"Losing Game (Sick)", el nuevo single de José González

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡José González! Y bueno, ¡comencemos!

  "¿Cómo terminamos haciendo un vídeo en el que monstruos robot se comen a los humanos?", reflexiona José González. "Todo empezó cuando contacté con Mads Damsbo para hacer un videoclip para "A Perfect Storm". Después de escuchar mis ideas, me propusieron una alternativa. Me gustó tanto que acabamos haciendo ambos vídeos: uno serio, en blanco y negro, con Mads dirigiendo la historia del autobús cayendo hacia la tormenta, y otro más cómico y sangriento con Bine Bach al frente". 

  ""Losing Game (Sick)" plantea qué ocurre cuando la humanidad se pregunta qué ha pasado después de perder el control frente a la inteligencia artificial y los robots. Es una preocupación sincera, pero me pareció adecuado abordarla con humor. Ninguno de los expertos que he escuchado hablar sobre este tema imagina un escenario en el que los robots se pregunten qué humanos saben mejor. Pero si alguna vez sucede, estoy seguro de que disfrutarán especialmente del sabor de un cantante folk pretencioso y lleno de tópicos".

  Por su parte, la directora Bine Bach explica:

  "José ha hecho un álbum precioso sobre la compleja relación entre la humanidad y la tecnología, y sobre la necesidad de ser cautelosos antes de que esta termine "engulléndonos". Quería utilizar la IA dentro del propio proceso creativo para reforzar ese mensaje. Como es una herramienta que genera tanto entusiasmo como emociones contradictorias, teníamos que ser inteligentes para crear algo deliberadamente absurdo".

  "Después de muchas ideas, llegamos al concepto de ser devorados por la IA, porque encajaba perfectamente con la temática de la canción y ofrecía una vertiente cómica al mezclar robots con algo tan cotidiano como un grupo de discusión. A partir de ahí desarrollamos el proyecto combinando imágenes reales y animación generada mediante inteligencia artificial. Fue un proceso exigente y, en ocasiones, imprevisible".

  José González en "Sounds Like Art"

  Además del estreno de este nuevo videoclip, José González participó recientemente en un episodio de la aclamada serie documental de ARTE Sounds Like Art. El programa lo sigue por las instalaciones del Moderna Museet de Estocolmo mientras reflexiona sobre las raíces familiares marcadas por el exilio político, sus esperanzas para el futuro y ofrece interpretaciones íntimas de canciones nuevas y clásicos de su repertorio, incluyendo una actuación en español al atardecer.

  "Against The Dying Of The Light", el quinto álbum de estudio de José González y su primer trabajo con canciones originales en más de cuatro años, sigue la estela y funciona en muchos sentidos como una obra complementaria al aclamado Local Valley (2021). En él, el cantautor y guitarrista sueco vuelve a reflexionar sobre la humanidad y su futuro incierto a través de su característica escritura acústica, tan cautivadora como profundamente contemplativa.

  Inspirado por el pensamiento de autores como Jonathan Haidt, Liv Boeree, Yuval Harari y Steven Pinker, González presenta una amplia colección de canciones llenas de matices que abordan grandes cuestiones con claridad e intención. El álbum explora temas como la teoría de juegos, la filosofía moral y los relatos con los que damos sentido al mundo. También se adentra en la ambigüedad ética de la tecnología contemporánea, capaz de impulsar el progreso mientras pone a prueba nuestra propia concepción de lo humano. Todo ello se transmite con cercanía y calidez a través de su voz intuitiva y su inconfundible técnica de fingerpicking.

  Entre las canciones del álbum destaca "A Perfect Storm". En ella, González advierte sobre lo que muchos expertos en inteligencia artificial describen como una "carrera por perder el control". El tema está acompañado por un videoclip inmersivo y deliberadamente provocador que utiliza la propia IA para profundizar en el complejo debate sobre su aplicación en la sociedad.

  Tras el estreno de "A Perfect Storm", se celebró además un encuentro exclusivo en YouTube en el que González y el productor Mads Damsbo conversaron durante quince minutos sobre el proceso de creación del videoclip y compartieron sus reflexiones acerca de la inteligencia artificial y su papel en la intersección entre el arte y la ciencia.

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"PACIENCIA INFINITA", el neuvo disco de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  En los tiempos que corren el punk vuelve a ser muy necesario. Como si algún día los tiempos corrieran buenos; o como si en algún momento el punk hubiera perdido su vigencia y su valor. 2026 nos está poniendo a todos a prueba y conviene recordar qué herramientas tenemos al alcance para aguantar. El punk puede ser una de ellas. Ningún género vehicula mejor la necesidad de desahogo. Conjuga rabia y diversión como ningún otro, llegando a ser incluso terapéutico, tanto para quienes lo practican como para quienes lo escuchan. En este contexto, la banda barcelonesa Sandré, surgida en 2018 de las grietas del underground, se ponen al servicio de su público con una sencilla receta para que no nos hundamos frente al mundo que nos rodea, un consejo resumido en el título de su nuevo disco: "PACIENCIA INFINITA". 

  Desahogo y diversión, protesta y exploración. Eso buscaba el cuarteto al componer el que es su tercer álbum, el primero con el sello Calaverita Records. Desahogo porque sus canciones responden ante situaciones que les provocan rabia, más desde un plano personal, relacional y social que político, que también indirectamente; y diversión porque el disco es el pretexto perfecto para explorar los límites del punk y del rock, apretándole las tuercas a su marcada identidad sonora. "PACIENCIA INFINITA" es un álbum con composiciones muy particulares que expanden el marco creativo de Sandré, presentando estructuras más abiertas, nuevas texturas rítmicas y combinando el característico lenguaje musical de la banda con elementos del rock alternativo, del krautrock, del math rock, del garage o del post-punk.

  Esta línea compositiva del disco queda bien estipulada desde su primer corte, "EMPATÍA NO", con su textura expansiva, su potente rítmica y su arquitectura instrumental en forma de puzle. A partir de ahí, el repertorio pasa por los acordes afilados de "GÉMINIS MAL", la primera canción de desamor de Sandré, por la solidez y la contundencia de "CABEÇA", esa mezcla visceral de tensión y electricidad en la que colabora Miguelito García ("Dandy Piranha" de "Derby Motoreta’s Burrito Kachimba" y Cervatana), por un pogo de 55 segundos titulado "JOIA DE MALVIURE" y por la locomotora en movimiento que es "GOLDEN", para acabar volviendo al espíritu punk más trepidante y honesto que representa "A-MU-MÍ", la pieza final.

