Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a unos grandes artistas: ¡Brandon Reyes y Elvin! Y bueno, ¡comencemos!
Brandon Reyes y Elvin presentan "REYES", su nuevo álbum de estudio, una producción de 15 canciones con la que consolidan el movimiento que han construido bajo sus propias reglas, llevando sus gustos, ideales e identidad a cada nota y cada letra.
El título "REYES" nace como una continuación conceptual de "Imperio", el EP con el que el dúo adelantó parte del repertorio que hoy conforma esta producción. A ese juego de palabras se suma un guiño personal al apellido Reyes, convirtiendo el nombre del álbum en una declaración sobre quiénes son y el camino que han recorrido.
"REYES" representa a Brandon y Elvin como reyes de su propio movimiento: artistas que crean su música, interpretan sus propias historias y han desarrollado una propuesta reconocible sin dejar de ser fieles a sus raíces.
Esta nueva etapa también llega acompañada de una evolución visual que ya ha encontrado una gran aceptación entre su creciente comunidad de seguidores. En el centro de la propuesta aparece el sombrero como "la corona del rey mexicano", un elemento que Brandon y Elvin adoptan como símbolo de identidad, liderazgo y, sobre todo, humildad.
La idea parte de valores profundamente ligados a la cultura mexicana: el empeño, el honor, el liderazgo y el valor de la palabra. Sin embargo, para Brandon y Elvin, ser "rey" no significa ostentar poder, sino ganarse el respeto de los suyos manteniendo los pies en la tierra. Es ahí donde el sombrero se transforma en corona y representa a quienes lideran desde la autenticidad y el orgullo por sus raíces.
A lo largo de sus 15 temas, Brandon Reyes y Elvin amplían ese universo junto a importantes voces de la música mexicana. Jaziel Avilez participa en "Por Aquí, Por Allá", Lenin Ramírez se suma a "Soy De Agiabampo" y Adriel Favela colabora en "Cookies".
Con "REYES", Brandon Reyes y Elvin presentan más que una colección de canciones: construyen una declaración de identidad que conecta tradición y actualidad, orgullo y humildad, imagen y sonido. Una nueva etapa con la que continúan fortaleciendo el vínculo con una comunidad que no deja de crecer.
Os dejo por aquí el videoclip de "Botonas Y Sombrero". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Beck! Y bueno, ¡comencemos!
La larga espera por un nuevo álbum de Beck —marcada durante estos años por numerosos singles, colaboraciones y giras— terminó el pasado 18 de septiembre, con el lanzamiento de "Ride Lonesome" a través de "Capitol Records".
Producido por Beck y mezclado por Nigel Godrich, "Ride Lonesome" ya está recibiendo grandes elogios de la crítica. THE GUARDIAN lo describe como "una de esas rarezas: una continuación de una continuación que está a la altura de sus predecesores"; MOJO, como "una impresionante demostración de la alquimia de transformar el dolor en pura belleza"; WALL STREET JOURNAL, como "otro éxito, hermoso y evocador"; y THE NEW YORK TIMES destaca su sonido "espacioso y sin prisas".
El lanzamiento de "Ride Lonesome" viene acompañado del estreno de un impactante nuevo videoclip para "Run Away", segundo tema del álbum. Dirigido por Mikai Karl, producido por Ryan Smale y protagonizado por el actor ganador de un Globo de Oro Tadanobu Asano (Shogun, Thor: Ragnarok, Ichi the Killer), "Run Away" combina las sublimes melodías de piano y guitarra de uno de los temas destacados de "Ride Lonesome" con historias entrelazadas de vidas que avanzan en paralelo, todo ello con el fascinante paisaje urbano de Tokio como telón de fondo.
"Ride Lonesome" debe parte de su atmósfera, completamente nueva pero al mismo tiempo cálidamente familiar, a la participación de músicos con los que Beck grabó Sea Change, Morning Phase y Mutations: Smokey Hormel, Joey Waronker, Justin Meldal-Johnsen, Roger Joseph Manning Jr. y Jason Falkner, reunidos de nuevo en la Room B de United Studios, en Hollywood. Godrich, que ya había trabajado en Sea Change y Mutations, regresó para mezclar el álbum.
Más de una década después de la grabación de Morning Phase, ganador del GRAMMY al Álbum del Año en 2015, Beck y la banda percibieron una clara evolución y una mayor profundidad tanto en su interpretación como en la química entre ellos, perfeccionadas tras décadas trabajando juntos. Beck recuerda: "Aunque estábamos regresando a un lugar musical y físico conocido, también sentíamos que por el camino estábamos descubriendo nuevos sonidos y texturas emocionales".
El lanzamiento de "Ride Lonesome" llega pocos días antes del inicio de la gira del mismo nombre, que arrancará el 22 de septiembre en el Santa Barbara Bowl. En ella, Beck profundizará en los discos que precedieron a "Ride Lonesome" —Sea Change, Morning Phase y Mutations— junto a las canciones del nuevo álbum, llevándolas todas al directo en íntimos y espectaculares teatros de todo el continente.
La gira incluye paradas en The Greek de Los Ángeles, Red Rocks, dos noches en The Masonic de San Francisco, Massey Hall de Toronto y Brooklyn Paramount, entre muchas otras, antes de finalizar el 10 de noviembre en el Keller Auditorium de Portland, Oregón.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Karlan"! Y bueno, ¡comencemos!
"Karlan", una de las bandas murcianas con mayor proyección del nuevo indie pop nacional, publica "Digan lo que digan", su segundo álbum de estudio. Un trabajo con el que Lola García y Mar Rodríguez dan un paso adelante ampliando su universo sonoro con electrónica, pop, rock y baladas, sin perder la esencia de los sonidos noventeros que forman parte de su identidad.
El álbum reúne canciones como "Pecado", "Amor barato", "Sin darte cuenta", "Dana" y "Digan lo que digan", mostrando una banda más madura y ambiciosa, capaz de moverse entre la energía del rock y canciones de corte más emocional.
