"Cuánto Yo Te Quiero", el nuevo single de Delis Val

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Delis Val! Y bueno, ¡comencemos!  

  En el imaginario onírico del sur de Chile habitan seres, ecosistemas, mitos y sonidos. Desde Pucón, Delis Val trae la cumbia dream, una fusión sonora que viene desarrollando bajo este pseudónimo luego de 10 años de carrera bajo su nombre de pila, Delia Valdebenito. 

  Ese universo mágico, atmosférico, tan potente como dulce, sigue su curso con "Cuánto Yo Te Quiero", nuevo sencillo estrenado junto al sello Ladera Volcán, en el que las intenciones electrónicas a 92 BPM se tornan románticas con segundas voces, guitarras eléctricas y percusiones latinas.

  "Es una canción de amor, pero desde un lugar muy sencillo, luminoso y juguetón. La letra habla de ese momento en que estás tan bien con alguien que pareciera que no necesitas nada más. Es una canción sobre quedarse en ese instante, disfrutarlo y dejar que el mundo siga girando", cuenta sobre una lírica que canta frases como "Nada hace falta si está tu mirada". 

  Con un espíritu romántico y cotidiano, como el juego del flirteo que se da en llamadas telefónicas, Delis Val recorre las intimidades más corrientes para profundizar en ese sentir cálido, sin perder lo bailable y latino que tiene su estilo de cumbia.

  "Aparece una sonoridad más alegre, pero igualmente con la existencia de sintetizadores, percusiones, guitarras eléctricas y voces se va construyendo una atmósfera que no es solamente tropical, sino también un poco psicodélica y onírica. La estructura también es un poco diferente: la estrofa repite una frase constantemente, así como lo suelen hacer los estribillos", desglosa sobre la composición que se encamina clara y definida. Porque la cumbia dream no es sólo un género: "es una manera de construir canciones y mundos. Música para bailar, pero también para imaginar y viajar", asegura. 

  El primera adelanto de una nueva etapa que viene a consolidar más de 10 años de carrera y que durante los venideros meses seguirá develando más canciones y ampliando el mundo que nos cuenta. Más historias, más estados de ánimo y la búsqueda de mezclar cumbia con elementos electrónicos y la experiencia de vivir en el sur de Chile.

  Los colores, olores y sensaciones del sur permiten volver a lo esencial: cuando nos alejamos del ruido y los adornos de la gran ciudad, aparece el ritmo y una forma más luminosa de habitar el sentir. Es desde ahí que Delis Val se acerca al amor en "Cuánto Yo Te Quiero", una canción que contó con la producción de Pedro Leiva Rivas, además de los sintetizadores y la grabación, mezcla y masterización de Arturo Zegers.

  "Un proceso de ir encontrando el equilibrio entre una cumbia que tuviera mucho movimiento y una atmósfera más soñadora y que, a su vez, expresara profundidad en una letra breve y simple", dice. 

  Conectada con su horizonte artístico, la chilena permite romance, juego y baile para encontrar la belleza en lo simple, mostrándonos un poco más de su forma en su estado más genuino. "Es una propuesta que no busca solamente sonar de una determinada manera, sino transmitir una personalidad y una forma femenina de ver y vivir la cumbia". 

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Delis Val. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Experiencia Profesional", el nuevo EP de Jamez Manuel

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡Jamez Manuel! Y bueno, ¡comencemos!

  Volver al origen para comenzar una nueva etapa. Esa es una de las ideas que atraviesa "Experiencia Profesional", el nuevo álbum de Jamez Manuel, un trabajo en el que recupera la esencia del hip hop noventero y la cruza con elementos profundamente ligados a su propia historia. 

  Con mayor presencia de samples y una sonoridad más clásica y directa, el disco marca un giro respecto de las búsquedas más modernas y futuristas que han caracterizado parte de sus lanzamientos anteriores. Esta vez, la intención fue regresar a las bases del género y construir desde ahí un proyecto personal, espontáneo y cercano.

  La puerta de entrada fue "Orange Crush", una canción que, curiosamente, también funciona como la excepción dentro del álbum. Con una energía más luminosa y veraniega, el single irrumpió en medio del invierno apostando por una sensación de libertad y espontaneidad: romances que aparecen sin aviso, encuentros inesperados y esa necesidad de escapar por un momento de la rutina.

  Más que perseguir una gran narrativa, la canción captura un instante. Romance, deseo, optimismo y algunos guiños a los amores de verano aparecen en un track que funcionó como la carta de presentación de "Experiencia Profesional", pero que deliberadamente muestra una cara distinta al resto del disco.

  El nombre "Experiencia Profesional" nace inicialmente desde un juego de doble sentido vinculado al erotismo, un elemento presente en parte de la escritura de Jamez Manuel y especialmente reconocible en el universo de su anterior proyecto, Varones de Compañía.

  Esta vez, sin embargo, la idea adquiere una segunda lectura: la experiencia "profesional" entendida desde el fútbol.

  La relación no es casual ni responde únicamente a una decisión estética. El fútbol ha acompañado al artista desde niño: entrenó y jugó en distintos equipos, incluyendo etapas vinculadas a Universidad Católica y Universidad de Chile, y hasta hoy continúa participando en ligas amateur. En "Experiencia Profesional", esa historia personal finalmente se encuentra con la música.

  Para Jamez, ambas disciplinas comparten un mismo lugar emocional: son espacios de libertad, expresión e identidad, lugares donde puede sentirse genuinamente él mismo.

  Por eso, el imaginario futbolero atraviesa todo el proyecto. Camisetas, cancha, pasto, formaciones y situaciones reconocibles del deporte construyen la identidad visual del álbum y de los visualizers que acompañarán sus canciones.

  De Melipilla al origen del disco

  El carácter espontáneo del proyecto también está presente en su proceso creativo. Parte de "Experiencia Profesional" comenzó a tomar forma a partir de un encuentro inesperado con NICO RVCKS, productor de Melipilla que contactó a Jamez a través de Instagram para compartirle algunos beats después de seguir su música durante años.

  La conexión derivó en tres canciones, posteriormente desarrolladas y terminadas junto al equipo habitual del artista. Así, un encuentro nacido fuera de su círculo de trabajo terminó aportando parte de la identidad inicial del disco.

  Junto a ese proceso, Ricci Motora y DJ Wine, productores de cabecera de Jamez Manuel, vuelven a ocupar un lugar fundamental en la construcción del proyecto, reforzando el carácter cercano y colaborativo que atraviesa todo el álbum.

  "La pelota no se mancha": un encuentro pendiente con Liricistas

  El cruce entre rap y fútbol alcanza uno de sus puntos centrales en "La pelota no se mancha", colaboración junto a Liricistas.

  El encuentro tiene además un significado especial. Jamez Manuel y la agrupación se conocen desde los primeros años de sus respectivas carreras y han compartido durante largo tiempo espacios dentro de la escena hip hop chilena, pero nunca habían trabajado juntos en una canción. La temática futbolera del nuevo proyecto terminó convirtiéndose en la oportunidad perfecta.

