Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de una gran artista: ¡Sophie Angel! Y bueno, ¡comencemos!
Sophie Angel es una artista colombiana obstinada, empática y fuerte que busca comprender las emociones, tanto suyas como de los demás partiendo del concepto de la crudeza, donde cada expresión se refleja sin filtros con el fin de transformar la vulnerabilidad en fuerza y firmeza. Su proyecto nació a partir del sueño de una joven adolescente de 14 años que quería triunfar con la música y cambiar la industria del rock alejándose del concepto de que todos los vocalistas deben tener una voz rasposa, creando una propuesta fresca e innovadora a través de una voz fuerte y dulce.
"La intención de mi propuesta musical busca reflejar diferentes emociones a través de situaciones como la pérdida, las rupturas amorosas, encontrar el amor en varias formas y superar las adversidades. Todo con el fin de traer un concepto fresco uniendo las ideas manejadas en el rock de la década de los 2000 con el rock contemporáneo", comenta la artista con influencias de géneros pop rock, punk rock, power ballad y nü-metal, aparte de estilos latinoamericanos como el bolero.
"A través de mis canciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida", agrega la cantante colombiana con referencias de bandas como Evanescence y Linkin Park, y de las cantantes solistas Avril Lavigne y Olivia Rodrigo.
"You Said Goodbye" es lo nuevo de Sophie Angel, una canción que habla del proceso del duelo tras la pérdida de un ser querido que marcó un antes y un después, pasando de una herida abierta que parece no tener forma de sanar, a una que sigue abierta, pero con la cual la persona prefiere quedarse con los recuerdos bonitos de esa historia.
"El tema surgió una mañana cuando mi mamá me dijo que la abuela de una prima mía había fallecido. Al haber convivido con esa mujer en varias ocasiones, el dolor fue punzante, y con eso las ideas no tardaron en formarse en mi cabeza", menciona.
En términos de sonido, es una fusión entre el bolero y el rock sinfónico para transmitir esa sensación de dolor y vacío que se puede convertir en resiliencia, incluso si el dolor sigue latente al igual que ese amor que jamás podrá apagarse. Esto se muestra de forma gradual, iniciando con la suavidad del bolero, y donde se van agregando poco a poco la batería, la guitarra con distorsión, para finalmente alcanzar la fuerza del rock sinfónico. El video muestra flores abriéndose y creciendo, representando el renacer de una persona que incluso en medio de una pérdida, decide avanzar.
Otro de los sencillos recientes de Sophie Angel es "Mi Refugio", una canción que nació del amor que la cantante le tiene a sus dos perritas, Tokyo de 5 años y Lancy que falleció de 14 años en julio de 2025. Habla desde el amor más puro a nivel universal para convertirla en una canción para dedicar a cualquier persona o lugar que se hubiera convertido en un espacio seguro.
Aborda sonidos de pop rock y la power ballad, conservando la suavidad y dulzura inicial de ambos géneros, para después por medio de la distorsión generar un contraste que refleje la intensidad de ese amor que se puede llegar a sentir por alguien o por algo. El video se hizo al aire libre para mostrar la inmensidad con la que el amor puede transformar los días más grises en color.
Finalmente, la tercera carta de presentación de Sophie Angel es "Nada es Temporal", una canción de empoderamiento.
"Habla de que, aunque muchas veces las palabras duelen y pueden afectar la percepción que tenemos de nosotros mismos, debemos enfocarnos en que nadie aparte de nosotros puede ser nuestro limitante al momento de alcanzar nuestras metas. Nació en una etapa donde me sentía insegura e insuficiente en cada cosa que intentaba aprender o mejorar, hasta que un día me pregunté "¿por qué debería sentirme así si tengo muchas cualidades?", y decidí hablar de esas emociones desde el empoderamiento", enfatiza.
Es una canción de punk rock por su fuerza para transmitir esa necesidad de creer en uno mismo sin importar la opinión ajena, destacando al violín como instrumento solista al tener su propia línea melódica. El video es sencillo, pero en cada movimiento que se ejecuta y las diferentes miradas a la cámara, busca representar esa fuerza y resiliencia que hay que tener para no retroceder ante la adversidad ni las críticas destructivas.
Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Sophie Angel. No olvidéis seguir a Sophie Angel en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Los Inconformes"! Y bueno, ¡comencemos!
