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lunes, 5 de octubre de 2026

"Al trenzar mis penas", el nuevo disco de Affra

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Affra! Y bueno, ¡comencemos!

  Cuando una artista es una artista de verdad, sus canciones no son solo canciones. En el caso de Affra, cantante y compositora nacida en Badalona hace 25 años, su obra es a la vez refugio y espejo. Es refugio porque cantar para ella es un acto de luz, de existencia y resistencia, porque lo hace para sostenerse y sanar. Y es un espejo porque todo parte de mirarse desde la raíz, desde la fragilidad y la herida, para crear un paisaje sonoro que nazca del duelo y florezca en la esperanza. Con un estilo que tiene algo del fuego de Chavela, del temblor de Sílvia Pérez Cruz, de la pureza de Mayte Martín y del poético silencio de Atahualpa Yupanqui, la artista catalana ha sabido construirse un rito mediante el cual convierte el dolor en belleza. 

  Affra dio sus primeros pasos como intérprete musical en la escena viva de las jam sessions de Badalona y Barcelona, donde descubrió el poder del canto como un acto de verdad y comunión. Después exploró la raíz y la emoción desnuda en Los más puro, un proyecto escénico multidisciplinar junto a Kevin Lisbona, Aina Ortega e Iñaki Nazabal, y actualmente forma parte de SOROCHE con el guitarrista Daniel Felices y también es corista de Queralt Lahoz. Pero en paralelo a todo eso, Affra ha venido gestando su propio proyecto musical, el más personal, fruto de un proceso íntimo, vital y transformador, que culminará con la publicación de "Al trenzar mis penas", su LP de debut de cinco temas, el 6 de noviembre a través del sello Say It Loud.

  Pero cuando una artista es una artista de verdad, sus discos tampoco son solo discos. En este caso, "Al trenzar mis penas" es un canto al renacimiento mediante el cual Affra logra transformar la herida en esperanza. Es un espacio donde confluyen lo orgánico, lo poético y lo ritual, donde se entrelazan el pasado y el presente, el dolor y la sanación, la memoria, la tierra y las raíces. Todo ello trenzado desde la emoción, vulnerable y visceral, que nos une a todxs. Trenzado, y no otro verbo, porque el eje simbólico de toda la obra, su hilo conductor, es la trenza.

  "El álbum se inspira en la tradición de algunas mujeres indígenas que se trenzaban el pelo para dejar allí sus penas y evitar que echaran raíces en sus corazones. A partir de ahí, también establezco un paralelismo con mi abuela, que siempre solía trenzar el pelo de sus cinco hijas antes de que salieran de casa. Para mí, este gesto simboliza el cuidado entre las mujeres, la transmisión intergeneracional, la hermandad femenina y la forma en que nos apoyamos unas a otras", explica Affra.

  Cada una de las canciones que componen el LP nace de un lugar distinto del alma: de la herida, del recuerdo, del deseo o de la calma después de la tormenta. ‘Canto’, el tema que Affra presenta como single de adelanto, nace del impulso de cantar frente a la adversidad, de romper con el ruido interno y de encontrar en la voz el refugio. Interpretada en catalán con producción, instrumentación y mezcla de Daniel Felices, es un bucólico viaje hacia el poder sanador del arte, un gesto de entrega absoluta hacia el acto de cantar como forma de existencia. Una carta de presentación inmejorable para el proyecto en solitario de una artista cuya identidad musical es el fiel reflejo de su identidad emocional.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Affra. No olvidéis seguirla en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

martes, 29 de septiembre de 2026

"No Refunds", el nuevo disco de "Lambrini Girls"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambrini Girls"! Y bueno, ¡comencemos!

  El dúo punk "Lambrini Girls" anuncia su segundo álbum, "No Refunds", que verá la luz el 15 de enero a través de City Slang, acompañado de su nuevo single 'Bang Bang Bang' y su correspondiente videoclip. 

  Tras el aclamado debut de 2025, "Who Let The Dogs Out", "No Refunds" muestra a Phoebe Lunny (voz/guitarra) y Selin Macieira-Boşgelmez (bajo) de vuelta con un disco más oscuro y cada vez más urgente, concebido para un mundo que, en sus propias palabras, “ha ido todavía a peor”. La banda mantiene un impulso imparable gracias a una poderosa combinación de crítica social mordaz y un sentido del humor tan afilado como corrosivo.

  La primera muestra de "No Refunds" llegó a principios de este año con 'Cult of Celebrity', que contrapone deliberadamente su furibundo ajuste de cuentas con la cultura de la celebridad con uno de sus temas más comerciales y orientados al pop hasta la fecha. Ahora llega 'Bang Bang Bang', una nueva pista de un disco que lleva la ferocidad marca de la casa hacia territorios nuevos e inesperados. El último single echa más leña al fuego y deja entrever un álbum en el que "Lambrini Girls" afilan todavía más su ataque sin perder un ápice de esa energía instintiva y vital que las caracteriza.

  "Bang Bang Bang" cuenta, en palabras de Phoebe, "la historia, inteligente y posiblemente familiar, de un hombre que ha sido venerado como una figura semejante a Cristo, pero también como el mismísimo diablo".

  Dirigido por Harv Frost, el videoclip captura a "Lambrini Girls" en su versión más visceral. Finas ráfagas de luz atraviesan una habitación en penumbra. A medida que avanza el tema, también crece el caos, hasta que el espacio alcanza su punto de ebullición entre vasos de pinta hechos añicos y movimientos frenéticos. El resultado condensa la energía cruda y confrontativa de la banda en una descarga claustrofóbica.

  "No Refunds" se enfrenta sin rodeos a una larga lista de horrores contemporáneos, desde el genocidio y el fascismo hasta el auge de la inteligencia artificial, los derechos reproductivos y la caída en los rincones más turbios de la llamada "manosphere" o "manosfera". Y todo ello mientras amplía el universo sonoro que convirtió el debut de "Lambrini Girls" en un disco tan memorable. El punk industrial convive con momentos de inmediatez cercana al pop, líneas de bajo angulosas y sorprendentes dosis de vulnerabilidad, mientras el dúo combina sus canciones más combativas con ese humor negro y esa agudeza que ya se han convertido en una de sus señas de identidad.

  La evolución del álbum llega después de un periodo especialmente complicado para ambas integrantes. Selin se apartó de las giras a finales de 2025 tras sufrir un fuerte desgaste que acabó desencadenando un episodio maníaco como síntoma de su trastorno bipolar, mientras que Phoebe sufrió una lesión cerebral durante la primera gira de la banda por Australia. Ambas experiencias obligaron al dúo a enfrentarse al coste físico y emocional de una trayectoria que se había disparado a una velocidad vertiginosa desde su aparición. Una situación que, en última instancia, reforzó su vínculo con la banda y con la música que estaban creando.

  El ascenso meteórico de "Lambrini Girls" ha continuado a lo largo de 2026, con actuaciones en algunos de los festivales más grandes e influyentes del mundo, entre ellos Bonnaroo, Pukkelpop, Lowlands, Rock En Seine, Oya, Way Out West, Flow y Primavera Sound. En 2027, el dúo llevará el nuevo álbum a la carretera con una extensa gira de conciertos como cabezas de cartel por Reino Unido y Europa. Más abajo puedes consultar todas las próximas fechas.

