"Me Voy", el nuevo single de "Dënver"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dënver"! Y bueno, ¡comencemos!

  El nuevo álbum, el quinto de su carrera, es inminente, y uno de sus últimos sencillos no podía venir con mejor compañía. Mariana Montenegro y Milton Mahan hacen más real que nunca su regreso a la música con este especial estreno: un single junto a Ruzzi y producido por el ganador de múltiples premios Grammy, Adán Jodorowsky –Adanowsky–, titulado "Me Voy". 

  La canción, que habita en el rincón más emotivo del pop que propone el dúo chileno en sus 20 años de carrera, es clásica en su sonoridad; "un pequeño momento de reflexión y solemnidad" dentro del universo que trae el trabajo a estrenarse durante el segundo semestre, como adelanta Mahan, quien también estuvo a cargo de la grabación en Chile y de la dirección del videoclip. 

  Una historia a tres voces entre los sudamericanos y Ruzzi, con la labor de Adanowsky y los arreglos de cuerdas de Emiliano Dorantes desde México. Cumbre de obradores del pop alternativo, que se encuentran tras varios años de relación y que, finalmente, se transforma en canción. "Muchos años yendo a México han hecho vínculos entre los amigos músicos", explica Milton, mientras que Mariana hace memoria sobre cómo descubrió la música de Ruzzi hace años navegando por Internet. "Le escribí porque me interesaba para un programa de radio que tenía en ese momento. Luego de eso, nos conocimos en persona y fue genial. Fue muy natural que se diera esta colaboración, era algo que se veía venir". 

  Así es como también "Adán le imprimió gran parte de su sonido. Todo se grabó en su estudio, el que está muy equipado de cosas vintage que le otorgan una calidez distinta al sonido. Se grabó con músicos mayoritariamente mexicanos, el arreglista, Emiliano, también es de allá, y de alguna manera prestaron sus colores musicales a la idea que teníamos de la canción", suma Mahan. 

  Luego de presentarse en Chile e invitar a "Dënver", Ruzzi –nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2025– se mimetiza perfectamente en esta historia de despedidas, desamores y las búsquedas incansables de dignidades que perseguimos en la vida, que viene acompañada de un video en el que el tiempo se detiene. Producido por Plátanos Films y con Juan Maturana en la dirección de fotografía, el clip recuerda a los cuentos de John Cheever en su linealidad, y a Larry Sultan en sus colores, luces y personajes. 

  "Me Voy" encuentra a "Dënver" en un gran momento: refleja sus deseos de querer pasarlo bien en el proceso de creación, explorando y colaborando; incluyendo a diferentes productores, compositores y arreglistas, haciendo de su universo algo cada vez más expansivo e infinito. 

  Con ese motor, Mariana y Milton no sólo preparan el estreno del nuevo disco, también una serie de conciertos en vivo, como la presentación en el Festival En Órbita el próximo 25 de septiembre, donde compartirán el escenario de Basel junto a Beach Fossils, Alejandro Paz y Diegors. Las entradas ya están a la venta mediante Puntoticket.

  "Tenemos un súper equipo y un show muy apretadito, así que con las canciones nuevas que se van a ir sumando, más las clásicas, se vienen conciertos muy prendidos. Nostálgicos y bailables. Además, no van a ser tantas las oportunidades de vernos en vivo en este formato antes del show de lanzamiento", cuenta el par más brillante del pop chileno que, lejos de irse, está más de regreso que nunca.

  Os dejo por aquí el videoclip de "A Pedacitos". ¡No os lo perdáis!

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"Marzo", el nuevo single de Olivia García

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Olivia García! Y bueno, ¡comencemos!

  La llegada del frío y la importancia de tener un refugio donde poder replegarse. Las tardes más cortas, el café caliente, las frazadas y la buena compañía se vuelven protagonistas de una época que Olivia García retrata con delicadeza y precisión en "Marzo", nuevo sencillo que encuentra belleza en los pequeños gestos capaces de hacer más llevaderos los inviernos y, también, los momentos difíciles.  

  "Es mucho mejor pasar el frío contigo. Traigo una buena cafetera y un cedé, con eso te abrigo", canta la artista en el primer adelanto de su segundo larga duración, un trabajo producido junto a Arturo Zegers que busca expandir la propuesta sonora y conceptual de "Te Daría Tanto" (2025), miniálbum nominado a Grabación del Año en los Premios Pulsar 2026.

  "Te Daría Tanto nació como un EP de seis canciones centradas en el aprendizaje de poner límites, la experiencia del duelo y de soltar relaciones no recíprocas; pero desde un inicio supimos que esa era solo la primera parte de un disco más largo. Ahora vamos a convertir ese trabajo en un LP, sumándole canciones que hablan de la otra cara de ese proceso: de las relaciones que permanecen y que son claves en un proceso de sanación personal. De ahí viene la estética cálida y romántica de 'Marzo'. Aunque habla del otoño y el invierno, también es una metáfora de cómo se hace mucho más fácil atravesar los momentos sombríos cuando tienes el cariño y compañía de esa persona que quieres al lado", explica Olivia.

  Guitarra de palo, dulces melodías pop y la inclusión de sintetizadores y una drum machine hacen de "Marzo" una muestra perfecta del universo de García; un espacio donde la intimidad del folk se encuentra con una sensibilidad pop de raíz noventera y dosmilera para hablar de afectos y procesos personales, sin miedo a la vulnerabilidad. "Me gustaría que la gente se quede con una sensación esperanzadora después de escuchar esta canción. Que sienta que, después de conectar con el dolor, sí existen salidas. También quisimos que esa sensación estuviera en el sonido: una mezcla entre lo orgánico y lo digital, con la drum machine marcando el latido de la canción, para crear un lugar cálido donde refugiarse", detalla sobre el single editado bajo el sello Ladera Volcán, que además cuenta con un videoclip dirigido por la misma artista.

  En medio de la grabación de las nuevas canciones, la compositora –que tuvo sus primeras apariciones públicas en el programa The Voice Chile (2023)– ha vivido algunos de los hitos más importantes de su carrera. En abril abrió los dos conciertos de Jorge Drexler en el Movistar Arena y, apenas unas semanas después, volvió al mismo escenario para abrir las dos presentaciones de los Jonas Brothers en Chile, consolidando un camino firme y un año de fuerte proyección. 

  "Abrir los conciertos de Jorge Drexler fue la oportunidad más linda que he tenido en mi carrera. Fue un sueño, no solo porque es uno de mis principales referentes, sino también porque significó mi primera vez en el Movistar Arena. No me imaginé que dos semanas después iba a volver al mismo escenario junto a los Jonas Brothers. Fue muy emocionante, las Jonáticas me apoyaron infinito. Fue hermoso sentir que logramos conectar con dos públicos tan distintos". 