Como último adelanto, "Karlan" ha publicado «MariCarmen», un tema de rock frenético que habla de una relación de idas y venidas que termina en huida y empoderamiento. Una canción con una letra irónica y directa que conecta influencias de Foo Fighters, Coldplay y el pop-rock español de los 90. Coincidiendo con el lanzamiento, la banda estrena también su videoclip.
"Karlan" llega a este nuevo disco después de varios años de crecimiento, desde su debut con Aquí y Ahora hasta Surfer (2025), pasando por escenarios y festivales como Cooltural, Fortaleza Sound, Microsonidos o Las Noches del Camino, además de una gira nacional por ciudades como Madrid, Sevilla, Alicante y Murcia.
Editado por su propio sello, Talento Gorila, y distribuido por MusicAdders, "Digan lo que digan" supone un nuevo paso para una banda que continúa consolidándose como una de las propuestas a tener más en cuenta dentro del indie nacional.
El nuevo álbum de "Karlan", "Digan lo que digan", ya está disponible en todas las plataformas digitales. En esta misma nota puedes disfrutar del videoclip de «MariCarmen».
Os dejo por aquí el videoclip de "No Me Lamento". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Los Rojos"! Y bueno, ¡comencemos!
"Los Rojos" vuelven a sorprender con "El Plan Perfecto", una alegre y novedosa cumbia que convierte la conquista amorosa en todo un recorrido por canciones que han dejado huella en la música.
Compuesto por Ángel y Alexis Ruiz, en colaboración con Mauricio Sánchez Díaz, el tema parte de una idea tan original como divertida: construir gran parte de su historia entrelazando frases que, a su vez, son títulos de canciones de reconocidos artistas y agrupaciones como La Mafia, Pesado Intocable, Pedro Fernández, Ramón Ayala, y Los Claxons, además de temas de los propios ROJOS.
Así, entre "Un millón de rosas", "Mi promesa", "El soñador eterno", "Amarte a la antigua", "Mi tesoro", "Flores en febrero" y "A mí me gustas tú", la canción va revelando ese "plan perfecto" con el que un enamorado está dispuesto a hacer de todo para conquistar a la persona que quiere y, algún día, tenerla frente al altar.
El resultado es una cumbia fresca, ingeniosa y llena de alegría, en la que el público podrá divertirse descubriendo cada una de las referencias musicales escondidas en la letra, mientras se deja llevar por el ritmo característico de "Los Rojos".
"El Plan Perfecto" representa además el cuarto y último adelanto de lo que será la nueva producción discográfica de la agrupación, cuyo lanzamiento está previsto para el próximo mes de octubre.
Con esta canción, "Los Rojos" demuestran una vez más su intención de buscar propuestas diferentes dentro de su música, esta vez rindiendo un peculiar homenaje a canciones y artistas que forman parte del gusto popular, mientras cuentan una historia sencilla, romántica y muy divertida. Porque para conquistar a alguien quizá no exista una fórmula infalible… pero "Los Rojos" ya tienen "El Plan Perfecto".
Os dejo por aquí el videoclip de "Humo y balas". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Tiago PZK! Y bueno, ¡comencemos!
Tiago PZK presenta "TE GUSTAN VILLEROS", el primer corte de "R&G", su próximo álbum de estudio y el comienzo de una nueva etapa musical y visual para el artista.
Antes de su lanzamiento oficial, la canción ya comenzó a generar una fuerte conversación en redes sociales. El audio se convirtió en tendencia con miles de videos creados por el público, mientras sus seguidores anticipan la llegada de este nuevo material y empiezan a descubrir el universo de R&G.
Para este proyecto, Tiago vuelve a Monte Grande, su ciudad natal, y explora sus raíces desde una nueva perspectiva. El barrio conocido se transforma en un escenario extraño e impredecible, donde la realidad comienza a deformarse. Musicalmente, R&G cruza la sensibilidad del R&B con los códigos y la identidad del conurbano bonaerense, dando forma a un sonido que parte de sus orígenes para llevarlos hacia un nuevo territorio.
El videoclip de "TE GUSTAN VILLEROS" profundiza esta idea a través de una narrativa filmada en cámara subjetiva. El espectador ocupa el lugar de una chica cuya identidad nunca se revela y que lleva a Tiago de la mano durante una noche que comienza como una fiesta y termina en una persecución por Monte Grande. A su alrededor, el barrio y la realidad se transforman, creando una experiencia visual que amplía el universo de la canción.
Con miles de millones de reproducciones y una audiencia en constante crecimiento a nivel global, Tiago PZK se ha consolidado como uno de los artistas argentinos con mayor proyección internacional. A lo largo de su carrera ha lanzado éxitos como "Piel", "BZRP Music Sessions #48", "Entre Nosotros Remix", "Nos Comemos" y "Los del Espacio", además de colaborar con artistas como Teddy Swims, Manuel Turizo, Anitta, Bizarrap, Nicki Nicole, María Becerra, Duki, LIT Killah y Rusherking.
Con "TE GUSTAN VILLEROS", Tiago PZK abre el camino hacia R&G, un proyecto que vuelve a sus raíces para transformarlas en el punto de partida de una nueva identidad sonora y visual.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"1111"! Y bueno, ¡comencemos!
Después de desplegar durante los últimos meses las distintas caras de su nueva etapa con "La Línea De Puntos", "Que Me Baile", "El Odio Ajeno" junto a Claudio Montana y "Te Espero De Vuelta" con Hofe y Kiliki, "1111" presenta "Historias de Ángeles", su nuevo álbum.
Diez canciones que parten de una decisión aparentemente sencilla, pero radical dentro del universo del trío madrileño: aprender a construir canciones para después llevarlas hacia lugares inesperados. Entender las estructuras del pop, encontrar melodía dentro del ruido y hacer accesible lo inaccesible sin perder por el camino la tensión que siempre ha definido su música.
En el centro del lanzamiento aparece "Baby", focus track del álbum y una de las canciones que mejor condensa esa búsqueda.
Un disco que nació después de destruir otro
Antes de "Historias de Ángeles" hubo otro álbum. Tras Tres de Palacio (2023), "1111" llegó a completar cerca de veinte canciones que finalmente decidió descartar para empezar de nuevo.
