Mostrando entradas con la etiqueta Comba Comunicación. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Comba Comunicación. Mostrar todas las entradas

viernes, 16 de octubre de 2026

"Quiero ver el mar", el nuevo single de "Azul Yokai"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Azul Yokai"! Y bueno, ¡comencemos!

  Madrid queda a más de trescientos kilómetros de la playa más cercana, y desde ahí han escrito "Azul Yokai" "Quiero ver el mar", una canción sobre la vida que uno podría llevar en otra parte sabiendo de antemano que se va a quedar un deseo acentuado por la miseria urbana. Es el primer adelanto del segundo EP de la banda madrileña, que se formó en 2025, publicó "Puede que salga bien" este mismo año y ya ha pasado por Siroco, Café La Palma y Lula Club. 

  Ellos llaman a lo suyo dirty cry indie, una mezcla de indie rock, post-punk y dream pop con guitarras sucias, sintetizadores, melodías muy directas y una melancolía bastante declarada. En "Quiero ver el mar" manda el rock alternativo que practica ahora una generación británica y neoyorquina muy concreta: el de Wunderhorse, que pasan de la crudeza del garage noventero a una delicadeza casi de cantautor dentro de la misma canción, y el de Been Stellar, que envuelven el post-punk en guitarras de fuzz y bruma de shoegaze. La canción se mueve por mareas, se retira en las estrofas y vuelve con todo el peso en los estribillos.

  La producción es de Germán GES, voz y compositor de La Milagrosa, el grupo de dream pop que montó en 2021 después de que, según cuenta él mismo, se le apareciera en sueños la Virgen de La Milagrosa para pedirle que formara una banda. Su oficio con las capas y la reverberación del dream pop encaja con la atmósfera que busca la canción, y con el segundo EP en el que "Azul Yokai" están ensanchando su sonido.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Azul Yokai". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

miércoles, 7 de octubre de 2026

"Hasta los glaciares", el nuevo single de Daga Voladora

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Daga Voladora! Y bueno, ¡comencemos!

  Daga Voladora presenta "Hasta los glaciares", primer tema de adelanto de su nuevo álbum, "La luna sobre el desierto". La música de Cristina Plaza aka Daga Voladora es una anomalía. En una visión minimalista de medirse con los sonidos y con las historias que narra, uno siente que no hay una jerarquía preestablecida. Las pequeñas alegrías, los deslices, los anhelos o las desdichas se convierten en una especie de cartografía emocional en la que pensar conjuntamente y atrapar esos destellos sonoros que dan la sensación de esfumarse en el momento más inesperado. 

  "Hasta los glaciares", con sus referencias al montañismo mecidas por ensoñadores y cálidos sintetizadores, es la puerta de entrada a "La luna sobre el desierto", un conjunto de canciones que son pequeños espejismos, huellas sobre historias situadas en ese espacio liminal entre realidad y extrañeza. Cristina fue tejiendo con esmero artesanal a lo largo de un año estas brillantes melodías que suponen una continuación aún más deslumbrante a su anterior disco, "Los manantiales" (Lovemonk, 2024)

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Daga Voladora. No olvidéis seguir a Daga Voladora en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

viernes, 25 de septiembre de 2026

"Sorteao", el nuevo single de Pablo Martín Jones

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Pablo Martín Jones! Y bueno, ¡comencemos!

  ¿Qué habría pasado si ciertos ritmos ancestrales nunca hubieran dejado de evolucionar? ¿Si el pulso de las fiestas populares hubiera atravesado el tiempo hasta encontrarse con sintetizadores, samplers y nuevas formas de escucha? De esa pregunta nace Baile Entero, el nuevo proyecto y álbum de Pablo Martín Jones. Percusionista, productor e investigador sonoro, Jones propone un viaje donde tradición y contemporaneidad dejan de ser opuestos para convertirse en un mismo cuerpo en movimiento. Inspirado en el Baile Entero de Peñaparda, una de las expresiones rítmicas más singulares de la península ibérica, el álbum transforma materiales heredados en una experiencia vibrante, libre y profundamente actual. Panderos, voces, percusiones tradicionales, objetos cotidianos y electrónica conviven en un paisaje sonoro exuberante, donde la memoria se mezcla con la experimentación y el baile aparece como una fuerza colectiva capaz de conectar pasado y futuro. Más que una recreación folclórica, Baile Entero imagina una tradición viva, mutante y abierta. 

  "Sorteao", el nuevo adelanto del álbum, es una puerta de entrada concreta a ese universo. El Sorteao es la segunda parte de la suite de ritmos y melodías que tradicionalmente conforman el Baile Entero, y que tocaban, cantaban y bailaban las mujeres de Peñaparda casi cada noche. La particularidad de este segundo movimiento es que el ritmo no está ni en 3/4 (como gran parte de los ritmos de la península), ni en 2/4 o 4/4, compases que nos resultan mucho más familiares. Se toca y se baila en 5/8, un ritmo "cojo" muy inusual en las músicas tradicionales de Europa occidental, presente en otras zonas de Castilla y León como Segovia, Burgos o Zamora, en Extremadura e incluso en el oeste de Andalucía, pero prácticamente inexistente en el resto del folklore del continente.