  Pero en el camino también juegan con cosas distintas. Se ponen retos, generalmente para reforzar la expresión narrativa de lo que nos quieren contar. En "DISCURSO MOTIVACIONAL", por ejemplo, un tema donde hace los coros el barcelonés "BANANI", transitan entre diferentes tipos de compases para generar una energía muy bailable, muy de criptobro ultramotivado de masculinidad frágil. En "PIJAMA DE FUSTA" destruyen la estructura a mitad de tema, dejándolo disolverse en un fade-out eterno para expresar el desgaste al que nos somete el sistema. Del mismo modo, romper la estructura habitual de la canción también les sirve en "EL POU" para plasmar esos momentos en los que nos invade la oscuridad. Así como el uso irónico del contraste entre el punk psicodélico de las estrofas y las melodías pop del estribillo de "SIEMPRE MÁS", que funciona como una metáfora musical perfecta de lo mucho que pesa lo malo y lo poco que pesa lo bueno.

  En "PACIENCIA INFINITA" las canciones hablan de frustración, de la agonía de lo rutinario, de oscuridad, de la dificultad para resolver conflictos e incluso, por primera vez, de rupturas y desamor. Pero también revela la importancia que tiene, como acto de resistencia, buscar y encontrar fuerza en quienes tenemos al lado; la importancia que tiene, como acto de libertad, cuestionar las normas. Y ese es precisamente el punto de fondo esperanzador que tiene este disco: que subraya la necesidad de unirnos para divertirnos siendo rebeldes. "EXCEL DE NORMAS" es el mejor ejemplo, porque si publicar una canción tocada a la vez por ellos y por sus amigos Chaqueta de Chándal no es divertirse y romper las normas, ¿qué lo es? Para eso sirve el punk, y teniendo eso la paciencia puede ser infinita. 

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"Rambla", el nuevo single de FARMAR

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡FARMAR! Y bueno, ¡comencemos!

  FARMAR es el proyecto en solitario del productor, compositor y multiinstrumentista Mario Fartacek, un músico vienés que en la última década ha ayudado a dar forma a más de 40 álbumes. Entre ellos los de Mynth, un dúo de pop electrónico que formó con su hermana gemela, y por el que fue premiado en los prestigiosos Amadeus Music Award de 2017 en Austria. Ahora ha decidido dar un paso al frente y ocupar su propio espacio, presentando una propuesta que fusiona composiciones melancólicas con producciones electrónicas profundas y llenas de energía de club. Un magnético universo sonoro pensado tanto para la introspección como para el movimiento. 

  Conocido ya en nuestro país por haber teloneado al dúo "ATZUR" en su reciente gira, formación con la que guarda una estrecha relación, FARMAR publica esta primavera un nuevo single titulado "Rambla", escrito y producido en su paso por Barcelona, impregnando en su ADN su instantánea conexión con la ciudad. El tema captura la sensación que él vivió durante su estancia en la capital catalana: las noches cálidas, el constante ir y venir, los desconocidos que casi resultan familiares. Hay una atmósfera de movimiento que lo atraviesa todo, desplegándose poco a poco hasta atraparte en un flujo hipnótico pensado tanto para la reflexión como para la liberación. La energía de Barcelona se transforma en un pulso febril, casi onírico, logrando que todo se sienta cercano y ligeramente difuso, como un recuerdo en el que aún sigues metido. 

  Impulsado por una profunda energía techno y por un pulso constante y adictivo, "Rambla" es una pieza electrónica que mezcla melodías melancólicas con ritmos contundentes, subgraves densos y una estructura de combustión lenta. Introspectiva pero hecha para moverse. Capaz de golpear como un track de club, pero con algo íntimo latiendo debajo. Su propuesta escénica, de hecho, apuesta claramente por desarrollar esa profundidad emocional que también se puede bailar. Lo pudimos comprobar en su gira con "ATZUR", donde levantó él solito un show intenso, inmersivo, honesto, inmediato y completamente vívido, sirviéndose tan solo de una guitarra, su voz y unas cuantas maquinitas. Y lo volveremos a experimentar en sus próximas fechas en nuestro país: en la sala Siroco de Madrid el 4 de noviembre y en la Paral·lel 62 de Barcelona el 5, donde actuará en solitario, y en la sala Hangar de Córdoba el 5, en la sala Factory de Cauta el 6, en la Marea Rock de Alicante el 8, en la Planta Baja de Granada el 10, en la Porta Caeli de Valladolid el 12 y en la sala Directo de Cuenca el 13, donde de nuevo teloneará a "ATZUR".

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"FORMAS DE HABITAR LA INCERTIDUMBRE", el nuevo EP de Cristalino

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cristalino! Y bueno, ¡comencemos!  

  Disponible en plataformas digitales desde el pasado 29 de mayo vía Casa Maracas. Notificaciones, estímulos, imágenes, consignas, conexión permanente y, sin embargo, cada vez resulta más difícil distinguir qué merece realmente nuestra atención, qué permanece y qué se desvanece apenas unos segundos después de aparecer frente a nosotros. 

  Destello, señal, hilo y alba, el tercer EP de Cristalino, convierte esa desorientación en el motor de sus canciones. Entre intuiciones y pequeños desplazamientos de la experiencia diaria, el disco busca contacto y permanencia.

  Hay algo especialmente valioso en cómo este nuevo trabajo amplía el lenguaje que Cristalino venía desarrollando desde sus primeros lanzamientos y lo proyecta hacia un lugar más definido. Sin abandonar la lógica del pop digital contemporáneo sobre la que ha construido su identidad, el EP desplaza el foco hacia texturas más físicas y abiertas: baterías y guitarras acústicas, respiración, resonancia. Especialmente en "HILO" y "ALBA" aparece una relación más amplia con el espacio y la materia.

  La estructura simbólica del EP es sorprendentemente compacta. Los títulos no son decorativos. "DESTELLO", "SEÑAL", "HILO" y "ALBA" funcionan como distintas formas de orientación: la aparición repentina, la necesidad de interpretar, el vínculo entre unas cosas y otras, la posibilidad de empezar de nuevo.

  También la música avanza de ese modo, suspendida muchas veces entre la fragilidad y la precisión melódica. Los cambios de textura y la forma en que la voz de Cristalino aparece y se repliega construyen una sensación constante de búsqueda. Las canciones permanecen dentro de aquello que todavía no termina de entenderse. Eso separa al EP del sentimentalismo urbano contemporáneo más estándar y lo acerca a una percepción aumentada de lo cotidiano.