El siguiente capítulo apareció, literalmente, tirado en su parque de siempre: un ejemplar de "Historias de Ángeles", adaptado por Cipriano Montserrat, con un habituario en su interior. No llegaron a leerlo, pero se quedaron con el título.
El hallazgo coincidió con un cambio de método. Fedra, Armas y ru0001 decidieron estudiar conscientemente las estructuras de la canción popular para aprender sus reglas y después deformarlas: encontrar melodía dentro del ruido, hacer accesible lo inaccesible y mantener la tensión sin renunciar a la emoción.
De ahí nacen diez canciones que recorren distintos extremos sin buscar encajar en un único género. "Historias de Ángeles" comienza desde la violencia y termina cerca de la paz: de la tensión de "Salte Fuera" y las decisiones que atraviesan "La Línea De Puntos" a la delicadeza de "Solos" o el cierre de "Poema", que recupera la posibilidad de conectar con la bondad a través de otra persona.
Por el camino, el álbum encuentra groove entre piano y percusiones cercanas al ruido blanco en "De Sol a Sol"; observa el odio y el voyeurismo desde los rincones de una fiesta en "Que Me Baile"; y se abre a distintos encuentros con Hofe y Kiliki en "Te Espero De Vuelta", Merina Gris en "Dos Personas Juntas Son un Milagro" y Claudio Montana en "El Odio Ajeno", donde el disco desciende hacia sus formas más oscuras y ambientales.
Diez canciones que no pretenden resolver qué género hace "1111", sino conseguir que la pregunta importe cada vez menos.
"1111": aprender las reglas para deformarlas
Pronunciado mil-ciento-once, "1111" está formado por Fedra (Jose Ros Campallo), Armas (Mateo Jiménez Grela) y ru0001 (Rubén López Moreno), un trío madrileño nacido del cruce entre el netcore, la sensibilidad centennial y una curiosidad musical que atraviesa géneros, escenas y generaciones.
Los tres se conocieron en La Agencia, un espacio del tejido cultural madrileño gestionado por estudiantes de arquitectura, donde comenzaron a convertir sus inquietudes individuales en un lenguaje común: Fedra al frente de la banda, ru0001 construyendo las bases y Armas llevando la guitarra hacia terrenos cada vez menos reconocibles.
Tras debutar en 2022 con "Pena" y la mixtape mil ciento once, en 2023 publicaron Tres de Palacio, un álbum de doce canciones y nueve colaboraciones que consolidó su identidad visceral y profundamente atravesada por internet.
Con "Historias de Ángeles", "1111" abre ahora una nueva fase: entender las reglas de la canción para poder deformarlas.
Una nueva etapa también sobre los escenarios
"Historias de Ángeles" llega además después de unos meses especialmente importantes para "1111" en directo. El pasado julio, el trío actuó en Roskilde Festival, uno de los grandes encuentros musicales europeos, en una edición que reunió a nombres como Gorillaz, The Cure, Jennie, Little Simz, Kneecap, Zara Larsson, Yung Lean & Bladee, Jade o Bad Gyal.
Ahora esta nueva etapa empieza a tomar forma también sobre el escenario. en la víspera del lanzamiento, "1111" presentó "Historias de Ángeles" en Sala El Sótano de Madrid, en una noche concebida como primera puesta de largo del nuevo universo del grupo.
Coincidiendo con la salida del álbum, "1111" viaja a Barcelona para actuar en Razzmatazz dentro de XTND Festival B. Será el inicio de un recorrido que durante los próximos meses pasará por Valencia, Londres, Bilbao y Murcia, antes de continuar en 2027 con nuevas citas en Iruña, Barcelona y Madrid.
Una gira con la que las diez canciones de "Historias de Ángeles" abandonan por fin el estudio para enfrentarse al lugar en el que la música de "1111" adquiere otra dimensión: el directo.
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "1111". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Pablo López! Y bueno, ¡comencemos!
Pablo López ha conseguido en la creación de este disco una gran obra de impresionismo musical, una pincelada de canciones que forman un todo, que es la búsqueda incansable de un sonido esencialmente nuevo con los pilares fundamentales de siempre.
Pasarán (hasta el 18 de Septiembre) 2101 días desde que Pablo López dejara volar por primera - última vez su Unikornio.
En honor a la verdad, es vertiginosa la sensación previa de abrir un correo y encontrar algo que como periodista ansías y como músico quieres degustar desde hace casi seis años y ese nervio bonito de querer estar a la altura, la voz que se tambalea en silencio y las manos que lloran y bailan antes de pintar palabras.
Entrar en la mente de alguien como Pablo es complicado, mirar la música con sus mismos ojos es rozar la excelencia y abrazar su mensaje e intentar entenderlo es la clave del éxito. "El Cuatro" es un disfrute de muchas primeras veces. Como ejemplo, estas palabras salen después de la decimotercera escucha, que es os aseguro suena como la primera vez.
Este disco es un viaje del niño genio al genio maduro. Una búsqueda cromática (que ya se iniciaría en el "azul" de Quasi) para llevar al siguiente escalón la complejidad de su sonido sin renunciar a su verdad ya su libertad, por desconcertante que pueda parecer. Una de las cosas que si puedo afirmaros es que este disco cambia por completo la visión y la expectativa de su directo. Su plenitud y la exigencia emocional, armónica y vocal de canciones serán un reto apasionante.
"El Cuatro" es una mirada al espejo de las canciones, el regreso a casa de un niño que se hace mayor pero que aprendió que en la simpleza de su locura se encuentra la complejidad de su genio, tal y como es.
El orden del disco no es fortuito. Nos abre con una introducción donde presenta muchos de los sonidos que va a desplegar, mezcla las voces blancas junto con efectos (voces) que nos recuerdan a las raíces de "Tempo" en su parte final (canción perteneciente a Unikornio su anterior trabajo), clara señal de los que nos va a mostrar.