Luego de tener un 2025 muy productivo lanzando los sencillos "Mi sol de verano", "Platino" y "Pura adrenalina" y tocando en varios festivales, incluido el Ska Para Todos Fest en Bogotá, Colombia; la banda de ska y rock puertorriqueña "Los Inconformes" inicia el 2026 con nueva música y con la firme intención de seguir conquistando corazones y oyentes en Latinoamérica.
"Queremos seguir componiendo y lanzando nueva música, ese proceso creativo tiene un valor incalculable. Aspiramos hacer colaboraciones con otros artistas y en eso estamos trabajando. También buscaremos seguir presentándonos en vivo, es lo que nos apasiona hacer. Esperamos visitar otros países, conocer sus culturas, confraternizar con colegas músicos y compartir con los fanáticos", cuenta la agrupación.
"23 de septiembre" es lo nuevo de "Los Inconformes", es el relanzamiento de una canción que la banda puertorriqueña tocaba en vivo, pero que aún no estaba en plataformas digitales.
La canción hace referencia a la fecha en la que anualmente se celebra en Puerto Rico el "Grito de Lares", que conmemora los acontecimientos ocurridos en el pueblo de Lares el 23 de septiembre de 1868. Ese día, bajo las consignas de "Viva Puerto Rico libre", "Abajo los impuestos", entre otras, cientos de puertorriqueños se tomaron el pueblo de Lares y proclamaron la independencia de Puerto Rico por varias horas.
Cada año, ese día en el pueblo de Lares se combina la memoria histórica con celebraciones culturales. Los eventos atraen tanto a turistas como a residentes locales, los cuales disfrutan de desfiles, conferencias educativas, y presentaciones en vivo de diferentes artistas. La lírica de la canción en efecto hace un recorrido del jolgorio que se forma al ir a la celebración de esa fecha.
"23 de septiembre" explora sonidos de ska y plena de Puerto Rico. La canción desde su origen y cuando fue por primera vez grabada, siempre tuvo el elemento musical de plena en la parte del coro. Solo que, en este relanzamiento, y para darle un elemento novelesco a la canción, tiene al inicio unas estrofas y una ambientación musical estricta de lo que es la plena puertorriqueña.
"Esperamos que nuestros fans internacionales conozcan un poco más de lo que es la música tradicional de Puerto Rico. Nuestro país se conoce mucho por la salsa y los grandes artistas de pop y música urbana que han emergido, sin embargo, la música de plena es esencial en cada fiesta que se forma en nuestro país", enfatizan "Los Inconformes".
Con "23 de septiembre", "Los Inconformes" cierran otra etapa en la evolución de la banda. Es posible que la canción esté incluida en un LP que incluya todas las canciones lanzadas en forma de sencillos.
"Seguimos creando música y creciendo como músicos, obviamente a nuestro estilo. Siempre trataremos de que cada canción tenga algún elemento novel diferente e interesante que la haga única. Por eso, este 2026 estaremos lanzando más música", menciona la agrupación.
Con la portada, "Los Inconformes" buscaron unir los elementos musicales de la canción: ska y plena. En el ska, la trompeta es quien la simboliza; y en la plena, el pandero es el protagonista.
"Para este año tenemos varios acercamientos para tocar en eventos locales e internacionales. Lo que sí es seguro es que estaremos presentándonos por primera vez en Perú en el Perú Ska Festival 2026 a celebrarse en la municipalidad de Ilo el 14 de febrero de 2026. Allí, compartiremos tarima con diferentes exponentes internacionales del ska", concluyen "Los Inconformes".
Os dejo por aquí el videoclip de "Así no se puede querer". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Los Inconformes". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para hablaros de un gran festival: ¡"Ska Punkie Reggae Parties"! Y bueno, ¡comencemos!
Bogotá se prepara para vivir el "Ska Punkie Reggae Partie 2026", un circuito de seis conciertos que reunirá a destacadas agrupaciones de ska, punk y reggae, junto a nuevas propuestas de la escena independiente.
El circuito se desarrollará entre el 31 de enero y el 28 de marzo de 2026, en alianza con tres espacios clave para la música alternativa de la ciudad: Boro Room, Latino Power y Relevent Music Hall, todos ubicados en Chapinero.
El proyecto es una iniciativa liderada por El Punto Ska, agrupación ganadora de la Beca LEP Rutas Culturales 24/7 de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD). Además de su trayectoria artística, El Punto Ska cuenta con una experiencia consolidada como productor cultural, siendo responsable de proyectos como el Ska Para Todos Fest y El Concierskazo Fest, cuya próxima edición se realizará el 1 de marzo de 2026 en el Teatro al Aire Libre La Media Torta.