  Desde la publicación de su debut, "Lambrini Girls" han pasado de ser una de las bandas punk emergentes más incendiarias del Reino Unido a convertirse en una auténtica fuerza internacional sobre los escenarios, alcanzando el nº 16 de la Official UK Album Chart. Posteriormente han recorrido Reino Unido, Europa y Norteamérica, llevando su explosivo directo a festivales de todo el mundo, entre ellos Glastonbury, Reading & Leeds, Roskilde, Rock Werchter y Riot Fest.

  El dúo se ha convertido también en una presencia habitual del panorama cultural, protagonizando portadas y reportajes en medios como Kerrang!, NME, DIY, Gay Times, Dazed, The Times y Teen Vogue, además de contar con un importante respaldo de BBC Radio 6 Music y de las principales plataformas DSP. Su gira británica como cabezas de cartel de noviembre de 2025 agotó todas las entradas, mientras que sus conciertos en Londres pasaron de la Scala al Brixton Electric y posteriormente al Kentish Town Forum en poco más de un año.

  "Lambrini Girls" han recibido elogios y muestras de admiración de figuras como Kathleen Hanna, de Bikini Kill, Iggy Pop y Sleater-Kinney, además de compartir escenario con IDLES, Amyl & The Sniffers y muchos otros artistas.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre "Talleres Molina". No olvidéis seguir a "Lambrini Girls" en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Sidonie" cierra el cartel del 30 aniversario de "Magic in the Air Club"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sidonie"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Magic in The Air", el club que acercó la cara más cool de los 60 a la Barcelona de los 90 y primeros 2000, celebra sus 30 años con un fin de semana repleto de bandas y Djs nacionales e internacionales, el 16 y 17 de octubre. Una ocasión única para recuperar el espíritu, atmósfera y sonidos de un club que ha hecho historia. 

  Para festejar las tres décadas desde el nacimiento de "Magic in The Air", su impulsora, la Dj y activista Eneida Fever!, responsable de Fever! Productions, ha preparado una fiesta por todo lo alto en la Sala Upload, el sábado 17, en la que actuarán "Sidonie", Los Retrovisores y los franceses The Falken’s Maze. Un cartel diverso, en línea con el espíritu del evento.

  La historia de "Sidonie" está íntimamente ligada al club. Antes de convertirse en una de las bandas más importantes del Estado y de llenar salas y festivales, "Sidonie" fueron habituales del "Magic in The Air". Por aquel entonces eran todavía un cuarteto y su propuesta estaba profundamente vinculada a la psicodelia de los años 60. Su primer EP, Dragonfly, es una pieza fundamental para entender aquella primera etapa. Tres décadas después, su regreso al escenario del MITA promete convertirse en uno de los momentos más especiales de la noche: sonarán 'Feelin' Down', uno de los temas que tantas veces sonó y se bailó en el club, y Jesús Senra recuperará su sitar para interpretar 'Sidonie Goes To London', junto a otros de su cancionero actual.

  Los Retrovisores representan la parte más soulful del cartel y juegan en casa con los ingredientes de su característico Sonido Joanic: pop ibérico con acordes de música del alma y ocasionales especiados jamaicanos.

  Por su parte, The Falken’s Maze son un auténtico dream team del pop sesentero manufacturado en el país vecino. Comandados por el ex Strawberry Smell, Cyril Cucumber, la banda incluye músicos de otras formaciones como Le Chiffre Organ-Ization, Gentlemen’s Agreements o Child of Panoptes. Una mezcla explosiva de pop, psicodelia y library.

  Djs de todos los colores

  Como no podía ser de otra manera, el 30 aniversario del "Magic in The Air" contará, a los platos, con un variado plantel de DJs: Eddie Piller, capo de Acid Jazz Records (Reino Unido); Roch “da Mod” Vidal, responsable de Le Mans goes Mod (Francia); el madrileño Miguel Velacoracho; la itinerante Tatjana Rius, alias Belle de Jour (cantante en Filthy Rich) y el escritor barcelonés Carles Armengol, autor de Collado, la maldición de una casa de comidas. A estos, los acompañará la tripleta de selectores residentes del club, compuesta por el artista y músico Marc Argenter, el Dj Eduardo Domingo (Discos Redondos) y, por supuesto, Eneida.

  "Creo que la fiesta que hemos montado para la ocasión aúna todos los estilos y sonoridades que alimentaron la identidad del "Magic in The Air" y que es una muy buena ocasión para que los habituales puedan revivir parte de aquello y los que, por edad u otras circunstancias, no pudieron venir al club, puedan descubrir de qué iba, y pasárselo en grande", razona Eneida.

  Par redondear la celebración, el viernes 16 Casa Sidral acoge una warm-up party con el músico y promotor Adrià Gual (The Excitements), el vilanoví Leperico (The Lions Constellation), y Tormento (cofundadora y DJ residente de The Night Train) a los platos.

  Un club que creó escena

  "The Magic in The Air Club" arrancó una noche de otoño de 1996 en la sala Magic del Born y, durante años, acercó a la ciudad lo más granado de bandas y DJs de inspiración 60s, plantando cara a la hegemonía electrónica que se había apoderado de la noche barcelonesa. Lo hizo siempre con mentalidad abierta, dando cabida a propuestas de todo tipo, desde las más puristas a las más aperturistas. Un mix singular e irrepetible de Psicodelia, Pop, R&B, Soul, Funk, Beat y sonidos aledaños. Acogió directos de bandas internacionales como Knave, The Perverts, The Strawberry Smell, Bronco Bullfrog o The Woggles; y grupos nacionales como Magic Bus (banda liderada por el bajista Daniel Fernández, ahora con Maika Makovski y Esperanto), Los Buhos, Art School, Elephant Band (donde tocaba Xoel López), Les Philippes o "Sidonie". 

  Asimismo, visitaron su cabina Djs de renombre como Frank Popp, Rob Bailey, Andy Lewis, Tony The Tiger, Patou y Jean-Philippe de <<Rinôçérôse>>, Richard Searle de Corduroy, Álex Díez y Elena Iglesias de Los Flechazos o Simon Bartholomew, de Brand New Heavies; entre centenares de otros.

  A su alrededor, logró concitar una escena amplia y diversa de punters que no se perdían ninguna cita, provenientes de diversos ámbitos del underground barcelonés, aunque logrando atraer a menudo a visitantes de fuera. 

  Os dejo por aquí el audio de "No Salgo Max Mix". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Sidonie". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Banani" anuncia nueva fechas

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Banani"! Y bueno, ¡comencemos!

  El segundo trabajo discográfico de "Banani", "El Arte Del Terciopelo", es un álbum de garage-indie psicodélico concebido para vivir en el directo. Con el elemento diferenciador que supone la presencia de dos baterías, no podía quedarse guardado para siempre. Vio la luz el pasado mes de febrero, en una coedición con el sello "Magic in the Air", y por fin ha llegado la hora de ver cómo se despliega sobre los escenarios. El cuarteto barcelonés acaba de anunciar los primeros conciertos de presentación del álbum desvelando las siete fechas que tienen programadas entre septiembre y octubre. Aunque es probable que terminen sumándose algunas más, de momento sabemos seguro que "Banani" actuarán en Manresa, Barcelona, Madrid, Santander, Sant Feliu de Guixols (Girona), Logroño y Valencia.  

