"Derramar el Tiempo", el nuevo disco de El Mulu

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡El Mulu! Y bueno, ¡comencemos!

  Como una invitación a habitar el presente, el artista chileno radicado en México entrega un primer LP atravesado por brillantes colaboraciones de la escena folk del continente y un ánimo emotivo que transforma la pérdida en un espacio de encuentro. El álbum llegará a los escenarios con una gira que contempla conciertos en México y una visita a nuestro país en diciembre. 

  Tal vez es momento de desaprender la idea de que el tiempo todo lo cura. "Es una falsa promesa", dice El Mulu, músico chileno que en 2020 viajó a México y, por cosas de la vida y la pandemia, terminó haciendo de ese país su hogar, desde donde hoy presenta su álbum debut "Derramar el Tiempo".

  "Creo que muchas veces nos refugiamos en esa frase para dilatar nuestro compromiso con el presente, delegando al futuro el cuidado de las cosas importantes. Cuando el tiempo se desborda y se derrama, lo único que realmente nos queda es el ahora: qué sentimos, cómo nos hacemos cargo y cómo acompañamos a quienes tenemos al lado", profundiza sobre la principal inspiración para el trabajo de 13 canciones que expande el lenguaje del folk hacia territorios más contemporáneos y envolventes.

  Con la guitarra acústica como eje para vestir versos sobre pérdidas, búsquedas y lo hermoso y necesario de hacer comunidad –sobre todo cuando se vive como migrante–, sumado a arreglos atmosféricos y momentos de épica latinoamericana, "Derramar el Tiempo" comparte un cancionero cálido y emotivo que acompaña con dulzura los tránsitos personales; una bitácora sentimental para encontrar belleza y contención en momentos de desborde, de dolor, de duda.

  "Yo veo estas canciones como pequeños duelos secretos. Cosas que me atraviesan profundamente pero que muchas veces no logro decir de otra manera. Creo que el disco terminó funcionando como un registro emocional de estos últimos cuatro años, marcados por los cambios abruptos, los duelos, las despedidas y el hambre de transformar el presente", explica Ignacio Sánchez, nombre real de El Mulu, sobre el álbum que contó con la co-producción de Coco Godas, Claudio Rojas y Sebastián Casanova.

  Acompañarse en un presente como el nuestro es crucial, y el músico que abrió los shows de la gira "Pánico" de Manuel García el año pasado lo sabe bien. Pehuenche (México), F Mack (Haití), El mismo de antes (México), Julya y Mono (Argentina), Sofía Campos (Argentina) y Benjamín Walker (Chile) son las voces que lo acompañan en un recorrido que comenzó como una aventura viajera y que se transformó en una vida que hoy comparte desde la vulnerabilidad y el deseo de ser canción, con ese poder mágico de estar ahí para otros.

  "A casi todos los conocí viviendo en Ciudad de México, compartiendo conciertos, fiestas entre cantores y amistades que fueron naciendo a través de la música. En ese sentido, siento que es un disco de mucha migración vocal y de encuentros humanos", cuenta sobre el trabajo cuyo espíritu comunitario también se ve reflejado en el videoclip de "Si llega el desastre", pieza que se estrenará el viernes 5 de junio a través de su canal de YouTube, y que fue dirigida por Cristóbal De La Cuadra.

  Tras adelantar siete sencillos durante 2025, El Mulu finalmente da el paso que faltaba y estrena una placa fundamental para este año en el que todo parece demoronarse. Con ternura, una melancolía luminosa y vastos paisajes de raíz latinoamericana engrandecidos gracias al pop y sus posibilidades, regala un refugio para quienes comienzan a sospechar que el tiempo no siempre sana las heridas, pero sí nos va mostrando la manera –y las personas– capaces de hacer ese camino más amable. 

  El viaje seguirá su rumbo natural con el "Derramar el Tiempo Tour", gira que tendrá una parada el 7 de noviembre en CDMX, con dos funciones en el Foro del Tejedor, y que llegará a Chile el 16 de diciembre con un concierto en el Teatro Camilo Henríquez, en Santiago. Para más información sobre los shows, te invitamos a seguir las redes sociales de El Mulu. 

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"35 segundos para las nueve", el nuevo single de "CØNCØN"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"CØNCØN"! Y bueno, ¡comencemos!

  Un día despiertas y tu reloj nuevo está detenido a las 08:59 con 25 segundos. "35 segundos para las nueve" es el instante que Víctor Schlesinger materializó para siempre en el nuevo álbum de "CØNCØN", proyecto compuesto por el productor y la artista visual BernyRo. 

  Luego del EP "Sonido y Luz", el larga duración tiende nuevos puentes entre la electrónica experimental y el formato canción a lo largo de 8 tracks divididos en dos momentos claros. La primera mitad despliega una energía alta, frontal y cercana al rock por su intensidad, con guiños al hardcore, a la electrónica británica, el IDM, industrial y drum & bass. 

  La segunda parte se mueve hacia un lugar más introspectivo, emocional y vulnerable. "Ese lado abre con "Solar", una balada indie pop electrónica, psicodélica y algo onírica, inspirada en una historia real sobre un ermitaño que vivió por varios años en la montaña donde se compuso parte del disco", adelanta Schlesinger sobre el sencillo central del estreno. 

  Hacia el final de "35 segundos para las nueve", el disco se vuelve todavía más contemplativo y expansivo, gracias a momentos instrumentales de atmósferas e intenciones ambient. Un trance a veces febril, a ratos de conciencia plena. "Es un viaje que parte con más pulso, más cuerpo y choque, y termina abriéndose hacia lugares más emocionales y existenciales", profundiza la dupla sobre el álbum que no fue concebido como tal sino hasta la noche anterior en que el reloj de Víctor salió del tiempo.

  "Las canciones fueron apareciendo en distintos momentos entre 2021 y 2025, como islas separadas. "Solar", por ejemplo, fue la primera que empezó a tomar forma cuando me fui de Santiago a vivir a Vilches Alto, en medio del bosque, junto a Berny", cuenta.

  Con una guitarra de su madre y un pandero de su abuelo, ese track fue el primero de varios que surgieron como respuestas a otros mundos o proyectos. Luego de un proceso creativo intenso en 2025, entendieron que sí había diálogo y conexión entre estas islas. El reloj a las 08:59 con 25 segundos lo reafirmó como una señal, abriendo un nuevo capítulo para los artistas que continúan respondiendo a la fusión de lo terrenal con lo espacial, como metáfora del motor que significa unir mundos que muchas veces parecen separados. 