  Sabiendo que los integrantes de Liricistas también comparten esa pasión, Jamez los invitó a formar parte del álbum. La conexión fue inmediata y la canción surgió naturalmente desde el encuentro entre artistas que, después de años recorriendo caminos paralelos, finalmente coinciden en una grabación.

  Con canciones como "Camron", "Jojojo", "Orange Crush" y "La pelota no se mancha", "Experiencia Profesional" recorre romances, deseo, desamor, optimismo y experiencias personales desde una sonoridad que mira hacia los años noventa y recupera el espíritu más esencial del hip hop.

  Más que utilizar el fútbol como concepto visual, Jamez Manuel convierte la cancha en una extensión de su propio universo. "Experiencia Profesional" reúne así dos caminos que lo han acompañado desde siempre: el rap y la pelota, dos formas distintas de jugar, expresarse y sentirse libre.

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"Qué muere en invierno", el nuevo single de "Dënver"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dënver"! Y bueno, ¡comencemos!

  En un invierno crudo en el Hemisferio Sur, el pop chileno sirve de refugio y encuentra un lugar inédito para el dúo compuesto por Mariana Montenegro y Milton Mahan. Buscando lo orgánico, y con la nobleza de la guitarra acústica, la madera y las cuerdas, "Dënver" explora una nueva sonoridad en "Qué muere en invierno", nuevo adelanto de su próximo álbum. 

  Es cierto que hay algo melancólico en esta temporada que se despide, pero los músicos querían algo lúdico. "Eso de refugiarse y estar en el hogar cuando llueve te permite conectar con un yo más interno, que saca todo ese mundo introspectivo que es muy rico en creatividad", explica Mahan sobre el estreno que Montenegro describe como una canción "acogedora y contemplativa, que invita a disfrutar el invierno".

  Con intenciones de sumar elementos latinos en su esperado quinto disco, sucesor de "Sangre Cita" (2015), "Dënver" incorpora toques de bolero y bossa nova al brillante repertorio de indie, disco, synth, balada y twee pop que han desarrollado en las últimas dos décadas. 

  "Creo que estaba pendiente jugar más con este tipo de sonoridad. Fue un poco un desafío y funcionaba bien para que el disco nuevo tuviese otros colores, que se sintiera toda la música que hemos oído y estudiado en estos años. Yo tenía por ahí unos acordes, parte de la letra que había escrito hace un tiempo, y, probando cosas, mostrándola a los amigos con quienes colaboramos, fue creciendo la idea. Pablo Jara, que toca en nuestra banda, tiene una técnica y unos colores muy lindos en su tocada. Tuvo mucho que ver con la exploración de la canción", agrega Milton.

  Querían una canción para momentos de lluvia. Ahora existe en su historia sonora. "Qué muere en invierno" vive sobre una base de bolero, con una guitarra a lo bossa y una letra que viene del mundo de las tonadas chilenas. "Para mí, es un poco híbrido, pero sí queríamos que se sintiera con espíritu latinoamericano", dice Milton.

  "Hay otras canciones que se sienten veraniegas, primaverales y otoñales. Esta representa esa ambigüedad del invierno, que es frío pero puede ser especialmente cálido", reflexiona Mariana.

  ¿No sientes que esta estación te vuelve más contemplativo? A los chilenos nos pasa que mirar la cordillera es algo especial. Hipnótico, "hasta diría que te vuelves un poco más lento", cree Mahan, y agrega: "Algo se apaga en invierno y me gusta que sea así. Deberíamos respetar más ese sentido de hibernación. Creo que algo de eso está implícito en la pregunta que plantea la canción". Mariana siente que son varias cosas las que se apagan en esta época: "Uno se da cuenta de eso sobre todo con el contraste de la primavera; entonces es una pregunta que invita a reflexionar sobre esto que se pierde y luego se recupera".

  ¿Qué muere para ti en invierno? ¿Las noches largas, la sobreexigencia, la falta de descanso, el deshabitar tu casa, el no mirar el cielo? Las respuestas son personales, pero la escucha es colectiva y "Qué muere en invierno" es ideal para reproducir mientras caen las últimas lluvias, todo mientras "Dënver" se alista para el nuevo disco.

  Para acompañar "Qué muere en invierno", puedes poner la tetera y ver el video trabajado junto a Choko.latin, donde la cotidianeidad del hogar se complementa perfectamente con la idea acogedora del track, convertido por estos días en la canción favorita de Milton de este quinto disco. "Creo que es como que casi no sé si existiría el álbum si no fuera por esta canción", asevera. No es menor. Esa convicción no muere en invierno.

  Os dejo por aquí el videoclip de "A Pedacitos". ¡No os lo perdáis!

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"Fulgor", el nuevo single de AirelavaleriA

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡AirelavaleriA! Y bueno, ¡comencemos!

  Como quien descubre que puede correr por el aire, AirelavaleriA vuelve con una canción que transforma el enamoramiento en una experiencia física y luminosa. "Fulgor" es el primer adelanto de "Astronautas", nuevo álbum de larga duración que llegará después de 15 años del estreno de su aplaudido debut discográfico, "Chaleco" (2011), y donde la ciencia ficción y el pop experimental convergen para contar, de principio a fin, una buena historia de amor. 

  Ubicada justo en el centro de "Astronautas", "Fulgor" representa el punto de mayor intensidad energética dentro del relato cronológico que construye el disco. Con guiños a "Pasajera en trance", de Charly García, la canción retrata el tránsito desde el vértigo del enamoramiento hacia un amor más real, proponiendo ese viaje como una metáfora de la energía vital y del enamoramiento por la vida misma. 

  "Con el tiempo me di cuenta que, si tuviera que reducir "Fulgor" a su esencia, diría que se trata de la energía vital, de lo que nos aterriza y nos eleva; que nos hace querer estar acá, en la vida y en nuestro cuerpo con goce. El amor de pareja es una de las formas en que esa energía se manifiesta, pero hay muchas otras. Para mí, "Fulgor" terminó convirtiéndose en el enamoramiento con la vida misma siendo habitantes de este planeta", profundiza AirelavaleriA.

  La imagen de "correr por el aire", que aparece en el coro de "Fulgor", sintetiza una de las ideas centrales de la canción: esa sensación de que el amor altera la gravedad, vuelve el cuerpo más liviano y transforma la forma de habitar y ver el mundo. Inspirada, entre otras cosas, en algunas escenas de la película "El Tigre y el Dragón", AirelavaleriA convierte esa experiencia en uno de los principales ejes estéticos del nuevo sencillo, trasladando esa tensión entre peso y elevación a cada una de las decisiones musicales.