  La gira se pondrá en marcha el próximo viernes 18 de septiembre en el Espai Plácido de Manresa y al día siguiente, el sábado 19, se trasladará a Barcelona, donde el cuarteto participará en el 15º aniversario del Psycho Rock and Roll Club en la Sala Upload. Una presencia esperada y muy especial dado que en "Del Apolo al Psycho", uno de los temas estrella de "El Arte Del Terciopelo", se rinde homenaje a la mítica sala. Después, para rematar el emocionante inicio de la gira, cerrarán el mes teloneando nada menos que a Ocean Colour Scene en dos de las fechas de su extensa gira por nuestro país: el sábado 26 en la sala La Riviera de Madrid, con entradas ya agotadas, y el domingo 27 en el Escenario Santander de la capital cántabra.

  Ya en octubre, "Banani" reactivarán la gira defendiendo una vez más su nuevo álbum en territorio catalán, el viernes 16 en la sala Las Vegas de Sant Feliu de Guixols (Girona), para después sacarlo otra vez de viaje. El viernes 23 de octubre lo presentarán en el Stereo R&R Bar de Logroño y el sábado 24 en la sala 16 Toneladas de Valencia. Toda la información sobre las fechas y la venta de entradas está en este link.

  Os dejo por aquí el audio de "Mi corazón armado". ¡No os lo perdáis!

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lunes, 21 de septiembre de 2026

"Breve e indoloro", el nuevo single de Rüdiger

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Rüdiger! Y bueno, ¡comencemos!

  Después de presentar "Gigantic Storm", Rüdiger regresa con "Breve e indoloro", segundo adelanto de "Love is a Muscle", su tercer álbum, que se publicóel pasado 18 de septiembre. 

  La canción nació durante las sesiones de composición de The Dancing King, hace ya tres o cuatro años, a partir de una idea creada sobre un Roland SH. Originalmente estaba concebida como una larga pieza electrónica de seis o siete minutos, con una extensa sección de trance en su parte central. Pero una melodía vocal apareció en el último momento y transformó completamente la canción: lo que iba a ser una exploración electrónica terminó convirtiéndose en una luminosa y contagiosa canción pop.

  La producción mantiene parte de ese origen electrónico y suma una de las apuestas rítmicas más singulares del disco: dos baterías grabadas en estéreo, una idea inspirada por artistas como Circuit des Yeux y Yo La Tengo. Buff también llegó a esta posibilidad a través de El Petit de Cal Eril, banda catalana que descubrió gracias a Gorka Urbizu y que ha trabajado y actuado con dos baterías, explorando las posibilidades tímbricas y rítmicas que ofrece esta formación. El resultado combina sintetizadores, guitarras y un ritmo expansivo con el particular sentido melódico de Rüdiger.

  Pero el verdadero protagonista de "Breve e indoloro" es el paso del tiempo.

  Felix acababa de cumplir 40 años cuando, casi de repente, tomó conciencia de que había entrado en "el otro club". Los veinteañeros empezaban a parecerle niños, su energía ya no era la misma y hasta su bigote se había vuelto blanco. Lejos de convertir esta toma de conciencia en una dramática crisis de mediana edad, Rüdiger la transforma en una canción divertida, luminosa y llena de ironía sobre hacerse mayor y aprender a aceptar las diferentes etapas de la vida.

  El lanzamiento llega acompañado de un videoclip producido por Bira Producciones y dirigido por Maitane Campos, en el que Rüdiger presenta a su banda bajo una luz psicodélica y se dispone a cambiar de piel, entrando de lleno en sus cuarenta. 

  El estribillo en castellano nació, además, de una conversación con Anari, con quien Buff estaba trabajando en otro proyecto. Una frase aparentemente casual ("Será breve e indoloro") terminó convirtiéndose en el título y en el corazón de la canción. Anari también animó a Felix a cantar en castellano y posteriormente escribió la letra de "Bi Egun", la primera canción de Rüdiger en euskera y que estará incluída en Love is a Muscle.

  "Breve e indoloro" es, en definitiva, otra pieza del universo de Love is a Muscle: un álbum sobre el amor, pero también sobre la memoria, el paso del tiempo, la vulnerabilidad y la necesidad de cuidarnos para seguir creciendo.

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jueves, 17 de septiembre de 2026

"The Mission" anuncia 3 fechas en España

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"The Mission"! Y bueno, ¡comencemos!

  "The Mission", una de las bandas fundamentales del post-punk y el rock gótico británico, anuncian tres fechas en España dentro de su gira de 2027. Wayne Hussey y compañía actuarán el 27 de abril en La Sala Movistar Arena de Madrid, el 1 de mayo en la sala Moon de Valencia y el 2 de mayo en Razzmatazz 2 de Barcelona. 

  Formados en Leeds en 1986 tras la salida de Wayne Hussey y el bajista Craig Adams de The Sisters of Mercy, "The Mission" completaron su formación original con el guitarrista Simon Hinkler y el batería Mick Brown. Desde sus comienzos, la banda desarrolló un sonido propio dentro de la escena post-punk y gothic rock, combinando guitarras atmosféricas y envolventes con la voz emocional e inconfundible de Hussey y una capacidad innata para construir canciones de vocación épica.

  Su debut, "God’s Own Medicine" (1986), situó rápidamente a "The Mission" en primera línea gracias a canciones como "Wasteland" y "Severina". Dos años después llegaría Children (1988), producido por John Paul Jones, bajista de Led Zeppelin, y considerado uno de los trabajos esenciales de su trayectoria, con himnos como "Tower Of Strength".

  La banda mantuvo durante finales de los ochenta y principios de los noventa una trayectoria especialmente prolífica. Carved In Sand (1990) confirmó su evolución musical y dejó para la posteridad dos de sus canciones más celebradas, "Butterfly On A Wheel" y "Deliverance". Tras una primera etapa marcada por el éxito internacional, "The Mission" se separaron temporalmente en 1996.

  Su regreso en el nuevo milenio dio paso a una nueva etapa creativa y, sobre todo, a una intensa actividad en directo. Discos como Aura (2001), God Is A Bullet (2007) y Another Fall from Grace (2016) demostraron que la banda seguía siendo capaz de explorar nuevos territorios sin perder la identidad que había construido desde los años ochenta.

  Tras la pandemia, "The Mission" han recuperado con fuerza su actividad en directo, llevando su música a escenarios de todo el mundo. La actual formación está integrada por Wayne Hussey (voz y guitarra), Craig Adams (bajo), Simon Hinkler (guitarra) y Alex Baum (batería). En los últimos años han realizado numerosas giras por Europa -incluyendo Reino Unido-, dos extensas visitas a Latinoamérica y varias giras por Norteamérica.

  Con casi cuatro décadas de trayectoria, un repertorio repleto de clásicos y una de las bases de seguidores más fieles de la escena alternativa, "The Mission" continúan demostrando que sus canciones conservan intacta su capacidad para emocionar y conectar con varias generaciones.