  "SEÑAL", una de las piezas centrales del trabajo, concentra especialmente bien esa tensión entre extrañamiento y cercanía. El videoclip dirigido por Adrián Cecilio junto al propio Cristalino prolonga esa atmósfera. Entre electrónica, guitarras acústicas y melodías que parecen avanzar siempre unos centímetros por delante de sus propias certezas, Cristalino y Jaime Beltrán construyen un disco que evita tanto la nostalgia como el cinismo. Un trabajo que no intenta explicarlo todo, sino permanecer despierto dentro de la confusión.

  Os dejo por aquí el single de "Todo lo que hablamos". ¡No os lo perdáis!

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"Siete", el nuevo EP de "Rambalaya"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Rambalaya"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay discos que nacen como una anomalía dentro de una trayectoria. No porque renieguen de lo anterior, sino porque deciden tensar sus límites. "Siete", el nuevo trabajo de "Rambalaya", pertenece a esa categoría. Después de tres álbumes construyendo uno de los cancioneros más sólidos del rhythm & blues estatal contemporáneo (siempre en inglés, siempre mirando de frente a la tradición afroamericana), la banda decide ahora girar el volante y enfrentarse a su propio idioma. Y lo hace sin red. 

  "Siete" no es un simple ejercicio de traducción ni un movimiento táctico para ampliar mercado. Lo que plantea el grupo aquí es algo bastante más complejo: desmontar siete canciones clave de su repertorio y volverlas a levantar desde otro lugar emocional. Cambia la lengua, pero también la temperatura de las canciones. El resultado conserva intacta la pegada del rhythm & blues clásico, el soul musculoso y el rock americano que siempre han definido a "Rambalaya", aunque ahora todo parece suceder unos centímetros más cerca.

  La transformación no habría sido posible sin un trabajo minucioso de reescritura. Los propios miembros de la banda han liderado la adaptación de los textos, acompañados por las aportaciones de Raquel Salvador y Dani Nel.lo, responsables de trasladar al castellano las canciones compuestas por Anton Jarl, Matías Míguez y Héctor Martín sin perder naturalidad ni nervio narrativo.

  También hay algo profundamente simbólico en el propio título del disco. "Siete" remite al número de canciones que conforman el EP, pero también a la identidad colectiva de una banda formada precisamente por siete músicos que llevan años funcionando como una maquinaria perfectamente engrasada de soul sudoroso, vientos incendiarios y rock de carretera.

  El disco cuenta además con cuatro colaboraciones que ayudan a ampliar el mapa estilístico del proyecto sin romper su coherencia interna. Carlos Segarra aporta su veteranía rockabilly y ese fraseo que parece salido de una carretera secundaria norteamericana; Tarque introduce gravedad y electricidad; Ovidi Tormo de Los Zigarros suma filo guitarrero y actitud; mientras Angie Sánchez añade textura, sensualidad y contraste.

  Musicalmente, "Siete" funciona como una pequeña cartografía de las obsesiones sonoras de "Rambalaya". Hay rhythm & blues clásico en "Estás a la que salta" ("Chip on your shoulder"), rock sureño en "Cantos de sirena" ("Let me get out of this place"), aromas fronterizos, medios tiempos soul y baladas nocturnas como "Solo te soñé", nueva encarnación de "Only In My Dreams" o el pop cinematográfico de "Llorándote" ("Cry"). También reaparece "Bootlegger Man", convertida ahora en "Fuera de la Ley", probablemente una de las canciones más inmediatas y magnéticas de todo el repertorio reciente del grupo. "The Border" y "Rider with no head", que se convierten en "La Frontera" y  "Pollo Sin Cabeza", respectivamente.

  Grabado entre estudios de Alicante, Valencia, Mallorca y Barcelona, el EP sirve además para poner definitivamente en primer plano las posibilidades vocales de Jonathan Herrero. Su interpretación, siempre intensa, encuentra aquí una dimensión distinta: menos impostada, más física, más cercana. Como si el castellano hubiese abierto una puerta emocional que permanecía entrecerrada.

  Lo más interesante de "Siete" es que evita caer en la nostalgia o en el cliché de "hacer soul en español" como rareza exótica. "Rambalaya" entiende perfectamente que el soul no depende de un idioma concreto, sino de la manera en que una canción transmite deseo, pérdida, euforia o derrota. Y en ese sentido, este disco no suena a experimento: suena a evolución.

  Con "Siete", "Rambalaya" no abandona el territorio que llevaba años conquistando. Simplemente decide nombrarlo con palabras nuevas.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Telephone". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Rambalaya". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Tu Mirada", el nuevo single de Hanz Ruiz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Hanz Ruiz! Y bueno, ¡comencemos!

  Tras el buen sabor de boca y el impacto generado con "Cosquilleo", Hanz Ruiz da un golpe sobre la mesa y amplía su registro con el lanzamiento de "Tu Mirada", ya disponible en todas las plataformas. Si en entregas anteriores primaba la urgencia, el artista presenta ahora una propuesta mucho más densa y reflexiva, marcando el camino hacia su primer disco con un tema muy fresco que nos conduce de lleno a una primavera con sabor veraniego. 

  A nivel sonoro, la canción es un ejercicio brillante de claroscuros que domina las dinámicas con absoluta precisión. La composición nace desde la belleza y calidez de una guitarra acústica para acabar rompiendo en un muro de sonido definido por guitarras eléctricas sucias y baterías de pegada orgánica. Es una arquitectura musical que bebe directamente de la nostalgia de los años 90, conectando referencias históricas de la escena estatal como Los Planetas o Australian Blonde con el nervio contemporáneo de bandas como Carolina Durante. Todo ello, arropado por una producción actual y moderna que no resta espacio a la esencia de tocar en banda.

  En el apartado lírico, Hanz Ruiz abandona el riesgo compartido para centrarse en la resistencia individual y la crítica social. "Tu Mirada" retrata el caos mental frente a la parálisis de una rutina alienante y cuestiona frontalmente el discurso sedante de los medios y la publicidad: "Los anuncios en la tele dicen que todo va bien. No hace falta decir para quién". La canción culmina en un proceso de autoafirmación necesario, donde el refugio en el otro da paso a la identidad propia como única vía de supervivencia en un mundo fragmentado: "si todo aguanta es por mi", "no pasaré de todo lo que fuí"... Como detalle de producción impecable y guiño a esta queja social, la pista esconde en su atmósfera samples de Donald Trump y los inconfundibles gritos del tema "Holiday" de Green Day.