  "Musicalmente era importante para mí que los tambores dieran una sensación de gravedad, con un poco de reverb para que pareciera un espacio grande, casi exterior, donde está pasando algo medio épico. Pero, al mismo tiempo, quería que todo se sintiera íntimo, y creo que los sintetizadores del comienzo, que están hechos a partir de la voz, le dan una dulzura como íntima. Las cuerdas, en cambio, me dan la sensación de volar, y así se genera esa tensión entre aire y tierra, elevación y peso, romanticismo y sensualidad. Incluso la melodía de la voz se mueve como dice la letra: se prepara, salta, corre y cae liviana", explica la compositora.

  La puerta de entrada a "Astronautas" es también el umbral a un universo de ciencia ficción construido más allá de la música. Pensado como una película sonora, el disco será acompañado por una serie de reels audiovisuales dirigidos por Luz Andrea Sierra que funcionan como pequeños teasers de ese relato que se cuenta de principio a fin en el LP. Las piezas serán publicadas a través de las redes sociales de AirelavaleriA, invitando al público a recorrer una historia imaginaria completa. 

  Pero "Astronautas" no llegará solo. Lejos de las estrategias de lanzamiento que hoy dominan el quehacer musical, AirelavaleriA apuesta por desarrollar un proyecto guiado por sus propias necesidades y búsquedas creativas. Por su propio impulso. Así, el mismo día del estreno de "Astronautas", también verá la luz "Casita de Arena", un disco definido por la artista como "brutal en su crudeza". 

  "Astronautas y Casita de Arena son como dos realidades paralelas. Uno cuenta la historia de un buen amor y el otro, la de una tragedia. Me gusta imaginar que el personaje de Casita de Arena sueña con el mundo de Astronautas, mientras que el de Astronautas está leyendo un libro donde ocurre la historia de Casita de Arena. Creo que Casita de Arena comienza entendiéndose como una historia amorosa que terminó mal y se va revelando que es algo más fuerte y difícil de nombrar", relata la artista, cuyo nombre también contiene una dualidad de opuestos, al ser una palabra palíndromo. 

  Tanto con "Fulgor" como con sus próximos estrenos, AirelavaleriA reivindica los tiempos de cada canción y los pone por sobre los tiempos de la industria, como una declaración de principios de una artista que pocas veces ha dejado de crear y que construye su camino a su propio ritmo, muchas veces alejada de los focos. Un regreso que devuelve a la música chilena una de sus voces más singulares y sensibles, y que tendrá su punto más alto a principios de octubre, con el estreno simultáneo de los dos álbumes de larga duración.

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"SUAVECIDADES", el nuevo disco de Keyo Catto

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Keyo Catto! Y bueno, ¡comencemos!  

  No seguir una sola idea, estilo o regla establecida; ser ecléctico y flexible, y así absorber de los distintos mundos que nos rodean. Combinando elementos del indie, el jazz, el R&B y el lo-fi, el músico penquista encuentra en la variedad su propia libertad. 

  "SUAVECIDADES" es su debut, un larga duración de 8 canciones variadas, pero fieles al formato de canción popular. Aun así, "la propuesta es muy cambiante y fusiona diversos estilos de composición, producción y mezcla, combinando de forma detallista texturas digitales con una narrativa lírica muy emocional", nos explica Diego Croxatto, el músico detrás de Keyo Catto.

  El álbum se presenta como un relato introspectivo marcado por el desamor, la distancia y la melancolía, "que busca constantemente la paz y la aceptación”; ya adelantado por el single doble 'SIENTO / ESPERAR’, 'COSAS QUE NO ME TOCÓ APRENDER', y la última muestra, 'SIEMPRE PARA TI'. Un viaje colectivo en lo técnico, que viene a alimentar el buen estado que vive la música chilena por estos días, esta vez, desde el sur del país. 

  El título se inspira en su visión personal del arte. "Como fanático de la música y sus minucias, creo que cada obra se aprecia según el conocimiento de quien la escucha. Por eso, este disco ofrece canciones de corte popular, pero con capas internas de información técnica o estética para explorar. No hace falta ser experto para conectar con el arte; el saber solo cambia la experiencia, no la hace mejor ni más válida", comenta, explicando que la idea de usar herramientas complejas de composición y sonido se ejecutaron de manera sutil, "en un formato digerible, garantizando que cualquiera pueda disfrutar cada pieza a su propia manera, haciendo suyas las pequeñas "SUAVECIDADES" que vaya descubriendo". 

  Para dar con toda la experiencia, su propia producción junto a nombres como Antonio Caballero (Centella) y Bastián Grañas (Ninja Negro), van tejiendo un LP vanguardista, mas no pretencioso. "Siempre he sido fan del trabajo colaborativo. Soltar el control y crear un espacio basado en la confianza enriquece el proceso y el resultado; no porque alguien sepa más, sino porque cada mente imagina algo distinto. Esa libertad convierte a la canción en el medio de comunicación del equipo. Si hiciéramos una radiografía de cada tema, se vería con claridad la fusión de los lenguajes de cada integrante que participó en la obra", dice. 

  La tradición jazz, rock y soul son puentes para que Keyo Catto dé con su propio lenguaje: uno moderno y en concordancia con los tiempos que corren. La música popular trae frescas brisas, "SUAVECIDADES" que no por ser menos hostiles dejan de ser poderosas. De hecho, son envolventes, detallistas y genuinas. Un debut que expande los límites de la creatividad, con intenciones de convertirse en un aporte para el brillante futuro de la movida independiente chilena. 

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"Me Voy", el nuevo single de "Dënver"

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  El nuevo álbum, el quinto de su carrera, es inminente, y uno de sus últimos sencillos no podía venir con mejor compañía. Mariana Montenegro y Milton Mahan hacen más real que nunca su regreso a la música con este especial estreno: un single junto a Ruzzi y producido por el ganador de múltiples premios Grammy, Adán Jodorowsky –Adanowsky–, titulado "Me Voy". 

  La canción, que habita en el rincón más emotivo del pop que propone el dúo chileno en sus 20 años de carrera, es clásica en su sonoridad; "un pequeño momento de reflexión y solemnidad" dentro del universo que trae el trabajo a estrenarse durante el segundo semestre, como adelanta Mahan, quien también estuvo a cargo de la grabación en Chile y de la dirección del videoclip. 

  Una historia a tres voces entre los sudamericanos y Ruzzi, con la labor de Adanowsky y los arreglos de cuerdas de Emiliano Dorantes desde México. Cumbre de obradores del pop alternativo, que se encuentran tras varios años de relación y que, finalmente, se transforma en canción. "Muchos años yendo a México han hecho vínculos entre los amigos músicos", explica Milton, mientras que Mariana hace memoria sobre cómo descubrió la música de Ruzzi hace años navegando por Internet. "Le escribí porque me interesaba para un programa de radio que tenía en ese momento. Luego de eso, nos conocimos en persona y fue genial. Fue muy natural que se diera esta colaboración, era algo que se veía venir". 

  Así es como también "Adán le imprimió gran parte de su sonido. Todo se grabó en su estudio, el que está muy equipado de cosas vintage que le otorgan una calidez distinta al sonido. Se grabó con músicos mayoritariamente mexicanos, el arreglista, Emiliano, también es de allá, y de alguna manera prestaron sus colores musicales a la idea que teníamos de la canción", suma Mahan. 