Un circuito construido desde la escena
El "Ska Punkie Reggae Parties 2026" nace a partir de una convocatoria abierta impulsada por iniciativa propia, con la intención de escuchar a la escena, conocer nuevos proyectos y ampliar el diálogo con artistas no solo de Bogotá, sino también de otras latitudes. La convocatoria recibió 58 proyectos inscritos, de los cuales fueron seleccionados 20 artistas mediante un proceso de evaluación claro y transparente. A estos se suman 4 artistas invitados, quienes participarán en la fecha especial Vol. 3 (21 de febrero).
Cada fecha del circuito contará con un cartel compuesto por una banda de ska, una de reggae, una de punk y un DJ, promoviendo el cruce de públicos, la circulación real de los proyectos y el fortalecimiento de la comunidad musical alternativa.
Carteles por fecha
Vol. 1 – 31 de enero | Boro Room
LEY SKA (Ska) · ASAMBLEA FEELING ROOTS (Reggae) · LOS SORDOS (Punk) · MR TOSH (DJ)
Vol. 2 – 14 de febrero | Latino Power
BIG BEATERS (Ska) · LOS MAKONNEN (Reggae) · DOSIIS (Punk) · DIEGO 25 (DJ)
Vol. 3 – 21 de febrero | Boro Room
EL PUNTO SKA (Ska) · ALTO GRADO (Reggae) · CHITE (Punk) · FAT BASTARD (DJ)
Vol. 4 – 28 de marzo | Relevent Music Hall
ATRAPAMOSKAS (Ska) · LOS CANDELARIANS (Reggae) · LOS HIGHROS (Punk) · MATJAHMAN (DJ)
Vol. 5 – 14 de marzo | Latino Power
LA FARSA (Ska) · JUAN CAMACHO & LA ROOTS STOP (Reggae) · KAOZ KAPITAL (Punk) · LA CALANDRIA (DJ)
Vol. 6 – 21 de marzo | Relevent Music Hall
DAMA JUANA (Ska) · FAUSTO MORENO (Reggae) · LOST TAKE (Punk) · ZETA PE (DJ)
Estas alianzas con los venues buscan garantizar condiciones técnicas adecuadas, buen sonido, organización profesional y una experiencia respetuosa tanto para artistas como para públicos, reafirmando el compromiso del circuito con el bienestar de quienes hacen parte de la escena.
PRECIOS Y PUNTOS DE VENTA
Uno de los pilares del "Ska Punkie Reggae Parties 2026" es facilitar el acceso del público a los conciertos. En todas las fechas, la boletería tendrá un valor de $30.000 + servicio en preventa y $40.000 en taquilla. Se incluye cerveza.
Además, el circuito ofrece una PROMOCION ESPECIAL para quienes quieran vivir la experiencia completa:
Entrada a los seis conciertos por $170.000 + servicio, promoción que incluye seis cervezas.
Las boletas pueden adquirirse en los siguientes puntos físicos:
Secta Colectiva – Carrera 17 #61A-40
La Valija de Fuego – Carrera 7 #45-52, Local 3
Fun Skateboards – Cra. 27A #52A-13
Oi! Distro
SANA CONVIVENCIA, NO AL FASCISMO
Desde su concepción, el "Ska Punkie Reggae Parties" se plantea como un espacio antifascista, respetuoso y libre de cualquier forma de discriminación, alineado con el espíritu histórico del ska, el punk y el reggae como músicas de resistencia, encuentro y comunidad.
Al respecto, Pablo Marroquín, productor general del circuito e integrante de El Punto Ska, señala:
"Este circuito nace desde la experiencia real de estar en la escena: tocar, producir, girar y entender lo difícil que es sostener un proyecto independiente. Nos alegra ver cómo la escena está cada vez más fuerte y diversa. La invitación es a vivir estos espacios en paz, con respeto, entendiendo que la música también es una forma de unión y de postura frente a lo que pasa a nuestro alrededor. Hoy más que nunca necesitamos comunidad, apoyo mutuo y espacios donde la diferencia sume".