  El punto de partida de la pieza fue precisamente una de esas melodías. Lo cuenta el propio Pablo Martín Jones: "Es una de las dos piezas del disco en las que trabajé sobre una tonada original, en este caso 'Tocar el pandero no da de comer', un sorteao que me enseñó Eliseo Parra. Quise que la cantara Pedro Perles —un artista total que no solo es músico, sino también ilustrador (la portada del disco es suya)— porque él nunca había tenido contacto con esta música y me apetecía probar un acercamiento distinto al habitual, desde la inocencia que da descubrir algo completamente nuevo. Por un lado, trabajamos las voces de las melodías originales con una idea más 'americana', inspirada en Bon Iver y Sufjan Stevens; por otro, le di rienda suelta a Pedro para que generara un ambiente bastante onírico a partir de un mantra".

  Dos maneras de entrar en un mismo ritmo (la de quien lo transmite y la de quien lo descubre) para que ese pulso cojo, en lugar de quedarse quieto, vuelva a ponerse en movimiento.

  Espero que os guste el post y que así estéis al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Pablo Martín Jones. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

jueves, 24 de septiembre de 2026

"Terreno sin asfaltar", el nuevo single de Manuel Leunam

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Manuel Leunam! Y bueno, ¡comencemos!  

  Durante más de tres siglos, la crónica de sucesos española se cantó en las plazas. Un ciego reunía gente a gritos, cantaba en verso un crimen reciente y después vendía el papel donde estaba impresa la historia, que en el siglo XIX costaba lo que hoy serían cinco céntimos. Se conservan pliegos de crímenes fechados en 1587 y el oficio duró hasta los años treinta del siglo pasado, cuando lo desplazó la venta de lotería. El repertorio eran asesinatos, naufragios, milagros y martirios. De ahí desciende una estirpe de cantautores que tratan la canción como soporte para contar algo que ocurrió y despachan el sentimiento propio en dos versos. A Manuel Leunam no le importa demasiado el amor y mucho menos el sexo. En lugar de eso, ha cantado a aquellas cosas que uno encuentra por la calle y nunca consideraría inspiradoras: tiene canciones dedicadas a las autoescuelas, a los gimnasios, a un cachorro que alguien pisa por accidente o al Museo de Cera de Madrid. Comparte oficio con Marcelo Criminal, Nacho Umbert o Rafael Berrio, como si tuviera el don de despojarse del individualismo de la carne y el placer para dedicar su oficio a ser un cronista de la realidad en tercera persona. Es el historiador del bedroom pop.  

  "Profeta por Sorpresa" es su nuevo trabajo y parte de una premisa entre La Mesías y Rosalía, pero con un poco más de sorna: un EP en clave de rock alternativo sobre alguien que sale a buscar el sentido de la vida y termina convertido, sin poder remediarlo, en mártir y profeta de un culto misterioso. "Terreno sin asfaltar" es su primer adelanto y sucede antes de que suceda nada en la historia. El protagonista anda «enzarzado en una serie de pensamientos existenciales sin profundizar» cuando empieza a notar que algo tira de él, una fuerza etérea que promete respuestas. Hay también una chica y la sospecha (acertada) de que asomarse ahí se va a llevar por delante la relación. "Puede que no vuelva a verte como te vi la última vez, no sé qué hicieron con mi mente" canta en su estribillo. Leunam se pone aquí en primera persona, dice, en la piel del protagonista «antes de ser llamado, o más bien matado, por el dios». El título hace el resto del trabajo: terreno sin asfaltar es el estado del hombre antes de la doctrina y el golpe que cambiará su vida por completo.

  Leunam encadena acordes de jazz que apuntan siempre al siguiente y retrasan el reposo, de manera que el oído se queda esperando un final que tarda en llegar. Aplicado a un disco sobre un hombre que aguarda una respuesta, el recurso es el propio argumento. Lo monta con medios caseros, que es la otra mitad del asunto: armonía de conservatorio ejecutada en una habitación. «Lo produje prácticamente todo yo en mi casa a excepción de las baterías», explica, y ahí está la novedad, porque por primera vez hay un ser humano golpeando parches en un disco suyo. Buscaba «un sonido más clásico al estilo del rock independiente de los 90». Encima trabajan las guitarras, las capas de teclado y el piano, en «una atmósfera un poco más solemne, seria y un poco oscura, aunque las letras siempre guardan algunos toques muy irónicos y un poco cómicos». 

  La encuesta ESTUDES del Ministerio de Sanidad, publicada en noviembre de 2025, registra entre los estudiantes de 14 a 18 años el menor número de borracheras desde el año 2000 y el consumo de cannabis más bajo de toda la serie. La sobriedad se ha convertido en una estética, con su ropa, su cara lavada y su nunca sobresalir por encima del resto. Con la fe, muy relacionada con el clean look o con el mismísimo Yung Beef desintoxicándose, ocurre algo parecido: los jóvenes españoles son el grupo de edad menos religioso del país y, a la vez, los que creen practican más que sus mayores. Una mayoría que se aleja y una minoría que se acerca con mucha intensidad. Sobre ese suelo canta Leunam la historia de un tipo corriente al que se lleva un dios, y la canta riéndose, con naturalidad y costumbrismo, como un cronista medieval que acude todas las mañanas a la plaza del pueblo a narrar el noticiario.

