta tan sencilla como profundamente humana: agradecer.
"Arigato", palabra japonesa que significa "gracias", nace de una necesidad personal de cerrar ciclos y aprender a soltar desde el amor. No desde el resentimiento, la culpa o el olvido, sino desde la aceptación de que todo cambia, todo se transforma y, aun así, siempre queda algo valioso por conservar.
Más que un disco sobre una ruptura, "Arigato" es una obra que explora la aceptación como una forma de crecimiento. A lo largo de nueve canciones, Marly Marly construye un recorrido emocional que inicia con la búsqueda de calma y presencia, atraviesa el amor, la nostalgia, la distancia y la incertidumbre, para finalmente descubrir la belleza que existe en seguir adelante.
En lo sonoro, el álbum se mueve entre el rock alternativo y el indie, dando forma a canciones de espíritu melancólico, pero luminoso, donde guitarras enérgicas, melodías memorables y una sensibilidad honesta convierten la vulnerabilidad en una oportunidad para transformarse.
El recorrido comienza con la gratitud que da nombre al disco en "Arigato", continúa con la búsqueda de serenidad en "Tranquilidad" y encuentra su desenlace en "Buena vida", la canción que cierra el álbum como una declaración de esperanza. Siempre existe la posibilidad de florecer en un nuevo color.
En el corazón de "Arigato" habita una idea universal: las personas y las experiencias pueden llegar a su fin, pero eso no disminuye el valor que tuvieron en nuestra vida. Esa esencia queda resumida en uno de los versos más significativos del álbum: "Llévate lo mejor de mí y yo me quedaré con lo mejor de ti."
Con "Arigato", Marly Marly presenta un debut honesto e íntimo que abraza la nostalgia sin quedarse atrapado en ella. Un álbum que transforma el acto de decir "gracias" en un gesto de aceptación, crecimiento y esperanza, invitando a encontrar belleza incluso en las despedidas.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Emilio Silva! Y bueno, ¡comencemos!
El músico, compositor y docente chileno Emilio Silva Fazzini inicia oficialmente su carrera solista con el lanzamiento de "Epopeya Vol. I", la primera parte de un álbum conceptual que encuentra su principal inspiración en La Divina Comedia de Dante Alighieri. A través de nueve canciones divididas en dos volúmenes, la obra propone un recorrido por la incertidumbre, los miedos y la búsqueda de sentido del ser humano contemporáneo.
Con referencias al viaje del peregrino por el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, y ecos del "viaje del héroe" desarrollado por Joseph Campbell, Epopeya transforma esos símbolos en una reflexión íntima sobre la condición humana. Entre baladas, blues, pop y pasajes más cercanos al rock, el álbum construye una narrativa que atraviesa la introspección, la redención y las contradicciones de la vida moderna.
La primera parte del proyecto, "Epopeya Vol. I" ya esta disponible, mientras que el segundo volumen completará la obra llegando el fin del año.
Aunque este lanzamiento marca el comienzo de su camino como solista, Emilio Silva cuenta con una sólida trayectoria como líder de Hermanos y Peatones, banda que encabezó durante cinco años, período en el que publicó múltiples canciones, realizó presentaciones en vivo y alcanzó miles de reproducciones en plataformas digitales. En esta nueva etapa desarrolla una identidad artística centrada en la voz y la guitarra, acompañada por músicos invitados que enriquecen cada interpretación en estudio y sobre el escenario.
Su propuesta recorre el pop-rock, la música latinoamericana y la trova, dando vida a canciones de autor que hablan del amor, el desamor, la memoria, la infancia y las experiencias cotidianas. En Epopeya, esas temáticas evolucionan hacia una mirada más profunda sobre la existencia, invitando al oyente a reconocerse en un viaje emocional que dialoga con preguntas universales.
Todas las canciones fueron compuestas e interpretadas por Emilio Silva, quien además estuvo a cargo de la voz principal. La grabación se realizó en Ecosonic Estudio, mientras que la mezcla y masterización fueron desarrolladas por Félix Rodríguez Betancourt, responsable de consolidar la identidad sonora del álbum.
La producción contó además con la participación de Nicolás Segovia, quien aportó teclados y saxofón; César Vargas, en bajo; y Barry Blitz, en batería. Como invitado especial, el guitarrista clásico Aldo González interpretó la guitarra solista en la canción La soledad, aportando una impronta expresiva que dialoga con el espíritu de la obra.