Con seis fechas, más de veinte proyectos en tarima, más de 100 artistas músicos en tarima y una apuesta clara por la circulación real e independiente, el "Ska Punkie Reggae Parties 2026" se consolida como uno de los circuitos más importantes del primer semestre del año en Bogotá.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Huella de Venado"! Y bueno, ¡comencemos!
"Huella de Venado" es una agrupación colombiana de blues punk que nace en el año 2014. El nombre surge de un mito de antiguas culturas mexicanas, donde el venado simboliza el renacer de la luz tras la oscuridad, una idea que atraviesa su identidad artística. El proyecto está concebido como un laboratorio, un desahogo y una terapia, donde exploran sonidos de su gusto al punto de convertirse la banda en un hábitat musical donde sus integrantes conviven de forma natural y orgánica.
En vivo, el grupo desata una descarga de energía visceral y callejera, inmerso en pseudónimos y personalidades de cada uno. Esteban Arazo es Señor Jazz, aportándole un toque de elegancia; Felipe González es Drunky Punky, ofreciendo pinceladas de punk al sonido y al estilo; y Alejandro Silva Spicy Black o Negro Navajas, dándole sabor y calle a la propuesta.
"Estuario" es el EP debut de "Huella de Venado", es la recopilación de 5 canciones llenas de convicciones personales con un sonido orientado al blues crudo, al psychobilly y al punk rock.
Las letras del EP abordan temáticas introspectivas asociadas a la naturaleza, la vida y a sus contrastes como el agua del mar y del río. También hablan sobre la violencia de la calle, la represión del estado, pero sobre todo de cómo abordar la vida con convicciones propias.
"Con "Estuario" queremos expresar musicalmente lo que esto significa en la naturaleza: El encuentro del agua dulce del río con el agua salada del mar; o sea, el encuentro del blues/jazz con el rock/punk. Estuario es también nuestro primer paso con huella firme. Queremos dejar huella en la escena del rock colombiano y expandirnos a cualquier frontera. Quizá es lo increíble del rock, que sobrepasa cualquier barrera", comenta la banda que produjo el EP con Juan Carlos Henao de Área 51 Estudios.
"Estuario" de "Huella de Venado" presenta un hit del verano con 'Al fondo del mar', una lucha social de blues y rock en 'Agua de manantial', una canción liberadora de rock n roll en 'Caminaré', un tema frenético para poguear en 'El mozkito' y una historia romántica de punk rock en 'Volveré'.
"'Al fondo del mar' es una canción que habla de desamor, de cómo recorrer lugares nuevos y de cómo vivir experiencias cambia la forma de ver las cosas. En 'Agua de manantial' hablamos de experiencias violentas/eróticas en el estallido social del 2021 en Colombia. 'Caminaré' es una oda para sentirse bien y tiene un sentido liberador. El 'Mozkito' es para rascarse la roncha que deja al recibir las picaduras de las entidades del estado, las religiones y los dueños del dinero, y 'Volveré', una canción más punk rock, donde se habla de una despedida y a la vez de libertad", enfatizan.
"Mezclamos sonidos entre distorsiones punkeras, bajos de blues, psicodelia y baterías psycho-bailables; de ahí el nombre del EP, es la desembocadura de un río caudaloso en el mar, donde se junta el agua dulce con el agua salada; como la unión entre lo elegante del blues y lo contestatario del punk", agrega el grupo con influencias de Nirvana, Charly García, The Doors, Pink Floyd, Stevie Wonder, The Cure, Green Day, Chuck Berry, la Fania All Stars y Jimmy Hendrix.
"Huella de Venado" estará promocionando durante el primer semestre del año todas las canciones de su EP. De igual manera, el grupo está próximo a lanzar un video Live Session con el proyecto 'Bandas de la Casa' grabado en Plug Sala de Ensayo. De ese Live, la banda espera lanzar un disco en vivo. Finalmente, el proyecto continúa en la planeación de su primer disco de larga duración con canciones inéditas.
"Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a "Huella de Venado" en Colombia y Latinoamérica porque si las personas conectan con nuestros sonidos y letras habremos logrado un gran objetivo. La invitación es a seguir apostándole al rock and roll como estilo de vida", concluye el grupo colombiano.
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a unos grandes artistas: ¡Oye Sebas y Alan Da Silva! Y bueno, ¡comencemos!
El cantante, compositor, productor musical y artista sonoro colombiano Oye Sebas ha unido fuerzas con el artista, compositor, productor y multiinstrumentista afro-argentino Alan Da Silva para presentar su nuevo lanzamiento musical en conjunto titulado "Cocotera".