  Sobre Manuel Leunam

  Manuel Leunam nació en Granada en 1992 y trabaja en una granja, cosa que explica bastante bien la clase de canciones que escribe. Mientras el pop de dormitorio se dedicaba a la introspección, él salía a la calle a levantar acta de lo que veía: una autoescuela, un gimnasio, un cachorro al que alguien pisa sin querer, el Museo de Cera de Madrid. Lo hace de forma costumbrista y simpática: no le canta al amor; no hay nada explícito en su vocabulario. El resultado es un cancionero de sucesos menores en los que casi nunca nadie se fijaría. Si escuchas a Manuel Leunam, te aseguramos que serás mucho más consciente de la realidadque te rodea. En «Profeta por Sorpresa», su nuevo EP, le llega el turno a la religión.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Manuel Leunam. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

miércoles, 16 de septiembre de 2026

"Todo este futuro", el nuevo single de "For Your Information"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡"For Your Information"! Y bueno, ¡comencemos!

  "For Your Information" estrenan "Todo este futuro", tercer adelanto y título de su primer disco. La canción invierte el "no future" del punk de 1977: si entonces el problema era la ausencia de horizonte, hoy es su exceso, la generación ni-ni educada para creer que todo era posible. Ecos de Joy Division y TV on The Radio para retratar el cansancio de la sociedad del rendimiento. 

  ¿Qué hacemos con todo este futuro? En 1977, en la Gran Bretaña del desempleo, la inflación y el tedio industrial, el eslogan "no future" se convirtió en una consigna generacional: no hay futuro para ti, no hay futuro para mí. Era un rechazo frontal a las promesas corporativas y al ascenso social como destino obligatorio; una ética DIY que prefería el aquí y ahora a la integración en un sistema que ya no ofrecía nada. Mientras tanto, desde el otro lado del espectro, Margaret Thatcher sintetizaba su programa en un mantra igual de rotundo: "There is no alternative". No hay alternativa. Dos frases que marcaron una década: el nihilismo de la calle y la inevitabilidad del mercado.

  Casi cincuenta años después, "For Your Information" invierten el enunciado. El problema ya no es la ausencia de futuro, sino su exceso. Demasiadas opciones. Demasiada responsabilidad. Demasiado margen para fallar. "Lo que nos pasa es que tenemos un montón de oportunidades, supuestamente, y eres dueño de tu destino… supuestamente. Lo único que nos une es que no tenemos ni idea de lo que vamos a hacer", reflexiona Alex. Si el punk gritaba contra la falta de horizonte, FYI escriben desde la saturación del horizonte. "Con tanto futuro por delante y sin naca que hacer" es el estribillo que condensa la lógica de los (ni-nis) que crecimos en un contexto económico que vaticinaba una falta completa de oportunidades, pero con un discurso social que nos decía que conseguiríamos ir al mismísimo Plutón si nos lo proponíamos.

  "Todo este futuro" es el segundo adelanto del primer disco de "For Your Information" y también el que le pone nombre. Más que un eslogan invertido; es un relato íntimo en mitad del ruido. Empieza casi suspendida, con guitarras limpias y que recuerdan a la precisión melódica de HighSchool, a través de líneas angulares que flotan sin dramatismo; pero con un pulso constante que evita el clímax obvio. Hay una claridad rítmica heredera de los primeros Joy Division y también un gusto por el equilibro tímbrico al estilo de TV on The Radio, pero también una fragilidad que busca sostenerse en el tiempo más que proponer un estallido fugaz.

  En el fondo late una intuición teórica: la transición de la sociedad disciplinaria a la sociedad del rendimiento descrita por Byung-Chul Han. Ya no vivimos bajo la prohibición, sino bajo la promesa. No nos dicen "no puedes"; nos dicen "puedes con todo". Y si no lo haces, la culpa es tuya. El castigo ha sido sustituido por la frustración. El resultado no es rabia, sino cansancio. En ese contexto, la canción relata la historia de alguien que no sabe qué hacer con tanto porvenir, pero sí sabe lo que no quiere perder. "No quiero que nada de esto sea sin ti", afirma Alex. No hay plan quinquenal ni visión estratégica; que futuros hay muchos, pero hoy solo hay uno.

  El punk de los setenta gritaba "No future" como rechazo a una promesa rota. El neoliberalismo respondió con "No hay alternativa". FYI escriben desde un tercer lugar: el del sujeto que tiene todas las alternativas y, precisamente por eso, se siente paralizado. El tiempo es una amenaza blanda. Por eso, el único plan posible es que este momento no sea en vano.

  Todas las bandas nacen en un garaje; todas las empresas, también... o eso repiten los gurús del tecnocapitalismo. El rock y los entrepreneurs comparten así una lógica de ascenso que en los últimos años se ha vuelto todavía más evidente: escuchar se ha sustituido por consumir, componer por crear contenido. "For Your Information" aprovechan la deriva de la escena para convertir nuestro nicho en un afterwork eterno: "música para ir al trabajo", o así se definen; y su materia prima no es la nostalgia del rock, sino el cansancio contemporáneo (la vida convertida en calendario, la ansiedad como KPI, el ocio como extensión no remunerada de la jornada).