"Levanta" es una canción que se presenta con un ADN de siempre, donde el piano y la voz toman el control. Es el despegue hacia un destino que a lo lejos del tema poco a toma forma, como es la locura de los synthes y el tratamiento de su voz, pero sin duda con una premisa clara: "Si me preguntas a donde voy, a donde voy no tengo miedo (...) El incendio es tu lecho, porque lo malo bien hecho, siempre ha rondado tu casa". Toda una declaración de intenciones.
"El niño del espacio" despliega sus alas. El primer single de este "cuatro" se presenta como el empujón definitivo. Una canción que significa lo que es y hacía donde va, siempre mirando hacia el cielo.
"Como soy", es sin duda uno de los tres grandes corazones que tiene este disco. Pablo vuelve a su patio para buscar "un corazón gigante y poderoso, que está cansado de jugar con ese verbo peligroso" y clama a la música "dime que me quieres como soy", hermosa es la aparición del coro de voces blancas que le devuelve a él la mirada del niño genio que no se ha olvidado del "hambre de su alma creativa".
Llegamos a "El calendario de las cruces". Segundo corazón de este disco. Es un puzle musical que tiene todo, la modernidad, grandiosidad, complejidad, sencillez y desnudez. Una canción que es un cambio, un camino transitado que se frena con la voz de Pablo a lo lejos "por cada vida, por cada abrazo, imaginando, yo vivo siempre" y el éxtasis capitaneado por las cuerdas y el synth que finaliza la canción. Un dialogo musical entre las cruces que duelen, la exigencia del paso del tiempo y de la luz de soñar siempre hacia delante. Simplemente, épica.
"Si te pasa algo". Después de la epicidad del corte anterior llega el descenso hacia el cambio final "a paso lento". La voz tratada con absoluta delicadeza, la melodía al principio casi dentro de una caja de música se va vistiendo de potencia para finalizar en un susurro, el cambio está y las dudas aparecen, si a la música "le pasa algo" le ofrece "una verdad tendida al viento".
"Esdrújula". Sin duda uno de los temas más ingeniosos y luminosos del disco. Cómo hablar de la palabra esdrújula clave de esta obra, sin mencionarla explícitamente ni una sola vez ... "la música".
"Casi siempre". Pablo López durante su carrera, ha realizado colaboraciones en ocasiones definidas y muy recordadas. Este tema, el más breve del disco, compartido con Lola Índigo se convierte en un remanso narrativo y armónico, "como una promesa escrita en un mantel". Una pausa casi acunada entre ambos dentro del "crescendo" de la evolución de "El Cuatro".
"Me voy a escapar". Una canción hipnótica, reflexiva, donde la presencia del coro hace que se eleve el rotundo mensaje. Huir hacia delante, buscar la libertad, abrazar el escape y el refugio de unos acordes, de la música como la sientes. "Si me da por volar, que la tierra no me persiga, que yo le regalo una vida para jurar ... que me voy a escapar".
"Hibakusha". Para mí el tercer y último corazón del disco. Quizás la canción que aúna todo el espíritu de este viaje. Un tema que en la melodía, en la letra, en la composición, en la producción suma en un trazo infinito este periplo de casi seis años. Es atrevida, es caótica , duele pero está cargado de fuerza y convicción, a pesar "del bombardeo del viaje" quiere hacerlo a su manera, "pararse un segundo y cantarte lo que vea". "Me están buscando por buscarte en lo profundo, por pintarte en las aceras, ahora sabes quien te espera".
"Sapiens (pero sueño)". Sin duda el final del camino. La cadencia perfecta para esta búsqueda de "El Cuatro", el viaje del héroe que se vacía, se busca, y encuentra lo que tanto ansió, un camino que sentir , que comunicar y que madurar... y aún así nada ni nadie le quitará sus ganas de seguir soñando.
La producción, la composición, el sonido , la elección cromática de las portadas e incluso el hexágono que enmarca a Pablo en cada una de ellas (bajo mi punto de vista eso si) son un claro homenaje a la escala hexátona (palabra esdrújula, por cierto) cuyo máximo exponente en el impresionismo musical es Debussy y que además de vez en cuando y de forma esporádica se usa en el jazz, en obras como la pieza impresionista para piano titulada "In a Mist" de Bix Beiderbecke. Sin duda un disco de una inteligencia musical abrumadora.
Os dejo por aquí el videoclip de "El niño del espacio". ¡No os lo perdáis!
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El músico, anterior batería de Mourn, Gyoza, Madee y Nom Propi y actualmente de Barg, presenta su primer larga duración en solitario el 18 de septiembre.
Antonio Postius lanza su primer larga duración como solista, titulado "Todo Dicho".
Este álbum mantiene una línea paralela con sus dos EP anteriores, en cuanto a la exposición de emociones negativas para, con ello, encontrar una vía de escape hacia lo positivo. Pero también se trata, esta vez, de la consolidación de un estilo más singular y de una ampliación sonora.
Una vez más, ha contado con el equipo de producción de Víctor Valiente, Lluís Cots y Anne Lukin, y ha sido grabado en Estudi Nautilus, con masterización de Ángel Medina.
El disco es una puerta abierta a tres años muy densos, marcados por muchos sucesos y decisiones personales: dos rupturas sentimentales, superación de adicciones, cambios constantes y profundas inseguridades. Un proceso de trabajo personal para conseguir un prisma más realista y positivo ante la vida.
Para ello, primero necesitaba este disco, que ha tratado como un "exorcismo" de emociones negativas para poder realmente iniciar ese camino hacia una relación más sana con el mundo.
Esta nueva entrega no se trata de un álbum conceptual, sino de un catálogo de vivencias puestas en orden y pasadas por un filtro artístico. De ahí el título "Todo Dicho", como un: "esto han sido estos años atrás; ya cuento en el siguiente cómo han ido las cosas".
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡MaYita! Y bueno, ¡comencemos!
La artista y compositora colombo-americana MaYita, cofundadora de "Somos Sanctuary", presenta "ABRACADABRA", su tercer álbum y un nuevo capítulo de un viaje musical y espiritual desarrollado a lo largo de los últimos tres años, desde la búsqueda interior con "MAYA" y el encuentro colectivo en SOMOS, hasta esta nueva etapa en la que el rezo se convierte en acción.