  Así, con un nuevo disco en camino que llegará a las plataformas digitales en octubre y el respaldo de un año lleno de puntos altos al que se suma el reciente anuncio de apertura del concierto de Zayn, este 9 de octubre en Movistar Arena, Olivia García mira hacia adelante sin perder de vista lo que ha definido su música desde su primer álbum, "Un Nuevo Refugio" (2024): la capacidad de convertir las experiencias más personales en canciones capaces de acompañar a otros.

  El estreno de "Marzo" será celebrado el miércoles 5 de agosto con un show íntimo y gratuito en La Tienda Nacional (Merced #369, Santiago).

  Os dejo por aquí el videoclip de "Desastre". ¡No os lo perdáis!

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"PRADA", el nuevo single de Mario Bautista

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡Mario Bautista! Y bueno, ¡comencemos!

  Mario Bautista vuelve a sorprender con una colaboración que pocos veían venir. En "PRADA", el cantante une su estilo con el de Kevin AMF, una de las figuras de mayor crecimiento en la música mexicana, dando vida a una canción que conecta dos generaciones y dos propuestas musicales en un lanzamiento imperdible. 

  Con una producción fresca, una interpretación cargada de actitud y una melodía imposible de ignorar, "PRADA" explora la atracción, el deseo y la intensidad de una conexión que se vive sin reservas. El tema encuentra el equilibrio entre la esencia pop que ha caracterizado a Mario Bautista y la autenticidad que ha convertido a Kevin AMF en uno de los nombres más relevantes del movimiento urbano actual. Más que una colaboración, "PRADA" representa el encuentro de dos momentos clave de la música mexicana. 

  La canción nació con una idea muy clara: desde que Mario Bautista la escuchó, supo que la voz de Kevin AMF era la indicada para formar parte del proyecto. Aunque ambos artistas ya habían coincidido en distintos eventos y mantenían una buena relación, fue "PRADA" el tema que finalmente los llevó a reunirse en el estudio, dando como resultado una colaboración que fluye de manera natural y refleja la personalidad de ambos.

  Mario Bautista continúa demostrando su capacidad para evolucionar sin perder su esencia. A lo largo de su carrera ha sabido reinventarse constantemente, explorando nuevos sonidos y colaborando con algunos de los nombres más relevantes de la música latina, consolidándose como uno de los artistas pop mexicanos con mayor impacto internacional.

  Por su parte, Kevin AMF atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Su crecimiento en plataformas digitales, el respaldo del público y la rapidez con la que sus canciones se convierten en tendencia lo han posicionado como una de las figuras más representativas de la nueva generación de la música mexicana, ampliando constantemente el alcance de su propuesta.

  En conjunto, ambos artistas entregan una canción que no sólo destaca por su sonido, sino también por la química que proyectan desde el primer verso. "PRADA" es una muestra de cómo dos estilos distintos pueden complementarse para crear un tema fresco, contemporáneo y con el potencial de conquistar playlists, redes sociales y escenarios.

  Como parte de este lanzamiento, "PRADA" contará próximamente con un videoclip oficial, el cual actualmente se encuentra en proceso de producción. La pieza audiovisual será estrenada más adelante y complementará la propuesta del sencillo con una narrativa que amplificará la esencia de esta esperada colaboración entre Mario Bautista y Kevin AMF.

  Con "PRADA", Mario Bautista y Kevin AMF no sólo presentan una nueva canción; consolidan una alianza artística que una experiencia, evolución y el impulso de una nueva generación, reafirmando el gran momento que vive la música mexicana y su capacidad para conectarse con audiencias cada vez más amplias.

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"Uno", el nuevo disco de Pescao

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Pescao! Y bueno, ¡comencemos!

  Envueltas en nostalgia, humor y un sonido sesentero, las doce canciones que integran la carta de presentación del trío chileno viajan del folk al surf rock, de la experimentación a la intimidad, para recorrer el amor, la amistad y las ausencias desde una mirada cotidiana y poco solemne. Un cancionero atemporal que encuentra en las pequeñas escenas de la vida diaria la materia prima para dar con canciones inolvidables. 

  La historia de un niño santiaguino que sueña con surfear, el silencioso deterioro de una relación de años, encontrar una caja con fotos viejas y volver, por un momento, a eso que ya no somos. Entre esas pequeñas escenas se levanta el universo de Pescao, trío chileno nacido en 2024 que observa la realidad desde un lente amable y musicaliza lo agridulce de la vida en "Uno", un primer larga duración cálido, versátil y atemporal. 

  Tras presentar siete adelantos durante el último año –entre ellos, una divertida versión local del clásico "How Deep is Your Love", con Olivia García–, la banda integrada por Tomás Hurtado (voz), Clemente Boetsch (guitarras) y Andrés Elgueta (batería) reúne por fin esas piezas en un disco que encuentra su identidad en el delicado equilibrio entre la melancolía y el humor. "Tiene algo de esa sensación que da en los funerales cuando cuentan una anécdota chistosa y se escapa una risa entremedio de las lágrimas", explican.

  Esa natural mezcla de emociones se ve reflejada también en el cruce de géneros que propone Pescao. Inspirado en la estética del pop radial de los años 60 y 70, y combinándola con influencias de la trova latinoamericana, el surf rock y el folk contemporáneo, "Uno" –grabado de manera casera en piezas y escritorios– apuesta por un sonido cálido y artesanal, construido desde la guitarra, la voz y el trabajo colectivo de la banda. 

  "Buscamos un sonido acogedor y simple, utilizando recursos básicos, pero bien aprovechados. Lo retro en nuestra música aparece más desde cómo trabajamos que desde máquinas caras o estudios vintage a los que nos hubiese encantado ir. Grabamos en nuestros propios espacios, muy pegados a los instrumentos, conversando entre nosotros, con poco computador y poco click, siempre defendiendo las canciones desde lo que ellas mismas nos pedían. Al final, esa forma de trabajar terminó imprimiéndole al disco un carácter muy coherente con las historias que queríamos contar", detallan.

  La libertad creativa con la que se mueve el trío se traduce en un repertorio que nunca permanece en un solo lugar. Sobre un formato clásico de banda –guitarras, bajo y batería–, al que se suman hermosas apariciones de piano, sintetizadores y contrabajo, cada canción abre un espacio propio dentro de un universo común: desde la experimentación de "Dos Remolinos", con guitarras invertidas y baterías poco convencionales, hasta el humor tierno de "Polera" o la nostalgia luminosa de "No es nada", todas encuentran formas propias de compartir historias que parecen estar escritas en el ADN de lo que somos. 

  "Nos gustaría que la gente le agarre cariño a estas canciones y las sienta propias; que se sientan acompañados por ellas en su rutina y puedan darle un sentido personal a las letras y melodías", reflexionan sobre el destino de un disco marcado por los afectos y las relaciones, un punto que potencian con las colaboraciones de y Vicente, Pablo Lobos, Olivia García y el propio Andrés Elgueta en su faceta solista, y que no responden a una lógica clásica de invitados, sino al vínculo de amistad y comunidad que caracteriza y estimula al proyecto. 