  "For Your Information" es una banda madrileña formada por tres amigos de Albacete (Antonio Henares al bajo, Alejandro Montesinos a la guitarra y voz, Gabriel García a la guitarra) y David Sousa, desde Galicia, en la batería. Nace en 2020 con ese cortocircuito en la cabeza: ¿y si el post-punk vuelve a ser un movimiento, no un filtro estético? Sus primeros pasos quedaron fijados en dos EPs complementarios: "El año del descenso", una crónica urgente de la vida en la ciudad con guitarras brillantes y nervio pop bajo la superficie; y "La Grieta", más oscuro y atmosférico, donde asumieron un periodo de ruptura personal como impulso creativo y afinaron su lenguaje hacia patrones más rítmicos e hipnóticos. Entre ambos trabajos se dibuja el tránsito de una banda que pasó del diagnóstico generacional a la construcción consciente de un sonido propio: post-punk atravesado por la lógica del baile que cristaliza en 2026 con su disco debut. 

  "Yo descubrí la naturaleza del club currando en consultoría", resume Alex. No es una pose. Durante un tiempo trabajó en el corredor corporativo del Paseo de la Castellana, ese eje donde Madrid se cuenta a sí misma como ciudad de servicios, cristal y poder. A un extremo, las Cuatro Torres (un distrito financiero levantado sobre los terrenos de la antigua Ciudad Deportiva del Real Madrid); al otro, AZCA. En ese paisaje de torres, la música es algo completamente ubicuo que queda supeditado a las relaciones corporativas: un nomikai (esas reuniones niponas para beber propuestas por el jefe, a las que cuesta negarse) a la usanza española. Sin embargo, una grieta se abrió lejos de Madrid y de cualquier romanticismo indie: un viaje de trabajo a Varsovia y una noche en la que Alex (que "no había escuchado techno en su puta vida") se quedó seis horas en trance en la pista. La experiencia no fue solo musical, sino física y colectiva. A partir de ahí empezó a tirar del hilo hacia atrás: desde esa experiencia de baile casi hipnótica hasta la tradición rave británica que la precede. Lo que Simon Reynolds llamó el hardcore continuum: una cultura donde el baile funciona como tecnología social, desde el acid house de finales de los ochenta hasta su eco en bandas de Manchester como The Stone Roses o Happy Mondays.

  Ahí entra la teoría, pero sin academicismo de escaparate. Lo que les interesa no es "hablar de la oficina", sino cómo la oficina se te mete dentro: la autoexplotación disfrazada de libertad, la obligación de convertir incluso el ocio en rendimiento. Ese marco (el del "sujeto del rendimiento" que se exprime a sí mismo) es el clima moral del que salen sus canciones y su imaginario. Todo se fusiona en la idea de afterwork: porque es el punto exacto en el que el sistema te permite "desconectar" siempre que sigas dentro, socializando productivamente, construyendo red, monetizando presencia. Ellos lo dicen con humor negro, pero lo miran con precisión.

  "For Your Information" no están enamorados del nihilismo ("no future") como consigna vintage; les interesa su versión 2026: tener futuro como carga, como amenaza, como exceso de opciones que te aplasta. De ahí el título del álbum que preparan para 2026, "Y todo este futuro": no como promesa, sino como una pregunta abierta. Porque a veces la pista de baile no es un refugio ni una salida; es simplemente el lugar donde seguimos cuando no hay nada que hacer.

  Espero que os guste, y que así estéis al todo de todo lo relacionado con la carrera de "For Your Information". No olvides seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

jueves, 10 de septiembre de 2026

"Tinikijima", el nuevo disco de Briella

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de una gran artista: ¡Briella! Y bueno, ¡comencemos!

  Briella tiene la asombrosa capacidad de convertir las experiencias cotidianas en verdades universales, historias en las que cualquiera puede reconocerse de una forma inmediata. Una cualidad que se hace especialmente evidente en su nuevo trabajo, "Tinikijima" (Interscope Records, 2026), un proyecto de siete canciones con el que la cantante y compositora venezolana abre un nuevo capítulo en su carrera. 

  El título del proyecto toma su nombre de una playa escondida en la costa de Choroní, Venezuela, y funciona como una declaración de intenciones: una vuelta a casa, a los paisajes, ritmos y recuerdos que han construido su identidad. En este nuevo trabajo, Briella coloca sus raíces venezolanas en el centro de un universo sonoro atravesado por ritmos tropicales, merengue, bolero y los sonidos de la costa caribeña. 

  Ese carácter luminoso y contagioso sirve, a menudo, de contrapunto a unas letras cargadas de intenciones. Canciones como "Pa Que Voy A Llora’?", "Devuelve a Tu Marido" o "Princeso" hablan de desamor, deseo, autoestima y las contradicciones que aparecen cuando una empieza a conocerse mejor a sí misma. Briella transforma así experiencias personales en historias compartidas, siempre desde una mirada femenina, directa y cargada de humor y personalidad.

  Después de "Al Mando" (2023) y "Código Rosa" (2025), "Tinikijima" marca también una evolución dentro de su trayectoria. Su carrera comenzó a ganar especial visibilidad en 2022 con "Solo Tú", mientras que temas posteriores como "Coquette" ampliaron su alcance dentro de la nueva escena del pop y la música latina. Ahora, en su debut con Interscope Records, Briella entra en una etapa en la que identidad, raíces y crecimiento personal conviven dentro de un mismo lenguaje musical. 