"Cocotera" es una canción descrita como un refugio: la paz de un mar tranquilo, la sombra perfecta en un día de sol, ese instante en el que el cuerpo se afloja y el alma se acomoda. La cocotera es planta, es fruto, es sombra, es aire… y también es la energía femenina sostenida en la naturaleza.
"Es una narración estática, de un instante presente, dónde encuentras el mar calmo y la sombra de la cocotera que además puede ser alguien que también te ofrece un coco refrescante. Mezclamos músicas que nos inspiran de las costas de Colombia, Brasil y Argentina. De ahí venimos y hacia ahí vamos", cuentan los artistas.
La canción es una invitación a mover el alma y dejar que el cuerpo encuentre su ritmo, a sacarse el traje pesado de la ciudad y tirarse en la arena sin tanta vuelta.
"Cocotera" nació a partir de una necesidad artística: compartir y componer música entre Oye Sebas y Alan Da Silva, co-habitantes de un circuito artístico en constante movimiento; ambos teniendo Barcelona como ciudad de Residencia. A partir de ese impulso inicial, comenzaron a reunirse para comer, conversar y construir el escenario que ambos tenían en común: la playa. Surgieron naturalmente las ganas de contar nuestras historias y dibujar "otra" tropicalidad.
"Tanto el lugar de donde venimos como aquel en el que vivimos tienen a la playa como fundamento, como un espacio de permanencia, memoria y recuerdo. Desde ahí se construye este imaginario. En ese escenario playero surge una añoranza frutal que no encontramos en Barcelona, y es así como nace Cocotera: una energía femenina e híbrida, que puede ser mujer o puede ser árbol. En ambos casos, esta energía representa sustento, paz, alimento y calma", enfatizan los músicos.
La conducción sonora de "Cocotera" está liderada por las voces, una guitarra acústica con cuerdas de nylon y un suave beat electro-acústico, compuesto por un talking drum (o tama; tambor artesanal de madera con piel de serpiente, construido en Senegal), percusión corporal, un kick (bombo) pulsante, conchas marinas y accesorios. Todas estas texturas sonoras se amalgaman orgánicamente a favor de la canción. Tanto los arreglos, la producción como la mezcla, fueron hechas por Alan Da Silva, siguiendo esta impronta minimalista y despretenciosa.
"Hoy en día pareciera que la música debe sonar siempre espectacular, "Cocotera" no es el caso, decidimos que suene cercana, real, que emocione. Darle lugar a la canción y traducir su esencia lo mejor posible", aseguran sus creadores.
"Creemos que es una canción de fin de tarde. Aunque nos han dicho muchas personas que la canción tiene un vibe muy matinal, relajada, sutil, pero con la dosis justa de energía y positividad para activar el día", agregan Sebas y Alan.
El Lyric video tiene en sus visuales el lenguaje minimalista que la canción propone. La letra en primer plano junto a la musa inspiradora, una madre, una mujer afrodescendiente, la misma naturaleza. El personaje central se deja ver, aunque no se termina de entender, si la "saudade" (suerte de nostalgia en portugués) de la cual se habla en la canción viene de esta mujer o de este mágico lugar imaginario que representa la Cocotera. Un remanso de paz.
"Creemos que nuestra canción genera un impacto positivo en quienes la escuchan y la bailan. Así como su creación fue una fuente de alegría para nosotros, nuestro mayor deseo es compartirla y que esté disponible para toda persona que necesite un instante de música, un sorbo de calma. Se trata de una canción sencilla y a la vez poderosa, con la capacidad de resonar en personas de distintas edades y lugares del mundo. Nuestra expectativa no es solo que se comparta una canción, sino que se comparta un sentir a través de ella. El impacto que esperamos generar es que esta obra abra nuevos caminos y nos permita seguir compartiendo más de nuestra música", enfatizan.
La portada fue diseñada por la ilustradora francesa Romane Nardreb, quien ha trabajado en ocasiones anteriores con los artistas. La imagen retrata la ambigüedad que la Cocotera supone. Una mujer y una palmera fusionadas en un contexto poético. Ella siendo la figura troncal, va dejándose llevar por el viento con elegancia y disfrute. La estética de la ilustración está inspirada en el abordaje histórico de la mujer negra en la pintura y en las artes plásticas, mientras la canción alude al cotidiano de la diáspora africana, puntualmente en generaciones de madres y abuelas latinoamericanas.