  Una banda joven con alma vieja. En "Uno", Pescao celebra la emoción de esos pequeños gestos y momentos que, aunque parecen simples, terminan quedándose con nosotros para siempre. Desde sus composiciones de autoría hasta una versión de "De nosotros dos", del legendario cantautor uruguayo Eduardo Mateo, el trío recoge la tradición de canciones capaces de encontrar belleza en lo cotidiano y construye, en 40 minutos, un mundo donde nada es tan grave; incluso después de un mal día, siempre puede aparecer un groove suave dispuesto a devolvernos el optimismo

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"SOYI", el nuevo disco de "Soy Irracional"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Soy Irracional"! Y bueno, ¡comencemos!

  En un mundo como este, continuar haciendo lo que amamos es un acto de valentía. Cuando los integrantes de "Soy Irracional" –Felipe, Cuco, Jimmy y Clemente– comenzaron a vivir en ciudades distintas, formar familias y enfrentar los desafíos propios de la adultez, la continuidad de la banda tal como la habían experimentado desde los 15 años dejó de ser una certeza. Lejos de dar un paso al costado, el cuarteto decidió convertir esa experiencia en el motor creativo de un disco que encuentra su corazón en la persistencia, la honestidad y la transformación.  

  "SOYI" llega como el tercer álbum de estudio de "Soy Irracional", y también "como el más homónimo", aseguran, poniendo sobre la mesa el cambio de enfoque que hay entre este trabajo y sus antecesores, "Climas" (2017) y "Modérnica" (2021). "A diferencia de los discos anteriores, que buscaban algo más conceptual, este es muy testimonial. Hay poca fantasía en estas canciones. Aquí abrazamos sin complejos lo que somos, y eso se refleja también en una búsqueda mucho más explícita y genuina por el pop", detallan sobre la placa compuesta, grabada y producida entre Santiago, Buenos Aires y los míticos estudios Abbey Road y Studio13, en Londres.

  El camino recorrido durante dos décadas de amistad y música compartida se siente en las siete canciones que integran el LP. La sensibilidad y el carácter introspectivo del rock alternativo se respira en las letras, la producción analógica y el giro hacia las guitarras, esta vez junto a melodías luminosas y arreglos de vocación pop que profundizan en la nueva dirección sonora del proyecto; una idea que también atraviesa la portada del álbum, donde un automóvil en medio del campo representa la decisión de insistir en el viaje aun cuando el paisaje y la ruta han cambiado tanto. 

  "Hicimos este disco a pesar de la distancia y de todos los cambios que estamos viviendo, cada uno y como banda. Lo más fácil habría sido decir 'hasta acá llegamos, fue lindo', pero creemos que es mucho más valiente seguir. Nos gusta demasiado hacer música, y con "SOYI" entendimos que podemos integrarla a nuestra vida adulta, y que la crónica de estas transiciones y movimientos también es valiosa. Surfear la adultez tiene una poética tan válida como la épica del proyecto que quiere pegar", explican.

  La voz testimonial de "SOYI" es sensible, honesta y rebelde. Elegir la vida que queremos, mezclar caminos que parecían imposibles y hacer las cosas a nuestro propio ritmo es el aire fresco que la banda nos regala en una obra que, yendo a contracorriente de las tendencias actuales, renuncia a las fantasías de la fama para abrazar la vulnerabilidad y las pequeñas victorias de la vida cotidiana.

  En esa búsqueda por encontrar una poesía directa para nombrar aquello que ocurre por dentro fue clave el trabajo junto a Franco Saglietti, líder del proyecto argentino Francisca y Los Exploradores, a quien conocieron durante las sesiones de grabación en Buenos Aires junto al productor Nicolás Btesh. 

  "En Argentina hay una tradición de canciones mucho más directas y veníamos sintiendo que este disco necesitaba ese espíritu, mucho más despojado a la hora de decir las cosas, sin tantos tapujos. Franco y Nico nos ayudaron mucho con esa parte", cuentan sobre el vínculo creativo que terminó materializándose en "La Gracia", el focus track y la única colaboración de "SOYI". 

  Con un equipo de primera categoría comandado por Cuco Errázuriz en la producción, junto a Nicolás Btesh, la mezcla de Ezequiel Kronenberg y la masterización de Francisco Holzmann, la tercera entrega de "Soy Irracional" se alza como un manifiesto sonoro maduro y sincero; un retrato de un momento bisagra que confirma que la ruta para hacer lo que amamos puede cambiar, pero no las ganas de seguir recorriéndola con nuestros amigos.

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"Calendarios", el nuevo single de Cualmarcelo

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cualmarcelo! Y bueno, ¡comencemos!  

  La pena, el derrumbe, la confusión, la esperanza, el amor. Como un año calendario, todo tiene su ciclo. Desde sus nuevos álbumes, Cualmarcelo e Inundaremos recorren ese mapa emocional con canciones atravesadas por la crudeza, la memoria y la experimentación, y nos entregaron –quizá sin saberlo– la banda sonora de una primera mitad del año marcada por emociones intensas, desilusiones, el frío y la permanente búsqueda de algo que nos haga bien, que nos haga sentir menos solos.  

  Estrenados en abril, con apenas unas semanas de diferencia, "Calendarios" y "tanquemante" se instalaron rápidamente entre los lanzamientos más comentados y celebrados de la escena alternativa chilena de este 2026. Ahora, ambos discos compartirán escenario por primera vez el próximo jueves 30 de julio a las 19:30 horas en la Sala Bunster de Matucana 100.

  "Fue una idea bien espontánea. Nos habíamos encontrado en algunas tocatas y nos dimos cuenta de que compartíamos muchas redes y sensibilidades. Cuando escuché 'tanquemante', sentí que dialogaba muy bien con lo que propone mi álbum debut, así que me pareció la banda ideal para acompañar este lanzamiento", cuenta Marcelo Aguayo, quien ya presentó "Calendarios" en su natal Temuco, con un show memorable abierto por Jorge Scheuermann y Recursos Humanos, en el Centro Cultural Galo Sepúlveda.

  Concebido como una experiencia que trasciende el concierto, el lanzamiento en Santiago incluirá una exposición de las pinturas que dieron vida al arte de "Calendarios", un fanzine creado especialmente para la ocasión y una puesta en escena que buscará evocar lo monumental de la memoria humana, sin perder de vista la fragilidad y lo efímero de nuestras vidas, un punto fuerte en la poesía del ex-vocalista de Cuáles i Quiénes. Sobre el escenario, Cualmarcelo estará acompañado por Antonio Caballero (Centella), Alfilera, Esteban Acuña y Neil Valderrama, entre otros músicos invitados.

  "Ha sido muy liberador poder mostrar estos discos y nos emociona mucho poder seguir haciéndolo. Ambos tienen en común que fueron trabajados entre amigos y con un único fin: expresar y hacer sentir todo lo posible. Creemos que es un gran momento para nuestra música y nos sentimos parte de esa búsqueda constante –y a veces contradictoria– que significa hacer arte en Chile", reflexiona Marcelo, seguro de que algunas canciones no solo retratan una época, también la acompañan y nos ayudan a atravesarla con más cobijo.