  "Tinikijima" es, ante todo, una celebración de la feminidad en todas sus formas y una carta de amor a Venezuela, pero ese mapa personal de Briella no termina allí. La artista mantiene también una profunda conexión con España a través de su familia materna, de origen canario. Sus abuelos maternos nacieron en Tenerife (en Candelaria y Güímar) antes de emigrar a Venezuela, un vínculo familiar que ha mantenido a las Islas Canarias y a España presentes en su vida desde pequeña. 

  Briella pasó largas temporadas en España durante su infancia y continúa visitando el país con frecuencia, manteniendo una relación cercana con su cultura y con sus raíces canarias. Su regreso este mes de septiembre tiene también un componente especialmente personal: cuatro fechas en España que conectan las dos orillas que forman parte de su historia, comenzando precisamente en Canarias antes de continuar por Barcelona y Madrid.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Briella. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

martes, 21 de julio de 2026

"Diles que no me maten" llega a España

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Diles que no me maten"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Diles que no me maten" estarán en agosto por primera vez en España. La banda mexicana actuará el sábado 1 de agosto en Laut (Barcelona) y el domingo 2 de agosto en Wurlitzer Balroom (Madrid). 

  Con un sonido cercano al krautrock y un espíritu que se acerca al free jazz, la banda de Ciudad de México se ha convertido en una de las más interesantes de la escena independiente actual. Su último álbum de estudio "Escrito en agua", es un reflejo de esta sensibilidad libre pero de sonido firme que han ido construyendo poco a poco en sus anteriores trabajos.

  Después de unas fechas por Reino Unido, Francia, Suiza, Luxemburgo y Países Bajos, pasaran por Barcelona y Madrid antes de continuar de vuelta por Latinoamérica.

  Sobre "Diles que no me maten":

  Para "Diles que no me maten", cada nota es un pequeño paso hacia lo desconocido. La banda de cinco integrantes de Ciudad de México siempre ha trabajado bajo la premisa de que la primera intuición suele ser la mejor, apoyándose en una filosofía heredera de las jam sessions y del krautrock para construir intrincadas composiciones de art rock anguloso, atravesadas por baladas de tintes bluseros y un misticismo poético. Aunque su cuarto álbum, Escrito en Agua, es el trabajo más deliberadamente elaborado y accesible de su trayectoria hasta la fecha, su principio fundacional de exploración lenta, abierta y llena de asombro sigue plenamente vigente.

  Fundada por los hermanos Raúl (batería) y Gerardo (guitarra) Ponce en 2017, en una escena de Ciudad de México que estaba a punto de eclosionar, "Diles que no me maten" encontró su identidad a través de un lenguaje compartido de improvisación que se fue volviendo cada vez más complejo y fluido con cada ensayo revelador y cada intensa actuación en directo. La mezcla incendiaria de elementos primarios que dio forma a su EP debut de 2020, Cayó de su Gloria el Diablo, y a su primer LP, Edificio, terminó cristalizando en estructuras sólidas pero en constante transformación en su álbum revelación, La Vida de Alguien Más, y en su continuación de flujo libre, Obrigaggi. Junto a los hermanos Ponce, Andrés Lupone (bajo), Jerónimo Elizondo-García (guitarra, clarinete) y Jonás Derbez (voz, saxofón) han construido un sonido tan impredecible como inconfundible.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Diles que no me maten". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

viernes, 26 de junio de 2026

"La Primavera", el nuevo single de Mario Díaz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Mario Díaz! Y bueno, ¡comencemos!

  Mario Díaz presenta "La Primavera", nuevo adelanto de su próximo proyecto discográfico, "El mundo sigue fatal de los nervios". La canción surge de un proceso de aislamiento voluntario que el artista llevó a cabo durante varios meses, alejándose completamente del entorno digital y de los estímulos constantes asociados a la vida contemporánea. 

  "Apagué mi teléfono móvil durante tres meses. Necesitaba desintoxicarme de todo ese ruido", explica el propio Mario Díaz. Durante ese tiempo, el músico renunció no solo a las redes sociales, sino también al acceso a plataformas de vídeo, música o información constante. "Cada día, mientras me tomaba el café de la mañana, escribía, aún medio dormido. Las primeras semanas no salían cosas muy interesantes, pero al cabo del tiempo empecé a conectar con otra parte de mí que estaba dormida. Fue entonces cuando salió la letra de "La Primavera"".

  La canción se construye así desde una idea de pausa y reconexión interior, funcionando casi como el resultado de un proceso de limpieza emocional y mental. Frente a la saturación tecnológica y al exceso de estímulos, "La Primavera" propone otro ritmo y otra temporalidad, más cercana a la observación y a la intuición que a la inmediatez digital.

  En coherencia con el resto del proyecto, "La Primavera" ha sido grabada en directo en la Ermita de la Virgen del Puerto (Madrid), durante la sesión celebrada el pasado mes de marzo ante un aforo reducido. El formato de guitarra y voz sitúa nuevamente el foco en la interpretación y en el texto, reforzando el carácter íntimo de la canción.