El universo visual de "Epopeya Vol. I" fue desarrollado por Mauricio Concha, autor de la portada inspirada en el recorrido simbólico del álbum, mientras que la sesión fotográfica estuvo a cargo de Pablo Layton, realizada en la Catedral de Santiago de Chile.
Con "Epopeya Vol. I", Emilio Silva inaugura una nueva etapa artística en la que la canción se convierte en un espacio de encuentro entre la literatura, la música y las preguntas esenciales de la experiencia humana.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡DJ Moderno! Y bueno, ¡comencemos!
El verano de 2026 está siendo especialmente activo para DJ Moderno. Tras la publicación de "Empty Networks", su colaboración junto al francés Simon Beaudoux (Exsonvaldes), el productor madrileño continúa combinando nuevos lanzamientos con actuaciones en festivales y salas de toda España.
Durante los últimos meses ha llevado su propuesta a festivales y ciclos como Indiverso (Valencia), Isla Sónica (Huelva), Melosound y San Fermín 2026, donde además participó diariamente como comentarista musical en Navarra Televisión durante las fiestas. La gira continuará este verano con nuevas actuaciones en festivales como MUWI La Rioja Music Fest y Boina Fest, entre otras fechas que se anunciarán próximamente.
Coincidiendo con esta intensa actividad en directo, DJ Moderno presenta "Dark Sessions Vol. I", un álbum compuesto por cinco mashups que reinterpretan clásicos del post-punk y la new wave desde una mirada contemporánea influenciada por el UK Garage y la electrónica actual.
Lejos de ser simples ejercicios de mezcla, las cinco piezas han nacido y evolucionado en la pista de baile antes de ser refinadas y masterizadas en estudio. El resultado es un trabajo pensado tanto para DJs como para amantes de la electrónica y el indie, donde conviven artistas como The Cure, Echo & The Bunnymen, The Chameleons, Bauhaus, B-Movie, Jamie xx, BICEP, Overmono o Alex Metric.
Disponible en Bandcamp, "Dark Sessions Vol. I" forma parte de una intensa actividad como productor que también incluye la publicación semanal de nuevos mashups dentro de la serie Locuras Exclusivas, además de varios remixes oficiales para otros artistas en los que DJ Moderno ha trabajado durante los últimos meses y que verán la luz después del verano, reforzando así una faceta creativa que convive con su carrera como artista y DJ.
El próximo 30 de julio verá la luz "Lavapiés", un nuevo single en castellano que funciona como una declaración de amor electrónica al emblemático barrio madrileño. Inspirada por el French Touch y la electrónica melódica, la canción recorre algunos de los rincones más representativos del barrio y supone una nueva etapa dentro de las composiciones propias del artista.
Os dejo por aquí el audio de "Me da miedo la gente normal". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sonido Gallo Negro"! Y bueno, ¡comencemos!
Pocas bandas han logrado expandir las posibilidades de la cumbia contemporánea con la personalidad, visión y alcance internacional de "Sonido Gallo Negro". Desde hace más de una década, la agrupación se ha consolidado como una de las propuestas más singulares de la música latinoamericana, construyendo un lenguaje propio donde la cumbia sonidera, la psicodelia, la música tropical, la cultura popular mexicana y la experimentación sonora conviven en perfecta armonía.
Ahora, después de anticipar esta nueva etapa con los sencillos "La Cumbia del Gallo Negro" y "Suavecito", "Sonido Gallo Negro" presenta "Cumbiavision", un álbum que amplía los horizontes de su propuesta y confirma su lugar como una de las agrupaciones más innovadoras de la escena actual.
Más que un disco, "Cumbiavision" es un augurio musical. Una experiencia donde la alquimia sonora transforma elementos aparentemente distantes en un mismo ritual colectivo. Cumbia sonidera, trap, música exótica, high energy y exploración psicodélica se entrelazan para dar forma a un universo propio, tan festivo como hipnótico.
La esencia de esta transformación se manifiesta en temas como "Cosmos 2000", "Cumbia Disco Energy", "Pañuelo de Seda" y "La Cumbia del Gallo Negro", piezas que evocan el pulso vibrante de las calles de la Ciudad de México y el espíritu híbrido de las pistas de baile contemporáneas.