"Cocotera" es el primer single de Oye Sebas y Alan Da Silva juntos. Este proyecto fue concebido a raíz de una necesidad de encontrarse y compartir.
"Si bien nuestro objetivo era concretar la composición y producción de esta canción, en la recta final descubrimos un vasto universo a explorar, muchos puntos en común, una sensibilidad familiar, la alquimia de nuestro vocabulario, nuestros paisajes y nuestra ancestralidad. Visto esto, nos hemos cuestionado seriamente si la "Cocotera" es la antesala a un álbum dúo", puntualizan los artistas.
Oye Sebas se encuentra en proceso de grabación de su álbum 'Raíz Juglar', cuyo lanzamiento será en 2026. Contará con colaboraciones destacadas de artistas como Marta Gómez, Pedro Pastor, El Caribefunk y Marina y su Melao. El disco fue producido por Carlos Manzanares, músico y productor reconocido por su trabajo con El Kanka y con numerosos artistas de la escena musical actual.
Por su parte, Alan Da Silva dará inicio a las grabaciones de su tercer álbum en enero de 2026. Además de algunas colaboraciones con artistas internacionales, Alan forma parte de 2 proyectos en desarrollo, que verán la luz durante este año, un Trío con los artistas franceses Gerald Toto y Ousman Danedjo, y el cuarteto llamado "Krioulo's" conformado junto a 3 artistas afro-brasileños.
Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a Oye Sebas & Alan Da Silva en Colombia y Latinoamérica porque estos dos artistas emergentes, son contemporáneos, nuevos contadores de historias antiguas y modernas, artistas apostando a tender puentes entre sus universos creativos. Puedes escucharlos por separado en sus proyectos personales, y luego descubrir cómo dos grandes talentos se encuentran desde las diferencias y se sintetizan en una sola canción. Una colaboración auténtica que se quedará en la música de tu diario vivir.
Oye Sebas es una mezcla de sonoridades cotidianas: la voz de la Colombia profunda y de la Colombia que migra. Cantante, compositor, productor musical y artista sonoro, Oye Sebas es el retrato de un mundo interno lleno de creatividad, que se nutre de las raíces de las músicas colombianas para construir nuevos mundos, nuevas formas de pensar y de componer música.
El proyecto de Juan Sebastián Escobar nace cuando se va de su país para vivir en España. Allí, el artista se sintió más colombiano que nunca, más enamorado de su tierra, y asumió este reto como un resumen de lo que significa querer volver. Su propuesta es una investigación sobre la migración a través de la composición de canciones que narran la aventura de cruzar el charco. Es un proyecto que puede sostenerse con una guitarra y una voz, y también desplegarse en formato de gran banda.
"Mi propuesta es poética-musical que bebe de los ritmos del folclor colombiano para contar historias que evocan el realismo mágico y los imaginarios mitológicos de las culturas sudamericanas. Mi música es una película, donde el guion principal son las canciones en las que retrato situaciones cotidianas que inspiran a vivir en paz. Mis letras son recetas de amor y salud mental, y mi música es un viaje que enaltece las sonoridades tradicionales de mi tierra", cuenta el artista con influencias de Fito Páez, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar, Aterciopelados Carlos Vives, Chichi Peralta, Juan Gabriel y Juan Luis Guerra.
Alan Da Silva es un artista, compositor, productor y multiinstrumentista afro-argentino. Aunque Brasil y la música latinoamericana fueran el motor, no fue hasta vivir en Barcelona que su sonido se volvió intercultural, diverso y políglota. Su arte es en sí mismo una auténtica fusión de influencias globales. Su enorme interés por la ancestralidad y la interculturalidad han sido el motor de este proyecto. Como compositor, sus viajes entre Brasil, Senegal, Argentina, Marruecos, Portugal, Francia y España le han dotado de una sensibilidad especial. Composiciones en portugués, castellano y francés surgen de este enriquecimiento cultural.
"La intención de mi propuesta musical es conectar desde la emoción, aunque inconscientemente, el mensaje siempre ha sido narrar historias, vivencias personales profundas y promulgar el amor en todas sus formas. Efectivamente, ni los lugares, ni los idiomas han sido barrera para compartir música y sensibilidad. Mi música es para hablar de amor, es para saber quién soy", menciona el artista con influencias de la música afro-brasileña, el jazz y las músicas "criollas" de África y América (Cabo Verde, las Antillas, Isla Reunión, etc). Hoy en día la etiqueta de World Music o Músicas del mundo abraza a todo este abanico de sonoridades y lenguajes musicales.