  Esta nueva entrega forma parte de "El mundo sigue fatal de los nervios", un trabajo que revisita el universo de "El mundo está fatal de los nervios" (2005) desde una lectura contemporánea. Más que recuperar aquellas canciones desde la nostalgia, el proyecto plantea un diálogo entre dos momentos históricos atravesados por inquietudes similares: el ruido exterior, la sensación de agotamiento y la necesidad de encontrar espacios de refugio.

  El lanzamiento se acompaña de un vídeo registrado durante la grabación en la ermita, donde puede verse la interpretación completa de la canción en directo. Por el momento, "La Primavera" está disponible exclusivamente en YouTube como nuevo adelanto del disco.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Mario Díaz. No olvidéis seguir a Mario Díaz en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

miércoles, 24 de junio de 2026

"Kontuz", el nuevo single de "PARFAVAR"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"PARFAVAR"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay cosas que uno inexplicablemente no puede soltar. Tal vez sea por idealismo, tal vez por un cierto instinto que roza el sadismo, o tal vez ni siquiera sepamos por qué. Un día sales de tu casa y no reconoces tu propia ciudad, tu propio barrio o incluso tu propia calle. "PARFAVAR" da en el blanco en su nuevo single, "Kontuz". Dicen que está "todo vendido", al mejor postor en concreto. No se van, a pesar de que la primera idea es huir despavoridos: "pero al final moriré aquí". 

  La portada de "Kontuz", primer single del que será su EP "Incierto Peligro", evoca algo in- quietante, con unos edificios que parece que se derriten al borde del colapso. Sabemos que la realidad no es halagüeña, pero elfuturo es una incógnita en cualquier caso. Tan enigmático como el nombre de "PARFAVAR", que de primeras suena a expresión neocastiza de Internet, pero que una vez que indagas te das cuenta de que es casi una coincidencia y, cuando entras, es lo de menos: "la repetimos tanto que a mí me llegó a sonar a grupo noruego, la descontextualizamos por completo", indica Jon.

  Sobre "PARFAVAR"

  Precisamente, ese sonido frío de su post-punk electrónico y gótico bien se acerca a ese ca- rácter nórdico; pero se queda aquí en Madrid, protestando por una ciudad que no reconocen y que ha cambiado en tiempo récord. Utilizan la protesta en las letras como arma y los sintetizadores y la caja de ritmos como vehículo que transfiere esa ansiedad al oyente.

  Una música-máquina de alma humana: "la premisa es: tú tienes dos manos y yo tengo dos manos". El sonido de "PARFAVAR" no se construye capa sobre capa de forma infinita, si no que en todo momento hay un alma que enciende y apaga la máquina. El mismo alma que se niega abandonar una ciudad cada vez más deshumanizada.

  Entre tanto, avanzan con paso firme: "coincidimos en muchísimas cosas, pero en otras también tenemos mucha diferencia y creo que eso es la clave de nuestro equilibrio". Una tensión creativa que desarrolla su sonido, que nace de la Primera Ruta del Bacalao, de la cual se declaran fans, y de bandas con un sonido oscuro como Killing Joke o The Cure.

  Durante años, Jon Airas y Javier Castellano (ex-miembros de LAYABOUTS) se juntaron a hacer canciones sin más pretensión que verse, tocar y dejar que la música hablara. Lo hicieron en silencio, sin urgencia.

  Así nace "PARFAVAR": de una amistad, de una guitarra, de una caja de ritmos, sintetizadores, programaciones y dos voces que ya no pueden quedarse encerradas en un local de ensayo. Canciones que parten del error, del descarte, del juego. Y que han terminado encontrando un lugar propio.

  "PARFAVAR" suena a post-punk y a new wave, a trance y romance, a luces estroboscópicas, bestias, carreteras secundarias y oscuridad compartida. Todo lo que tocan lo hacen ellos dos. No hay pistas disparadas, no hay trampa. Solo electrónica cruda y emoción directa.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "PARFAVAR". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

viernes, 12 de junio de 2026

"Si me echas", el nuevo single de Mario Díaz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Mario Díaz! Y bueno, ¡comencemos!

  Mario Díaz presenta "Si me echas", nuevo adelanto de "El mundo sigue fatal de los nervios", el proyecto con el que el compositor cordobés revisita el universo de "El mundo está fatal de los nervios" (2005) desde una lectura contemporánea. La canción fue escrita en 2003, apenas una semana antes del inicio de la invasión estadounidense de Irak. Más de veinte años después, su texto vuelve a resonar con una actualidad incómoda. 

  "Faltaba una semana para que Estados Unidos invadiera Irak cuando escribí esta canción. Por desgracia, al escucharla parece que la escribí hace unos días. Eso demuestra que el mundo sigue fatal de los nervios", explica el propio Mario Díaz.

  Construida desde una perspectiva narrativa y profundamente humana, "Si me echas" sitúa el foco no en los discursos geopolíticos, sino en quienes quedan atrapados dentro de ellos: familias desplazadas, ciudades destruidas y generaciones enteras obligadas a abandonar su lugar de origen. A través de imágenes directas y cotidianas, la canción convierte la guerra en una experiencia cercana y tangible. "¿Qué vale más? / Que el quejío de una niña vale más / que to el petróleo de la tierra y del mar", canta Mario en uno de los versos centrales del tema.