Por otro lado, canciones como "Fidencio", "Ya Llegamos" y "Bali Hai" nacen desde la intuición. Son composiciones que fueron tomando forma de manera orgánica durante el proceso creativo y que reflejan una faceta más espiritual y evocadora de la banda, guiada por el instinto y la exploración.
El álbum también incorpora dos reversiones tan inesperadas como naturales dentro del imaginario de "Sonido Gallo Negro": "Whip It", clásico de Devo, y "Suavecito", de Malo. Dos canciones provenientes de universos distintos que encuentran un nuevo equilibrio dentro de la visión sonora que articula "Cumbiavision".
Para este nuevo trabajo, la agrupación reunió una lista de colaboradores que refleja el carácter expansivo y multicultural del proyecto. Entre ellos destacan Kid Congo Powers (The Cramps, Nick Cave and The Bad Seeds), Sonido La Changa, Polymarchs, JOJO ABOT, Mariposas del Alma y Doris Anahí, cuyas participaciones enriquecen el mosaico sonoro del álbum.
"Cumbiavision" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Su lanzamiento coincide con el inicio de una extensa gira promocional por Europa.
Posteriormente, la banda regresará a México para presentar oficialmente el álbum ante su público en una fecha especial que será anunciada próximamente.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Los de la Noria"! Y bueno, ¡comencemos!
"Los de la Noria" presentan su nuevo álbum "QUÉ BENDICIÓN", una producción que reafirma su identidad dentro del regional mexicano con un sonido norteño fresco, auténtico y contemporáneo. Integrado por 10 canciones totalmente inéditas, este material ofrece un recorrido por las distintas facetas del amor, convirtiéndose en una propuesta que conecta con las emociones y las experiencias del público.
El álbum reúne una cuidada selección de temas que transitan entre baladas románticas, canciones con esencia ranchera, un huapango que enaltece las raíces del género y composiciones con ritmos alegres y bailables, logrando un equilibrio entre la nostalgia, la pasión y la celebración.
Cada canción aporta una historia distinta, reflejando momentos de ilusión, entrega, desamor y esperanza, siempre acompañados por la interpretación característica de "Los de la Noria", cuya esencia musical se mantiene firme mientras incorpora una producción actual que acerca su propuesta a nuevas generaciones de oyentes.
Con este lanzamiento, la agrupación demuestra que es posible evolucionar sin perder la autenticidad que distingue al norteño, ofreciendo un álbum sólido, versátil y lleno de identidad.
Este nuevo material representa un paso importante en la trayectoria de "Los de la Noria", consolidando su compromiso con la música regional mexicana y presentando un repertorio inédito que promete convertirse en el soundtrack de muchas historias de amor.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Waterboys"! Y bueno, ¡comencemos!
"The Waterboys" han sacado "Atlantic Rain: The Lost Fisherman’s Blues Recordings", triple álbum con veinticinco piezas inéditas de las sesiones de "Fisherman’s Blues", así como con tomas alternativas de las canciones que acabaron conformando ese referencial disco. "Hicimos tanta música en aquella época, con cientos y cientos de grabaciones individuales, que todavía sigo descubriendo cosas mágicas. Este conjunto de temas contiene lo mejor que he encontrado hasta ahora", ha comentado Mike Scott sobre "Atlantic Rain". Y también ha colgado en sus redes sociales lo siguiente: "Es tan bueno como el álbum original". Las primeras reseñas así lo confirman, como esta de Rock & Blues Muse que señala: "El primer disco y partes del segundo aportan nuevas pruebas de la extraordinaria capacidad de Mike Scott para la composición y la interpretación, además de mostrar a una banda de primer nivel en su apogeo creativo".
Un lanzamiento que sirve parar ir calentando (aún más) el ambiente de cara a su muy esperada visita del 3 de septiembre al Roig Arena de València (única fecha en España y una coproducción entre Houston Party y Just Life Music), donde hará parada y fonda su espectacular "The Fisherman’s Blues Revue". Se trata de la gira con que "The Waterboys" homenajean a uno de sus trabajos más emblemáticos, el que fue su cuarto álbum, "Fisherman’s Blues" (1988), una obra que ha incrustado en la memoria melómana canciones que el paso del tiempo no borra, sino que abrillanta aún más. Un conjunto de temas conectado a una poderosa resonancia creativa y a una batería de fuentes inspiradoras que se remontan a mucho antes del nacimiento del rock’n’roll. Os recordamos que en este concierto el legendario violinista Steve Wickham volverá a unirse a la banda, así como también lo hará, nada más y nada menos, el cantautor estadounidense Steve Earle, quien actuará como miembro de esta revue, tanto cantando sus propias canciones como agregando voces, guitarra y mandolina a las de "The Waterboys". En este sentido, Earle ha declarado: "Yo solo quería estar en tres bandas: The Rolling Stones, NRBQ y "The Waterboys"". La banda la completará Brother Paul (órgano), Famous James (piano), Aongus Ralston (bajo), Eamon Ferris (batería) y al noruego Roar Øien a cargo del lap steel.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Xavi Ribó! Y bueno, ¡comencemos!