  El encuentro entre Cualmarcelo e Inundaremos es también una invitación a celebrar el fértil momento creativo que vive la música chilena, con nuevos proyectos que están encontrando formas cada vez más honestas y arriesgadas de dialogar con su propio tiempo.

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"Derramar el Tiempo", el nuevo disco de El Mulu

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  Como una invitación a habitar el presente, el artista chileno radicado en México entrega un primer LP atravesado por brillantes colaboraciones de la escena folk del continente y un ánimo emotivo que transforma la pérdida en un espacio de encuentro. El álbum llegará a los escenarios con una gira que contempla conciertos en México y una visita a nuestro país en diciembre. 

  Tal vez es momento de desaprender la idea de que el tiempo todo lo cura. "Es una falsa promesa", dice El Mulu, músico chileno que en 2020 viajó a México y, por cosas de la vida y la pandemia, terminó haciendo de ese país su hogar, desde donde hoy presenta su álbum debut "Derramar el Tiempo".

  "Creo que muchas veces nos refugiamos en esa frase para dilatar nuestro compromiso con el presente, delegando al futuro el cuidado de las cosas importantes. Cuando el tiempo se desborda y se derrama, lo único que realmente nos queda es el ahora: qué sentimos, cómo nos hacemos cargo y cómo acompañamos a quienes tenemos al lado", profundiza sobre la principal inspiración para el trabajo de 13 canciones que expande el lenguaje del folk hacia territorios más contemporáneos y envolventes.

  Con la guitarra acústica como eje para vestir versos sobre pérdidas, búsquedas y lo hermoso y necesario de hacer comunidad –sobre todo cuando se vive como migrante–, sumado a arreglos atmosféricos y momentos de épica latinoamericana, "Derramar el Tiempo" comparte un cancionero cálido y emotivo que acompaña con dulzura los tránsitos personales; una bitácora sentimental para encontrar belleza y contención en momentos de desborde, de dolor, de duda.

  "Yo veo estas canciones como pequeños duelos secretos. Cosas que me atraviesan profundamente pero que muchas veces no logro decir de otra manera. Creo que el disco terminó funcionando como un registro emocional de estos últimos cuatro años, marcados por los cambios abruptos, los duelos, las despedidas y el hambre de transformar el presente", explica Ignacio Sánchez, nombre real de El Mulu, sobre el álbum que contó con la co-producción de Coco Godas, Claudio Rojas y Sebastián Casanova.

  Acompañarse en un presente como el nuestro es crucial, y el músico que abrió los shows de la gira "Pánico" de Manuel García el año pasado lo sabe bien. Pehuenche (México), F Mack (Haití), El mismo de antes (México), Julya y Mono (Argentina), Sofía Campos (Argentina) y Benjamín Walker (Chile) son las voces que lo acompañan en un recorrido que comenzó como una aventura viajera y que se transformó en una vida que hoy comparte desde la vulnerabilidad y el deseo de ser canción, con ese poder mágico de estar ahí para otros.

  "A casi todos los conocí viviendo en Ciudad de México, compartiendo conciertos, fiestas entre cantores y amistades que fueron naciendo a través de la música. En ese sentido, siento que es un disco de mucha migración vocal y de encuentros humanos", cuenta sobre el trabajo cuyo espíritu comunitario también se ve reflejado en el videoclip de "Si llega el desastre", pieza que se estrenará el viernes 5 de junio a través de su canal de YouTube, y que fue dirigida por Cristóbal De La Cuadra.

  Tras adelantar siete sencillos durante 2025, El Mulu finalmente da el paso que faltaba y estrena una placa fundamental para este año en el que todo parece demoronarse. Con ternura, una melancolía luminosa y vastos paisajes de raíz latinoamericana engrandecidos gracias al pop y sus posibilidades, regala un refugio para quienes comienzan a sospechar que el tiempo no siempre sana las heridas, pero sí nos va mostrando la manera –y las personas– capaces de hacer ese camino más amable. 

  El viaje seguirá su rumbo natural con el "Derramar el Tiempo Tour", gira que tendrá una parada el 7 de noviembre en CDMX, con dos funciones en el Foro del Tejedor, y que llegará a Chile el 16 de diciembre con un concierto en el Teatro Camilo Henríquez, en Santiago. Para más información sobre los shows, te invitamos a seguir las redes sociales de El Mulu. 

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"35 segundos para las nueve", el nuevo single de "CØNCØN"

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  Un día despiertas y tu reloj nuevo está detenido a las 08:59 con 25 segundos. "35 segundos para las nueve" es el instante que Víctor Schlesinger materializó para siempre en el nuevo álbum de "CØNCØN", proyecto compuesto por el productor y la artista visual BernyRo. 

  Luego del EP "Sonido y Luz", el larga duración tiende nuevos puentes entre la electrónica experimental y el formato canción a lo largo de 8 tracks divididos en dos momentos claros. La primera mitad despliega una energía alta, frontal y cercana al rock por su intensidad, con guiños al hardcore, a la electrónica británica, el IDM, industrial y drum & bass. 

  La segunda parte se mueve hacia un lugar más introspectivo, emocional y vulnerable. "Ese lado abre con "Solar", una balada indie pop electrónica, psicodélica y algo onírica, inspirada en una historia real sobre un ermitaño que vivió por varios años en la montaña donde se compuso parte del disco", adelanta Schlesinger sobre el sencillo central del estreno. 

  Hacia el final de "35 segundos para las nueve", el disco se vuelve todavía más contemplativo y expansivo, gracias a momentos instrumentales de atmósferas e intenciones ambient. Un trance a veces febril, a ratos de conciencia plena. "Es un viaje que parte con más pulso, más cuerpo y choque, y termina abriéndose hacia lugares más emocionales y existenciales", profundiza la dupla sobre el álbum que no fue concebido como tal sino hasta la noche anterior en que el reloj de Víctor salió del tiempo.

  "Las canciones fueron apareciendo en distintos momentos entre 2021 y 2025, como islas separadas. "Solar", por ejemplo, fue la primera que empezó a tomar forma cuando me fui de Santiago a vivir a Vilches Alto, en medio del bosque, junto a Berny", cuenta.

  Con una guitarra de su madre y un pandero de su abuelo, ese track fue el primero de varios que surgieron como respuestas a otros mundos o proyectos. Luego de un proceso creativo intenso en 2025, entendieron que sí había diálogo y conexión entre estas islas. El reloj a las 08:59 con 25 segundos lo reafirmó como una señal, abriendo un nuevo capítulo para los artistas que continúan respondiendo a la fusión de lo terrenal con lo espacial, como metáfora del motor que significa unir mundos que muchas veces parecen separados. 

  "35 segundos para las nueve", que llega como un hermano del LP del 2024, "Música Rural", se comprende en la precisión de producción, los sets electrónicos y los constantes debates sobre tecnología, territorio, identidad, aislamiento y pertenencia. 