  Aunque nace vinculada al contexto de Irak, la canción adquiere hoy nuevas capas de lectura en un escenario internacional marcado nuevamente por conflictos armados, desplazamientos forzosos y crisis humanitarias. La sensación de repetición histórica atraviesa toda la pieza: las imágenes que inspiraron la composición en 2003 encuentran ecos inevitables en el presente.

  "Si me echas" ha sido grabada en directo en la Ermita del Santo, en la Pradera de San Isidro (Madrid), el mismo espacio donde se registró el conjunto del proyecto durante una sesión celebrada ante un aforo reducido el pasado mes de marzo. El formato de guitarra y voz desplaza toda la atención hacia la interpretación y el texto, reforzando el carácter emocional y testimonial de la canción.

  Esta nueva entrega se inscribe dentro de "El mundo sigue fatal de los nervios", un trabajo que no recupera aquellas canciones desde la nostalgia, sino desde la constatación de que muchas de las tensiones sociales, políticas y emocionales de hace dos décadas siguen plenamente vigentes. En este contexto, el disco funciona como un diálogo entre dos momentos históricos atravesados por una misma sensación de agotamiento e incertidumbre.

  El lanzamiento se acompaña de un vídeo grabado durante la sesión en la ermita, donde puede verse la interpretación completa de "Si me echas" en directo. Por el momento, la canción está disponible exclusivamente en YouTube como nuevo adelanto del disco.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Mario Díaz. No olvidéis seguir a Mario Díaz en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

jueves, 28 de mayo de 2026

"Mendigo", el nuevo single de Mario Díaz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Mario Díaz! Y bueno, ¡comencemos!

  Mario Díaz presenta "Mendigo", nuevo adelanto de su próximo proyecto discográfico, "El mundo sigue fatal de los nervios". La canción, construida como un relato escena a escena, parte de una imagen cotidiana: el encuentro del artista con un hombre sin hogar en el metro de Madrid. Lejos de una mirada condescendiente, lo que activa la escritura es la vitalidad y la esperanza percibidas en su mirada. 

  A partir de ese punto de partida, "Mendigo" desarrolla una historia que explora la relación entre este personaje y una mujer perteneciente a otra clase social. La canción se articula como un ejercicio de storytelling, donde la narración avanza a través de secuencias que dibujan un vínculo marcado por la distancia social, pero también por la intimidad y la tensión emocional.

  En este enfoque narrativo resuenan influencias como la de Rubén Blades, referente clave para Mario Díaz en el desarrollo de canciones que funcionan como relatos completos, con personajes, contexto y evolución dramática.

  "Mendigo" ha sido registrada en directo en la Ermita del Santo, en la Pradera de San Isidro (Madrid), el mismo espacio donde se ha grabado el conjunto del proyecto. En coherencia con el planteamiento general del disco, la canción se presenta en un formato reducido de guitarra y voz, que sitúa el foco en la interpretación y en la construcción narrativa del texto.

  Esta nueva entrega se inscribe dentro de "El mundo sigue fatal de los nervios", un trabajo que revisita el universo de "El mundo está fatal de los nervios" (2005) desde una lectura contemporánea. Lejos de plantearse como un ejercicio de recuperación, el proyecto propone una relectura atravesada por el presente: dos décadas después, las tensiones que articulaban aquel disco encuentran una nueva resonancia en el contexto actual.

  El lanzamiento se acompaña de un vídeo grabado durante la sesión en la ermita, que documenta tanto la interpretación como el entorno en el que se produce. Por el momento, "Mendigo" está disponible exclusivamente en YouTube como adelanto del disco, cuyo lanzamiento está previsto para los próximos meses.

  Sobre Mario Díaz

  Nacido en Córdoba en 1981, Mario Díaz es compositor e intérprete con una trayectoria que abarca más de dos décadas. Tras su paso como vocalista por otras formaciones, ha desarrollado una carrera en solitario caracterizada por la fusión de géneros y una fuerte vocación narrativa. Ha trabajado también en composición para cine y teatro, y ha colaborado con artistas como Manuel Carrasco, Rozalén, Fuel Fandango o El Kanka. Su discografía incluye títulos como "Gloria Bendita" (2010), "Rock My Reggae" (2015), "Infinito" (2018) o "Mano de Santo" (2024).

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Mario Díaz. No olvidéis seguir a Mario Díaz en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

viernes, 24 de abril de 2026

"Ijó Yá", el nuevo single de Lovemonk

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran cantante: ¡Lovemonk! Y bueno, ¡comencemos!

  Lovemonk presenta "Ijó Yá", una colaboración muy especial que reúne al veterano amigo del sello Kiko Navarro con el icono del afrobeat Dele Sosimi y la cantante Lizzy Dosunmu. El resultado es un tema vibrante, lleno de alma y energía contagiosa, donde sus estilos se entrelazan con una calidez inmediata y natural.  

  "Ijó Yá" se desplaza con naturalidad entre el pulso de la música disco y el boogie, incorporando referencias claras a la tradición musical nigeriana. El groove se desarrolla de forma abierta, con un equilibrio entre energía física y una cierta elegancia en los arreglos que sostiene el tema de principio a fin.