  En 2027, España volverá a formar parte de ese recorrido con tres conciertos imprescindibles en Madrid, Valencia y Barcelona.

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jueves, 10 de septiembre de 2026

"What if I Tried?", el nuevo single de "Sunday,June"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Sunday,June"! Y bueno, ¡comencemos! 

  "Sunday,June" es una banda hispano-suiza que nace en 2024 de la introspección de un músico valenciano afincado en Ginebra, Mario Peiró Espí, al que pronto se unieron Antoine Chapel (teclados y coros), Audrey Croisier (guitarra y coros), Vincent Breza (bajo) y Thomas Abbet (batería). Juntos dan forma a un pop psicodélico que captura la luz al mismo tiempo que la distorsiona: un solar psych cálido y nostálgico donde las melodías permanecen sin imponerse. A fuerza de texturas vaporosas, guitarras brillantes y una predilección por el camino sinuoso frente a los resultados inmediatos, definen canciones que se toman su tiempo para establecerse, respirar y dejar huella. 

  Con su álbum de debut de 2025, Sun Glitter and Other Reflections, "Sunday,June" sentaron las bases de un sonido rico, luminoso y profundamente psicodélico, concebido en gran parte en la intimidad de un estudio casero e impulsado por una auténtica pasión por la experimentación. Aclamado por la crítica, el disco llevó a la banda a escenarios de Suiza y Europa, incluyendo el prestigioso Montreux Jazz Festival, el Festival Antigel, el Supersonic de París y, más recientemente, el Ypsigrock Festival de Sicilia. Demostrando, en todos ellos, que en directo sus canciones se expanden, evolucionan y envuelven al público en una experiencia casi hipnótica.

  El próximo otoño "Sunday,June" publica'án su segundo álbum, Cinema, grabado en los legendarios Chapel Studios, en Lincolnshire (Inglaterra), junto al reconocido productor Andy Savours (My Bloody Valentine, Arctic Monkeys, The Killers). Compuesto de forma colectiva durante varias residencias de escritura en entornos naturales y aislados, el álbum fue grabado en directo, con toda la banda tocando en la misma sala y sin claqueta, preservando la crudeza, la espontaneidad y la energía de cada interpretación. "What if I Tried?" es su primer adelanto. Una oda a los sueños frustrados y a la perseverancia que amplía la paleta sonora de la banda, acercándose más al indie-rock alternativo con sutiles reminiscencias de Arcade Fire, pero manteniéndose en un terreno entre géneros, espacio en el que la "Sunday,June" se sienten más a gusto.

  Combinando el sonido crudo del inicio, las guitarras finas y acristaladas de un estribillo nostálgico con tintes pop y ese outro que va creciendo progresivamente, "What if I Tried?" abraza un terreno donde el shoegaze y la psicodelia se dan la mano. Traduciendo además, de manera brillante, cómo las presiones de la vida ahogan nuestros sueños y nos frenan, pero celebrando a la vez la lucha, la perseverancia y el valor de simplemente intentarlo. Un sonido expansivo e inequívocamente cinematográfico que, de hecho, define el conjunto de su nuevo álbum, Cinema, que verá la luz el próximo 6 de noviembre a través de los sellos Spinda Records (en España) e Irascible Records (en Suiza) en formato LP y CD.

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lunes, 31 de agosto de 2026

"Punching The Clown", el nuevo disco de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  ¿Cómo suena la sencillez? Kurt Wagner llevaba tiempo persiguiendo la respuesta cuando, una mañana de 2024, camino de una gasolinera de Nashville, una canción sonó en la radio y se quedó para siempre en su cabeza. Apenas un acorde de banjo sostenido en el tiempo y un pequeño grupo de voces cantando al unísono. Folk, country, gospel. Nada más. Una canción de una belleza desarmante que nunca consiguió identificar, pero que acabaría cambiando el rumbo del siguiente álbum de "Lambchop". 

  Buscando aquel tema descubrió el lining out, una antigua forma de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX, en la que un cantor entonaba una frase y la congregación la respondía. Aquella tradición viajó hasta Estados Unidos junto a los colonos y acabaría convirtiéndose en uno de los cimientos del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  De aquella casualidad nació una idea muy clara: hacer un disco que recuperara la fuerza de la voz humana en su estado más puro. Ese disco es "Punching The Clown".

  Treinta y tres años después del nacimiento de "Lambchop", Kurt Wagner vuelve a demostrar que la reinvención sigue siendo el motor creativo de una de las bandas más singulares de las últimas décadas. Desde el soul orquestal de Nixon hasta la intimidad de Is A Woman o la sorprendente incorporación del Auto-Tune en FLOTUS, cada álbum ha supuesto una nueva forma de entender el universo "Lambchop". Sin embargo, "Punching The Clown" supone quizá el giro más radical de todos: reducir el lenguaje musical a su mínima expresión para descubrir todo lo que todavía puede emocionar.

  El universo sonoro del álbum se construye únicamente con voz, coros, banjo y guitarra. Muy pocos elementos para levantar un disco que, sin embargo, rebosa profundidad, calidez y emoción. Situado en un delicado punto de encuentro entre el gospel, el folk y el country, "Punching The Clown" encuentra una riqueza sorprendente precisamente en la contención. Es un álbum que nunca necesita elevar el volumen para hacerse inmenso.

  Uno de los grandes protagonistas de este nuevo trabajo es el banjo, un instrumento hacia el que Wagner reconoce haber sentido siempre cierta desconfianza. "Tenía demasiado "yeehaw"...", bromea.

  Precisamente por eso decidió convertirlo en el eje del álbum. Para ello contó con un colaborador excepcional: Justin Vernon (Bon Iver), que se incorpora a la grabación como intérprete de banjo tras aceptar inmediatamente la invitación de Wagner. Junto a él aparecen Andrew Broder, colaborador habitual de "Lambchop", los coros dirigidos por Blake Morgan (grabados entre Eau Claire y Londres), el productor Ryan Olson y el ingeniero Mark Nevers, dando forma a una alineación inédita dentro de la historia de la banda.

  Pero Wagner sabía que una formación tan especial necesitaba canciones extraordinarias.

  Por eso afrontó el proceso de composición con una exigencia poco habitual incluso para él. Estudió la obra de algunos de sus compositores favoritos, leyó biografías, analizó procesos creativos y se preguntó qué hace que una canción permanezca para siempre en la memoria. Los primeros intentos no funcionaron. Volvió a empezar. Y volvió a hacerlo otra vez. Sólo cuando comenzó a escribir junto a Andrew Broder sintió que las piezas empezaban a encajar.

  Compusieron treinta canciones. Doce terminaron formando parte del álbum.

  El resultado es probablemente la colección de canciones más sólida y cohesionada que Wagner ha firmado en años.

  Desde el primer verso -"I'm a human calculator, and I never make mistakes"- "Punching The Clown" despliega un universo donde el humor, el absurdo cotidiano, la melancolía y la ternura conviven con absoluta naturalidad.

  El primer adelanto, "Weakened", funciona como un himno para los espíritus frágiles en un mundo cada vez más acelerado. Construida a partir de un delicado diálogo entre la voz de Wagner y los coros, la canción crece lentamente hasta desembocar en una coda de enorme intensidad emocional. Una demostración de que esta música no necesita ruido para hacerse poderosa; toda su fuerza nace desde dentro.