  Tras adelantar "Sonido y Luz", junto a Foex y Paulopulus –que acreditan la única colaboración del disco–, y "Llegar al Centro", ahora el viaje se completa con dimensiones emocionales intensas y vaporosas, sin perder la identidad de "CØNCØN", que en esta entrega se inspiran en músicos como Floating Points, Four Tet, Aphex Twin, Ryuichi Sakamoto, Leonard Cohen y Electrodomésticos.

  El próximo 25 de julio, Bar de René recibirá el cierre de una gira de lanzamiento que contempla fechas en Matanzas, Concepción, Pucón, Buenos Aires y más por confirmar. Una serie de conciertos que nos entregarán la posibilidad de entrar en el universo de "CØNCØN", con sorpresas visuales y escenográficas, en una experiencia que contará con nuevos elementos musicales e invitados. 

  "35 segundos para las nueve" llega a Santiago en una noche compartida junto a AMI y TKR, donde la música y las artes escénicas celebrarán los puentes construidos en comunidad, las coincidencias, y esos instantes eternos que ofrece la pista cuando salimos del tiempo. 

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"Déjenme Dormir" anuncia su gira por México

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Déjenme Dormir"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay bandas que implosionan con la potencia suficiente para dejar pistas en la superficie y convertirse en partes fundacionales. La agrupación chilena, formada en 2019 y responsable de "Bronce", un celebrado segundo disco lanzado en 2024, es una pieza clave para entender las sonoridades y propuestas que levanta el circuito alternativo local actual. 

  En la etapa previa a grabar un tercer LP, "Déjenme Dormir" debuta en México con una gira financiada por el Fondo de la Música, Línea de Apoyo a la Circulación de la Música Chilena 2026, recorriendo 5 ciudades en una serie de conciertos para los que se preparan ensayando dos veces a la semana y buscando el setlist perfecto.

  El grupo de indie rock tendrá sus primeras presentaciones fuera de Chile en uno de los países que mejor ha sabido conectar escenas en el último tiempo. "Lo que más nos entusiasma es encontrarnos con el público mexicano por primera vez. Tienen buena fama de ser extremadamente cariñosos, en especial con los grupos chilenos. De cierta forma, significa ponernos a prueba como banda, ver si lo que hacemos se traduce fuera de nuestra propia escena e idiosincracia. Conocer México ha sido una inquietud hace varios años, y tener la posibilidad de viajar en este momento nos hace todo el sentido del mundo", cuentan. 

  La melancolía del sur se encontrará con el ruido del norte en una serie de conciertos en los que "Déjenme Dormir" desplegará éxitos como "ROMA", "MONÓTONO LUGAR" o '"FLECHA", sin olvidar su primer disco "Neumonía" o el EP "Mirador"; pero también tomarán la posibilidad de presentar las nuevas canciones que preparan. 

  "Este año ya empezamos a adelantar en vivo un poco de lo que será el próximo álbum, que grabaremos inmediatamente a la vuelta de esta gira. De seguro no nos aguantaremos de spoilear novedades durante el paso por México", profundiza Juan Diego Soto –compositor y vocalista–. 

  El tour entra en coherencia con las intenciones musicales que están explorando; música nacida de una escucha más activa de folclore, sumado a las ganas de "tratar de hacernos cargo de la herencia cultural de nuestro territorio, sin abandonar nuestro lado rockero. Hay un giro narrativo también, pues buscamos conectar con una experiencia más urgente y colectiva, menos ensimismada en la tragedia personal, por lo que viajar y compartir esta música fuera de Chile entusiasma muchísimo", agregan.

  Puebla, Cuautitlán Izcalli, Querétaro y Monterrey recibirán a "Déjenme Dormir" en shows junto a Cometa a la Deriva y HoneyPot!, mientras que su participación en CDMX estará enmarcada en un showcase en el Festival Flotante, instancia por la que ya han pasado otros proyectos chilenos como Niños del Cerro, Chini.png y Poder Fantasma.

  "Estamos muy felices de poder conocer México acompañados. Los chicos de HoneyPot! ya han girado por todas las ciudades que recorreremos, así que se siente como tener a un hermano grande esperándonos en el aeropuerto", cuentan sobre el inminente intercambio con el país del norte y su circuito alternativo.

  "Tenemos muchas ganas de ir a descubrir la escena mexicana, conocer a gente con la misma relación con la música que tenemos nosotros. Siempre desde el DIY y el trabajo a pulso. A primera vista pareciera una industria mucho más desarrollada, en un país gigante, pero creo que a pesar de las condiciones materiales, las bandas chilenas no tenemos nada que envidiar. Me gustaría ver las escenas latinoamericanas más unidas. Es medio difícil ver lo que está pasando en el país del lado entre la bruma digital de las redes, pero mientras más nos veamos las caras, mejor para la música", concluye Juan a días de continuar con esta tradición de comunidad cultural que ha sido la visita de chilenos a México y viceversa. 

  Os dejo por aquí el audio de "Bronce". ¡No os lo perdáis!

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"Dame un cuchillo" lanza su primerp LP homónimo

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dame un cuchillo"! Y bueno, ¡comencemos!

  El pop como espacio de exploración personal y musical. La canción melódica como bandera para reconocer, habitar y compartir la intensidad de las emociones que sentimos mientras caminamos por una ciudad dueña de una prisa vacía. En ese universo se mueve "Dame un cuchillo", banda formada en 2022 que hoy presenta su primer LP homónimo: ocho canciones atravesadas por la sensibilidad urbana, el pop-rock latino y una colección de escenas cotidianas marcadas por la búsqueda, la confusión, el movimiento y los anhelos. 

  Grabado en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, el álbum –financiado por el Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile– es un registro de la combinación de experiencias que unen no solo a Katerine Muñoz, Patricio Araya, Gonzalo Araya, José Peralta y Joaquín Peralta, sino a toda una generación de jóvenes que buscan entender quiénes son en medio de esta multitud.  

  "En el disco aparece el paso del tiempo, el avance de la vida y lo que va sucediendo en ese recorrido. En ese sentido, las canciones terminan funcionando casi como un diario de vida", explican desde la agrupación, y destacan que "las composiciones beben de fuentes literarias: la letra de "Círculo" es una adaptación libre del poema de Pablo de Rokha del mismo nombre; "No me interesa" nació de un fragmento del libro Animal doméstico de Andrea Alzati, y el coro de "Futari" se construye a partir de versos de Michel Houellebecq". 

  Entre libros, melodías heredadas de esos almuerzos de infancia con la radio encendida y reflexiones sobre la vida misma, el debut de "Dame un cuchillo" abarca una variedad de sonidos que se corresponden con la multiplicidad de inspiraciones y referencias que los han marcado individual y colectivamente. "Abordamos el pop desde un lugar marcado por la escena chilena de inicios de los 2010. Javiera Mena, Dënver, Teleradio Donoso, Primavera de Praga y las bandas que, en ese mismo tiempo, se articularon bajo el alero de Sello Cazador. Ese pop/rock alternativo aparece de forma natural en nuestro sonido y se manifiesta –en mayor o menor medida– en las canciones del disco", señalan.