  Luego de presentarse en Chile e invitar a "Dënver", Ruzzi –nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2025– se mimetiza perfectamente en esta historia de despedidas, desamores y las búsquedas incansables de dignidades que perseguimos en la vida, que viene acompañada de un video en el que el tiempo se detiene. Producido por Plátanos Films y con Juan Maturana en la dirección de fotografía, el clip recuerda a los cuentos de John Cheever en su linealidad, y a Larry Sultan en sus colores, luces y personajes. 

  "Me Voy" encuentra a "Dënver" en un gran momento: refleja sus deseos de querer pasarlo bien en el proceso de creación, explorando y colaborando; incluyendo a diferentes productores, compositores y arreglistas, haciendo de su universo algo cada vez más expansivo e infinito. 

  Con ese motor, Mariana y Milton no sólo preparan el estreno del nuevo disco, también una serie de conciertos en vivo, como la presentación en el Festival En Órbita el próximo 25 de septiembre, donde compartirán el escenario de Basel junto a Beach Fossils, Alejandro Paz y Diegors. Las entradas ya están a la venta mediante Puntoticket.

  "Tenemos un súper equipo y un show muy apretadito, así que con las canciones nuevas que se van a ir sumando, más las clásicas, se vienen conciertos muy prendidos. Nostálgicos y bailables. Además, no van a ser tantas las oportunidades de vernos en vivo en este formato antes del show de lanzamiento", cuenta el par más brillante del pop chileno que, lejos de irse, está más de regreso que nunca.

  Os dejo por aquí el videoclip de "A Pedacitos". ¡No os lo perdáis!

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"Marzo", el nuevo single de Olivia García

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  La llegada del frío y la importancia de tener un refugio donde poder replegarse. Las tardes más cortas, el café caliente, las frazadas y la buena compañía se vuelven protagonistas de una época que Olivia García retrata con delicadeza y precisión en "Marzo", nuevo sencillo que encuentra belleza en los pequeños gestos capaces de hacer más llevaderos los inviernos y, también, los momentos difíciles.  

  "Es mucho mejor pasar el frío contigo. Traigo una buena cafetera y un cedé, con eso te abrigo", canta la artista en el primer adelanto de su segundo larga duración, un trabajo producido junto a Arturo Zegers que busca expandir la propuesta sonora y conceptual de "Te Daría Tanto" (2025), miniálbum nominado a Grabación del Año en los Premios Pulsar 2026.

  "Te Daría Tanto nació como un EP de seis canciones centradas en el aprendizaje de poner límites, la experiencia del duelo y de soltar relaciones no recíprocas; pero desde un inicio supimos que esa era solo la primera parte de un disco más largo. Ahora vamos a convertir ese trabajo en un LP, sumándole canciones que hablan de la otra cara de ese proceso: de las relaciones que permanecen y que son claves en un proceso de sanación personal. De ahí viene la estética cálida y romántica de 'Marzo'. Aunque habla del otoño y el invierno, también es una metáfora de cómo se hace mucho más fácil atravesar los momentos sombríos cuando tienes el cariño y compañía de esa persona que quieres al lado", explica Olivia.

  Guitarra de palo, dulces melodías pop y la inclusión de sintetizadores y una drum machine hacen de "Marzo" una muestra perfecta del universo de García; un espacio donde la intimidad del folk se encuentra con una sensibilidad pop de raíz noventera y dosmilera para hablar de afectos y procesos personales, sin miedo a la vulnerabilidad. "Me gustaría que la gente se quede con una sensación esperanzadora después de escuchar esta canción. Que sienta que, después de conectar con el dolor, sí existen salidas. También quisimos que esa sensación estuviera en el sonido: una mezcla entre lo orgánico y lo digital, con la drum machine marcando el latido de la canción, para crear un lugar cálido donde refugiarse", detalla sobre el single editado bajo el sello Ladera Volcán, que además cuenta con un videoclip dirigido por la misma artista.

  En medio de la grabación de las nuevas canciones, la compositora –que tuvo sus primeras apariciones públicas en el programa The Voice Chile (2023)– ha vivido algunos de los hitos más importantes de su carrera. En abril abrió los dos conciertos de Jorge Drexler en el Movistar Arena y, apenas unas semanas después, volvió al mismo escenario para abrir las dos presentaciones de los Jonas Brothers en Chile, consolidando un camino firme y un año de fuerte proyección. 

  "Abrir los conciertos de Jorge Drexler fue la oportunidad más linda que he tenido en mi carrera. Fue un sueño, no solo porque es uno de mis principales referentes, sino también porque significó mi primera vez en el Movistar Arena. No me imaginé que dos semanas después iba a volver al mismo escenario junto a los Jonas Brothers. Fue muy emocionante, las Jonáticas me apoyaron infinito. Fue hermoso sentir que logramos conectar con dos públicos tan distintos". 

  Así, con un nuevo disco en camino que llegará a las plataformas digitales en octubre y el respaldo de un año lleno de puntos altos al que se suma el reciente anuncio de apertura del concierto de Zayn, este 9 de octubre en Movistar Arena, Olivia García mira hacia adelante sin perder de vista lo que ha definido su música desde su primer álbum, "Un Nuevo Refugio" (2024): la capacidad de convertir las experiencias más personales en canciones capaces de acompañar a otros.

  El estreno de "Marzo" será celebrado el miércoles 5 de agosto con un show íntimo y gratuito en La Tienda Nacional (Merced #369, Santiago).

  Os dejo por aquí el videoclip de "Desastre". ¡No os lo perdáis!

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"PRADA", el nuevo single de Mario Bautista

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡Mario Bautista! Y bueno, ¡comencemos!

  Mario Bautista vuelve a sorprender con una colaboración que pocos veían venir. En "PRADA", el cantante une su estilo con el de Kevin AMF, una de las figuras de mayor crecimiento en la música mexicana, dando vida a una canción que conecta dos generaciones y dos propuestas musicales en un lanzamiento imperdible. 

  Con una producción fresca, una interpretación cargada de actitud y una melodía imposible de ignorar, "PRADA" explora la atracción, el deseo y la intensidad de una conexión que se vive sin reservas. El tema encuentra el equilibrio entre la esencia pop que ha caracterizado a Mario Bautista y la autenticidad que ha convertido a Kevin AMF en uno de los nombres más relevantes del movimiento urbano actual. Más que una colaboración, "PRADA" representa el encuentro de dos momentos clave de la música mexicana. 

  La canción nació con una idea muy clara: desde que Mario Bautista la escuchó, supo que la voz de Kevin AMF era la indicada para formar parte del proyecto. Aunque ambos artistas ya habían coincidido en distintos eventos y mantenían una buena relación, fue "PRADA" el tema que finalmente los llevó a reunirse en el estudio, dando como resultado una colaboración que fluye de manera natural y refleja la personalidad de ambos.