  Canciones como "Doctor In The House", "White People" o "To Do" vuelven a mostrar ese equilibrio tan característico de Wagner entre ironía y tristeza, mientras que "Stella" se convierte en una de las composiciones más conmovedoras del álbum: una delicada canción sobre el amor y la amistad escrita con una honestidad que evita cualquier atisbo de sentimentalismo.

  En "The New World Wave", "Lambchop" condensan una saga familiar ambientada durante la Gran Depresión en apenas cinco minutos, sostenidos por unos coros que evocan el espíritu de The Beach Boys o The 5th Dimension. Y el cierre llega con "No Chicago", una de las piezas más emocionantes del disco, inspirada en la gira cancelada de unos amigos tras el posible ictus de uno de sus músicos. Wagner transforma aquel episodio en una canción de una belleza casi sobrecogedora, recordándonos una vez más que las tragedias cotidianas también pueden convertirse en arte.

  El título del álbum hace referencia a la película "Punching The Clown" (2009), un falso documental protagonizado por el compositor y humorista Henry Phillips que retrata, con humor y melancolía, el absurdo funcionamiento de la industria musical y la posición del músico como alguien que pertenece a ella sin dejar nunca de sentirse un extraño. No deja de ser una metáfora perfecta para "Lambchop".

  A estas alturas de su carrera, pocas bandas continúan cuestionándose con tanta honestidad su propio lenguaje. Lejos de repetirse o de buscar refugio en la nostalgia, Kurt Wagner sigue encontrando nuevas formas de emocionar a partir de los elementos más sencillos. Porque eso es, precisamente, lo que convierte a "Punching The Clown" en un disco extraordinario.

  Treinta y tres años después de su nacimiento, "Lambchop" firman una de las obras más bellas, depuradas y emocionantes de toda su trayectoria. Un álbum que confirma que la verdadera innovación no siempre consiste en añadir más capas, sino en descubrir todo lo que puede surgir cuando sólo permanecen las canciones.

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"Living The Dream", el nuevo disco de "Howlin' Jaws"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Howlin' Jaws"! Y bueno, comencemos.

  Después de consolidarse como una de las propuestas más estimulantes del nuevo psych-rock europeo, "Howlin' Jaws" anuncian el lanzamiento de "Living The Dream", su esperado tercer álbum de estudio, que se publicará el 2 de octubre en Bellevue Music. 

  Para este nuevo trabajo, el trío parisino formado por Baptiste Leon, Djivan Abkarian y Lucas Humbert ha trabajado junto al productor sueco Kalle Gustafsson Jerneholm (The Soundtrack Of Our Lives, Foals, The Hives, José González, Junip), dando un importante paso adelante en su evolución sonora. El resultado es un disco más ambicioso, sofisticado y abierto, donde el garage, la psicodelia y el pop conviven con una producción mucho más expansiva sin perder la frescura que siempre ha caracterizado a la banda.

  Como anticipo, "Howlin' Jaws" ya han compartido dos de las canciones que formarán parte del álbum.

  El primer adelanto, "Living The Dream", nació casi de forma espontánea alrededor de un riff de guitarra del que la banda quedó inmediatamente convencida. Con un marcado sentido del humor y una buena dosis de ironía, la canción retrata a un hombre que aparentemente ha alcanzado todo aquello que la sociedad identifica con el éxito -una gran carrera profesional, una piscina espectacular o un Alfa Romeo-, pero que, en realidad, es profundamente infeliz. Un himno luminoso y pegadizo que cuestiona la idea convencional del triunfo.

  Más reciente es "Troubled Mind", una composición escrita durante la última gira del grupo y la primera que grabaron en las sesiones del nuevo disco. Musicalmente enlaza con el universo de su anterior disco Half Asleep Half Awake gracias a sus escalas de inspiración oriental, su ritmo acelerado y un estribillo de enorme vocación pop, aunque incorpora una producción más contemporánea. En el plano lírico, aborda el duelo desde una perspectiva esperanzadora, invitando a no dejarse arrastrar por el dolor y encontrar la fuerza para seguir adelante.

  "Living The Dream" supone un nuevo capítulo para "Howlin' Jaws" tras una trayectoria ascendente que les ha llevado a compartir escenario con bandas como The Black Keys, The Limiñanas o Les Wampas, además de recorrer Europa, Estados Unidos y Japón con un directo cada vez más contundente.

  Los seguidores españoles tendrán la oportunidad de descubrir las nuevas canciones en directo el próximo 28 de noviembre, cuando la banda actuará en Santiago de Compostela junto a The Sadies dentro de la programación del Outono Códax Festival, en una de las citas imprescindibles del otoño para los amantes del rock de raíces, la psicodelia y el garage contemporáneo.

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miércoles, 5 de agosto de 2026

"The New World Wave", el nuevo single de "Lambchop"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Lambchop"! Y bueno, ¡comencemos!

  Construido casi exclusivamente a partir de voces, coros, guitarra y banjo -con la destacada participación de Justin Vernon (Bon Iver)-, "Punching The Clown" es un disco que encuentra una enorme riqueza emocional en la sencillez. Entre el gospel, el folk y el country, Wagner ha levantado una obra profundamente humana, donde cada canción parece buscar la belleza a través de la contención. 

  "The New World Wave" es una de las piezas más ambiciosas y evocadoras del álbum. En apenas cinco minutos, Kurt Wagner construye una auténtica saga familiar ambientada durante la Gran Depresión estadounidense. Donde un novelista necesitaría cientos de páginas para desarrollar la historia de sus personajes, "Lambchop" condensan toda una vida en una canción de extraordinaria delicadeza, sostenida por unos coros que remiten tanto a The Beach Boys como a The 5th Dimension.

  La canción vuelve a poner de manifiesto uno de los grandes logros de "Punching The Clown": la conversación permanente entre la inconfundible voz de Wagner y los coros dirigidos por Blake Morgan, que dejan de ser un simple acompañamiento para convertirse en un protagonista más del relato musical.

  El álbum nació a partir de una revelación casual. En 2024, Kurt Wagner escuchó por azar una vieja canción en la radio mientras conducía hacia una gasolinera de Nashville. Aquella pieza, construida sobre un único acorde de banjo y unas pocas voces, despertó su curiosidad por el lining out, una antigua tradición de canto comunitario nacida en las iglesias británicas del siglo XIX que acabaría influyendo decisivamente en el desarrollo del gospel, el country y el folk de los Apalaches.

  Inspirado por aquella forma de entender la música, Wagner decidió reducir el lenguaje de "Lambchop" a su esencia más pura. El resultado es un álbum de una profundidad extraordinaria que demuestra que la emoción no depende del número de instrumentos, sino de la honestidad con la que se utilizan.

  Después de presentar los singles "Weakened", un himno para los espíritus frágiles en un mundo febril, y "Stella", una delicada reflexión sobre el amor y la amistad, "The New World Wave" completa el retrato de un disco que muchos ya señalan como uno de los momentos más inspirados de toda la trayectoria de "Lambchop".