  Pop sin límites, con un sonido clásico de banda pero lleno de elementos que lo llevan hacia el siguiente nivel. Arreglos de cuerdas grabados por Danka Villanueva y vientos por Felipe Cadenasso, aparición de un mellotron por Diego Gilabert, bajos grooveros, suaves guitarras y melodías cálidas que remiten a las mejores baladas, son los recursos con los que la banda santiaguina construye un universo elegante y nostálgico que deja entrever el coraje de crecer.

  "Me gustaría que alguna de las canciones del álbum sirva como una especie de curita para lo que sea que estén enfrentando. Es muy fácil sentirse solo o pensar que nadie entiende lo que uno vive internamente, pero no es así: siempre hay alguien que puede empatizar con lo que sientes. Con que esa conexión la experimente aunque sea una persona escuchando el disco, me doy por pagada", confiesa Katty –alias Filomena Cuchillo–.

  Tender una mano o regalar un disco puede ser, muchas veces, lo mismo. En su primer set de canciones, "Dame un cuchillo", con su poesía introspectiva, navega entre el desencanto frente a una vida prometida y la búsqueda persistente de sentido en medio de la repetición, pero también abre un espacio de contención y empatía; un lugar para compartir la fragilidad y la incertidumbre, para estar juntos en el espiral que significa encontrarse. 

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"Yo te espero", el nuevo single de "El Rey Sol"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"El Rey Sol"! Y bueno, ¡comencemos!

  El amor en tiempos de incertidumbre encuentra en "Yo te espero" un refugio. Lejos de las resoluciones rápidas del pop convencional, lo nuevo de "El Rey Sol" se sumerge en la espera y la convierte en un territorio activo; un ejercicio de contemplación que utiliza texturas acuosas y un desarrollo progresivo para retratar la densidad emocional de quien decide, pacientemente y con profundo amor, aguardar. 

 

  Grabada entre Londres y Santiago, el quinto sencillo de la nueva era del dúo que debutó en 2018 con el álbum "Símbolos Secretos" "se mueve entre lo íntimo y lo sintético, combinando una base de guitarras con capas de sintetizadores que amplían su profundidad. En esa tensión entre lo orgánico y lo artificial, la canción construye una atmósfera nostálgica e inmersiva", detallan sobre el track de seis minutos y medio de duración, convirtiéndose en la pieza más extensa del proyecto hasta la fecha.

  Desde una línea de bajo en semicorcheas que empuja el ritmo, pasando por la particular utilización de un efecto delay de grano, hasta una interpretación vocal que explora el rap y la poesía para alejarse de la lírica amorosa tradicional, "Yo te espero" construye un momento de introspección épica que marca uno de los puntos más ambiciosos del que será su segundo LP. 

  "El resultado es una pieza que crece en intensidad sin perder su carácter íntimo. En su dimensión lírica, la canción aborda una forma de vínculo marcada por la espera y la ambigüedad. La voz se sitúa desde una conciencia clara de su lugar dentro de la relación: un espacio intermedio, afectivamente cargado, pero no resuelto. Nos parece una canción perfecta para escuchar en el otoño que se abre en el hemisferio sur". 

  La naturaleza de "El Rey Sol" es, por definición, itinerante. Desde sus inicios, el proyecto sostiene un proceso creativo transatlántico: mientras Marco Arias reside en Londres, Héctor Matías Donoso navega los mares como director musical a bordo de un crucero. Esta distancia, lejos de ser un obstáculo, se ha convertido en un motor de libertad creativa. "Estar al margen de la industria nos da una libertad infinita, como publicar un single de más de seis minutos. Representa nuestro entendimiento de la música como un campo de experimentación artística dentro de un contexto popular", reflexiona Marco sobre esta pieza cuya melodía compuso originalmente en 2011 y que hoy ve la luz tras meses de revisiones junto al productor chileno Centella.

  "Yo te espero" llega luego de canciones como "Gato Viejo Entrando", "Canción Nocturna", "La Granada" e "Historia Original", las que de a poco han ido revelando la estética de pop nocturno y rock alternativo que cruzará su nuevo larga duración, un trabajo que, si bien aún no tiene fecha de estreno, ya se asoma como una colección de canciones magnéticas y profundas, cargadas de esa tensión constante entre lo íntimo y lo épico, lo humano y lo sintético, que define la identidad única de "El Rey Sol". 

  Os dejo por aquí el audio de "Gato Viejo Entrando". ¡No os lo perdáis!

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"Dame un cuchillo" debuta con un doble single

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dame un cuchillo"! Y bueno, ¡comencemos!

  Entrar en los treinta puede ser una experiencia contradictoria. El vértigo de lo que cambia y la necesidad de afirmarse en medio de una ciudad que no se detiene conviven, y pueden generar confusión, miedo y ansiedad; pero también música. "Dame un cuchillo", banda formada en 2022, recoge las tensiones de habitar Santiago hoy para entregar canciones cargadas de intensidad emocional y belleza pop; un nuevo universo post-adolescente para perderse y encontrarse. 

  La carta de presentación del quinteto formado por Katerine Muñoz y los dúos de hermanos Patricio y Gonzalo Araya, y José y Joaquín Peralta, tiene dos caras: "No me interesa" y "En el reverso de mi corazón". En ambas, la necesidad de expresar lo que aprieta el pecho toma formas distintas, cada una con un lenguaje y una búsqueda particular, siempre dentro de las múltiples posibilidades que ofrece el pop alternativo. 

  "Estos singles representan momentos diferentes del grupo. "No me interesa" da cuenta de una primera etapa de la banda, donde la producción estaba centrada netamente en lo que podía hacer cada uno de nosotros con su instrumento. En ese sentido, es la canción con un formato más clásico de banda dentro del disco y, al mismo tiempo, la más íntima. "En el reverso de mi corazón" es más cercana a lo que será el resto del álbum, en donde nos dimos el permiso de jugar con una producción un poco más ambiciosa y entretenida", cuentan sobre los tracks grabados en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, gracias al Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile.

  Con alma de balada pop-rock e inspirada en un fragmento del libro "Animal Doméstico" de Andrea Alzati, "No me interesa" es "una especie de monólogo de una persona a punto de perderse, con esta sensación de que hay algo imparable que te consume. Es como un bosque que se está quemando, frente al que no se puede hacer nada más que aceptar y, de alguna forma, continuar; no como resignación, sino como una forma de permanencia. "El fuego se hace mi hogar", dice la canción, y eso es, al final, una forma de habitar el mundo en un contexto tan hostil como el presente”.