  La narrativa del proyecto se expande visualmente con un videolyric de marcada estética británica. En él, el uso de la icónica parka funciona como un tributo directo a Oasis y al espíritu de Mánchester, sirviendo aquí para reivindicar un presente ambicioso y coherente con sus influencias.

  Con "Tu Mirada", el tercer adelanto de su esperado disco debut, Hanz Ruiz se aleja de las fórmulas efímeras de la industria para proyectarse como un artista de largo recorrido. Un paso adelante firme que demuestra su capacidad para combinar el impacto sonoro con un discurso cargado de poso, mensaje y verdad.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Cosquilleo". ¡No os lo perdáis!

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"Blue Flame", el nuevo single de "Temples"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Temples"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Temples" presentan "Blue Flame", un nuevo adelanto de su próximo álbum de estudio "BLISS", que verá la luz el próximo 26 de junio a través de V2 Records. Con este nuevo tema, la banda de Kettering continúa expandiendo los límites de su universo sonoro, explorando nuevas direcciones electrónicas sin abandonar el ADN psicodélico y melódico que les ha convertido en una de las bandas más singulares de su generación. 

  Tras la excelente acogida de los anteriores adelantos, "Jet Stream Heart" y "Vendetta", elogiados por medios como NME, The Times o Clash, "Blue Flame" muestra una faceta más etérea y cinematográfica de la banda. Construida sobre atmósferas envolventes y paisajes sonoros oníricos, la canción vuelve a demostrar la capacidad de "Temples" para combinar emoción, experimentación y sensibilidad pop.

  Sobre el tema, la propia banda explica: "Nos refugiamos de los elementos, conectando más con la tecnología que con la naturaleza. "Blue Flame" es una historia de advertencia sobre la separación, tanto entre nosotros como seres humanos como respecto al mundo en general".

  El nuevo álbum supone un emocionante nuevo capítulo tras Exotico (2023) y encuentra a "Temples" reinterpretando sus raíces psych-rock a través del prisma de la música de baile de finales de los 90 y principios de los 2000. Inspirándose en la melancolía eufórica de la escena ibicenca y la electrónica europea, "BLISS" toma referencias emocionales y sonoras de artistas como Faithless, Underworld, Massive Attack o Portishead.

La banda define el espíritu del disco como una forma de "euforia melancólica": estructuras aparentemente simples capaces de generar emociones complejas y profundas.

  A diferencia de Exotico, donde trabajaron junto al productor Sean Ono Lennon, en esta ocasión "Temples" decidieron encargarse ellos mismos de la producción del álbum, apostando por un enfoque más intuitivo, directo y experimental. Trabajando juntos en el mismo espacio, utilizaron samplers y procesos de manipulación sonora no para reinterpretar material ajeno, sino para reconstruir sus propias canciones y crear un universo sonoro cohesionado y en constante transformación.

  El resultado es un disco con espíritu de collage, interconectado, donde texturas y motivos musicales fluyen entre canciones y refuerzan la sensación inmersiva de "BLISS".

  La banda actúa el viernes 29 de mayo en el Spring Festival de Alicante, el sábado día 30 en Festival Maig de Santa Coloma de Queralt (Tarragona), y en noviembre harán gira de salas en Madrid (día 17, Teatro Eslava), Zaragoza (día, 18, Sala López), Granada (día 19, Sala Aliatar), Sevilla (día 20, Sala X), Bullas (día 21, Antioxidante), y Barcelona (día 22, Paral.lel 62) (consulta aquí todos los detalles ).

  Para "Temples", "BLISS" es mucho más que un cambio de estilo: es toda una declaración de intenciones. Un álbum creado sin concesiones, guiado por la intuición, la química entre sus miembros y el placer de volver a crear música juntos.

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"Scroll Infinito", el nuevo EP de Muyaio

  Hla a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Muyaio! Y bueno, ¡comencemos!

  La música, al igual que la vida misma, es mejor no tomársela ni demasiado en serio ni demasiado a broma. No es fácil situarse en un punto intermedio, lograrlo es una gran virtud. Y ese es precisamente el plano en el que le gusta moverse al canario Sergio Oramas cuando se viste de Muyaio, el pseudónimo musical con el que lleva un lustro publicando canciones y discos en solitario. Antiguo miembro de Supertrópica, Doctor en Inteligencia Artificial y experto en sistemas de recomendación musical, su principal campo de reflexión es la relación que está estableciendo la humanidad con las nuevas tecnologías, con internet y, en consecuencia, consigo misma. Una temática que enfoca ni muy en serio ni muy en broma, con una sonrisa sobre un fondo de crítica. El canario simplemente se dedica a traducir sus ideas en música, con un estilo que parte del pop alternativo para enriquecerse de ritmos latinos, pero también a más lenguajes: en concreto a la programación informática y al humor. Por eso deberíamos empezar a tratar ya a Muyaio como a un homo universalis. 

  Su faceta musical suma esta primavera un nuevo trabajo, "Scroll Infinito", un EP de tres canciones con el que el tinerfeño continúa ahondando en cómo las nuevas tecnologías poco a poco nos van cambiando. Su temática sigue la línea de Pop Picón, su segundo álbum, que, sin ser en absoluto un manifiesto anti-internet o anti-tecnología, señalaba ciertas dinámicas preocupantes que nos conducen hacia una forma de vida cada vez más hiperconectada; aunque también ofrecía alternativas para no sucumbir a la corriente.

  Ahora, en "Scroll Infinito", Muyaio nos muestra otras tres nuevas realidades a las que nos estamos acostumbrando, y que quizá no deberíamos. "FOMO", con su medio tiempo de pop  y una  combinación de sonidos cotidianos y groove tropical, retrata el bucle mental de querer haber estado en todo, sensación claramente alimentada por las RRSS. "Te Stalkeé", ese suave bolero mezclado con bachata que fusiona lo orgánico y lo electrónico, funciona como una suerte de anti-himno del extraño fenómeno del amor a través de Instagram. Mientras que "No Me Hagas Ghosting", su corte más bedroom pop, se sostiene sobre una producción minimalista, con sintetizadores y guitarras que evocan al sonido de Men I Trust o Mac DeMarco, señalando al ghosting como una costumbre demasiado extendida, ya no solo en el terreno del amor, sino también en la industria musical, especialmente con los artistas emergentes e independientes como él.