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martes, 4 de agosto de 2026

"Rikas" presentará su EP en Madrid y Barcelona

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Rikas"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda alemana de indiepop "Rikas" lanzó el pasado mayo su nuevo EP, "Bedroom Tapes", y lo presentará en nuestro país en dos fechas en diciembre: el miércoles 9 en la sala Copérnico de Madrid y el jueves 10 en la sala Apolo de Barcelona. Las entradas ya están a la venta a través de Live Nation. El disco es una colección nostálgica de canciones que retoma algunas de las primeras grabaciones de sus inicios como banda. Formado en 2016 por un grupo de amigos de la infancia, el proyecto supone un regreso a los orígenes. "Rikas" está compuesto por el bajista Sam Luca Baisch, el guitarrista y teclista Sascha Scherer, el baterista Ferdinand Hübner y el guitarrista Chris Ronge. 

  El viaje de la banda por el camino de los recuerdos llega justo después de otra celebración de la nostalgia del rock. En el verano de 2025, tras el lanzamiento de su fascinante segundo álbum, Soundtrack For A Movie That Has Not Been Written Yet, "Rikas" se reunió de nuevo en su ciudad natal, Stuttgart, para ensayar. Mientras grababan material nuevo, "Rikas" comenzó a grabarse a sí misma interpretando una serie de versiones de rock clásico, entre ellas "Last Train To London" de ELO y el clásico de 1980 de Wings, "Goodnight Tonight". Esta última se hizo viral rápidamente después de que Florence Pugh la compartiera en su historia de Instagram, y pronto recibió elogios del propio Sir Paul McCartney. Al poco tiempo, McCartney invitó a la banda a grabar una versión completa de "Goodnight Tonight". Para "Rikas", la invitación fue un significativo reconocimiento a las influencias que siguen marcando su sonido.

  Con "Bedroom Tapes", la banda vuelve esa reflexión hacia dentro, revisitando las canciones que pusieron en marcha su viaje.

  A lo largo de dos álbumes (su debut de 2019, Showtime, y su siguiente trabajo, Soundtrack For A Movie That Has Not Been Written Yet) y tres EP (Short Stories de 2021, Goodbye Sunshine de 2022 y Last Train To London de 2025), "Rikas" se ha ganado un público fiel gracias a sus raíces en la música callejera y a sus armonías ágiles y desenfadadas, sus estribillos épicos y su estilo igualitario, en el que todos los miembros contribuyen por igual a la composición y comparten el protagonismo tanto en el estudio como en el escenario.

  "Se llaman "Bedroom Tapes" porque, de hecho, las grabamos en el dormitorio de mis padres", dice Sam, y añade: "Por aquel entonces, mi padre tenía un despacho muy pequeño y teníamos una interfaz con la que grabábamos las canciones. Siempre nos encantaron esas grabaciones, pero nunca las sacamos a la luz". Para conmemorar que hace una década que "Rikas" compuso estas canciones, la banda recuperó sus antiguas sesiones y grabó la batería en directo sobre ellas para darles un toque de pulido. "Es una sensación especial compartirlas con nuestros fans. Quizás nuestros primeros 100 fans y nuestras familias se saben todas estas canciones de memoria, porque solíamos tocarlas cada vez que salíamos de gira, pero nunca las lanzamos oficialmente".

  Sascha añade que "Bedroom Tapes" ofrece una instantánea de la banda en su momento más desenfadado. "Las canciones tienen un aire ingenuo. No están demasiado elaboradas, ni en la producción ni en la composición. Aun así, nos esforzamos mucho en cada tema, porque lo hicimos todo nosotros mismos. Pero no contábamos con ningún presupuesto. Era simplemente: "vamos a componer música que nos haga sentir bien". En aquel entonces, era una sensación muy agradable".

  Una mezcla desenfadada y fluida de pop vintage, rock y melodías alternativas, el álbum de cinco canciones "Bedroom Tapes" captura de verdad la esencia de "Rikas": ritmos compactos y animados y melodías relajadas. El single principal, "Tequila Shots", una de las primeras canciones que "Rikas" compuso como grupo, invita a los oyentes a la pista de baile con una guitarra vibrante y un estribillo de llamada y respuesta.

  ""Tequila Shots" es una especie de historia sobre cómo la gente tiende a casarse con una visión muy romántica de cómo puede ser el día de la boda, cuando en realidad puede pasar cualquier cosa, como que llueva", dice Sam. "También es divertido porque ahora tenemos muchos amigos de nuestra edad que se están casando. Mucha gente que escucha la canción la toma más como una celebración, pero en realidad, si se profundiza un poco más, estamos cuestionando todo el concepto de las bodas a lo grande".

  Otro momento irónico llega con "Mister Anxiety", un tema al estilo de los Beach Boys en el que "Rikas" trata de restar importancia a sus preocupaciones convirtiendo la inquietud en un personaje. "En aquel entonces, se trataba sobre todo de cómo mi madre lidiaba con la ansiedad y cómo se vivía en mi familia", explica Sam. "Siempre nos gusta componer canciones que suenen muy alegres pero que tengan letras más oscuras". Sascha añade: "Para lidiar con la ansiedad, la personificamos y le pusimos un nombre".

  Por último, el evocador tema de apertura de surf-rock "Raindance" rinde homenaje a la variedad de influencias sonoras tradicionales de "Rikas". Escrita al estilo del álbum Mambo Sinuendo de Manuel Galbán y Ry Cooder de 2003, "Raindance" evoca imágenes de furgonetas Volkswagen de los años 60 frente a la costa de California. ""Raindance" es una canción de banda sonora para una película de los 70, quizá un viejo western o una película de Tarantino", dice Sascha. "También escuchábamos mucho Mambo Sinuendo de Ry Cooder, que tiene ese sonido de guitarra vibrante. Es muy vintage y tiene un aire nostálgico".

  Mientras "Rikas" prepara su momento de cerrar el círculo con "Bedroom Tapes", están saboreando una oportunidad única de pasar tiempo con sus yo más jóvenes: los músicos rebosantes de energía y entusiasmo, pero que también tocaban juntos simplemente porque les hacía sentir bien.

  Las fechas anunciadas son:

  • MADRID, sala Copérnico - miércoles 9 de diciembre de 2026 
  • BARCELONA, sala Apolo - jueves 10 de diciembre de 2026

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lunes, 27 de julio de 2026

"Tiwayo" anuncia su nueva gira

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Tiwayo! Y bueno, ¡comencemos!

  Apodado "The Young Old" por una voz que parece haber vivido muchas más vidas que su apariencia, el cantante y compositor parisino Tiwayo vuelve con Outsider, un extraordinario nuevo álbum producido por el ganador del Grammy Adrián Quesada, guitarrista y productor de Black Pumas. Disponible desde el 10 de abril de 2026, Outsider supone el esperado regreso de un artista libre e inclasificable que ha recorrido carreteras de medio mundo absorbiendo la esencia del blues, el soul y el góspel hasta convertirlos en el lenguaje propio de sus canciones. 

  Tras su publicación, Tiwayo regresará a España el próximo mes de noviembre con una gira en la que presentará en directo las canciones de este nuevo trabajo. El tour hará parada en Santiago de Compostela, Bilbao, Barcelona, Madrid, Valencia y Sevilla, ofreciendo una oportunidad única para descubrir la intensidad de uno de los directos de soul más cautivadores del panorama europeo.