Os dejo por aquí el video lyric de "Cocotero". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Ariel Tobo! Y bueno, ¡comencemos!
El 2025 fue un año decisivo en la carrera del cantante y compositor colombiano Ariel Tobo. El músico publicó los sencillos "El Viaje", "Hasta el Final", "Tu Silencio" y, finalmente, su álbum debut "Jet Lag". Durante meses, el artista de la ciudad de Bucaramanga preparó el lanzamiento del disco y el 5 de diciembre hizo la presentación oficial en un concierto íntimo en Baba Yaga Tasca, mismo día en que el álbum salió en plataformas digitales.
"Jet Lag" nació de un proceso largo, emocional y honesto, con canciones compuestas en varias etapas de la vida de Ariel Tobo, con emociones distintas, pero que juntas cuentan una misma historia.
"El concepto del álbum parte de sentirme "desfasado" del mundo. Esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento", comenta el artista colombiano.
"Jet Lag" representa ese estado mental de confusión y búsqueda. El mensaje es: está bien no estar bien, está bien detenerse, está bien realinearse. No hay viaje sin turbulencias.
"Es un disco que habla de lo que somos cuando nadie nos está viendo. Quiero decirle a la gente que sentirse perdido también es parte del camino, que todos atravesamos etapas donde no sabemos quiénes somos, hacia dónde vamos o qué hacer con lo que sentimos", agrega el músico.
Musicalmente, "Jet Lag" es un recorrido por las influencias rock, blues, funk, pop alternativo y matices íntimos y acústicos de Ariel Tobo. Hay guitarras muy presentes, riffs con slide, líneas de bajo que cargan emoción, baterías sólidas y sintetizadores que le dan un aire nocturno, como de carretera a las dos de la madrugada. Es un disco orgánico, pero con alma moderna.
"La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida", cuenta el cantautor con raíces sonoras de jazz, blues, rock, salsa y pop, y artistas como John Mayer, Gary Clark Jr., Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.
Ariel Tobo presenta en "Jet Lag", una canción desesperada y confesional; en "La acera izquierda", una historia soñadora y cinematográfica; en "Caminos", un tema nostálgico e inevitable; en "Hasta el final", una composición eléctrica y decidida; en "Salto al vacío" una canción jocosa y sensual, en "El muñeco", humor y sátira; en "El Viaje", una historia narrativa retro; en "Tiempo", una reflexión dolida, en "Tu silencio", un sencillo espiritual e íntimo; y en "Tu silencio" (versión acústica), una canción desnuda y esencial.
Os dejo por aquí el Videolyric de "Hasta El Final". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Ariel Tobo. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran dúo: ¡"Distópxica"! Y bueno, ¡comencemos!
"Distópxica" es una banda de rock de Bogotá y, al tiempo, un proyecto de reflexión crítica. Usan la música para hablar de las toxicidades de los tiempos actuales, la crisis ecológica, la desigualdad, la migración, la violencia y la resistencia. Cada canción es un mapa emocional: no dan respuestas fáciles, abren preguntas incómodas y recursos para habitar la incertidumbre con dignidad.
"Distópxica" es la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es solo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar. Es un núcleo conformado por Javier Vaca, voz y letras; Sergio Moreno, guitarra y coros; y Gabriel García, sintetizadores y guitarra.
La intención de su propuesta musical es simple y, al mismo tiempo, agresiva: usar el rock como laboratorio de conciencia. "Distópxica" es un cruce de caminos a nivel sonoro. La base es la intensidad del rock y del metal, pero dialoga con el punk, la energía de la salsa, la cadencia de la cumbia y la tradición de la canción latinoamericana de denuncia.
"No hacemos "música de protesta" en el sentido tradicional; trabajamos una especie de arqueología emocional del presente. Tomamos temas pesados —crisis ecológica, desigualdad, violencia estructural— y los traducimos en canciones que puedan ser gritadas en un pogo, pero que también resistan una lectura intelectual", cuenta la agrupación colombiana.
"Buscamos transformar el trauma ecológico y social en comprensión, motivar la duda y generar incomodidad constructiva. Denunciamos sin caer en el panfleto porque nuestras letras están pensadas para perdurar, para seguir insistiendo en algo dentro de diez o veinte años", agrega.