  Pero más allá de lo musical, Muyaio se expresa también a través de otras disciplinas. Con Pop Picón se explayó en lo referente a su faceta, digamos, informática. Publicó el disco en forma de fanzine conversacional, una especie de revista digital interactiva hecha a base de IA y chats con diversos personajes, y además creó una web de recomendación musical justa basada en un algoritmo que propone solo artistas independientes. En esta ocasión, lo que ha hecho con "Scroll Infinito" es traducir su mensaje también al lenguaje humorístico, concretamente al formato stand-up comedy. El canario ha preparado y presentado ya en Barcelona un espectáculo escénico que mezcla monólogos con canciones interpretadas en directo. Titulado igual que el EP, resulta un paso más para un artista multidisciplinar que no deja de sorprendernos.

  Desde el principio, el proyecto de Muyaio se ha entroncado en la tradición de la música canaria, caracterizada por el uso del humor, y que encuentra en la figura de Arístides Moreno una suerte de padre fundador y padrino artístico del propio Oramas. Su propuesta siempre se ha emparentado a la de músicos como Javier Krahe, Albert Pla o incluso Pablo Carbonell. Todos ellos, de algún modo, hicieron carrera con un pie en el humor y otro en la música, Muyaio, además de eso, tiene las manos libres para expresarse artísticamente también a través de un teclado de ordenador. 

  "Scroll Infinito", el show de comedia y música en vivo

  Desde la soledad de su baño, Muyaio intenta encontrar el antídoto contra la ansiedad social con el simple movimiento de su dedo, guiándonos en un viaje desde la burbuja digital hasta su intimidad más real. Entre monólogos y canciones, "Scroll Infinito" explora la búsqueda de afecto en tiempos de hiperconexión y soledades compartidas. Como un Quijote que lucha contra algoritmos en lugar de molinos, Muyaio cabalga sobre su taza del wáter armado tan solo de ironía, nostalgias analógicas y un deseo irrefrenable de darle sentido a este desatino contemporáneo.

  Con la tranquilidad de un canario y el criterio de un doctor en Inteligencia Artificial, comparte cómo navega un mundo que no se detiene y que nos abruma con sus pequeños dramas cotidianos.

  El resultado es una experiencia que mezcla música, humor y filosofía de bar: un espectáculo que abraza la risa, la duda y el vértigo de existir en la era del algoritmo.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Quiero ser como Manu Chao". ¡No os lo perdáis!

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"GÉMINIS MAL", el nuevo single de "Sandré"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sandré"! Y bueno, ¡comencemos!

  Si buena parte del universo compositivo de Sandré suele construirse desde la tensión, con riffs incómodos, armonías que rozan la disonancia y compases que escapan del clásico 4/4, "GÉMINIS MAL" nace precisamente del deseo de hacer lo contrario. 

  Fue el primer tema que la banda compuso para Paciencia Infinita y, de algún modo, marcó una nueva vía dentro del proceso creativo del disco. Aquí Sandré aparca momentáneamente la complejidad estructural para abrazar una fórmula más inmediata: acordes afilados, una rítmica clara y contundente, y una ejecución honesta, frontal y sin rodeos.

  Pero incluso en esa aparente sencillez, la banda no renuncia del todo a su lenguaje. A lo largo del tema aparecen dos pasajes instrumentales en los que la canción se descarrila ligeramente, permitiéndose pequeñas fugas hacia terrenos más imprevisibles. Ahí emerge ese toque Betunizer que introduce tensión, rareza y una pequeña grieta en la linealidad del tema.

  Más allá de lo musical, "GÉMINIS MAL" supone otro pequeño hito en la trayectoria de la banda: es la primera canción de Sandré que habla abiertamente de desamor.

  La letra nace de experiencias personales de Rosa (con hombres casualmente todos del signo Géminis) y pone el foco en las relaciones frustradas, en la repetición de patrones dañinos y en el aprendizaje que implica saber detectarlos a tiempo para no volver a caer. Habla de cuidarse, de reconocer señales y de cortar ciertos ciclos antes de que vuelvan a hacer daño.

  Todo ello atravesado por una capa de ironía muy Sandré. El estribillo juega con el imaginario del horóscopo y se ríe de esa contradicción tan contemporánea: decir que no creemos en la astrología mientras buscamos compatibilidades, cartas astrales y respuestas emocionales en internet.

  Si "EMPATÍA NO" apuntaba al conflicto y la falta de reciprocidad, "CABEÇA" convertía la amistad en refugio colectivo (con la colaboración de Miguelito García "Dandy Piranha") y "PIJAMA DE FUSTA" disparaba contra el agotamiento sistémico y los psicópatas que nos gobiernan, "GÉMINIS MAL" abre un nuevo frente: el emocional, el de las heridas íntimas, sin perder mordida ni sarcasmo.

  Musicalmente, el tema conecta con referencias como Shame, Amyl and the Sniffers, Osees, Ty Segall o Frankie and the Witch Fingers, filtradas por esa manera tan particular que tiene Sandré de mezclar pegada, nervio y extrañeza.

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"Don’t Even Have To Say His Name", el nuevo single de "The Waterboys"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Waterboys"! Y bueno, ¡comencemos!  

  "The Waterboys" han sacado una nueva canción, "Don’t Even Have To Say His Name", que expresa sin tapujos su rechazo a la administración Trump. Mike Scott, líder de la banda y quien firma la música y letra del flamante tema, lo describe así: Odio a los abusadores y con esta composición reflejo mis sentimientos sobre el liderazgo político de un país que amo. La música y cultura estadounidenses me han inspirado toda la vida y creo que la decencia de Estados Unidos permanecerá intacta cuando este gobierno corrupto haya desaparecido, pero solo si la gente, tanto allí como en todo el mundo, cuestiona y protesta. Así que esta canción es nuestra pequeña contribución a ese proceso. Ojalá cumpla su propósito".  

  Os recordamos que "The Waterboys" ofrecerán el 3 de septiembre en el Roig Arena de València el único concierto que van a dar este 2026 en España (una coproducción entre Houston Party y Just Life Music). Un concierto muy especial, pues ese día recalará en la capital levantina "The Fisherman’s Blues Revue", la gira con que "The Waterboys" homenajean a uno de sus trabajos más emblemáticos, el que fue su cuarto álbum, "Fisherman’s Blues" (1988), uno que ha incrustado en la memoria melómana canciones que el paso del tiempo no borra, sino que abrillanta aún más. Un conjunto de temas conectado a una poderosa resonancia creativa y a una batería de fuentes inspiradoras que se remontan a mucho antes del nacimiento del rock’n’roll. 