  Mario Bautista continúa demostrando su capacidad para evolucionar sin perder su esencia. A lo largo de su carrera ha sabido reinventarse constantemente, explorando nuevos sonidos y colaborando con algunos de los nombres más relevantes de la música latina, consolidándose como uno de los artistas pop mexicanos con mayor impacto internacional.

  Por su parte, Kevin AMF atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Su crecimiento en plataformas digitales, el respaldo del público y la rapidez con la que sus canciones se convierten en tendencia lo han posicionado como una de las figuras más representativas de la nueva generación de la música mexicana, ampliando constantemente el alcance de su propuesta.

  En conjunto, ambos artistas entregan una canción que no sólo destaca por su sonido, sino también por la química que proyectan desde el primer verso. "PRADA" es una muestra de cómo dos estilos distintos pueden complementarse para crear un tema fresco, contemporáneo y con el potencial de conquistar playlists, redes sociales y escenarios.

  Como parte de este lanzamiento, "PRADA" contará próximamente con un videoclip oficial, el cual actualmente se encuentra en proceso de producción. La pieza audiovisual será estrenada más adelante y complementará la propuesta del sencillo con una narrativa que amplificará la esencia de esta esperada colaboración entre Mario Bautista y Kevin AMF.

  Con "PRADA", Mario Bautista y Kevin AMF no sólo presentan una nueva canción; consolidan una alianza artística que una experiencia, evolución y el impulso de una nueva generación, reafirmando el gran momento que vive la música mexicana y su capacidad para conectarse con audiencias cada vez más amplias.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Mario Bautista. No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Uno", el nuevo disco de Pescao

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Pescao! Y bueno, ¡comencemos!

  Envueltas en nostalgia, humor y un sonido sesentero, las doce canciones que integran la carta de presentación del trío chileno viajan del folk al surf rock, de la experimentación a la intimidad, para recorrer el amor, la amistad y las ausencias desde una mirada cotidiana y poco solemne. Un cancionero atemporal que encuentra en las pequeñas escenas de la vida diaria la materia prima para dar con canciones inolvidables. 

  La historia de un niño santiaguino que sueña con surfear, el silencioso deterioro de una relación de años, encontrar una caja con fotos viejas y volver, por un momento, a eso que ya no somos. Entre esas pequeñas escenas se levanta el universo de Pescao, trío chileno nacido en 2024 que observa la realidad desde un lente amable y musicaliza lo agridulce de la vida en "Uno", un primer larga duración cálido, versátil y atemporal. 

  Tras presentar siete adelantos durante el último año –entre ellos, una divertida versión local del clásico "How Deep is Your Love", con Olivia García–, la banda integrada por Tomás Hurtado (voz), Clemente Boetsch (guitarras) y Andrés Elgueta (batería) reúne por fin esas piezas en un disco que encuentra su identidad en el delicado equilibrio entre la melancolía y el humor. "Tiene algo de esa sensación que da en los funerales cuando cuentan una anécdota chistosa y se escapa una risa entremedio de las lágrimas", explican.

  Esa natural mezcla de emociones se ve reflejada también en el cruce de géneros que propone Pescao. Inspirado en la estética del pop radial de los años 60 y 70, y combinándola con influencias de la trova latinoamericana, el surf rock y el folk contemporáneo, "Uno" –grabado de manera casera en piezas y escritorios– apuesta por un sonido cálido y artesanal, construido desde la guitarra, la voz y el trabajo colectivo de la banda. 

  "Buscamos un sonido acogedor y simple, utilizando recursos básicos, pero bien aprovechados. Lo retro en nuestra música aparece más desde cómo trabajamos que desde máquinas caras o estudios vintage a los que nos hubiese encantado ir. Grabamos en nuestros propios espacios, muy pegados a los instrumentos, conversando entre nosotros, con poco computador y poco click, siempre defendiendo las canciones desde lo que ellas mismas nos pedían. Al final, esa forma de trabajar terminó imprimiéndole al disco un carácter muy coherente con las historias que queríamos contar", detallan.

  La libertad creativa con la que se mueve el trío se traduce en un repertorio que nunca permanece en un solo lugar. Sobre un formato clásico de banda –guitarras, bajo y batería–, al que se suman hermosas apariciones de piano, sintetizadores y contrabajo, cada canción abre un espacio propio dentro de un universo común: desde la experimentación de "Dos Remolinos", con guitarras invertidas y baterías poco convencionales, hasta el humor tierno de "Polera" o la nostalgia luminosa de "No es nada", todas encuentran formas propias de compartir historias que parecen estar escritas en el ADN de lo que somos. 

  "Nos gustaría que la gente le agarre cariño a estas canciones y las sienta propias; que se sientan acompañados por ellas en su rutina y puedan darle un sentido personal a las letras y melodías", reflexionan sobre el destino de un disco marcado por los afectos y las relaciones, un punto que potencian con las colaboraciones de y Vicente, Pablo Lobos, Olivia García y el propio Andrés Elgueta en su faceta solista, y que no responden a una lógica clásica de invitados, sino al vínculo de amistad y comunidad que caracteriza y estimula al proyecto. 

  Una banda joven con alma vieja. En "Uno", Pescao celebra la emoción de esos pequeños gestos y momentos que, aunque parecen simples, terminan quedándose con nosotros para siempre. Desde sus composiciones de autoría hasta una versión de "De nosotros dos", del legendario cantautor uruguayo Eduardo Mateo, el trío recoge la tradición de canciones capaces de encontrar belleza en lo cotidiano y construye, en 40 minutos, un mundo donde nada es tan grave; incluso después de un mal día, siempre puede aparecer un groove suave dispuesto a devolvernos el optimismo

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"SOYI", el nuevo disco de "Soy Irracional"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Soy Irracional"! Y bueno, ¡comencemos!

  En un mundo como este, continuar haciendo lo que amamos es un acto de valentía. Cuando los integrantes de "Soy Irracional" –Felipe, Cuco, Jimmy y Clemente– comenzaron a vivir en ciudades distintas, formar familias y enfrentar los desafíos propios de la adultez, la continuidad de la banda tal como la habían experimentado desde los 15 años dejó de ser una certeza. Lejos de dar un paso al costado, el cuarteto decidió convertir esa experiencia en el motor creativo de un disco que encuentra su corazón en la persistencia, la honestidad y la transformación.  

  "SOYI" llega como el tercer álbum de estudio de "Soy Irracional", y también "como el más homónimo", aseguran, poniendo sobre la mesa el cambio de enfoque que hay entre este trabajo y sus antecesores, "Climas" (2017) y "Modérnica" (2021). "A diferencia de los discos anteriores, que buscaban algo más conceptual, este es muy testimonial. Hay poca fantasía en estas canciones. Aquí abrazamos sin complejos lo que somos, y eso se refleja también en una búsqueda mucho más explícita y genuina por el pop", detallan sobre la placa compuesta, grabada y producida entre Santiago, Buenos Aires y los míticos estudios Abbey Road y Studio13, en Londres.