Colombiana de nacimiento y criada en Nueva York, MaYita crea desde el encuentro entre territorios, generaciones y lenguajes musicales. Su obra lleva la memoria hacia el presente y la pone en diálogo con el mundo que estamos construyendo.
"MAYA" (2024) inició el recorrido con un viaje hacia las raíces, la sana-acción, la memoria ancestral y el encuentro con la propia voz. Fue también un llamado a los Guardianes del Arcoíris.
Con "SOMOS" (2025), esa búsqueda se expandió hacia lo colectivo: los Guardianes comenzaron a reconocerse, las voces se reunieron y nuevas alianzas se tejieron entre personas, pueblos, territorios y tradiciones, unidas por un propósito compartido de cuidar la Tierra, fortalecer la comunidad y poner sus dones al servicio de la vida.
"ABRACADABRA" (2026) lleva ahora ese recorrido hacia la creación consciente: aquello que fue recordado y cultivado comienza a tomar forma y a llevarse a la vida.
"ABRACADABRA": la palabra creadora
Desde la magia y la alquimia como lenguajes de transformación, "ABRACADABRA" explora, a través de nueve canciones, el poder creador de la palabra y el paso de la intención a la acción. El femenino, los elementos, el amor, el perdón, las medicinas, la memoria ancestral y el encuentro con pueblos originarios atraviesan el álbum, en cuyo centro aparece la visión de una Nueva Nación.
La coherencia entre pensamiento, palabra y acción sostiene esta obra musical:
"Nuestros pensamientos crean realidad. Nuestras palabras crean mundos. Nuestras acciones crean cultura. Y con la cultura creamos nación...".
"Estamos atravesando grandes transformaciones como humanidad. Para mí, "ABRACADABRA" es un recordatorio de nuestro poder creador y de la responsabilidad que lo acompaña: que el amor que cantamos sea el amor que practicamos, que la unidad que soñamos viva en nuestras relaciones y que el rezo se convierta en acción", comparte MaYita.
Musicalmente, "ABRACADABRA" reúne cantos ceremoniales y de tradición, voces e instrumentos orgánicos, percusión, electrónica y texturas atmosféricas dentro de una producción contemporánea. En la construcción de este universo sonoro ha sido fundamental la cocreación entre MaYita y Eric Hoegemeyer, productor que ha acompañado su obra a lo largo de estos tres años y con quien ha desarrollado, desde "MAYA", una búsqueda musical que continúa expandiéndose en este nuevo álbum.
"Mis canciones son registros de mi propio camino. Nacen de la vida, de la ceremonia, de mis maestros y mayores, de mi familia, del amor, de los territorios y comunidades con los que camino, y de mis conversaciones con el Gran Espíritu y la Madre del Todo. Vivo, rezo, escucho y atravieso procesos; las canciones llegan como códigos que con el tiempo van revelando la historia que estamos contando", agrega.
Os dejo por aquí el videoclip de "IAMAYAM". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Levitants"! Y bueno, ¡comencemos!
Ante el lanzamiento, "Levitants" presentan el disco de la manera más sincera posible a través de la voz de Sergio Isabel, cantante y compositor de la banda:
"Hola,
"¿Qué Arderá Mañana?" es nuestro quinto disco, tercer LP y primer larga duración en castellano y supone el asentamiento de la banda actual.
Lanzar un disco 48’ de duración frente a los apenas 30’ de la mayoría de discos actuales puede parecer un suicidio comercial, pero precisamente por eso este disco es tan importante para nosotros. A diferencia de "Futuro Inmediato" cuyas canciones nacieron de la rabia y la urgencia, "¿Qué Arderá Mañana?" se ha gestado con tiempo y paciencia, meditando cada arreglo, cada letra y su enfoque dentro de la obra final.
La producción del disco ha estado a cargo de Javier Vielba (Arizona Baby, Corizonas, El Meister) cuya entusiasta visión e intuición ha elevado las canciones a un nuevo nivel con un sonido más dinámico gracias a una producción ambiciosa y al detalle y sobre todo acompañándonos durante todo el proceso de principio a fin.
En Enero de 2025 dimos los primeros pasos con sesiones de preproducción semanales sobre un puñado de ideas con acústica y voz. Aun así cerramos estudio para entrar a grabar el 1 de Agosto de 2025. Tras meses de trabajo y un oportuno e inesperado retiro en Almería, en Abril teníamos 14 canciones de las que finalmente decidimos grabar 11 en el estudio La Mina (Granada) con Raúl Pérez al control técnico. El máster fue realizado por Mario G. Alberni (Kadifornia).
Las bases rítmicas fueron grabadas en directo, todos juntos en la misma sala. Las voces, sintes y percusiones, después. En varios temas añadimos recordings extra grabados en Valladolid, algunos en el estudio de Javi y otros en el estudio La Leñera con Dino Martín al sonido donde se grabaron coros gospel con Cabeza de Gallo y Rocío Torío, guitarras extra de Rubén Marrón (Arizona Baby, Corizonas) y percusiones extra de Guille Aragón (Arizona Baby, Oihan) para "Vamos a Bailar". En "NNNV" María Arranz (L’Exotighost) grabó en Madrid percusiones de orquesta y para el mismo tema se grabó un coro infantil de la escuela Planísimo (Valladolid).
Creo que "¿Qué Arderá Mañana?" es un disco maduro, irónico e impredecible, que abraza la rabia de la etapa anterior para transformarla en un algo mucho más profundo, denso y trascendente gracias a una nueva manera de entender las canciones prestando especial atención a las letras y lo que las rodea.
Un disco que experimenta sin ser experimental y que sin ser conceptual tiene un concepto. Que juega con la inclusión de nuevos instrumentos, el uso atrevido de nuevas texturas y colores más allá de la oscuridad de otros discos. Derribando prejuicios y barreras autoimpuestas para lograr una identidad sonora propia que funciona como conjunto.
El título del disco lanza una pregunta al aire a modo de adivinanza con la que reírnos y afrontar juntos las desgracias compartidas como especie que cohabita el mismo espacio-tiempo.