  El resultado, trece canciones referenciales para sus fans, de esas que no solo les marcaron en su época, sino que han seguido acompañándolos en las posteriores: hablamos de la que da título al disco, de "We Will Not Be Lovers", de "Stranger Boat", de su versión de la vanmorrisoniana "Sweet Thing", de "When Ye Go Away" …  Y así podríamos seguir nombrando las trece que contiene. Uno de esos álbumes que se saborea de principio a fin, sin saltarse ninguna estación. Ya lo dicen en Powerpop: "Había escuchado este álbum antes, pero esta semana lo tuve puesto constantemente y lo repasé varias veces. No le sobra nada, no falla en nada. Es uno de esos álbumes en los que es difícil elegir solo una canción y seguirla. Hay que escucharlo completo". 

  Y por si con ello no hubiera bastante celebración, subrayar que en este singular concierto, una de esas citas para recordar, Mike Scott y su banda, además de a las trece canciones del LP original, empezando por la titular que lo abre y finalizando por la versión del "This Land Is Your Land" de Woody Guthrie, también podrán recurrir a alguno de los temas incluidos en "Atlantic Rain: The Lost Fisherman's Blues Recordings" (Chrysalis Records), el triple álbum que publicarán el 17 de julio con piezas inéditas de las sesiones de "Fisherman’s Blues", así como con tomas alternativas de las canciones que acabaron conformando ese referencial disco. "Hicimos tanta música en aquella época, con cientos y cientos de grabaciones individuales, que todavía sigo descubriendo cosas mágicas. Este conjunto de temas contiene lo mejor que he encontrado hasta ahora", ha comentado Mike Scott sobre "Atlantic Rain". Y también ha colgado en sus redes sociales lo siguiente: "Es tan bueno como el álbum original". 

  Para cerrar el círculo apuntar que para "The Fisherman’s Blues Revue" el legendario violinista Steve Wickham volverá a unirse a la banda, así como también lo hará, nada más y nada menos, el cantautor estadounidense Steve Earle, quien actuará como miembro de esta revue, tanto cantando sus propias canciones como agregando voces, guitarra y mandolina a las de "The Waterboys". En este sentido, Earle ha declarado: "Yo solo quería estar en tres bandas: The Rolling Stones, NRBQ y "The Waterboys"". La banda la completará Brother Paul (órgano), Famous James (piano), Aongus Ralston (bajo), Eamon Ferris (batería) y al noruego Roar Øien a cargo del lap steel.

  Sobre el momento de la carrera de "The Waterboys" que este concierto revivirá, el líder de la formación, Mike Scott, lo ha definido así: "Fue una época trascendental para "The Waterboys" y siempre es emocionante sumergirse en su espíritu y ver qué sucede. Tocaremos como una banda de ocho integrantes, incluyendo al gran Steve Earle, con quien llevo años queriendo hacer un proyecto, que traerá sus raíces americanas e increíbles canciones a la fiesta. Estos prometen ser de los mejores conciertos de la historia de "The Waterboys"".

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"Fuera de la Ley", el nuevo single de "Rambalaya"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Rambalaya"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda "Rambalaya", una de las formaciones más destacadas del panorama nacional de rhythm & blues, presenta su nuevo sencillo, "Fuera de la Ley", una colaboración excepcional junto a Carlos Segarra, figura clave del rock & roll español al frente de Los Rebeldes. 

  Este tema supone un paso significativo en la trayectoria de "Rambalaya", al convertirse en su primera canción interpretada íntegramente en castellano, y es además el primer adelanto de Siete, su próximo trabajo discográfico, que verá la luz el 22 de mayo.

  Siete es un proyecto singular dentro de la carrera de la banda: un álbum compuesto por canciones de "Rambalaya" reinterpretadas en castellano, manteniendo intacta su esencia de rhythm & blues, soul y rock’n’roll, pero explorando una nueva dimensión expresiva a través del idioma. Para este trabajo, el grupo ha querido rodearse de algunas de las voces más reconocibles del panorama musical nacional, con colaboraciones destacadas de Ovidi Tormo, de Los Zigarros, Carlos Tarque, y Angie Sánchez, además de la ya anunciada participación de Carlos Segarra.

  "Fuera de la Ley" es una adaptación de su tema "Bootlegger Man", reinterpretado para la ocasión con una letra adaptada por Dani Nel.lo. El resultado es una pieza poderosa y elegante, donde el sonido inconfundible de "Rambalaya" se funde con la voz icónica de Segarra en un cruce natural entre soul, rhythm & blues y rock’n’roll, bajo la inspiración de referentes como Elvis Presley y Charlie Rich.

  Con esta colaboración, "Rambalaya" y Carlos Segarra firman un encuentro artístico de alto voltaje que conecta tradición y personalidad, consolidando un puente entre generaciones dentro de la música de raíces.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Telephone". ¡No os lo perdáis!

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"The New Raemon" reprograma su concierto en Barcelona

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡"The New Raemon"! Y bueno, ¡comencemos!

  El concierto de "The New Raemon" previsto inicialmente para el mes de junio en La Nau de Barcelona ha sido reprogramado al próximo 16 de octubre, en la misma sala, debido a una urgencia médica reciente. 

  En esta nueva cita con el público barcelonés, "The New Raemon" presentará en directo, junto a toda su banda, su último trabajo, Ocurrimos lejos (Cielos Estrellados, 2025), además de ofrecer un recorrido por algunas de las canciones más representativas de su trayectoria.

  Las entradas adquiridas para la fecha original seguirán siendo válidas para el concierto del 16 de octubre. Aquellas personas que prefieran solicitar el reembolso podrán hacerlo a través de los canales oficiales de venta.

  Desde la organización y el artista, se agradece la comprensión del público y el apoyo recibido.

  Con más de veinte años de trayectoria y cerca de una veintena de discos publicados entre todos sus proyectos, "The New Raemon" (nombre artístico de Ramón Rodríguez) vuelve a los escenarios con toda su banda para presentar Ocurrimos lejos, un trabajo escrito e interpretado junto a Ricky Lavado, conocido por su trayectoria en Standstill, Egon Soda y La Joya.