  "35 segundos para las nueve", que llega como un hermano del LP del 2024, "Música Rural", se comprende en la precisión de producción, los sets electrónicos y los constantes debates sobre tecnología, territorio, identidad, aislamiento y pertenencia. 

  Tras adelantar "Sonido y Luz", junto a Foex y Paulopulus –que acreditan la única colaboración del disco–, y "Llegar al Centro", ahora el viaje se completa con dimensiones emocionales intensas y vaporosas, sin perder la identidad de "CØNCØN", que en esta entrega se inspiran en músicos como Floating Points, Four Tet, Aphex Twin, Ryuichi Sakamoto, Leonard Cohen y Electrodomésticos.

  El próximo 25 de julio, Bar de René recibirá el cierre de una gira de lanzamiento que contempla fechas en Matanzas, Concepción, Pucón, Buenos Aires y más por confirmar. Una serie de conciertos que nos entregarán la posibilidad de entrar en el universo de "CØNCØN", con sorpresas visuales y escenográficas, en una experiencia que contará con nuevos elementos musicales e invitados. 

  "35 segundos para las nueve" llega a Santiago en una noche compartida junto a AMI y TKR, donde la música y las artes escénicas celebrarán los puentes construidos en comunidad, las coincidencias, y esos instantes eternos que ofrece la pista cuando salimos del tiempo. 

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"Déjenme Dormir" anuncia su gira por México

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Déjenme Dormir"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay bandas que implosionan con la potencia suficiente para dejar pistas en la superficie y convertirse en partes fundacionales. La agrupación chilena, formada en 2019 y responsable de "Bronce", un celebrado segundo disco lanzado en 2024, es una pieza clave para entender las sonoridades y propuestas que levanta el circuito alternativo local actual. 

  En la etapa previa a grabar un tercer LP, "Déjenme Dormir" debuta en México con una gira financiada por el Fondo de la Música, Línea de Apoyo a la Circulación de la Música Chilena 2026, recorriendo 5 ciudades en una serie de conciertos para los que se preparan ensayando dos veces a la semana y buscando el setlist perfecto.

  El grupo de indie rock tendrá sus primeras presentaciones fuera de Chile en uno de los países que mejor ha sabido conectar escenas en el último tiempo. "Lo que más nos entusiasma es encontrarnos con el público mexicano por primera vez. Tienen buena fama de ser extremadamente cariñosos, en especial con los grupos chilenos. De cierta forma, significa ponernos a prueba como banda, ver si lo que hacemos se traduce fuera de nuestra propia escena e idiosincracia. Conocer México ha sido una inquietud hace varios años, y tener la posibilidad de viajar en este momento nos hace todo el sentido del mundo", cuentan. 

  La melancolía del sur se encontrará con el ruido del norte en una serie de conciertos en los que "Déjenme Dormir" desplegará éxitos como "ROMA", "MONÓTONO LUGAR" o '"FLECHA", sin olvidar su primer disco "Neumonía" o el EP "Mirador"; pero también tomarán la posibilidad de presentar las nuevas canciones que preparan. 

  "Este año ya empezamos a adelantar en vivo un poco de lo que será el próximo álbum, que grabaremos inmediatamente a la vuelta de esta gira. De seguro no nos aguantaremos de spoilear novedades durante el paso por México", profundiza Juan Diego Soto –compositor y vocalista–. 

  El tour entra en coherencia con las intenciones musicales que están explorando; música nacida de una escucha más activa de folclore, sumado a las ganas de "tratar de hacernos cargo de la herencia cultural de nuestro territorio, sin abandonar nuestro lado rockero. Hay un giro narrativo también, pues buscamos conectar con una experiencia más urgente y colectiva, menos ensimismada en la tragedia personal, por lo que viajar y compartir esta música fuera de Chile entusiasma muchísimo", agregan.

  Puebla, Cuautitlán Izcalli, Querétaro y Monterrey recibirán a "Déjenme Dormir" en shows junto a Cometa a la Deriva y HoneyPot!, mientras que su participación en CDMX estará enmarcada en un showcase en el Festival Flotante, instancia por la que ya han pasado otros proyectos chilenos como Niños del Cerro, Chini.png y Poder Fantasma.

  "Estamos muy felices de poder conocer México acompañados. Los chicos de HoneyPot! ya han girado por todas las ciudades que recorreremos, así que se siente como tener a un hermano grande esperándonos en el aeropuerto", cuentan sobre el inminente intercambio con el país del norte y su circuito alternativo.

  "Tenemos muchas ganas de ir a descubrir la escena mexicana, conocer a gente con la misma relación con la música que tenemos nosotros. Siempre desde el DIY y el trabajo a pulso. A primera vista pareciera una industria mucho más desarrollada, en un país gigante, pero creo que a pesar de las condiciones materiales, las bandas chilenas no tenemos nada que envidiar. Me gustaría ver las escenas latinoamericanas más unidas. Es medio difícil ver lo que está pasando en el país del lado entre la bruma digital de las redes, pero mientras más nos veamos las caras, mejor para la música", concluye Juan a días de continuar con esta tradición de comunidad cultural que ha sido la visita de chilenos a México y viceversa. 

  Os dejo por aquí el audio de "Bronce". ¡No os lo perdáis!

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"Dame un cuchillo" lanza su primerp LP homónimo

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dame un cuchillo"! Y bueno, ¡comencemos!

  El pop como espacio de exploración personal y musical. La canción melódica como bandera para reconocer, habitar y compartir la intensidad de las emociones que sentimos mientras caminamos por una ciudad dueña de una prisa vacía. En ese universo se mueve "Dame un cuchillo", banda formada en 2022 que hoy presenta su primer LP homónimo: ocho canciones atravesadas por la sensibilidad urbana, el pop-rock latino y una colección de escenas cotidianas marcadas por la búsqueda, la confusión, el movimiento y los anhelos. 

  Grabado en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, el álbum –financiado por el Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile– es un registro de la combinación de experiencias que unen no solo a Katerine Muñoz, Patricio Araya, Gonzalo Araya, José Peralta y Joaquín Peralta, sino a toda una generación de jóvenes que buscan entender quiénes son en medio de esta multitud.  

  "En el disco aparece el paso del tiempo, el avance de la vida y lo que va sucediendo en ese recorrido. En ese sentido, las canciones terminan funcionando casi como un diario de vida", explican desde la agrupación, y destacan que "las composiciones beben de fuentes literarias: la letra de "Círculo" es una adaptación libre del poema de Pablo de Rokha del mismo nombre; "No me interesa" nació de un fragmento del libro Animal doméstico de Andrea Alzati, y el coro de "Futari" se construye a partir de versos de Michel Houellebecq". 