  La voz de Lizzy Dosunmu articula el tema desde una presencia firme y expansiva. Sus líneas se entrelazan con los coros de Dele Sosimi, que refuerzan esa dimensión colectiva a través de un juego constante de llamada y respuesta. En ese intercambio aparece también el yoruba, la lengua de África occidental hablada principalmente en Nigeria, Benín y Togo. Más que un idioma, funciona como un sistema cultural completo: estructura formas de pensamiento, prácticas musicales y tradiciones espirituales que han tenido una enorme influencia en géneros como el afrobeat, pero también en músicas de la diáspora afroatlántica (de Cuba a Brasil). El acto de introducir frases en yoruba activa una forma de comunicación muy ligada a lo colectivo, donde la voz circula y se construye en común, además de surgir como albo natural entre dos artistas de origen nigeriano que se mezclan con el house balear. Las letras se mueven en torno a la responsabilidad de lo que se dice y lo que se hace, conectando ese plano íntimo con una conciencia más amplia. En el centro de todo está el diálogo creativo entre Kiko Navarro y Dele Sosimi, sostenido desde la escucha y la intuición.

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Lovemonk. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

jueves, 23 de abril de 2026

"Líquido", el nuevo EP de RUVENRUVEN

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡RUVENRUVEN! Y bueno, ¡comencemos!

  En 2025 se subieron 106.000 canciones por día a las plataformas de streaming. Cuando RUVENRUVEN publicó su primer LP, "Plastic Boy" (Autoeditado, 2024), una sensación agridulce le recorrió el cuerpo: frente a la euforia de ver su trabajo publicado al fin, la desazón de contemplar cómo todo el universo sonoro y visual que había estado creando durante años se perdió instantáneamente en un mar de datos inabarcable. Todo marcado por un algoritmo cuyo funcionamiento no es necesariamente positivo para los artistas. 

  Este sentimiento caló tan hondo que decidió plasmar las sensaciones que le generó en su nuevo trabajo. "Líquido" es una serie de cinco canciones que se presenta como una bebida de apariencia y nombre genéricos y cuyo subidón de azúcar pasajero y envase reciclable simbolizan el consumo de usar y tirar que se hace hoy en día de la música a través de las plataformas.

  El catalizador de todo esto fue la teoría de la "Modernidad Líquida", del sociólogo Zygmunt Bauman, quien nos habla del carácter cambiante y vertiginoso de la sociedad postmoderna. "Trabajando en el EP conecté los puntos. De ahí sale todo: crear una marca, "Líquido". Existe un contraste muy frío entre currarte un tema, componerlo, producirlo y ponerle cariño... Y el momento de su envasado y distribución".

  Ese proceso puede ser muy descorazonador para el artista. Sin embargo, detrás de "Líquido" no hay una queja ni una intención moralizante: "no quiero hacer un alegato, sino una reflexión personal: yo me siento así". Tras el brick de cartón hay mucho más: cinco temas que tienen un sonido onírico, hecho con mimo y paciencia y que hablan de sensaciones humanas y sentimientos. Cinco piezas cuyo título se remite al propio ISRC del audio buscando la despersonalización absoluta, pero que se han inspirado en el espíritu humano y la calidez que evocan proyectos como Horse Vision o Smerz.

  Si en "Plastic Boy" el corta/pega y el glitch era el espíritu que vertebraba las canciones, esta vez son las guitarras que recuerdan a Mk.gee y Mark William Lewis las que marcan el paso a temáticas como el distanciamiento físico en una relación en "BK4DA2613870" o tener siempre la puerta abierta en el corazón de una persona en "BK4DA2624804", su colaboración con María Grep. No es problema si te haces un lío con los títulos de las canciones, siempre aciertas si te atreves a asomarte a ver lo que hay dentro del envase.

  RUVENRUVEN fusiona texturas del pop contemporáneo y la electrónica experimental con elementos del darkwave y del indie en una colección de producciones que parecen venir del futuro. Baterías orgánicas, bajos eléctricos y guitarras distorsionadas se alían en el mismo paisaje sonoro con sintetizadores industriales, chops vocales y melodías memorables, para generar un sonido que transita entre lo crudo y lo sintético.

  Durante sus estudios en el Máster de Producción Tecnología e Innovación Musical en Berklee College of Music, germinó la semilla de lo que fue "Plastic Boy", su primer disco. Publicado de la mano de Altafonte en 2024. En 2025, RUVENRUVEN ha estado combinando su faceta como productor para artistas como Chlöe’s Clue, Montesco, Drica o Dianka, con la de diseñador de sonido para marcas como Saint Laurent, Byredo o Carolina Herrera. A lo largo del año se familiariza con el concepto de "modernidad líquida" del sociólogo y filósofo Zygmunt Bauman. Este concepto se convierte en su nueva obsesión e, inspirado por él, empieza a plantearse la idea de hacer un trabajo más relajado, que resulta en una recopilación de cartas a seres queridos; intentando generar un contraste entre el contenido, personal y emocional, con el continente, frío e industrializado.

  El resultado es "Líquido", un EP distribuido por ADA que reflexiona, desde un tono desenfadado, sobre el contraste emocional entre el proceso creativo del artista y la consumición esporádica del resultado. Este proyecto, con dirección visual del colectivo barcelonés Seis Punyales, verá la luz en marzo de 2026 y se presentará en directo en un Tour con paradas en Madrid, Barcelona, Valencia, Murcia, Berlín, Colonia y Rotterdam.

  Espero que os guste y que así podáis conocer un poco más a RUVENRUVEN. No olvides seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.