  Fue precisamente durante uno de sus viajes por Estados Unidos cuando nació el nombre que hoy le identifica. En una ruta hacia Memphis, un veterano músico cajún de blues quedó fascinado por el contraste entre el aspecto juvenil de Tiwayo y la profundidad áspera y conmovedora de su voz. Divertido, lo bautizó como "The Young Old" ("el joven viejo"). De vuelta a Francia, aquellas iniciales, T.Y.O., evolucionaron hasta convertirse en Tiwayo, un nombre que desde entonces acompaña su carrera.

  Francia puede presumir de grandes vinos, de una influyente escena de música electrónica o de su gastronomía, pero difícilmente se asocia con algunos de los mejores discos de soul contemporáneo. Tiwayo rompe todos esos prejuicios. Con Outsider demuestra que el soul auténtico no entiende de fronteras ni de nacionalidades.

  A lo largo de su trayectoria ha recibido el reconocimiento de figuras como Norah Jones, Marcus Miller, Tony Visconti o Don Was, además de compartir escenario con artistas como Curtis Harding, Cody Chesnutt y el propio Marcus Miller. Tras publicar los aclamados Desert Dream (Yotanka Records) y The Gypsy Soul of Tiwayo (Blue Note Records), producido por el ganador del Grammy Mark Neill, responsable también del mítico Brothers de The Black Keys, Tiwayo prácticamente desapareció del mapa musical durante un tiempo.

  Todo cambió cuando Adrián Quesada escuchó sus maquetas. Ambos coincidieron en el festival francés Les Eurockéennes, un encuentro que terminó llevando al músico francés desde París hasta Austin (Texas), donde grabaron Outsider en los legendarios Electric Deluxe Studios de Quesada. Allí, rodeados de músicos de Black Pumas y de algunos de los nombres más destacados de la nueva escena soul estadounidense, dieron forma a un disco que respira honestidad, emoción y un profundo respeto por las raíces del género.

  El álbum cuenta además con la participación del prestigioso guitarrista Doyle Bramhall II, colaborador habitual de Eric Clapton, que firma tres de las canciones del disco, entre ellas "Daddy Was Born with the Blues", un sentido homenaje al padre de Tiwayo enriquecido con los arreglos de cuerda de Sly5thAve. También participa la cantante Kendra Morris (Colemine Records) en "Unchained Lovers", un elegante dúo impregnado del espíritu del legendario sello Hi Records.

  Mientras gran parte del soul contemporáneo busca la elegancia pulida del sonido Motown, Tiwayo apuesta por un enfoque mucho más orgánico y visceral. Su música nace directamente de la tradición del soul sureño, una conexión que el propio artista pudo experimentar en primera persona al conocer en Memphis al reverendo Al Green, uno de sus grandes referentes.

  En Outsider, Tiwayo reflexiona sobre la soledad y la libertad de quien decide seguir su propio camino como artista en "I've Got to Travel Alone", celebra el poder transformador de la música en "Up for Soul", encuentra belleza en las pequeñas cosas en "Sunshine Lady" y "My House Is Your Home", y afronta el duelo con una enorme sensibilidad en "Dark Skies". El resultado es un álbum lleno de historias profundamente humanas, construido sobre grooves irresistibles y una interpretación vocal que emociona desde la primera escucha.

  iwayo nunca ha encajado en los moldes habituales. Francés de nacimiento, texano por adopción musical, cantante de soul con alma de bluesman y viajero incansable, ha construido una identidad única precisamente desde los márgenes. En Outsider abraza definitivamente esa condición de "outsider", demostrando que la autenticidad sigue siendo el mayor lujo que puede ofrecer la música.

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lunes, 20 de julio de 2026

Stu Larsen anuncia su próximo concierto

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Stu Larsen! Y bueno, ¡comencemos!

  El cantautor australiano Stu Larsen regresa a nuestro país con su gira "The Solitude Tour" para dar un único concierto. Será el 22 de octubre en la sala Golem’S de Barcelona cuando podremos disfrutar de este show en formato íntimo del músico. 

  En un mundo implacable e inquieto, Stu Larsen salió en busca del silencio y la tranquilidad en algunos de los rincones más remotos del planeta. La soledad no consiste en escapar de la vida, sino en ralentizar el ritmo lo suficiente como para poder apreciarla.

  A lo largo de los años, los viajes de Stu Larsen le han llevado a recorrer el mundo de punta a punta. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum de larga duración, Solitude.

  Durante la creación de Solitude, decidió visitar un lugar al mes durante todo un año, para escribir una canción y grabar un vídeo de la actuación en cada lugar. Este viaje le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, Inglaterra, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina.

  "Esta idea loca llevaba tiempo gestándose, pero realmente empecé a entenderla en 2023", cuenta Stu. "Vivo una vida muy nómada; no he tenido un hogar en casi dos décadas. Así que intenté idear una forma creativa de pasar un año componiendo y grabando maquetas de estas canciones. Estuve completamente solo, creando 12 canciones en 12 lugares a lo largo de 12 meses. Elegí deliberadamente estos lugares remotos para crear las nuevas canciones que componen mi nuevo álbum, "Solitude"".

  A lo largo de las últimas dos décadas, Stu Larsen no ha permanecido mucho tiempo en un mismo lugar. A lo largo de los años, los viajes de este trovador itinerante le han llevado por todo el mundo y de vuelta al punto de partida. Acostumbrado a viajar por todo el mundo, decidió dedicar todo el año 2024 a la creación intercontinental de su cuarto álbum, Solitude [Nettwerk Music Group]. Decidió visitar un lugar al mes durante doce meses, componer una canción y grabar un vídeo con la interpretación correspondiente en cada uno de esos lugares. Esta estancia le llevó por Nueva Zelanda, Australia, Indonesia, Escocia, el Reino Unido, Austria, Alemania, Italia, Canadá, Estados Unidos y Argentina. Por mucho que absorba el espíritu y el alma de cada lugar, la música también refleja auténticamente quién es él como artista, narrador y hombre.

  La música de Stu siempre ha canalizado la energía de su viaje y la ha transformado en canciones. Tras el EP The Black Tree de 2009, lanzó una serie de álbumes muy apreciados por sus fans, como "Vagabond" [2014], "Resolute" [2017] y"Marigold"[2020]. Al desconectarse, Stu acaba conectando con el tipo de conexión que todos buscamos.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Stu Larsen. No olvidéis seguirlo en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

lunes, 13 de julio de 2026

"BLISS", el nuevo disco de "Temples"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Temples"! Y bueno, ¡comencemos!

  El cuarteto de Kettering "Temples" publica hoy su nuevo álbum de estudio, "BLISS", a través de V2 Records, un trabajo que explora nuevas direcciones electrónicas sin perder de vista el ADN que ha definido a la banda desde sus inicios, dando como resultado su disco más aventurero, libre y ambicioso hasta la fecha. 