  Entre libros, melodías heredadas de esos almuerzos de infancia con la radio encendida y reflexiones sobre la vida misma, el debut de "Dame un cuchillo" abarca una variedad de sonidos que se corresponden con la multiplicidad de inspiraciones y referencias que los han marcado individual y colectivamente. "Abordamos el pop desde un lugar marcado por la escena chilena de inicios de los 2010. Javiera Mena, Dënver, Teleradio Donoso, Primavera de Praga y las bandas que, en ese mismo tiempo, se articularon bajo el alero de Sello Cazador. Ese pop/rock alternativo aparece de forma natural en nuestro sonido y se manifiesta –en mayor o menor medida– en las canciones del disco", señalan.

  Pop sin límites, con un sonido clásico de banda pero lleno de elementos que lo llevan hacia el siguiente nivel. Arreglos de cuerdas grabados por Danka Villanueva y vientos por Felipe Cadenasso, aparición de un mellotron por Diego Gilabert, bajos grooveros, suaves guitarras y melodías cálidas que remiten a las mejores baladas, son los recursos con los que la banda santiaguina construye un universo elegante y nostálgico que deja entrever el coraje de crecer.

  "Me gustaría que alguna de las canciones del álbum sirva como una especie de curita para lo que sea que estén enfrentando. Es muy fácil sentirse solo o pensar que nadie entiende lo que uno vive internamente, pero no es así: siempre hay alguien que puede empatizar con lo que sientes. Con que esa conexión la experimente aunque sea una persona escuchando el disco, me doy por pagada", confiesa Katty –alias Filomena Cuchillo–.

  Tender una mano o regalar un disco puede ser, muchas veces, lo mismo. En su primer set de canciones, "Dame un cuchillo", con su poesía introspectiva, navega entre el desencanto frente a una vida prometida y la búsqueda persistente de sentido en medio de la repetición, pero también abre un espacio de contención y empatía; un lugar para compartir la fragilidad y la incertidumbre, para estar juntos en el espiral que significa encontrarse. 

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"Yo te espero", el nuevo single de "El Rey Sol"

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  El amor en tiempos de incertidumbre encuentra en "Yo te espero" un refugio. Lejos de las resoluciones rápidas del pop convencional, lo nuevo de "El Rey Sol" se sumerge en la espera y la convierte en un territorio activo; un ejercicio de contemplación que utiliza texturas acuosas y un desarrollo progresivo para retratar la densidad emocional de quien decide, pacientemente y con profundo amor, aguardar. 

 

  Grabada entre Londres y Santiago, el quinto sencillo de la nueva era del dúo que debutó en 2018 con el álbum "Símbolos Secretos" "se mueve entre lo íntimo y lo sintético, combinando una base de guitarras con capas de sintetizadores que amplían su profundidad. En esa tensión entre lo orgánico y lo artificial, la canción construye una atmósfera nostálgica e inmersiva", detallan sobre el track de seis minutos y medio de duración, convirtiéndose en la pieza más extensa del proyecto hasta la fecha.

  Desde una línea de bajo en semicorcheas que empuja el ritmo, pasando por la particular utilización de un efecto delay de grano, hasta una interpretación vocal que explora el rap y la poesía para alejarse de la lírica amorosa tradicional, "Yo te espero" construye un momento de introspección épica que marca uno de los puntos más ambiciosos del que será su segundo LP. 

  "El resultado es una pieza que crece en intensidad sin perder su carácter íntimo. En su dimensión lírica, la canción aborda una forma de vínculo marcada por la espera y la ambigüedad. La voz se sitúa desde una conciencia clara de su lugar dentro de la relación: un espacio intermedio, afectivamente cargado, pero no resuelto. Nos parece una canción perfecta para escuchar en el otoño que se abre en el hemisferio sur". 

  La naturaleza de "El Rey Sol" es, por definición, itinerante. Desde sus inicios, el proyecto sostiene un proceso creativo transatlántico: mientras Marco Arias reside en Londres, Héctor Matías Donoso navega los mares como director musical a bordo de un crucero. Esta distancia, lejos de ser un obstáculo, se ha convertido en un motor de libertad creativa. "Estar al margen de la industria nos da una libertad infinita, como publicar un single de más de seis minutos. Representa nuestro entendimiento de la música como un campo de experimentación artística dentro de un contexto popular", reflexiona Marco sobre esta pieza cuya melodía compuso originalmente en 2011 y que hoy ve la luz tras meses de revisiones junto al productor chileno Centella.

  "Yo te espero" llega luego de canciones como "Gato Viejo Entrando", "Canción Nocturna", "La Granada" e "Historia Original", las que de a poco han ido revelando la estética de pop nocturno y rock alternativo que cruzará su nuevo larga duración, un trabajo que, si bien aún no tiene fecha de estreno, ya se asoma como una colección de canciones magnéticas y profundas, cargadas de esa tensión constante entre lo íntimo y lo épico, lo humano y lo sintético, que define la identidad única de "El Rey Sol". 

  Os dejo por aquí el audio de "Gato Viejo Entrando". ¡No os lo perdáis!

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"Dame un cuchillo" debuta con un doble single

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  Entrar en los treinta puede ser una experiencia contradictoria. El vértigo de lo que cambia y la necesidad de afirmarse en medio de una ciudad que no se detiene conviven, y pueden generar confusión, miedo y ansiedad; pero también música. "Dame un cuchillo", banda formada en 2022, recoge las tensiones de habitar Santiago hoy para entregar canciones cargadas de intensidad emocional y belleza pop; un nuevo universo post-adolescente para perderse y encontrarse. 

  La carta de presentación del quinteto formado por Katerine Muñoz y los dúos de hermanos Patricio y Gonzalo Araya, y José y Joaquín Peralta, tiene dos caras: "No me interesa" y "En el reverso de mi corazón". En ambas, la necesidad de expresar lo que aprieta el pecho toma formas distintas, cada una con un lenguaje y una búsqueda particular, siempre dentro de las múltiples posibilidades que ofrece el pop alternativo. 

  "Estos singles representan momentos diferentes del grupo. "No me interesa" da cuenta de una primera etapa de la banda, donde la producción estaba centrada netamente en lo que podía hacer cada uno de nosotros con su instrumento. En ese sentido, es la canción con un formato más clásico de banda dentro del disco y, al mismo tiempo, la más íntima. "En el reverso de mi corazón" es más cercana a lo que será el resto del álbum, en donde nos dimos el permiso de jugar con una producción un poco más ambiciosa y entretenida", cuentan sobre los tracks grabados en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, gracias al Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile.