  Os dejo por aquí el visualizer de "Aurora Ocho". ¡No os lo perdáis!

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"Cosquilleo", el nuevo single de Hanz Ruiz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Hanz Ruiz! Y bueno, ¡comencemos!

  Digan lo que digan los más agoreros, la escena rock nacional goza de un excelente estado de salud y tiene aún mucho margen para sorprendernos. El último que ha llamado a la puerta, con serio riesgo de echarla abajo, es Hanz Ruiz, que lleva desde 2023 cogiendo carrerilla para el lanzamiento del que será su álbum de debut este mismo año. El nuevo proyecto personal del músico catalán, que durante algunos años militó en la banda de música mestiza Segonamà, se presenta como un power trío completado por Ignasi Mir (guitarra) y Joel Llauradó (batería, además de productor del álbum). Una propuesta independiente y sólida que se proyecta como uno de los nombres a los que habrá que seguir de cerca este año. 

  Tras adelantar en mayo de 2025 "Frío", Hanz Ruiz acelera ahora el ritmo hacia su álbum debut publicando "Cosquilleo", un nuevo single que funciona como un salto al vacío sin red. Recuperando esa vocación que le hizo sentarse a la batería a los 12 años para tocar a Green Day, pero filtrándolo por un diseño sonoro que respira actualidad, el artista tarragonés consolida su nueva etapa entregando un cañonazo de indie-rock que funde las guitarras al estilo Green Day o Bloc Party, con mucho nervio, en el diseño sonoro actual que tanto caracteriza a La Paloma, a trashi, a shego o a Barry B. El resultado es un sonido sucio pero de factura impecable que mantiene el equilibrio entre el ruido y la melodía mientras retrata el vértigo de los nuevos comienzos.

  Sin rodeos, y materializando la urgencia de una invitación explícita al riesgo emocional, Hanz Ruiz lanza su órdago en el estribillo: "Si me disparas en el corazón / apunta bien, APUNTA BIEN / Si pruebas y fallas, por favor / inténtalo de nuevo", dejándonos una composición directa y cargada de verdad que, partiendo del sentimiento de incertidumbre, sirve a su autor para explicar una vulnerabilidad que ya siente inevitable. Además, la narrativa visual del proyecto también refuerza su retorno a la esencia. En el vídeo, el protagonismo recae en el power trío, destacando detalles cargados de simbolismo como la correa roja de Hanz. Más que un accesorio, es un tributo explícito a la estética de Billie Joe Armstrong y a esa cultura que definió a una generación, conectando el pasado del artista con su presente más ambicioso.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Cosquilleo". ¡No os lo perdáis!

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"PIJAMA DE FUSTA", el nuevo single de "Sandré"

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  El título de la canción nace de la expresión popular catalana "pijama de fusta", una forma irónica de referirse a la muerte. Sandré recupera este imaginario desde el humor para hablar de situaciones cotidianas en las que todo se tuerce: cuando algo sale mal, cuando te descubren o cuando una situación se vuelve insostenible. 

  La letra, sin embargo, va más allá de lo anecdótico y se adentra en la agonía de lo rutinario. La canción retrata cómo el sistema acaba desgastando a las personas hasta vaciarlas de energía, convirtiendo la vida en una sucesión interminable de tareas. En ese contexto, la frustración se canaliza a menudo hacia otros, o hacia uno mismo, pero el foco real está en otro lugar. En quienes sostienen y perpetúan este modelo: estructuras de poder deshumanizadas, decisiones tomadas desde arriba por quienes convierten el mundo en un espacio cada vez más hostil y agotador.

  "PIJAMA DE FUSTA" apunta directamente ahí: a los psicópatas que nos gobiernan. Y condensa esa idea en una ecuación tan simple como demoledora: todo mal.

  A nivel musical, el tema está construido como una pieza en dos actos. La primera parte representa la vida: un recorrido irregular, con subidas y bajadas, momentos de energía y otros más contenidos, manteniendo la tensión característica del sonido de la banda.

  A mitad de la canción, la estructura se disuelve en una especie de purgatorio sonoro, donde todo se vuelve más difuso. Capas de ruido y delays generan un espacio en el que el oyente se pierde progresivamente, reforzando la idea de tránsito y desorientación.

  El tema culmina con un recurso inédito en la trayectoria de la banda: un fade-out, el primero en toda su discografía. Lejos de cerrar la canción de forma abrupta, este final sugiere una sensación de continuidad y de eternidad, en coherencia con el concepto que articula la pieza.

  "PIJAMA DE FUSTA" llega acompañado de un videoclip dirigido por Jordi Castells y Aitor Garay, realizadores vinculados a la escena independiente que han trabajado previamente en videoclips para bandas como Za!, Nueva Vulcano o Chaqueta de Chándal.

  La pieza parte de una referencia tan clásica como irónica: "Pulvis et umbra sumus" ("somos polvo y sombra"), escribió el poeta Horacio en el año 6 a.C. Seguramente, tras de un par de cervezas mal encajadas y sin haber cenado.

  Con ese espíritu entre lo existencial y lo mordaz, el videoclip presenta a cuatro músicos que un día fueron jóvenes y fuertes y que ahora regresan convertidos en calaveras, tocando para una figura que encarna a la propia Muerte. Una puesta en escena que conecta directamente con el imaginario de la canción: la finitud, el desgaste y el humor negro como forma de resistencia.

  Con "PIJAMA DE FUSTA", Sandré profundiza en una línea que ya se intuía en "EMPATÍA NO" (más centrada en el conflicto y la tensión interpersonal) y en "CABEÇA" (un estallido de energía y comunidad con la colaboración de Miguelito García "Dandy Piranha"). Este tercer adelanto, uno de los temas en catalán del disco, añade una dimensión más reflexiva y conceptual al conjunto. El resultado es un tema que se mueve entre el post-punk y la experimentación estructural, con referencias que pueden recordar a Shame, Amyl and the Sniffers, Osees, Ty Segall o Frankie and the Witch Fingers, pero siempre filtradas por el lenguaje propio de la banda.

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"The Call", el nuevo single de "Broken Social Scene"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Broken Social Scene"! Y bueno, ¡comencemos!  

  El 8 de mayo, "Broken Social Scene" publicará Remember The Humans a través de Arts & Crafts. El LP marca su primer nuevo álbum de estudio en casi una década y reúne nuevamente al colectivo de Toronto con el productor David Newfeld, quien estuvo al frente de sus álbumes clave You Forgot It in People (2002) y el homónimo "Broken Social Scene" (2005). 