A veces para encontrar nuevos lugares hay que perderse y perderse no es un error si se hace adrede. Por eso las canciones de este disco miran de frente al futuro sin olvidar el pasado dejando las puertas abiertas a discos venideros. En el disco coexisten, creo que en armonía, estilos tan variados como el post-punk de "Alta Tendencia", el krautrock en "Fondo de Pantalla" o el brit-hop con melodías andalusíes de "Muerte a la Española", en la que me gusta imaginar un hipotético choque entre Prodigy y Triana; el rock pesado, primitivo y vacilón de "Pechocuchillo" que nació con ritmo de reggaeton, una psicodélica declaración de intenciones en "La Cena", el synthpop de "Las Cosas Importantes", los paisajes infinitos de "NNNV", los bongos y rituales de "TRUE CRIME", el britpop mesiánico de "Vamos a Bailar", o la melancolía grunge en "Un Volcán" o "Señales".
Si alguien me pidiera una recomendación ante una primera escucha le diría que lo escuchase del tirón y en orden, pues esta obra ha sido concebida huyendo del ruido de fondo y de las prisas", comenta Sergio Isabel.
El disco se publica también en edición CD y en una espectacular edición en vinilo formato gatefold con un cuidado y espectacular diseño de la mano de Miguel Seisdedos.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Affra! Y bueno, ¡comencemos!
Cuando una artista es una artista de verdad, sus canciones no son solo canciones. En el caso de Affra, cantante y compositora nacida en Badalona hace 25 años, su obra es a la vez refugio y espejo. Es refugio porque cantar para ella es un acto de luz, de existencia y resistencia, porque lo hace para sostenerse y sanar. Y es un espejo porque todo parte de mirarse desde la raíz, desde la fragilidad y la herida, para crear un paisaje sonoro que nazca del duelo y florezca en la esperanza. Con un estilo que tiene algo del fuego de Chavela, del temblor de Sílvia Pérez Cruz, de la pureza de Mayte Martín y del poético silencio de Atahualpa Yupanqui, la artista catalana ha sabido construirse un rito mediante el cual convierte el dolor en belleza.
Affra dio sus primeros pasos como intérprete musical en la escena viva de las jam sessions de Badalona y Barcelona, donde descubrió el poder del canto como un acto de verdad y comunión. Después exploró la raíz y la emoción desnuda en Los más puro, un proyecto escénico multidisciplinar junto a Kevin Lisbona, Aina Ortega e Iñaki Nazabal, y actualmente forma parte de SOROCHE con el guitarrista Daniel Felices y también es corista de Queralt Lahoz. Pero en paralelo a todo eso, Affra ha venido gestando su propio proyecto musical, el más personal, fruto de un proceso íntimo, vital y transformador, que culminará con la publicación de "Al trenzar mis penas", su LP de debut de cinco temas, el 6 de noviembre a través del sello Say It Loud.
Pero cuando una artista es una artista de verdad, sus discos tampoco son solo discos. En este caso, "Al trenzar mis penas" es un canto al renacimiento mediante el cual Affra logra transformar la herida en esperanza. Es un espacio donde confluyen lo orgánico, lo poético y lo ritual, donde se entrelazan el pasado y el presente, el dolor y la sanación, la memoria, la tierra y las raíces. Todo ello trenzado desde la emoción, vulnerable y visceral, que nos une a todxs. Trenzado, y no otro verbo, porque el eje simbólico de toda la obra, su hilo conductor, es la trenza.
"El álbum se inspira en la tradición de algunas mujeres indígenas que se trenzaban el pelo para dejar allí sus penas y evitar que echaran raíces en sus corazones. A partir de ahí, también establezco un paralelismo con mi abuela, que siempre solía trenzar el pelo de sus cinco hijas antes de que salieran de casa. Para mí, este gesto simboliza el cuidado entre las mujeres, la transmisión intergeneracional, la hermandad femenina y la forma en que nos apoyamos unas a otras", explica Affra.
Cada una de las canciones que componen el LP nace de un lugar distinto del alma: de la herida, del recuerdo, del deseo o de la calma después de la tormenta. ‘Canto’, el tema que Affra presenta como single de adelanto, nace del impulso de cantar frente a la adversidad, de romper con el ruido interno y de encontrar en la voz el refugio. Interpretada en catalán con producción, instrumentación y mezcla de Daniel Felices, es un bucólico viaje hacia el poder sanador del arte, un gesto de entrega absoluta hacia el acto de cantar como forma de existencia. Una carta de presentación inmejorable para el proyecto en solitario de una artista cuya identidad musical es el fiel reflejo de su identidad emocional.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Ivan Herzog! Y bueno, ¡comencemos!
Con "Disco de cristal", Ivan Herzog da continuidad al universo que empezó a definir con su debut, Disco de oro, pero lo hace desde un lugar más amplio, imprevisible y expuesto. Si aquel primer trabajo ya revelaba una personalidad difícil de encajar en una única coordenada sonora, el segundo disco confirma una manera de entender la música en la que las referencias, los cambios de registro y la teatralidad forman parte de un mismo lenguaje.
El nuevo álbum llega después del concierto final de la gira Tienes Que Verlo Tour en Príncipe Pío de Madrid y de un periodo en el que Ivan Herzog ha ido mostrando diferentes caras del proyecto. Entre estas nuevas canciones destaca "Et prometo", que ha conseguido una fuerte repercusión en Catalunya y se ha convertido en una de las piezas centrales de esta nueva etapa.
"Disco de cristal" está formado por doce canciones y parte de una idea que atraviesa todo el trabajo: reivindicar aquello que a menudo se considera excesivo, extraño, frágil o contradictorio como material legítimo para construir una identidad propia. Herzog hace de la aparente dispersión una herramienta narrativa y pasa de un estilo a otro no como un ejercicio de demostración, sino en función de lo que pide emocionalmente cada canción.