  Tras los primeros adelantos "Jet Stream Heart" y "Vendetta", que recibieron elogios inmediatos de medios como NME, The Times y Clash, además de entrar en la playlist de Virgin Radio , sonar en rotación en BBC 6 Music, y con mucho apoyo en Radio 3,  llegó "Blue Flame", una pieza de atmósferas oníricas que reveló una nueva dimensión en la hipnótica forma de componer de "Temples". El conjunto de estos lanzamientos llevó a Uncut a afirmar que "BLISS" reúne "algunas de las canciones más contundentes y enérgicas que la banda ha publicado desde el momento álgido de su carrera a mediados de la década de 2010".

  El álbum marca un emocionante nuevo capítulo tras Exotico (2023) y encuentra a la banda - James Bagshaw (voz y guitarra), Thomas Walmsley (bajo), Adam Smith (teclados y guitarra) y Rens Ottink (batería)- reinterpretando sus raíces psych-rock a través del prisma de la música de baile de finales de los noventa y principios de los dos mil. Inspirándose en la melancolía eufórica de la escena ibicenca y la electrónica europea, pero manteniéndose fieles a su esencia, "Temples" construyen un disco influenciado por la intensidad emocional de artistas como Faithless, Underworld, Massive Attack o Portishead.

  "BLISS" gira en torno a lo que la banda define como "euforia melancólica": estructuras aparentemente sencillas capaces de despertar emociones complejas y profundas.

  Si en Exotico trabajaron junto al productor Sean Ono Lennon, en esta ocasión sintieron que "BLISS" solo podía ser producido por ellos mismos. Apostaron por un enfoque mucho más intuitivo y directo, trabajando juntos en la misma sala y dejando espacio a la improvisación y la experimentación. Los samplers desempeñaron un papel esencial durante el proceso, no para reutilizar material ajeno, sino para manipular y reconstruir sus propias composiciones dentro de un mismo universo sonoro. El resultado es un álbum con espíritu de collage, donde motivos, texturas e ideas se entrelazan y reaparecen a lo largo de todo el recorrido.

  A lo largo de "BLISS", las canciones abordan temas como la desconexión, la frustración, la rendición y la renovación. "Revelations" hace un guiño a los cantos gregorianos que se popularizaron en la música de baile europea de finales de los noventa y principios de los dos mil, mientras que la poderosa "Megalith" reflexiona sobre la frustración y la sensación de inmovilidad frente a un mundo que no deja de avanzar.

  Como explica Adam Smith, teclista y guitarrista de la banda:

  "Habla de encontrar la calma interior, pero descubrir que, una vez la encuentras, quizá no sea un lugar tan agradable. A veces puedes sentirte impotente y atrapado mientras el mundo sigue moviéndose a tu alrededor, como una piedra megalítica que permanece inmóvil y no puede hacer nada para cambiarlo."

  Para "Temples", "BLISS" es mucho más que un cambio estilístico: es una auténtica declaración de intenciones. Un álbum creado sin concesiones, impulsado por la intuición, la química entre sus miembros y el placer de volver a hacer música juntos.

  Como resume la propia banda:

  "Se trata de darte permiso: para soltarte, para moverte y para convertirte en algo inesperado."

  La banda regresará a España el próximo mes de noviembre con una gira que pasará por Santiago de Compostela (NdP Recomenda, día 16 en Sala Capitol), Madrid (día 17, Teatro Eslava), Zaragoza (día 18, Sala López), Granada (día 19, Sala Aliatar), Sevilla (día 20, Sala X), Bullas (día 21, Antioxidante), y Barcelona (día 22, Paral.lel 62), ofreciendo la primera oportunidad de disfrutar en directo de las canciones de "BLISS".

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"Gigantic Storm", el nuevo single de Rüdiger

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  Rüdiger presenta "Gigantic Storm", el primer sencillo de su próximo álbum, "Love is a Muscleu", que verá la luz el próximo mes de septiembre. Se trata de una de las composiciones más luminosas y accesibles de este tercer trabajo, una canción concebida para acompañar trayectos largos, horizontes abiertos y viajes de verano por carretera. 

  Detrás de Rüdiger se encuentra Felix Buff, músico fundamental de la escena independiente vasca y batería habitual de artistas como Gorka Urbizu, Ruper Ordorika, Rafa Berrio, Joseba Irazoki, Atom Rhumba, Willis Drummond o Duncan Dhu. Tras dos álbumes aclamados por crítica y público, el músico regresa con una colección de canciones que reflexionan sobre el amor como una fuerza capaz de resistir, regenerarse y crecer incluso en tiempos de incertidumbre.

  "Elegí compartir esta canción porque refleja a la perfección el carácter más luminoso de mi tercer álbum. Además, es ideal para escuchar en un viaje de verano por carretera y encaja perfectamente con la fecha de lanzamiento", explica Buff.

  Musicalmente, "Gigantic Storm" se construye a partir de una idea tan sencilla como hipnótica: una sucesión constante de dos acordes, Do y Re, interrumpida únicamente por un La que aparece en el puente. Una estructura minimalista que conecta con la tradición de artistas como Fleetwood Mac, Kurt Vile o The War on Drugs, referentes evidentes en su forma de entender la repetición, el detalle y el movimiento constante dentro de una canción.

  Aunque la canción contiene una inevitable carga melancólica, "Gigantic Storm" es, sobre todo, una canción de redención. Su letra retrata a alguien que, enfrentado a las dudas, las tentaciones y las infinitas posibilidades de vidas alternativas, reafirma su decisión de permanecer junto a la persona amada.

  "Estoy frente al ojo de una tormenta gigantesca que sopla sin cesar, una y otra vez y me aplasta", canta Buff antes de concluir: "Y no me voy a ninguna parte. Sé que todavía hay alguien ahí".

  La canción habla de esos momentos en los que todo parece tambalearse y, sin embargo, una presencia cercana es capaz de disipar las dudas. De la elección consciente de permanecer. De recordar cada día por qué se eligió amar.

  "Estamos condenados a imaginar otras vidas posibles, pero si tenemos suerte, tenemos a alguien a nuestro lado que nos reconforta y aleja esas dudas. Te elegí, y cada día me recuerdas por qué lo hice. Creo que siempre creeré en el amor", resume el músico.

  Ese mensaje conecta directamente con el concepto de "Love is a Muscle", un álbum que explora el amor desde múltiples perspectivas: su experiencia, su ausencia, su recuerdo y la necesidad de ejercitarlo para evitar que se atrofie. A través de una combinación personal de folk, rock, electrónica y escritura introspectiva, Rüdiger ofrece su trabajo más luminoso hasta la fecha, evocando ecos de Neil Young, Low, Kurt Vile, MGMT o The Beatles sin perder una voz propia y reconocible.

  Coproducido junto a Johannes Buff en los estudios Shorebreaker de Tarnos durante el invierno de 2025-2026, "Love is a Muscle" incluye colaboraciones con su fiel banda de directo compuesta por Joseba Irazoki a la guitarra, Vincent Bestaven a los teclados y coros, Antoine Philippe al bajo y Mikel Sánchez a la batería, así como con la participación de Elena Setién, Iban Urizar (Amorante) y Anari, autora de la letra de "Bi Egun", la primera canción en euskera de Rüdiger.

  El álbum supondrá además el regreso de Rüdiger a los escenarios durante 2026, tanto en formato de banda como en solitario.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Rüdiger. No olvidéis seguir a Borja Picó en su (X, Facebook, Instagram, YouTube) para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.