  El camino recorrido durante dos décadas de amistad y música compartida se siente en las siete canciones que integran el LP. La sensibilidad y el carácter introspectivo del rock alternativo se respira en las letras, la producción analógica y el giro hacia las guitarras, esta vez junto a melodías luminosas y arreglos de vocación pop que profundizan en la nueva dirección sonora del proyecto; una idea que también atraviesa la portada del álbum, donde un automóvil en medio del campo representa la decisión de insistir en el viaje aun cuando el paisaje y la ruta han cambiado tanto. 

  "Hicimos este disco a pesar de la distancia y de todos los cambios que estamos viviendo, cada uno y como banda. Lo más fácil habría sido decir 'hasta acá llegamos, fue lindo', pero creemos que es mucho más valiente seguir. Nos gusta demasiado hacer música, y con "SOYI" entendimos que podemos integrarla a nuestra vida adulta, y que la crónica de estas transiciones y movimientos también es valiosa. Surfear la adultez tiene una poética tan válida como la épica del proyecto que quiere pegar", explican.

  La voz testimonial de "SOYI" es sensible, honesta y rebelde. Elegir la vida que queremos, mezclar caminos que parecían imposibles y hacer las cosas a nuestro propio ritmo es el aire fresco que la banda nos regala en una obra que, yendo a contracorriente de las tendencias actuales, renuncia a las fantasías de la fama para abrazar la vulnerabilidad y las pequeñas victorias de la vida cotidiana.

  En esa búsqueda por encontrar una poesía directa para nombrar aquello que ocurre por dentro fue clave el trabajo junto a Franco Saglietti, líder del proyecto argentino Francisca y Los Exploradores, a quien conocieron durante las sesiones de grabación en Buenos Aires junto al productor Nicolás Btesh. 

  "En Argentina hay una tradición de canciones mucho más directas y veníamos sintiendo que este disco necesitaba ese espíritu, mucho más despojado a la hora de decir las cosas, sin tantos tapujos. Franco y Nico nos ayudaron mucho con esa parte", cuentan sobre el vínculo creativo que terminó materializándose en "La Gracia", el focus track y la única colaboración de "SOYI". 

  Con un equipo de primera categoría comandado por Cuco Errázuriz en la producción, junto a Nicolás Btesh, la mezcla de Ezequiel Kronenberg y la masterización de Francisco Holzmann, la tercera entrega de "Soy Irracional" se alza como un manifiesto sonoro maduro y sincero; un retrato de un momento bisagra que confirma que la ruta para hacer lo que amamos puede cambiar, pero no las ganas de seguir recorriéndola con nuestros amigos.

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"Calendarios", el nuevo single de Cualmarcelo

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cualmarcelo! Y bueno, ¡comencemos!  

  La pena, el derrumbe, la confusión, la esperanza, el amor. Como un año calendario, todo tiene su ciclo. Desde sus nuevos álbumes, Cualmarcelo e Inundaremos recorren ese mapa emocional con canciones atravesadas por la crudeza, la memoria y la experimentación, y nos entregaron –quizá sin saberlo– la banda sonora de una primera mitad del año marcada por emociones intensas, desilusiones, el frío y la permanente búsqueda de algo que nos haga bien, que nos haga sentir menos solos.  

  Estrenados en abril, con apenas unas semanas de diferencia, "Calendarios" y "tanquemante" se instalaron rápidamente entre los lanzamientos más comentados y celebrados de la escena alternativa chilena de este 2026. Ahora, ambos discos compartirán escenario por primera vez el próximo jueves 30 de julio a las 19:30 horas en la Sala Bunster de Matucana 100.

  "Fue una idea bien espontánea. Nos habíamos encontrado en algunas tocatas y nos dimos cuenta de que compartíamos muchas redes y sensibilidades. Cuando escuché 'tanquemante', sentí que dialogaba muy bien con lo que propone mi álbum debut, así que me pareció la banda ideal para acompañar este lanzamiento", cuenta Marcelo Aguayo, quien ya presentó "Calendarios" en su natal Temuco, con un show memorable abierto por Jorge Scheuermann y Recursos Humanos, en el Centro Cultural Galo Sepúlveda.

  Concebido como una experiencia que trasciende el concierto, el lanzamiento en Santiago incluirá una exposición de las pinturas que dieron vida al arte de "Calendarios", un fanzine creado especialmente para la ocasión y una puesta en escena que buscará evocar lo monumental de la memoria humana, sin perder de vista la fragilidad y lo efímero de nuestras vidas, un punto fuerte en la poesía del ex-vocalista de Cuáles i Quiénes. Sobre el escenario, Cualmarcelo estará acompañado por Antonio Caballero (Centella), Alfilera, Esteban Acuña y Neil Valderrama, entre otros músicos invitados.

  "Ha sido muy liberador poder mostrar estos discos y nos emociona mucho poder seguir haciéndolo. Ambos tienen en común que fueron trabajados entre amigos y con un único fin: expresar y hacer sentir todo lo posible. Creemos que es un gran momento para nuestra música y nos sentimos parte de esa búsqueda constante –y a veces contradictoria– que significa hacer arte en Chile", reflexiona Marcelo, seguro de que algunas canciones no solo retratan una época, también la acompañan y nos ayudan a atravesarla con más cobijo.

  El encuentro entre Cualmarcelo e Inundaremos es también una invitación a celebrar el fértil momento creativo que vive la música chilena, con nuevos proyectos que están encontrando formas cada vez más honestas y arriesgadas de dialogar con su propio tiempo.

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"Derramar el Tiempo", el nuevo disco de El Mulu

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡El Mulu! Y bueno, ¡comencemos!

  Como una invitación a habitar el presente, el artista chileno radicado en México entrega un primer LP atravesado por brillantes colaboraciones de la escena folk del continente y un ánimo emotivo que transforma la pérdida en un espacio de encuentro. El álbum llegará a los escenarios con una gira que contempla conciertos en México y una visita a nuestro país en diciembre. 

  Tal vez es momento de desaprender la idea de que el tiempo todo lo cura. "Es una falsa promesa", dice El Mulu, músico chileno que en 2020 viajó a México y, por cosas de la vida y la pandemia, terminó haciendo de ese país su hogar, desde donde hoy presenta su álbum debut "Derramar el Tiempo".

  "Creo que muchas veces nos refugiamos en esa frase para dilatar nuestro compromiso con el presente, delegando al futuro el cuidado de las cosas importantes. Cuando el tiempo se desborda y se derrama, lo único que realmente nos queda es el ahora: qué sentimos, cómo nos hacemos cargo y cómo acompañamos a quienes tenemos al lado", profundiza sobre la principal inspiración para el trabajo de 13 canciones que expande el lenguaje del folk hacia territorios más contemporáneos y envolventes.