Esa es la pregunta que inspira "On dormen els somnis", el nuevo trabajo de Xavi Ribó, que verá la luz el próximo 17 de julio. Editado por Formula Free y producido en Estudios Eudoxia bajo la dirección de Miquel Marín, el álbum reúne 14 canciones de pop-rock melódico en catalán que recuperan una forma honesta de hacer música: instrumentos reales, melodías que respiran y letras que sitúan la emoción por encima de cualquier tendencia.
A finales de los años ochenta y durante los noventa, el pop-rock catalán vivía uno de sus momentos más inspiradores. Bandas como SAU, Sopa de Cabra, Lax'n'Busto o Ja t'ho diré demostraban que la música podía emocionar sin prisas: canciones escritas para permanecer. Muchas de aquellas melodías siguen formando parte de nuestra memoria. Igual que los sueños. Aunque, a veces, dejamos de escucharlos.
Esa misma manera de entender la música es la que reivindica Xavi Ribó, músico de Premià de Mar, que continúa componiendo como siempre lo ha hecho: con papel, un bolígrafo y, muchas veces, una libreta a las tres de la madrugada como primer borrador.Ribó pertenece a la generación que vivió desde dentro la eclosión del rock catalán. Como fundador de Terra de Ningú, compartió escenario con Sopa de Cabra y Ja t'ho diré, antes de crear Señor Lobo junto a músicos procedentes de Rebeldes y Smoking Stones. Hoy, lejos de vivir de la nostalgia, transforma toda esa experiencia en el proyecto más íntimo y maduro de su carrera.
Las canciones que forman "On dormen els somnis" recorren emociones universales como el amor, la memoria, la pérdida, la esperanza y la necesidad de reencontrarse con uno mismo. Son historias cotidianas que invitan al oyente a reconocerse en ellas.
Ese viaje comenzó con Records, el primer adelanto del álbum. Un teclado luminoso abre una canción que evoca la luz de las calas del Empordà, los veranos compartidos y la felicidad de los pequeños momentos. Más que mirar al pasado, Records nos recuerda que aquello que nos hizo felices sigue formando parte de quienes somos.
El segundo adelanto, Prop del mar, mantiene esa misma mirada. Con un piano lleno de sensibilidad y sutiles pinceladas de pop y funk, la canción invita a regresar a aquellos veranos mediterráneos en los que bastaban el mar, una conversación y una puesta de sol para sentir que el tiempo se detenía. Su videoclip, creado con inteligencia artificial y estrenada el 10 de julio, prolonga esa atmósfera de calma y luz que recorre todo el álbum.
Entre las nuevas composiciones destaca también Feliç, una balada que convierte el amor y los recuerdos compartidos en el verdadero patrimonio emocional de una vida.
Musicalmente, "On dormen els somnis" no pretende reproducir el sonido de los años noventa. Su intención es recuperar la manera en que aquella generación entendía la música: con tiempo, autenticidad y melodías capaces de acompañarnos durante muchos años.
Esa filosofía también se refleja en la banda que acompaña a Ribó. Fernando Pedemonte (batería de Dyango y Manzanita), Norberto Farina (bajista de trayectoria internacional y alguna colaboración con Manu Chao), Miquel Marín (histórico teclista y arreglista), Miquel Galocha (colaborador habitual de Judith Neddermann) y el joven guitarrista Albert Formatger representan el encuentro entre la experiencia y una nueva generación de músicos unidos por el mismo respeto hacia el oficio.En un momento en el que todo parece invitarnos a pasar página rápidamente, "On dormen els somnis" propone exactamente lo contrario: detenerse, escuchar y recordar.
Porque quizá los sueños nunca desaparecen. Como las mejores canciones, simplemente esperan el momento adecuado para volver a formar parte de nuestra banda sonora.
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Xavi Ribó. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