El resultado es un disco pensado para funcionar en una primera escucha, pero también para ir revelando capas con el tiempo. Arreglos, cambios de textura, giros líricos y decisiones de producción acumulan información hasta generar un repertorio en el que cada nueva escucha puede desplazar el centro de atención hacia una canción diferente. Ivan Herzog es su principal artífice, con Héctor Quevedo a su lado como ingeniero de sonido.
El disco se abre con "De cristal", una pieza que toma una etiqueta habitualmente utilizada de manera despectiva para hablar de una generación y la convierte en materia de reflexión. La canción aborda las contradicciones de unos tiempos en los que la sensibilidad y la fragilidad conviven con una exposición constante al juicio externo.
En "Bicho raro", Herzog reivindica precisamente la diferencia. Aquello que en otro momento podía provocar inseguridad se transforma aquí en una forma de orgullo: ante la posibilidad de convertirse en una copia, ser extraño deja de ser un problema para convertirse en una afirmación de identidad. "Ojalá" pone el foco en los vínculos que desafían las etiquetas. La canción habla de querer seguir al lado de alguien independientemente del nombre que adopte la relación y de cómo determinados afectos pueden sobrevivir a los cambios de categoría o de contexto. La vulnerabilidad aparece de manera especialmente explícita en "Incandescente". El tema retrata a alguien capaz de asumir la crítica y los propios defectos con aparente entereza, pero que se desarma ante una muestra sincera de afecto, reconocimiento o ternura. En "Orangután", esta exposición emocional da paso a la apatía. No se trata tanto de tristeza como de la imposibilidad de sentir, hasta el punto de buscar experiencias extremas que permitan recuperar, aunque sea momentáneamente, la certeza de estar vivo. "Macaco" introduce una grieta diferente dentro del disco: la posibilidad improbable pero seductora de una alternativa. Una opción que quizá no parece la más lógica, pero que conserva el suficiente encanto como para obligar a considerarla. Con "Loc@", Herzog lleva esta exploración al terreno de las relaciones y la complicidad. La canción parte de la idea de que la propia extravagancia solo puede llegar a parecer normal cuando aparece alguien todavía más absurdo, imprevisible y surrealista con quien compartirla. En medio del repertorio aparece "Et prometo", una canción que se ha convertido en uno de los puntos de entrada más reconocibles a esta etapa de Ivan Herzog. Escrita en catalán, sitúa la vertiente romántica del artista en el centro del disco y funciona como una de las piezas emocionales más directas del conjunto. "Flipao" observa con ironía una actitud cada vez más extendida: convertir el desinterés y la falta de implicación en una forma de distinción. Herzog se sitúa en el extremo contrario, incapaz de asumir la indiferencia como una postura deseable. En "10 de 100", el foco se desplaza hacia la perseverancia. La canción evita la promesa de poder con todo y propone una escala más humana: concentrarse en el pequeño tramo que queda por delante y avanzar progresivamente hasta que el diez pueda acabar convirtiéndose en cien. "Des de lluny" aborda el final de un vínculo desde la voluntad de no destruir aquello que había sido valioso. Después de haberse querido de una manera excepcional, la canción plantea la posibilidad de separarse sin reproducir los mecanismos habituales del resentimiento. El disco se cierra con "Lo que soy", que recoge buena parte de su sentido conceptual. Los episodios vividos, también los equivocados o dolorosos, dejan de ser leídos como errores en un guion ideal para pasar a entenderse como los elementos que han construido la identidad presente.
Con "Disco de cristal", Ivan Herzog no abandona las coordenadas de Disco de oro, sino que las deforma y las lleva más lejos. Mantiene la ambición, los contrastes y la voluntad de construir un universo reconocible, pero los somete a una mirada más extraña y fragmentada. El mismo concepto, ahora pasado por el cristal.
Ivan Herzog inicia una gira de presentación del disco que lo llevará el próximo 17 de septiembre al Mercat de Música Viva de Vic, el 26 de septiembre a La Mercè de Barcelona, el 3 de octubre a la sala Movistar de Madrid, el 15 de enero a A Coruña, el 16 de enero a Santiago de Compostela, el 26 de febrero a Bilbao, el 27 a Donosti y el 16 de abril a la sala Apolo de Barcelona dentro del marco del Festival Guitar BCN.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Rüdiger! Y bueno, ¡comencemos!
¿Qué queda cuando el ruido se apaga? ¿Qué permanece cuando las certezas se tambalean? Para "Rüdiger", la respuesta sigue siendo la misma: el amor.
Después de dos álbumes y un EP que lo consolidaron como una de las voces más personales de la escena independiente, Felix Buff regresa con "Love is a Muscle", un trabajo que supone un paso adelante tanto en lo musical como en lo emocional. Publicado por Usopop Diskak y Les Disques du Paradis, este tercer álbum explora el amor desde todos sus ángulos posibles: el romántico, el familiar, el político, el que sentimos hacia nosotros mismos e incluso el que debemos aprender a recuperar cuando creemos haberlo perdido.
"El amor es un músculo. Si deja de ejercitarse, se atrofia."
Esa sencilla idea vertebra un disco luminoso, esperanzador y profundamente humano que, sin renunciar a la melancolía característica de "Rüdiger", encuentra belleza precisamente en la vulnerabilidad. En una época marcada por la polarización, la incertidumbre y el aislamiento, Buff reivindica el amor como una forma de resistencia cotidiana.
"Felix Buff sorprendió a propios y extraños cuando aparcó momentáneamente las baquetas (Willis Drummond, Joseba Irazokia eta Lagunak, GU...) y se puso al frente de "Rüdiger" para dar rienda suelta a su vertiente compositiva y de frontman. Cierto es que este salto no sorprendió tanto a sus más allegados porque conocen de sobra el bagaje musical que atesora el artista residente en Bera (Nafarroa).
Resulta una excelente noticia que la aventura goce de continuidad, porque nos permite ser testigos de la evolución de un proyecto que destaca por un gusto exquisito y el cuidado de los detalles.