  Arreglos de cuerdas y vientos, elementos electrónicos y un groove suave con influencias de Gepe, Bandalos Chinos y Alex Anwandter hacen de "En el reverso de mi corazón" el punto de mayor despliegue sonoro de esta entrega, y donde más se manifiesta la sensibilidad pop de "Dame un cuchillo". "Es como tener una piedra en la garganta, algo que se siente, pero que no se puede ver y tampoco sacar", señalan sobre la canción que se construye desde el verso "En el reverso de mi corazón hay una mentira que me lleva a repetir lo mismo siempre", una idea incómoda y reconocible, quizá para todas las generaciones.

  Con este lanzamiento doble, "Dame un cuchillo" no solo presenta las primeras piezas de un álbum debut que se anticipa como un espacio de exploración abierta y desprejuiciada a nivel de géneros y producción; también comparte un mapa emocional de la vida joven en la ciudad, con sus dolores y anhelos, sus miedos y búsquedas. Un nuevo pop chileno para reconocer y reconocerse, en cualquier etapa de la vida.

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"Calendarios", el nuevo disco de Cualmarcelo

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cualmarcelo! Y bueno, ¡comencemos!  

  Como adentrarse en el sur de Chile: en su frío, su melancolía, su bondad, su ternura, su violencia. En ese paisaje profundo, mixto y lleno de memoria se desenvuelve "Calendarios", el primer álbum de Cualmarcelo, proyecto solista del músico temuquense Marcelo Aguayo. 

  "Quiéreme como estoy: roto, con el pañuelo lleno de sangre". Con la crudeza de quien relata su historia sin intentar esconder lo desgarrador, Cualmarcelo da forma a un relato íntimo y visceral, en el que la fragilidad se vuelve punto de partida para un proceso de reconstrucción que pasa por el dolor, el duelo y una búsqueda persistente de redención, de liberación.

  A través de declamaciones poéticas y versos en clave folk que evocan momentos cruciales de su biografía, "Calendarios" abre el mundo interior del compositor para invitarnos a ser parte de su experiencia emocional; un recorrido conmovedor que, en lo sonoro, transita entre un folk con tintes atmosféricos y referencias a la nueva canción, y momentos de mayor intensidad, donde irrumpen el ruido, la electrónica y pasajes más abrasivos, en un tránsito que va de lo frío y críptico a lo cálido y envolvente.

  "El relato de "Calendarios" está centrado en la pérdida y la recuperación de la fe, después de asumir la propia historia y el trauma. Me gustaría que este disco entregue fuerza y también calma a quien lo escuche; que pueda conjugar un recorrido por emociones como la desesperación, la soledad o la rabia, pero que, en definitiva, entregue herramientas para quedar en paz con ellas. Que se cierre en sí mismo como un año calendario", explica el autor del álbum que cuenta con ocho tracks producidos junto a Antonio Caballero en Estudio Centella y masterizados por Emanuel Irarrázabal.

  Un suspiro antes de "Canción de Despedida", la elección de versionar con delicadeza "La Naturaleza", de Asia Menor, y resaltar esa mezcla de rabia y amor contenida en su poesía; el anhelo enamorado de "Sofía" y la melancolía de "Mishima". Con todos sus detalles y búsquedas, las piezas de "Calendarios" son muestras del desborde, de esa herida que ya no vale la pena guardarse porque necesita ser expuesta para transformarse, para sanar. 

  "Grabar este disco me ha permitido expresarme tal como soy. Creo que, después de haber pasado por Cuáles i Quiénes, siempre había querido enfrentar el desafío de hacer un disco en solitario, y siento que estoy cumpliendo una meta muy personal", detalla Marcelo, y añade: "Incluir un cover de Asia Menor lo entiendo como un gesto de homenaje a su obra. Soy muy fan, y tuve la suerte de conocerlos desde sus primeras tocatas. Nos hemos hecho muy amigos durante los últimos años, y su compañía y verlos crecer me ha permitido sentirme más cerca del lugar donde crecí". 

  El debut discográfico de Cualmarcelo llega dos años después de la disolución de Cuáles i Quiénes, banda formada en 2016 con la que lanzó un EP homónimo en 2017 y el álbum "Mañana siempre es tarde", en 2021. Hoy, con todos los aprendizajes que deja un camino como ese, el artista prepara el concierto de lanzamiento de "Calendarios", evento que se realizará el viernes 19 de junio a las 18:00 horas en el Espacio Cultural Galo Sepúlveda, Temuco, y que contará con la apertura de Jorge Scheuermann y Recursos Humanos.

  "Decidí cerrar primero una fecha en Temuco porque me siento de allá, a pesar de vivir ya casi 15 años en Santiago. Ahí vive mi familia y muchos amigos que he hecho en este recorrido artístico y que dan la pelea desde allá. Eso hizo que pusiera mis esfuerzos primero en hacer este lanzamiento en el sur", concluye, invitando a un encuentro en el que el frío del sur encontrará su contrapunto en la calidez de la música en vivo.

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"Soy Tu Enemigo", el nuevo single de Santiago Nicolás

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Santiago Nicolás! Y bueno, ¡comencemos!

  De noche todo es más urgente: la emoción, el encuentro y el deseo. La tradición del pop electrónico chileno tiene un nuevo exponente: el productor y compositor Santiago González Lihn inaugura su faceta más apegada a la pista colectiva, con coros pegajosos y texturas de alta factura en "Soy Tu Enemigo". 

  Tras formar parte de las filas de The Deadly Affair, Access Device, Ángel de la Guarda y Föllakzoid, además de pasar por escenarios como Primavera Sound, Festival Abstracta, Foro Indierocks! y giras por Europa y México, el artista articula melodías que saben de club, ritmos directos y armonías precisas. 

  Ahora, el fundador del sello Anything That Makes Light (ATML) da un giro sintetizando una década de colaboraciones y aprendizajes en diversas escenas. Sin dramatizar la experiencia de la noche, Santiago Nicolás potencia lo que sentimos cuando cae el sol. 

  "La canción se mueve en un imaginario nocturno, pensado desde y para el espacio del club. Sonoramente, se construye cruzando elementos del synth pop y el techno, con una producción contenida y clara. Hay una referencia a las sensibilidades de la electrónica de comienzos de los 90, pero reinterpretadas desde un enfoque actual en el tratamiento del sonido", cuenta sobre la hipnótica entrega donde acredita producción, mezcla y master. 

  "Soy Tu Enemigo" llega como un track bailable de perfecto equilibrio entre movimiento, melodía y espacio. "Lo que en apariencia es un vínculo afectivo inestable, se revela como una metáfora de adicción. El otro funciona como proyección o desdoblamiento del propio sujeto, donde deseo y autoconciencia entran en conflicto", agrega sobre una tensión lírica que invita a desenvolvernos entre repeticiones sonoras brillantes mientras hace guiño a la dependencia, recaídas e impulsos. 