  Con alma de balada pop-rock e inspirada en un fragmento del libro "Animal Doméstico" de Andrea Alzati, "No me interesa" es "una especie de monólogo de una persona a punto de perderse, con esta sensación de que hay algo imparable que te consume. Es como un bosque que se está quemando, frente al que no se puede hacer nada más que aceptar y, de alguna forma, continuar; no como resignación, sino como una forma de permanencia. "El fuego se hace mi hogar", dice la canción, y eso es, al final, una forma de habitar el mundo en un contexto tan hostil como el presente”.

  Arreglos de cuerdas y vientos, elementos electrónicos y un groove suave con influencias de Gepe, Bandalos Chinos y Alex Anwandter hacen de "En el reverso de mi corazón" el punto de mayor despliegue sonoro de esta entrega, y donde más se manifiesta la sensibilidad pop de "Dame un cuchillo". "Es como tener una piedra en la garganta, algo que se siente, pero que no se puede ver y tampoco sacar", señalan sobre la canción que se construye desde el verso "En el reverso de mi corazón hay una mentira que me lleva a repetir lo mismo siempre", una idea incómoda y reconocible, quizá para todas las generaciones.

  Con este lanzamiento doble, "Dame un cuchillo" no solo presenta las primeras piezas de un álbum debut que se anticipa como un espacio de exploración abierta y desprejuiciada a nivel de géneros y producción; también comparte un mapa emocional de la vida joven en la ciudad, con sus dolores y anhelos, sus miedos y búsquedas. Un nuevo pop chileno para reconocer y reconocerse, en cualquier etapa de la vida.

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"Calendarios", el nuevo disco de Cualmarcelo

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  Como adentrarse en el sur de Chile: en su frío, su melancolía, su bondad, su ternura, su violencia. En ese paisaje profundo, mixto y lleno de memoria se desenvuelve "Calendarios", el primer álbum de Cualmarcelo, proyecto solista del músico temuquense Marcelo Aguayo. 

  "Quiéreme como estoy: roto, con el pañuelo lleno de sangre". Con la crudeza de quien relata su historia sin intentar esconder lo desgarrador, Cualmarcelo da forma a un relato íntimo y visceral, en el que la fragilidad se vuelve punto de partida para un proceso de reconstrucción que pasa por el dolor, el duelo y una búsqueda persistente de redención, de liberación.

  A través de declamaciones poéticas y versos en clave folk que evocan momentos cruciales de su biografía, "Calendarios" abre el mundo interior del compositor para invitarnos a ser parte de su experiencia emocional; un recorrido conmovedor que, en lo sonoro, transita entre un folk con tintes atmosféricos y referencias a la nueva canción, y momentos de mayor intensidad, donde irrumpen el ruido, la electrónica y pasajes más abrasivos, en un tránsito que va de lo frío y críptico a lo cálido y envolvente.

  "El relato de "Calendarios" está centrado en la pérdida y la recuperación de la fe, después de asumir la propia historia y el trauma. Me gustaría que este disco entregue fuerza y también calma a quien lo escuche; que pueda conjugar un recorrido por emociones como la desesperación, la soledad o la rabia, pero que, en definitiva, entregue herramientas para quedar en paz con ellas. Que se cierre en sí mismo como un año calendario", explica el autor del álbum que cuenta con ocho tracks producidos junto a Antonio Caballero en Estudio Centella y masterizados por Emanuel Irarrázabal.

  Un suspiro antes de "Canción de Despedida", la elección de versionar con delicadeza "La Naturaleza", de Asia Menor, y resaltar esa mezcla de rabia y amor contenida en su poesía; el anhelo enamorado de "Sofía" y la melancolía de "Mishima". Con todos sus detalles y búsquedas, las piezas de "Calendarios" son muestras del desborde, de esa herida que ya no vale la pena guardarse porque necesita ser expuesta para transformarse, para sanar. 

  "Grabar este disco me ha permitido expresarme tal como soy. Creo que, después de haber pasado por Cuáles i Quiénes, siempre había querido enfrentar el desafío de hacer un disco en solitario, y siento que estoy cumpliendo una meta muy personal", detalla Marcelo, y añade: "Incluir un cover de Asia Menor lo entiendo como un gesto de homenaje a su obra. Soy muy fan, y tuve la suerte de conocerlos desde sus primeras tocatas. Nos hemos hecho muy amigos durante los últimos años, y su compañía y verlos crecer me ha permitido sentirme más cerca del lugar donde crecí". 

  El debut discográfico de Cualmarcelo llega dos años después de la disolución de Cuáles i Quiénes, banda formada en 2016 con la que lanzó un EP homónimo en 2017 y el álbum "Mañana siempre es tarde", en 2021. Hoy, con todos los aprendizajes que deja un camino como ese, el artista prepara el concierto de lanzamiento de "Calendarios", evento que se realizará el viernes 19 de junio a las 18:00 horas en el Espacio Cultural Galo Sepúlveda, Temuco, y que contará con la apertura de Jorge Scheuermann y Recursos Humanos.

  "Decidí cerrar primero una fecha en Temuco porque me siento de allá, a pesar de vivir ya casi 15 años en Santiago. Ahí vive mi familia y muchos amigos que he hecho en este recorrido artístico y que dan la pelea desde allá. Eso hizo que pusiera mis esfuerzos primero en hacer este lanzamiento en el sur", concluye, invitando a un encuentro en el que el frío del sur encontrará su contrapunto en la calidez de la música en vivo.

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"Soy Tu Enemigo", el nuevo single de Santiago Nicolás

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  De noche todo es más urgente: la emoción, el encuentro y el deseo. La tradición del pop electrónico chileno tiene un nuevo exponente: el productor y compositor Santiago González Lihn inaugura su faceta más apegada a la pista colectiva, con coros pegajosos y texturas de alta factura en "Soy Tu Enemigo". 

  Tras formar parte de las filas de The Deadly Affair, Access Device, Ángel de la Guarda y Föllakzoid, además de pasar por escenarios como Primavera Sound, Festival Abstracta, Foro Indierocks! y giras por Europa y México, el artista articula melodías que saben de club, ritmos directos y armonías precisas. 

  Ahora, el fundador del sello Anything That Makes Light (ATML) da un giro sintetizando una década de colaboraciones y aprendizajes en diversas escenas. Sin dramatizar la experiencia de la noche, Santiago Nicolás potencia lo que sentimos cuando cae el sol. 