   Con letras fragmentadas -líneas superpuestas y estribillos compartidos- "The Call" converge en una consigna urgente: "let me hear the call / we’re going / either restless or reborn, we’re going". En parte moldeada por la escritura enigmática de Andrew Whiteman, la canción impulsa hacia adelante sin certezas, apelando a una acción guiada por el instinto más que por la lógica.

  En su sentido de impulso colectivo, "The Call" captura a "Broken Social Scene" en su estado más reconocible: el momento en que las individualidades se disuelven en algo mayor. Sin embargo, frente al carácter más reflexivo de otras canciones de Remember The Humans, este nuevo single se sitúa en un plano más físico que intelectual. Es una pieza orgánica y urgente, marcada por la respiración, el pulso, el sudor y los nervios.

  En una cultura dominada por lo superficial, "The Call" se arraiga en lo esencial. Se impone como una llamada casi vocacional, un recordatorio de avanzar juntos, de reconectar con lo humano en su forma más cruda y compartida.

  Este lanzamiento refuerza la evolución del grupo: una banda que, lejos de reinventarse, profundiza en su identidad, explorando las dimensiones emocionales de un lenguaje musical que lleva más de dos décadas desarrollando.

  Remember the Humans se formó tanto a partir del reencuentro como de la pérdida. Cuando Drew y Newfeld volvieron a encontrarse después de casi 20 años sin trabajar juntos, un simple encuentro terminó convirtiéndose en lo que ellos llaman "un huracán de diversión". Durante la grabación, ambos perdieron a sus madres, un duelo compartido que los unió aún más. Como recuerda Newfeld: "Nuestras madres habrían querido que hiciéramos esto y que lo hiciéramos bien después de 20 años sin trabajar juntos".

  Como siempre, "Broken Social Scene" funciona menos como una banda que como una comunidad, y las canciones evolucionan cediendo el control a quien mejor pueda llevarlas adelante en cada momento. Drew puede ser el conductor designado, pero los colaboradores en Remember the Humans, entre ellos Hannah Georgas, Lisa Lobsinger y Feist, pasan al primer plano a lo largo del disco, dando forma a las canciones con un sentido de autoría colectiva que siempre ha definido el espíritu del grupo.

  Las canciones funcionan porque nadie las controla por completo. Y aquí es donde Newfeld resulta más importante. Como dice Charles Spearin de BSS: "Su producción encaja perfectamente con el caos de nuestra forma de componer… tiene una energía infantil muy contagiosa. Cuando escuchas una pieza de música que le encanta, Dios mío, está saltando como un niño pequeño".

  La misma energía indisciplinada que mantiene joven a una banda también puede atraparla en su propio pasado. Sin embargo, en Remember the Humans, "Broken Social Scene" ha evolucionado con un profundo sentido de intención. Es el sonido de una banda que profundiza en su identidad en lugar de reinventarse, explorando las implicaciones emocionales de las formas musicales que han pasado veinte años moldeando. "Hay un tipo diferente de honestidad en este disco", dice Spearin. "Hemos tenido éxito, hemos perdido amigos, hemos perdido a nuestros padres; estamos en esa etapa de la vida de "¿qué viene después?"".

  Remember the Humans es música adulta en el mejor sentido: contradictoria, herida, expansiva, esperanzadora de una forma que se siente ganada y no simplemente proclamada. Y también es, en su rechazo del control y en su aceptación de lo indomable, un testimonio de algo cada vez más raro: arte que no está optimizado, ni simplificado, ni diseñado estratégicamente.

  La propia evolución de BSS refleja algo que también está ocurriendo fuera de la banda. Después de años de saturación y ruido, la cultura parece haber regresado a un deseo por lo crudo, lo colectivo y lo espontáneo. Las condiciones que hicieron que You Forgot It in People pareciera necesario en 2002 han regresado, de una forma transformada, en 2026. Según Drew: "En 2026 vas a ver un gran resurgimiento de personas que vuelven a las raíces de quiénes son, porque muchas cosas en sus vidas se han perdido. Creo que nos hemos fallado unos a otros, y creo que es el arte el que siempre intenta prevalecer y volver a encaminarnos".

  En una cultura definida por la abstracción y la distancia, "Broken Social Scene" ha hecho un disco que insiste en el hecho analógico de la presencia humana. Un disco que nos pide, con suavidad pero con insistencia, que nos recordemos unos a otros, que recordemos lo humano.

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"The Reytons" anuncian su gira por España

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  Después de un 2025 marcado por una intensa gira por Reino Unido, su actuación como cabezas de cartel en el Tramlines Festival y un multitudinario concierto propio en el emblemático Wembley Arena, la banda da el siguiente paso natural en su carrera: su primera gira mundial. 

  Dentro del tramo europeo del tour, que tendrá lugar en febrero y marzo de 2027, "The Reytons" actuarán en tres ciudades españolas:

•  4 de marzo de 2027 – Barcelona, La Nau
• 5 de marzo de 2027 – Madrid, Sala But
• 6 de marzo de 2027 – Valencia, Rock City

  Entradas a la venta el viernes, 24 de abril a las 10am : www.thereytons.com

  Estos conciertos marcarán el esperado regreso de la banda a España, ofreciendo a sus fans la oportunidad de experimentar en directo su característico sonido, cargado de energía, actitud y letras con fuerte componente social.

  La gira mundial recorrerá Estados Unidos, Reino Unido, Asia, Oceanía y Europa, consolidando a la banda como una de las propuestas más sólidas del rock británico actual. Este ambicioso tour refleja su crecimiento continuo, construido a base de determinación, trabajo constante y conexión directa con su público.

  Coincidiendo con este anuncio, la banda también ha confirmado el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, A Love Letter To A Broken Town, previsto para el 24 de julio.

  El nuevo trabajo mantiene la esencia de "The Reytons": historias cotidianas, honestidad y crítica social, combinadas con una evolución sonora que amplía su propuesta sin perder identidad.

  El vocalista Jonny Yerrell lo resume así: "Sinceramente, creo que este es el mejor álbum que hemos hecho. No queremos cambiar lo que somos: nos encanta nuestra música, lo que contamos y la gente que viene a nuestros conciertos. Esperad lo mismo… pero más grande, mejor y con alguna sorpresa."

  Os dejo por aquí el videoclip de "Red Smoke". ¡No os lo perdáis!

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