  Con la guitarra acústica como eje para vestir versos sobre pérdidas, búsquedas y lo hermoso y necesario de hacer comunidad –sobre todo cuando se vive como migrante–, sumado a arreglos atmosféricos y momentos de épica latinoamericana, "Derramar el Tiempo" comparte un cancionero cálido y emotivo que acompaña con dulzura los tránsitos personales; una bitácora sentimental para encontrar belleza y contención en momentos de desborde, de dolor, de duda.

  "Yo veo estas canciones como pequeños duelos secretos. Cosas que me atraviesan profundamente pero que muchas veces no logro decir de otra manera. Creo que el disco terminó funcionando como un registro emocional de estos últimos cuatro años, marcados por los cambios abruptos, los duelos, las despedidas y el hambre de transformar el presente", explica Ignacio Sánchez, nombre real de El Mulu, sobre el álbum que contó con la co-producción de Coco Godas, Claudio Rojas y Sebastián Casanova.

  Acompañarse en un presente como el nuestro es crucial, y el músico que abrió los shows de la gira "Pánico" de Manuel García el año pasado lo sabe bien. Pehuenche (México), F Mack (Haití), El mismo de antes (México), Julya y Mono (Argentina), Sofía Campos (Argentina) y Benjamín Walker (Chile) son las voces que lo acompañan en un recorrido que comenzó como una aventura viajera y que se transformó en una vida que hoy comparte desde la vulnerabilidad y el deseo de ser canción, con ese poder mágico de estar ahí para otros.

  "A casi todos los conocí viviendo en Ciudad de México, compartiendo conciertos, fiestas entre cantores y amistades que fueron naciendo a través de la música. En ese sentido, siento que es un disco de mucha migración vocal y de encuentros humanos", cuenta sobre el trabajo cuyo espíritu comunitario también se ve reflejado en el videoclip de "Si llega el desastre", pieza que se estrenará el viernes 5 de junio a través de su canal de YouTube, y que fue dirigida por Cristóbal De La Cuadra.

  Tras adelantar siete sencillos durante 2025, El Mulu finalmente da el paso que faltaba y estrena una placa fundamental para este año en el que todo parece demoronarse. Con ternura, una melancolía luminosa y vastos paisajes de raíz latinoamericana engrandecidos gracias al pop y sus posibilidades, regala un refugio para quienes comienzan a sospechar que el tiempo no siempre sana las heridas, pero sí nos va mostrando la manera –y las personas– capaces de hacer ese camino más amable. 

  El viaje seguirá su rumbo natural con el "Derramar el Tiempo Tour", gira que tendrá una parada el 7 de noviembre en CDMX, con dos funciones en el Foro del Tejedor, y que llegará a Chile el 16 de diciembre con un concierto en el Teatro Camilo Henríquez, en Santiago. Para más información sobre los shows, te invitamos a seguir las redes sociales de El Mulu. 

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"35 segundos para las nueve", el nuevo single de "CØNCØN"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"CØNCØN"! Y bueno, ¡comencemos!

  Un día despiertas y tu reloj nuevo está detenido a las 08:59 con 25 segundos. "35 segundos para las nueve" es el instante que Víctor Schlesinger materializó para siempre en el nuevo álbum de "CØNCØN", proyecto compuesto por el productor y la artista visual BernyRo. 

  Luego del EP "Sonido y Luz", el larga duración tiende nuevos puentes entre la electrónica experimental y el formato canción a lo largo de 8 tracks divididos en dos momentos claros. La primera mitad despliega una energía alta, frontal y cercana al rock por su intensidad, con guiños al hardcore, a la electrónica británica, el IDM, industrial y drum & bass. 

  La segunda parte se mueve hacia un lugar más introspectivo, emocional y vulnerable. "Ese lado abre con "Solar", una balada indie pop electrónica, psicodélica y algo onírica, inspirada en una historia real sobre un ermitaño que vivió por varios años en la montaña donde se compuso parte del disco", adelanta Schlesinger sobre el sencillo central del estreno. 

  Hacia el final de "35 segundos para las nueve", el disco se vuelve todavía más contemplativo y expansivo, gracias a momentos instrumentales de atmósferas e intenciones ambient. Un trance a veces febril, a ratos de conciencia plena. "Es un viaje que parte con más pulso, más cuerpo y choque, y termina abriéndose hacia lugares más emocionales y existenciales", profundiza la dupla sobre el álbum que no fue concebido como tal sino hasta la noche anterior en que el reloj de Víctor salió del tiempo.

  "Las canciones fueron apareciendo en distintos momentos entre 2021 y 2025, como islas separadas. "Solar", por ejemplo, fue la primera que empezó a tomar forma cuando me fui de Santiago a vivir a Vilches Alto, en medio del bosque, junto a Berny", cuenta.

  Con una guitarra de su madre y un pandero de su abuelo, ese track fue el primero de varios que surgieron como respuestas a otros mundos o proyectos. Luego de un proceso creativo intenso en 2025, entendieron que sí había diálogo y conexión entre estas islas. El reloj a las 08:59 con 25 segundos lo reafirmó como una señal, abriendo un nuevo capítulo para los artistas que continúan respondiendo a la fusión de lo terrenal con lo espacial, como metáfora del motor que significa unir mundos que muchas veces parecen separados. 

  "35 segundos para las nueve", que llega como un hermano del LP del 2024, "Música Rural", se comprende en la precisión de producción, los sets electrónicos y los constantes debates sobre tecnología, territorio, identidad, aislamiento y pertenencia. 

  Tras adelantar "Sonido y Luz", junto a Foex y Paulopulus –que acreditan la única colaboración del disco–, y "Llegar al Centro", ahora el viaje se completa con dimensiones emocionales intensas y vaporosas, sin perder la identidad de "CØNCØN", que en esta entrega se inspiran en músicos como Floating Points, Four Tet, Aphex Twin, Ryuichi Sakamoto, Leonard Cohen y Electrodomésticos.

  El próximo 25 de julio, Bar de René recibirá el cierre de una gira de lanzamiento que contempla fechas en Matanzas, Concepción, Pucón, Buenos Aires y más por confirmar. Una serie de conciertos que nos entregarán la posibilidad de entrar en el universo de "CØNCØN", con sorpresas visuales y escenográficas, en una experiencia que contará con nuevos elementos musicales e invitados. 

  "35 segundos para las nueve" llega a Santiago en una noche compartida junto a AMI y TKR, donde la música y las artes escénicas celebrarán los puentes construidos en comunidad, las coincidencias, y esos instantes eternos que ofrece la pista cuando salimos del tiempo. 

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"Déjenme Dormir" anuncia su gira por México

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Déjenme Dormir"! Y bueno, ¡comencemos!

  Hay bandas que implosionan con la potencia suficiente para dejar pistas en la superficie y convertirse en partes fundacionales. La agrupación chilena, formada en 2019 y responsable de "Bronce", un celebrado segundo disco lanzado en 2024, es una pieza clave para entender las sonoridades y propuestas que levanta el circuito alternativo local actual. 