  "La canción se mueve en un imaginario nocturno, pensado desde y para el espacio del club. Sonoramente, se construye cruzando elementos del synth pop y el techno, con una producción contenida y clara. Hay una referencia a las sensibilidades de la electrónica de comienzos de los 90, pero reinterpretadas desde un enfoque actual en el tratamiento del sonido", cuenta sobre la hipnótica entrega donde acredita producción, mezcla y master. 

  "Soy Tu Enemigo" llega como un track bailable de perfecto equilibrio entre movimiento, melodía y espacio. "Lo que en apariencia es un vínculo afectivo inestable, se revela como una metáfora de adicción. El otro funciona como proyección o desdoblamiento del propio sujeto, donde deseo y autoconciencia entran en conflicto", agrega sobre una tensión lírica que invita a desenvolvernos entre repeticiones sonoras brillantes mientras hace guiño a la dependencia, recaídas e impulsos. 

  Inspirado en encuentros capitalinos urgentes, que disfrazan necesidad de compañía con sociabilidad, Santiago Nicolás cruza el deseo emocional y químico en la suspensión momentánea que nos otorga la noche. "Empecé desde un lugar más experimental, siempre produciendo mi propia música y buscando distintas formas de composición y de voz. Con el tiempo, esa exploración se ha ido afinando. Siempre he tendido a moverme hacia lo que me desafía. Más que revelar una faceta oculta, esta etapa muestra cómo me siento hoy: un presente de conexión clara con el pop, desde el lenguaje musical hasta su alcance", confiesa.

  Con el instinto de gestor y productor, el músico chileno da con una pieza nacida de la disciplina y la intuición, que "más allá de la emocionalidad puntual, tiene una intención de sostener cierta crudeza dentro de un formato que muchas veces tiende a la fantasía. Uno puede moverse entre lo luminoso y lo oscuro, pero tiene que venir desde un lugar honesto". 

  "Soy Tu Enemigo" se vive desde el cuerpo y dialoga con lo externo sin perder profundidad. Experiencias que se comparten, mas no se imponen, que ahora habitan en un primer track como solista pop que está pensado para escuchar en la profundidad de la noche, en el filo del deseo y el control. 

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"Bon Vivant", el nuevo single de Samuel Vio

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  ¿Quién dijo que no hay exponentes contemporáneos de crooner en sudamérica? La fusión de pop y canto susurrante a lo Serge Gainsbourg y Federico Moura vive, y de forma vanguardista y fresca gracias a Samuel Vio. 

  El cantante, productor y compositor chileno presenta su segundo largaduración, disco donde combina las melodías más íntimas con una cuidada estructura de arreglos electrónicos. Una fórmula que en 8 tracks apela a la nostalgia y el romanticismo, todo con una sobresaliente factura sonora. 

  Elegancia musical y conceptual en voz del fundador del sello Pulso Íntimo, que ya exploró el género en una cara íntima y vocal con "Miel" –álbum del 2025–; ahora se desenvuelve entre romance, goce y bohemia en "Bon Vivant"; pop cinematográfico y narrativo, que contó con un primer sencillo como inicio de esta era titulado "Slowly". 

  " "Bon Vivant" es un objeto sensible. Suena a terciopelo eléctrico: sintetizadores que respiran lento, bajos que caminan con elegancia y una voz que no busca imponerse, sino insinuar. En lo estético, es una obsesión por la forma: cada imagen, cada encuadre y textura está pensada como parte del relato, que es el de un hombre que observa el amor, el deseo y la distancia con cierta ironía melancólica. No busco la épica, sino encontrar y proponer un estilo", cuenta el músico chileno que tomó inspiración del habitar la belleza, incluso en lo efímero, como un verdadero dandi chileno. 

  No correr, detenerse a mirar, pero por sobre todo a contemplar lo refinado de las personas y su entorno, tal como la llegada de la noche sobre una ciudad que se siente ajena. "Bon Vivant" vive en la tensión del placer y la pérdida, creando la sensación de disponer de una habitación para entrar en trance; delirios hedonistas o un nihilismo sumamente emotivo. 

  "Grabé buscando atmósferas más que perfección. Me interesa que las canciones respiren", dice sobre la entrega que tiene sus bases creativas en frases, colores e imágenes, explicando el potente universo visual que lo acompaña. "Es parte del núcleo. Pienso cada canción junto a su imagen: luz, vestuario, ritmo visual. Para "Bon Vivant" vemos un imaginario más depurado y elegante, pues hay una búsqueda por lo icónico sin exceso. Todo dialoga como una misma película silenciosa. Un pequeño lujo emocional", profundiza quien recupera y revive la corriente del dandismo con una moderna propuesta musical. 

  Un disco que es, a su vez, un relato sobre el desamor y el enamoramiento, contado con el humor y la ironía de un bon vivant: un dandi, un romántico, un carne de cañón.

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"Carmesí", el nuevo single de Cuchitamon

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cuchitamon! Y bueno, ¡comencemos!  

  La psicodelia folclórica contemporánea tuvo un brillante momento en agosto del 2024, cuando Cuchitamon nos adentró en este cuidado universo de 11 canciones. "Antigüedades de bajo costo", su disco debut, evoca algo parecido a lo que pasa al leer el título del trabajo: es como encontrar tesoros nostálgicos a un precio increíble, que no condice con su poderoso valor emocional. 

  Melancolía dulce y directa, la herencia de Violeta Parra se fusiona con nombres actuales e internacionales como Ichiko Aoba, y el resultado sigue sonando como una especial cajita musical que cuidas con mucho afecto. Luego de lanzar el video para "'6 Veces" durante el mes de febrero, hoy podemos revisar el clip de una de las canciones más celebradas del álbum. 

  Se trata de "Carmesí", que además, llega como el cierre de la etapa enfocada exclusivamente en el LP compuesto de forma íntegra por Isidora Romero, con producción de Matías Ávila –Candelabro–, y grabado y mezclado por Juan Diego Soto –Déjenme Dormir–.

  "Creo que "Carmesí" es una de las canciones que mejor representa el disco. Habla de este espacio del cual no quiero salir, pero que se ha tornado necesario hacerlo. Un lugar que me ha entregado mucho confort, pero también malas prácticas y del cual he decidido atreverme a pasar la página. Para el cierre de este gran proyecto que fue "Antigüedades de bajo costo", quise que se demostrara visualmente lo que era, por eso hice"'6 Veces" y "Carmesí" como puntos finales. Son canciones que marcaron lo que fue todo ese proceso. Tiernas, algo graciosas pero también melancólicas. Enmarcan bien la persona que era en ese tiempo y la inocencia que recorría mis días", cuenta Cuchitamon.