  Inspirado en encuentros capitalinos urgentes, que disfrazan necesidad de compañía con sociabilidad, Santiago Nicolás cruza el deseo emocional y químico en la suspensión momentánea que nos otorga la noche. "Empecé desde un lugar más experimental, siempre produciendo mi propia música y buscando distintas formas de composición y de voz. Con el tiempo, esa exploración se ha ido afinando. Siempre he tendido a moverme hacia lo que me desafía. Más que revelar una faceta oculta, esta etapa muestra cómo me siento hoy: un presente de conexión clara con el pop, desde el lenguaje musical hasta su alcance", confiesa.

  Con el instinto de gestor y productor, el músico chileno da con una pieza nacida de la disciplina y la intuición, que "más allá de la emocionalidad puntual, tiene una intención de sostener cierta crudeza dentro de un formato que muchas veces tiende a la fantasía. Uno puede moverse entre lo luminoso y lo oscuro, pero tiene que venir desde un lugar honesto". 

  "Soy Tu Enemigo" se vive desde el cuerpo y dialoga con lo externo sin perder profundidad. Experiencias que se comparten, mas no se imponen, que ahora habitan en un primer track como solista pop que está pensado para escuchar en la profundidad de la noche, en el filo del deseo y el control. 

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"Bon Vivant", el nuevo single de Samuel Vio

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Samuel Vio! Y bueno, ¡comencemos!

  ¿Quién dijo que no hay exponentes contemporáneos de crooner en sudamérica? La fusión de pop y canto susurrante a lo Serge Gainsbourg y Federico Moura vive, y de forma vanguardista y fresca gracias a Samuel Vio. 

  El cantante, productor y compositor chileno presenta su segundo largaduración, disco donde combina las melodías más íntimas con una cuidada estructura de arreglos electrónicos. Una fórmula que en 8 tracks apela a la nostalgia y el romanticismo, todo con una sobresaliente factura sonora. 

  Elegancia musical y conceptual en voz del fundador del sello Pulso Íntimo, que ya exploró el género en una cara íntima y vocal con "Miel" –álbum del 2025–; ahora se desenvuelve entre romance, goce y bohemia en "Bon Vivant"; pop cinematográfico y narrativo, que contó con un primer sencillo como inicio de esta era titulado "Slowly". 

  " "Bon Vivant" es un objeto sensible. Suena a terciopelo eléctrico: sintetizadores que respiran lento, bajos que caminan con elegancia y una voz que no busca imponerse, sino insinuar. En lo estético, es una obsesión por la forma: cada imagen, cada encuadre y textura está pensada como parte del relato, que es el de un hombre que observa el amor, el deseo y la distancia con cierta ironía melancólica. No busco la épica, sino encontrar y proponer un estilo", cuenta el músico chileno que tomó inspiración del habitar la belleza, incluso en lo efímero, como un verdadero dandi chileno. 

  No correr, detenerse a mirar, pero por sobre todo a contemplar lo refinado de las personas y su entorno, tal como la llegada de la noche sobre una ciudad que se siente ajena. "Bon Vivant" vive en la tensión del placer y la pérdida, creando la sensación de disponer de una habitación para entrar en trance; delirios hedonistas o un nihilismo sumamente emotivo. 

  "Grabé buscando atmósferas más que perfección. Me interesa que las canciones respiren", dice sobre la entrega que tiene sus bases creativas en frases, colores e imágenes, explicando el potente universo visual que lo acompaña. "Es parte del núcleo. Pienso cada canción junto a su imagen: luz, vestuario, ritmo visual. Para "Bon Vivant" vemos un imaginario más depurado y elegante, pues hay una búsqueda por lo icónico sin exceso. Todo dialoga como una misma película silenciosa. Un pequeño lujo emocional", profundiza quien recupera y revive la corriente del dandismo con una moderna propuesta musical. 

  Un disco que es, a su vez, un relato sobre el desamor y el enamoramiento, contado con el humor y la ironía de un bon vivant: un dandi, un romántico, un carne de cañón.

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"Carmesí", el nuevo single de Cuchitamon

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cuchitamon! Y bueno, ¡comencemos!  

  La psicodelia folclórica contemporánea tuvo un brillante momento en agosto del 2024, cuando Cuchitamon nos adentró en este cuidado universo de 11 canciones. "Antigüedades de bajo costo", su disco debut, evoca algo parecido a lo que pasa al leer el título del trabajo: es como encontrar tesoros nostálgicos a un precio increíble, que no condice con su poderoso valor emocional. 

  Melancolía dulce y directa, la herencia de Violeta Parra se fusiona con nombres actuales e internacionales como Ichiko Aoba, y el resultado sigue sonando como una especial cajita musical que cuidas con mucho afecto. Luego de lanzar el video para "'6 Veces" durante el mes de febrero, hoy podemos revisar el clip de una de las canciones más celebradas del álbum. 

  Se trata de "Carmesí", que además, llega como el cierre de la etapa enfocada exclusivamente en el LP compuesto de forma íntegra por Isidora Romero, con producción de Matías Ávila –Candelabro–, y grabado y mezclado por Juan Diego Soto –Déjenme Dormir–.

  "Creo que "Carmesí" es una de las canciones que mejor representa el disco. Habla de este espacio del cual no quiero salir, pero que se ha tornado necesario hacerlo. Un lugar que me ha entregado mucho confort, pero también malas prácticas y del cual he decidido atreverme a pasar la página. Para el cierre de este gran proyecto que fue "Antigüedades de bajo costo", quise que se demostrara visualmente lo que era, por eso hice"'6 Veces" y "Carmesí" como puntos finales. Son canciones que marcaron lo que fue todo ese proceso. Tiernas, algo graciosas pero también melancólicas. Enmarcan bien la persona que era en ese tiempo y la inocencia que recorría mis días", cuenta Cuchitamon.

  Con la dirección, animaciones y montaje a cargo de Vicente Arenas Toro, sumado al color y postproducción de Alejandro Montecinos, el video es un dedicado trabajo de oficio en el que vemos a una marioneta viviendo aventuras, "como un juego, igual que la canción", asegura la artista. 

  Dice que es extraño tocar estas canciones; esta en particular siempre es agradable de escuchar. "A mucha gente le gusta, pero ya no me siento tan identificada con estas entregas. Creo que esta es la única de la cual no me puedo olvidar. Siento que son fotografías de cuando las hice, y esta siempre la vuelvo a mirar, como tratando de recordar cómo fue que me atreví a salir a mostrarme un poco más. No quiero que eso se me olvide". 

  Por eso es tan significativa y es una de las que sonará el próximo 17 de abril en Casa Palacio, en una fecha enmarcada en el Festival Anti-Folk junto a Cristóbal Avendaño y Silvia Moreno, Fenómeno Zambelli, Monito Guitarra, Antonel, Allegro, Vaco, y Mai. 

  "Ahora toco más las canciones del siguiente disco que ya está en proceso, llamado "Examen de contraste", que son más complejas y quizás ya no tan inocentes, pero se sienten más como yo en este momento. Igual existen fotografías, reminiscencias de lo que fui tiempo atrás, pero cuando las toco puedo sentir cómo todavía eso corre dentro de mí", concluye cerrando un ciclo que supo de timidez, prueba y experimentación.

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