  En la etapa previa a grabar un tercer LP, "Déjenme Dormir" debuta en México con una gira financiada por el Fondo de la Música, Línea de Apoyo a la Circulación de la Música Chilena 2026, recorriendo 5 ciudades en una serie de conciertos para los que se preparan ensayando dos veces a la semana y buscando el setlist perfecto.

  El grupo de indie rock tendrá sus primeras presentaciones fuera de Chile en uno de los países que mejor ha sabido conectar escenas en el último tiempo. "Lo que más nos entusiasma es encontrarnos con el público mexicano por primera vez. Tienen buena fama de ser extremadamente cariñosos, en especial con los grupos chilenos. De cierta forma, significa ponernos a prueba como banda, ver si lo que hacemos se traduce fuera de nuestra propia escena e idiosincracia. Conocer México ha sido una inquietud hace varios años, y tener la posibilidad de viajar en este momento nos hace todo el sentido del mundo", cuentan. 

  La melancolía del sur se encontrará con el ruido del norte en una serie de conciertos en los que "Déjenme Dormir" desplegará éxitos como "ROMA", "MONÓTONO LUGAR" o '"FLECHA", sin olvidar su primer disco "Neumonía" o el EP "Mirador"; pero también tomarán la posibilidad de presentar las nuevas canciones que preparan. 

  "Este año ya empezamos a adelantar en vivo un poco de lo que será el próximo álbum, que grabaremos inmediatamente a la vuelta de esta gira. De seguro no nos aguantaremos de spoilear novedades durante el paso por México", profundiza Juan Diego Soto –compositor y vocalista–. 

  El tour entra en coherencia con las intenciones musicales que están explorando; música nacida de una escucha más activa de folclore, sumado a las ganas de "tratar de hacernos cargo de la herencia cultural de nuestro territorio, sin abandonar nuestro lado rockero. Hay un giro narrativo también, pues buscamos conectar con una experiencia más urgente y colectiva, menos ensimismada en la tragedia personal, por lo que viajar y compartir esta música fuera de Chile entusiasma muchísimo", agregan.

  Puebla, Cuautitlán Izcalli, Querétaro y Monterrey recibirán a "Déjenme Dormir" en shows junto a Cometa a la Deriva y HoneyPot!, mientras que su participación en CDMX estará enmarcada en un showcase en el Festival Flotante, instancia por la que ya han pasado otros proyectos chilenos como Niños del Cerro, Chini.png y Poder Fantasma.

  "Estamos muy felices de poder conocer México acompañados. Los chicos de HoneyPot! ya han girado por todas las ciudades que recorreremos, así que se siente como tener a un hermano grande esperándonos en el aeropuerto", cuentan sobre el inminente intercambio con el país del norte y su circuito alternativo.

  "Tenemos muchas ganas de ir a descubrir la escena mexicana, conocer a gente con la misma relación con la música que tenemos nosotros. Siempre desde el DIY y el trabajo a pulso. A primera vista pareciera una industria mucho más desarrollada, en un país gigante, pero creo que a pesar de las condiciones materiales, las bandas chilenas no tenemos nada que envidiar. Me gustaría ver las escenas latinoamericanas más unidas. Es medio difícil ver lo que está pasando en el país del lado entre la bruma digital de las redes, pero mientras más nos veamos las caras, mejor para la música", concluye Juan a días de continuar con esta tradición de comunidad cultural que ha sido la visita de chilenos a México y viceversa. 

  Os dejo por aquí el audio de "Bronce". ¡No os lo perdáis!

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"Dame un cuchillo" lanza su primerp LP homónimo

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Dame un cuchillo"! Y bueno, ¡comencemos!

  El pop como espacio de exploración personal y musical. La canción melódica como bandera para reconocer, habitar y compartir la intensidad de las emociones que sentimos mientras caminamos por una ciudad dueña de una prisa vacía. En ese universo se mueve "Dame un cuchillo", banda formada en 2022 que hoy presenta su primer LP homónimo: ocho canciones atravesadas por la sensibilidad urbana, el pop-rock latino y una colección de escenas cotidianas marcadas por la búsqueda, la confusión, el movimiento y los anhelos. 

  Grabado en Santuario Sónico junto a Diego Gilabert y Aure Quintanal, el álbum –financiado por el Fondo de la Música 2025, del Ministerio de las Culturas de Chile– es un registro de la combinación de experiencias que unen no solo a Katerine Muñoz, Patricio Araya, Gonzalo Araya, José Peralta y Joaquín Peralta, sino a toda una generación de jóvenes que buscan entender quiénes son en medio de esta multitud.  

  "En el disco aparece el paso del tiempo, el avance de la vida y lo que va sucediendo en ese recorrido. En ese sentido, las canciones terminan funcionando casi como un diario de vida", explican desde la agrupación, y destacan que "las composiciones beben de fuentes literarias: la letra de "Círculo" es una adaptación libre del poema de Pablo de Rokha del mismo nombre; "No me interesa" nació de un fragmento del libro Animal doméstico de Andrea Alzati, y el coro de "Futari" se construye a partir de versos de Michel Houellebecq". 

  Entre libros, melodías heredadas de esos almuerzos de infancia con la radio encendida y reflexiones sobre la vida misma, el debut de "Dame un cuchillo" abarca una variedad de sonidos que se corresponden con la multiplicidad de inspiraciones y referencias que los han marcado individual y colectivamente. "Abordamos el pop desde un lugar marcado por la escena chilena de inicios de los 2010. Javiera Mena, Dënver, Teleradio Donoso, Primavera de Praga y las bandas que, en ese mismo tiempo, se articularon bajo el alero de Sello Cazador. Ese pop/rock alternativo aparece de forma natural en nuestro sonido y se manifiesta –en mayor o menor medida– en las canciones del disco", señalan.

  Pop sin límites, con un sonido clásico de banda pero lleno de elementos que lo llevan hacia el siguiente nivel. Arreglos de cuerdas grabados por Danka Villanueva y vientos por Felipe Cadenasso, aparición de un mellotron por Diego Gilabert, bajos grooveros, suaves guitarras y melodías cálidas que remiten a las mejores baladas, son los recursos con los que la banda santiaguina construye un universo elegante y nostálgico que deja entrever el coraje de crecer.

  "Me gustaría que alguna de las canciones del álbum sirva como una especie de curita para lo que sea que estén enfrentando. Es muy fácil sentirse solo o pensar que nadie entiende lo que uno vive internamente, pero no es así: siempre hay alguien que puede empatizar con lo que sientes. Con que esa conexión la experimente aunque sea una persona escuchando el disco, me doy por pagada", confiesa Katty –alias Filomena Cuchillo–.

  Tender una mano o regalar un disco puede ser, muchas veces, lo mismo. En su primer set de canciones, "Dame un cuchillo", con su poesía introspectiva, navega entre el desencanto frente a una vida prometida y la búsqueda persistente de sentido en medio de la repetición, pero también abre un espacio de contención y empatía; un lugar para compartir la fragilidad y la incertidumbre, para estar juntos en el espiral que significa encontrarse. 

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