  Con la dirección, animaciones y montaje a cargo de Vicente Arenas Toro, sumado al color y postproducción de Alejandro Montecinos, el video es un dedicado trabajo de oficio en el que vemos a una marioneta viviendo aventuras, "como un juego, igual que la canción", asegura la artista. 

  Dice que es extraño tocar estas canciones; esta en particular siempre es agradable de escuchar. "A mucha gente le gusta, pero ya no me siento tan identificada con estas entregas. Creo que esta es la única de la cual no me puedo olvidar. Siento que son fotografías de cuando las hice, y esta siempre la vuelvo a mirar, como tratando de recordar cómo fue que me atreví a salir a mostrarme un poco más. No quiero que eso se me olvide". 

  Por eso es tan significativa y es una de las que sonará el próximo 17 de abril en Casa Palacio, en una fecha enmarcada en el Festival Anti-Folk junto a Cristóbal Avendaño y Silvia Moreno, Fenómeno Zambelli, Monito Guitarra, Antonel, Allegro, Vaco, y Mai. 

  "Ahora toco más las canciones del siguiente disco que ya está en proceso, llamado "Examen de contraste", que son más complejas y quizás ya no tan inocentes, pero se sienten más como yo en este momento. Igual existen fotografías, reminiscencias de lo que fui tiempo atrás, pero cuando las toco puedo sentir cómo todavía eso corre dentro de mí", concluye cerrando un ciclo que supo de timidez, prueba y experimentación.

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"No es nada", el nuevo single de Pescao

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Pescao! Y bueno, ¡comencemos!

  El trío chileno que llamó recientemente la atención por "Qué chucha tu amor", versión local de "How Deep Is Your Love" interpretada junto a Olivia García, estrena un nuevo sencillo que adelanta su álbum debut. Con un sonido vintage, aires bailables y una poesía cargada de imágenes de la vida cotidiana, Pescao reafirma su espíritu de banda joven con alma vieja. 

  Relajado, melancólico y optimista. Así suena lo nuevo de Pescao, trío santiaguino que desde 2024 se inspira en la estética sesentera para cantar con cierto humor y liviandad sobre amor, desamor, sueños y otros vaivenes del día a día. Si hay pena, que la música la haga más amable. 

  Tras presentar los singles "La insoportable levedad del surf", "Polera" y "Qué chucha tu amor" junto a Olivia García, la banda integrada por Tomás Hurtado en voz, Clemente Boetsch en guitarras y Andrés Elgueta en batería, estrena su canción más hitera hasta ahora: "No es nada", una pieza con una mirada poética —y por momentos irónica— sobre cómo se vive el desamor un día cualquiera. 

  "Es una canción que se mueve dentro del pop rock latino, donde buscamos mezclar un sonido vintage de inspiración sesentera con algo más fresco y cool de los dos mil. El ritmo es enérgico y bailable, pero con una letra melancólica. Sentimos que es ideal para camuflar el existencialismo con un baile sutil. Es quizá la canción más alegre que tenemos, a pesar de que es triste", señalan desde el proyecto sobre el sencillo que recoge influencias de Vulfpeck y Bándalos Chinos, y que cuenta además con el bajo y la mezcla de Cuco Errázuriz, más la masterización de Arturo Zegers.

  La búsqueda de un sonido propio coincide con el lente particular a través del que se miran los momentos, las relaciones, el mundo en su generalidad y detalle. Pescao, con su efecto casete, voces ligeramente procesadas, ritmos lentos y un lenguaje natural y cotidiano, envuelve sus relatos en un halo suave y despreocupado, como queriéndonos hacer entrar en un universo donde nada es tan grave; un lugar donde, si te pasó algo malo, siempre hay un groove listo para devolverte el optimismo.

  Con "No es nada", la autopercibida "banda joven con alma vieja" comparte una pista más de lo que será su álbum debut, el encargado de suceder al EP "Mejor acompañado" (2024). "Con este single buscamos adelantar nuestro primer LP, "UNO", en el que llevamos trabajando más de dos años. El disco tendrá 12 canciones en las que exploramos distintos géneros desde el formato banda, buscando un sonido retro y tomando como inspiración canciones que vienen de la trova", explican.

  "UNO" llegará a plataformas digitales en mayo de este año, coronando largos meses de trabajo y abriendo una nueva etapa para el trío, que ya prepara una gira promocional para darle la bienvenida a este brillante y particular primer cancionero.

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"Cómo enamorarse con el corazón partío", el nuevo disco de Rosario Alfonso

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de una gran artista: ¡Rosario Alfonso! Y bueno, ¡comencemos

  El cancionero más dulce y confesional de la música nacional sale a conquistar nuevos corazones durante el mes de abril. Rosario Alfonso, con su nuevo álbum "Cómo enamorarse con el corazón partío", se aventura en su primer tour con banda completa para presentar lo nuevo de su repertorio y repasar las canciones de amor y desamor que la han llevado, desde 2018, a posicionarse como una de las voces más queridas del indie folk latinoamericano. 

  "En enero presentamos el disco en vivo en Santiago y fue muy emocionante. Fue la culminación de meses de trabajo con todo el equipo y terminó saliendo muy lindo. Tuvimos una sala llena y creo que marcó un hito muy importante en mi carrera", comenta Rosario sobre el show en el Aula Magna del Liceo Manuel de Salas, y añade: "Estoy entusiasmada con esta gira que viene. Me encantaría llenar todas las fechas y encontrarme con esos fans que me escriben a diario pidiéndome conciertos. Por fin voy a poder cumplir con esas promesas de ir a tocar a sus ciudades".

  Acompañada de Vicente Godoy en guitarras, Tomás Cordero en teclados, Lucas Achondo en bajo y voces, Felipe Ibar en batería y Víctor Borgert en sonido, la compositora comenzará el viaje el miércoles 8 de abril en la Sala Bandera 1001 de Concepción, para luego seguir el jueves 9 en la Sala Galo Sepúlveda, Temuco; el viernes 10 en CAMM, Puerto Varas y el sábado 11 del mismo mes en ECC, Valdivia. El tour continuará el día domingo 19 de abril con un show en 12 Lunas, La Serena, y concluirá el sábado 25 de abril en el Parque Cultural de Valparaíso. 

  "Les aseguro que lo van a pasar increíble. Mis conciertos son un espacio para conectarse con el lado más romántico de cada uno, y cualquiera que tenga un corazón sensible se va a sentir tocado por las canciones, independiente de la edad o de lo que esté viviendo", asegura la artista sobre el tour que ya cuenta con las entradas disponibles a través del sistema PortalTickets. 