Lo bueno es que, sí, esa ensalada de sabores sigue presente e identificable (el folk entendido como raíz, su debilidad por la escena independiente australiana, los Beatles y el viejo Neil; la electrónica minimalista al servicio de la canción, el gusto por la producción impoluta, ese tira y afloja entre lo clásico y lo rabiosamente contemporáneo). Salvo que vivas en una burbuja todos tenemos nuestras influencias, pero el autor alcanza con su tercer largo eso que tanto cuesta: "Rüdiger" suena a "Rüdiger". Y nos encanta, porque definitivamente ha salido el sol.
"Love is a Muscle" es una colección de temas con una luminosidad contagiosa. Apetece volver a darle al play, juntarse con tu gente y brindar por la vida, el amor y todas esas cosas que merecen la pena en un mundo que se cae a pedazos.
Hay aquí menos lisergia que en entregas anteriores, quizás en favor de un alma más esencialmente pop. La canción como punto de partida y único objetivo: da igual que se acerque al soul ('The Whitest Thing You'll Ever Be'), al trance gozoso kurtvilesco ('Gigantic Storm'), a explorar su vena más crooner ('Lost in the Zoo') -con unos maravillosos arreglos de cuerda, dicho sea de paso-. Sin darse cuenta, uno llega al final con su primera canción en euskera, cierre perfecto para un disco de alguien que no sabemos si es feliz, pero definitivamente su momento musical lo es y quiere transmitírnoslo.
El álbum de un artista en su mejor momento, consciente de que mientras viva hay que dar todo el amor que uno pueda ('I Love You, Etc'), porque, como canta en la bella 'The Will', in a minute we'll be gone. Así es", comenta Gorka Urbizu.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡"Valenlao"! Y bueno, ¡comencemos!
Casi cuatro años después de su último trabajo discográfico, el músico y compositor almeriense al frente de "Valenlao" prepara su regreso al estudio de grabación con un nuevo proyecto que supondrá una nueva etapa en su trayectoria artística.
El artista se trasladará a Granada, concretamente a los estudios de "Producciones Peligrosas", para dar forma a sus nuevas canciones junto al productor José A. Sánchez, responsable de la producción, grabación y desarrollo sonoro de este nuevo trabajo.
El proyecto parte de un conjunto de canciones de carácter personal que continúan explorando el territorio sonoro en el que "Valenlao" ha ido construyendo su identidad: el pop y rock alternativo, las atmósferas cercanas al dreampop y una especial atención a las texturas, las guitarras y la creación de paisajes sonoros.
Antes de entrar en el estudio, el músico almeriense ha decidido recuperar una dimensión especialmente importante en su trayectoria: el directo. Durante los próximos meses ofrecerá una serie de conciertos en formato acústico, con los que pretende acercar al público algunas de estas nuevas composiciones antes de que sean producidas y grabadas definitivamente.
La intención es que estas primeras interpretaciones permitan que las canciones tengan un primer encuentro con el público en un formato cercano y esencial, antes de iniciar su transformación en el estudio.
Una trayectoria vinculada a la música independiente "Valenlao" es el proyecto musical del compositor e intérprete almeriense Antonio V. Lao, activo desde 2013. A lo largo de estos años ha desarrollado una trayectoria vinculada a la escena independiente, combinando composiciones de carácter íntimo con una propuesta sonora que ha evolucionado desde el pop de autor hacia terrenos próximos al rock alternativo, el dreampop y el shoegaze.
En 2016 publicó su primer álbum, Lugares de Paso, al que siguieron el EP Posidonia (2021) y Fuego (2023). Sus canciones y directos le han llevado a diferentes escenarios y festivales, compartiendo cartel con artistas y bandas como Vetusta Morla o Niños Mutantes.
Entre los reconocimientos de su trayectoria se encuentra el premio al mejor videoclip de Almería Clips en 2021 por Corazón en Ruinas, además de distintas apariciones en medios y espacios vinculados a la música independiente.
Os dejo por aquí el lyric video de "Lejos de Aquí". ¡No os lo perdáis!
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H ola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Sho-Hai! Y bueno, ¡comencemos!
Sho-Hai vuelve, después de 4 años, con "Silencio", su cuarto disco en solitario y con adelantos como "El mejor" y "Loco co", con gran acogida entre sus fieles, impacientes por escuchar su nuevo trabajo. El disco saldrá a luz el 9 de octubre, en todas las plataformas digitales y también en formato físico en CD y vinilo, para los más fetichistas del género.
Un trabajo que promete no defraudar sino todo lo contrario, promete elevar su carrera en solitario a lo más alto.
Este "Silencio" promete hacer mucho ruido ahí fuera.
Un disco variadísimo musicalmente, hecho con mucho mimo y con precisión de relojero, con una retahíla de colaboraciones (alguna de ellas celestiales) que no dejarán a nadie indiferente.
Larga vida al Rey... de las cantinas.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Luciano Pereyra! Y bueno, ¡comencemos!
El reconocido artista internacional Luciano Pereyra presenta su nuevo y esperado álbum "Te Sigo Amando", un trabajo en el que exhibe su versatilidad para abordar múltiples géneros populares, acompañado por grandes figuras de la música. El álbum está encabezado precisamente por el éxito "Te Sigo Amando" junto a la estrella española David Bisbal, una colaboración que se ha convertido en el pilar fundamental y título de este nuevo proyecto de estudio.
Con canciones pop, baladas, cuarteto, cumbia y chamamé, "Te Sigo Amando" es un amplio recorrido por el amor en todas sus formas. Este álbum cuenta con la producción de Andres Castro, Pablo Cebrián, Tato Latorre y David Santisteban, quienes trabajaron junto a Luciano en estudios de Buenos Aires, Miami y Madrid.
Previo a su desembarco en España, Luciano Pereyra abrirá una agenda de entrevistas virtuales durante la primera semana de julio para atender a los medios interesados, antes de sus esperados conciertos en Barcelona (viernes 16 de octubre) y Madrid (lunes 19 de octubre). Estas citas serán muy especiales, ya que sus seguidores españoles por fin podrán disfrutar en directo de las canciones de su nuevo álbum y de todos sus grandes éxitos.
Os dejo por aquí el videoclip de "Te Sigo Amando". ¡No os lo perdáis!
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