  Como un manual de instrucción emocional, "Cómo enamorarse con el corazón partío" comparte distintas perspectivas del amor, el romance y el enamoramiento de una manera lúdica e íntima, como solo Rosario Alfonso puede hacerlo. La pena de "Si bien fue poco", la ilusión de "Hazme sentir bien" y la inocencia de "Besos de frutillita" dialogan con un sinfín de otras emociones que todos hemos vivido, para entregar una carta de amor extensa y profunda; un mensaje en una botella que este abril comienza su viaje hacia nuevos corazones.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Si bien Fue Poco". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre ella. No olvidéis seguir a Rosario Alfonso en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) para estar al tanto de todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Inconsciente", el nuevo single de Aticoy

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Aticoy! Y bueno, ¡comencemos!

  La artista chilena, que ha abierto los shows de Alejandro Sanz, Marc Anthony y Gloria Trevi, entrega el primer adelanto de su tercer álbum de estudio. Rítmico, intenso y expansivo, "Inconsciente" llega tras una aplaudida colaboración con Sonora Palacios y marca el inicio de una etapa creativa más definida y segura. 

  En épocas donde la productividad parece ser lo único que importa, poner en piloto automático nuestros sentimientos o decisiones se ha transformado en un recurso casi esencial para existir. Aticoy, en una catarsis musical intensa y rítmica, reflexiona sobre esa experiencia colectiva y presenta "Inconsciente", primer adelanto de un nuevo álbum que reunirá sus tres amores: el folclor latinoamericano, la música tropical y el pop contemporáneo.

  ""Inconsciente" es un merengue pop enérgico que contrasta con una letra que habla del cansancio actual, la autoexigencia y esa sensación de estar atrapados en dinámicas que muchas veces seguimos sin cuestionar", explica la compositora sobre el sencillo bailable y corporal que marca su regreso a los lanzamientos, luego de un período de trabajo creativo enfocado en definir con precisión el sonido, la estética y el relato del proyecto.

  "Me interesa que esta canción provoque una experiencia dual: que el cuerpo quiera moverse, pero que al mismo tiempo la letra active algo interno. Si alguien se reconoce en esa sensación de estar girando en un mundo que no se detiene, en esa exigencia constante por "volar y brillar", y logra cuestionarla, entonces "Inconsciente" cumplió su propósito".

  Trabajado junto al productor Sinclavi, el single "resume el eje central del disco, cuyo concepto gira en torno a todo aquello que nos habita sin que lo veamos. Además, refuerza lo que quiero mostrar en esta nueva etapa: identidad, raíz latinoamericana y una búsqueda más conceptual y más mainstream, también", explica Nataly Orellana. 

  El mensaje de agotamiento y autoexigencia tras la canción se expande con un videoclip en el que, a través de recursos de contrastes lumínicos y de movimientos de cámara erráticos, se potencia la sensación de exposición, tensión interna y encierro, construyendo la metáfora de una "jaula decorada": un espacio visualmente atractivo que, por dentro, contiene presión, fragilidad y desgaste emocional.

  Entre cuestionamientos a las lógicas de vida actual, búsquedas creativas que abren nuevas posibilidades y, sobre todo, un amor profundo por la música, Aticoy inicia un año de estrenos que irán revelando, canción a canción, las distintas capas de su nuevo universo artístico. Este recorrido desembocará en su tercer álbum de estudio, una obra que se proyecta como un espacio de madurez y sanación en el que la artista consolida una identidad propia, honesta y profundamente conectada con su historia, su sensibilidad y su manera de habitar y ver el mundo. 

  "Viene un disco que es el resultado de un proceso de integración: de referentes, de raíces musicales, de experiencias y de búsquedas internas. Es, definitivamente, un punto de madurez personal y creativa", concluye, más segura que nunca de su camino.

  Os dejo por aquí el videoclip de "LA MEJOR PARTE". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Aticoy. No olvidéis seguirla en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"EPV1OJ", el nuevo disco de Rubio

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Rubio! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay vivencias demasiado importantes como para no compartirlas; instantes y anhelos que se vuelven reales sólo cuando hay alguien a nuestro lado experimentando lo mismo. Luego de un viaje personal transformador, y ya establecida en México, RUBIO nos invita a su mundo más personal en "EPV1OJ" –Espero podamos ver un ovni juntxs–, su cuarto disco de estudio. 

  Un disco íntimo, una catarsis, una entrega arriesgada al universo, que resultó en 10 canciones honestas que amplían una celebrada discografía. "Boté muchas cosas de infancia, de mi adolescencia. Es muy real. Creo que las letras e historias quedaron muy bonitas, muy cotidianas también. Hay muchos relatos positivos y cercanos. Espero que la gente pueda sentir lo que yo siento; creo que cuando el arte empatiza es muy bonito, porque creo que ahí trasciende", comenta la artista que ya había adelantado "Voy Creciendo", "Nuestra Canción", "Silencio" junto a Salt Cathedral, "Me Asusta Amar Tanto La Soledad", y que hoy celebra como sencillo a "Mi Chica". 

  Si el origen de RUBIO tuvo como inquietud una exploración electrónica y las profundidades acuosas, ahora levantamos la vista al cielo buscando objetos voladores, mientras escuchamos a Straube volviendo a la tradición de la canción. 

  "Creo que un pie forzado fue partir las composiciones desde la guitarra. En los discos anteriores siempre hubo tonalidades menores y acá hay muchas mayores. Eso ya es una diferencia sonora. Hay un color más orgánico. Hay pocas baterías electrónicas, casi todas son reales y grabadas en estudio; no hay tanto MIDI ni voces con efecto. "Me Asusta Amar Tanto La Soledad", primera canción, inicia con mi voz más de niña. "Tengo Fe", el último track, termina con una voz mucho más grave. Me encanta todo ese viaje. Creo que es una linda obra lo que sucede con EPV10J y no me lo esperaba. A veces siento que es como el último disco de RUBIO, como si fuera un rendición".

  Pero el final no siempre es el acabar de las cosas. Y eso es algo que entiendes cuando tus versiones pasadas están sanadas, listas para dejarlas atrás y recibir nuevas experiencias, sonidos, avistamientos. "Espero podamos ver un ovni juntxs me evoca demasiadas sensaciones. Hay algo de futurista, del fin del mundo, de irreal, pero cotidiano al mismo tiempo. Es romántica, pero también es una frase que le puedes decir a tu perro, incluso a uno mismo. Por ahí entra el concepto de "EPV1OJ", que es un disco súper íntimo y personal, con el punto cúlmine que es esa sanación de adolescencia interna, de encontrar y querer vivir momentos especiales con alguien. Cuando sientes que aprendiste a amar", reflexiona Fran Straube. 

  Porque el mar es tan inmenso como el cielo, y en sus profundidades también hay mucho por aprender. Con sensibilidad y mostrándose vulnerable, la artista abre paso a nuevos comienzos para los que nunca se está atrasado. "Porque nunca es tarde para volver a empezar", menos si se trata de saber amar. 

  Quizás no podamos ver un OVNI juntxs aún, pero sí a RUBIO en su esplendor, porque la artista aterriza en dos de los festivales más importantes de la región: el sábado 14 de marzo será parte de Lollapalooza Chile y el viernes 27 del mismo mes tendrá su turno en Pa'l Norte, en Monterrey, México.

  El viaje continuará durante mayo con fechas por el país del norte, con conciertos en Sala Arpa de Querétaro el 8 de mayo, Cuerda Cultura de Guadalajara al día siguiente y una imperdible presentación en el Auditorio BB de la Ciudad de México el 16 de mayo. 

  Os dejo por aquí el videoclip de "Nuestra Canción". ¡No os lo perdáis!

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"Acertijos de la intimidad", el nuevo EP de "ZOWË"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"ZOWË"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Cuando escribo por amor todo vale; cuando escribo por dolor, una llave". Homeshake, Doechii, Romancito, Chico Buarque y Luis Miguel alimentan los mundos de Marcos Inostroza, el artista chileno que desde "ZOWË" amplía los márgenes del rap actual.  

  Pop, rock y música alternativa reconoce territorios más maduros y vulnerables en "Acertijos de la intimidad", un nuevo EP donde las tensiones internas, lo poético y las ganas de lograr la sensación del ver una banda en vivo continúan afirmándose, como escuchamos en "Diversos Ambientes", del 2024. 

  " "Acertijos de la intimidad" representa para mí el cierre de un momento y, al mismo tiempo, esa continuación natural del EP anterior, que era la exploración de distintos espacios desde el rap como columna vertebral. Este nuevo trabajo lo hice desde un lugar más maduro, oscuro y expuesto", cuenta el músico que ahora pone en primera fila el relato de historias y estímulos personales.

  Mostrar lo que sostiene, sin tanto ornamento. La estructura y membrana. Una portada, a cargo de la ilustradora Mara Parra, acompaña el imaginario de capas internas nutridas de aprendizaje y colaboración. 

  "Este disco se construyó de manera muy orgánica desde Patán Records. Solonosqueda aportó con dos beats que me encantan. Enzo Nitor es parte clave de la producción: aportó con guitarras, bajos, teclado y la definición de estructura de los rapeos. Renata Era incorporó voz en código pop en 'Vacío'. Tornallsol scratchea en 'Convicción' y nos entendió perfecto cuando dijimos que queríamos una onda Beastie Boys. RENÈ propuso algo en la línea trap en 'Café'. Josefina Espejo suma voces en la canción homónima que originalmente tenía sample de Luis Miguel. Ignacio Quezada, mi amigo desde el colegio, es el guitarrista en vivo y fue quien propuso guitarras y arreglos que empaparon el cierre del EP".

  Una diversidad de lenguajes sonoros versátiles para un EP que conduce el rapeo a otras escenas, también a otras sensibilidades. Lejos del "enemigo imaginario" del cliché hip hop, "ZOWË" habita el rap como herramienta para hablar de inseguridades, desamores, contradicciones. 

  "Me interesa más la introspección que la confrontación", dice respecto a las 5 canciones que tienen gusto a vanguardia y tradición. "ZOWË" reafirma su esencia con referencias populares y cercanas, mientras escribe sus verdades más dolorosas y amorosas, rapeando sobre cómo la vulnerabilidad no es fragilidad, sino convicción. 

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"Pistas", el nuevo disco de "MISMA"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"MISMA"! Y bueno, ¡comencemos!

  Del territorio intermedio entre la euforia de la pista de baile y las señales que se buscan para vivir el resto del tiempo nace "Pistas", debut discográfico de uno de los más hermosos secretos del under argentino: "MISMA". 

  Extrasensible, corporal y atravesado por el pulso electrónico de los ’80, el dream pop y el electroclash, el dúo de Evangelina Viscoitaliano e Ignacio Pello abre la puerta a un universo hi-lo-fi que es íntimo y expansivo; un sonido propio que, lejos de buscar la perfección, persigue la verdad que se revela en el ritmo personal de hacer música. 

  "Creemos que es un disco para disfrutar con auriculares. En lo material suena medio hi-lo-fi, porque no pasó por un estudio profesional de grabación, pero sí por muchísimas horas —años— de edición y regrabación. Recién en 2025 volvimos a trabajar con Franco D para darle una postproducción que terminara de unificar el sonido, definir el material y llevarlo a un lugar que realmente nos representara", explica "MISMA" sobre la placa que incluye canciones compuestas entre 2017 y 2022.

  Más que un relato lineal, "Pistas", con sus suaves melodías pop y fuertes beats electrónicos, comparte una colección de estados, un compilado de fragmentos de experiencias de confusión, deseo, calma, cuidado, búsqueda. No hay una historia que avance, sino más bien un movimiento que oscila entre el pensamiento y el cuerpo, entre la euforia y la eutimia, entre lo fugaz y lo que permanece.

  En ese juego, el álbum habita tensiones sin necesidad de resolverlas. Las "pistas" no son respuestas, sino indicios, pequeñas revelaciones que aparecen y desaparecen como el ritmo, como el deseo, como la claridad.

  "Bailamos en rituales desde que tenemos pies, y probablemente lo sigamos haciendo siempre: para exorcizar, encontrarnos, liberarnos, perdernos o simplemente pasar el rato. En la pista se juntan sensibilidades y, a veces, ese cruce se vive como una revelación, como si bajara una data. Pero el mundo no termina ahí; ese momento es tan intenso y volátil que es imposible de sostener, y después hay que volver a la vida: trabajar, caminar por el barrio, cuidar a los vínculos, seguir existiendo. El disco propone habitar esa tensión: no elegir, sino oscilar. Entrar y salir del ritual y del cotidiano. "Pistas" son esas pequeñas señales que se trafican entre dos mundos y que nos permiten sostenernos sin rompernos".

  Como un delicado archivo de sensaciones, la primera entrega de "MISMA" condensa años de experiencias, vínculos y estados compartidos. Paisajes de melancolía, trance y asombro, pero también ideas simples y luminosas sobre el paso del tiempo y la existencia misma, hacen de "Pistas" un refugio para habitar el instante, ese que ya pasó, pero que dejó señales para lo que viene.

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