"Arde" es lo nuevo de "Distópxica", una canción que nace de la necesidad de replantear la forma en que se entiende la rabia y la protesta. Habla de alguien que ha marchado, que ha enfrentado gases, balas y persecuciones políticas, pero que decide que su verdadero campo de batalla es el aula, el conocimiento y la organización social.
El tema cruza varias capas: educación como arma, revolución, raza, memoria, supremacías que se jactan de intocables y culturas que se niegan a desaparecer. Es una invitación a incendiar lo que oprime, no existe nada más incendiario que los argumentos, el pensamiento crítico, la comunidad y su acción colectiva.
"Cuando decimos "La educación es el arma de mi raza", estamos diciendo que no queremos más generaciones entregadas al plomo; queremos generaciones armadas de libros, preguntas y conciencia", enfatiza la banda bogotana.
"Arde" mezcla rock, punk y metal con una cadencia de salsa marcada en la voz. Se siente ecos de bandas como Rage Against the Machine y The Mars Volta en la energía y la estructura, pero filtrados por la realidad bogotana y latinoamericana. "Distópxica" también se nutre de músicas de raíz, de los ritmos de calle, de la sonoridad de los barrios y de la historia política reciente de Colombia.
El video toma un lugar aparentemente neutro —una oficina de un corporativo real— y lo convierte en escenario de resistencia. Ese espacio de trajes, escritorios y reuniones se transforma en un coro de voces que ya no hablan de ventas, sino de dignidad.
La historia gira alrededor de esa tensión: gente común, en un entorno cotidiano, que decide levantar la voz, cantar y ocupar el lugar como si fuera un escenario. Visualmente juega con la idea de que la revolución no siempre está en la calle; también puede empezar en el pasillo de una oficina, en un aula, en cualquier espacio donde la gente se organice o trabaje.
Para la banda, "el mensaje es claro: si el sistema nos encierra, convertimos ese encierro en eco. La educación, la palabra y la comunidad son las armas que cargan la canción y la imagen".
La canción, producida por Baltika Records, está construida sobre batería, bajo, guitarras y coros reales grabados en una oficina corporativa llamada VISIONARIOS (empresa BHIP), el mismo espacio donde se filmó el video con el fin de que sonara a gente real, en un lugar donde normalmente se habla de metas y cifras, no de revolución.
Os dejo por aquí el videoclip de "Arde". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Blast55"! Y bueno, ¡comencemos!
Después de lanzar el sencillo "Garuda", el cual tuvo un alto impacto digital en plataformas digitales y redes sociales, logrando entrar en la rotación de la emisora colombiana Radiónica; "Blast55" cierra el año con "Todo va a estar bien".
"Para nosotros es importante hacer música, pues es nuestra forma de expresarnos, de motivarnos. La música nos da vida, las melodías llenan esos huecos que el tiempo nos va dejando, y canciones como Garuda, son el reflejo y la forma en que sacamos muchos de esos sentimientos y emociones que llevamos dentro", comenta Juan Pablo Patiño.
"Todo va a estar bien" es lo nuevo de "Blast55", es una aceptación de error, es un reconocimiento a la fragilidad, a la equivocación. Es una canción en para reconocer las imperfecciones, para aceptar los defectos y la ansiedad, pero con un mensaje positivo que invita a dejar fluir, a entender que, ante el error, muchas veces el reconocimiento y la aceptación es el mejor paso.
"Muchas veces cuando uno la embarra es quien más duro se da. La vida da muchas vueltas y algún día nos vamos a morir, por eso la invitación es a pensar si en lugar de recriminarse, etiquetarse y rotularse, las personas que nos leen deberían darse el espacio para ver el error y aprender; finalmente, todo es una experiencia", agrega el cantante bogotano.
"Todo va a estar bien", incluida en la playlist editorial de Spotify de Novedades Rock, explora sonidos del punk rock, mezclados con elementos del pop. Es una canción inspirada en los errores y las imperfecciones.
"El video de la canción utiliza la técnica de animación denominada rotoscopia y como los errores, muchas veces para otros, uno es un papel rayado. Todo está en la forma en la que se mire, o somos un papel rayado pidiendo excusas o somos una línea más de experiencia", menciona.
Según, Juan Pablo, "Es una canción perfecta para escuchar cuando sienta que la embarró con toda, cuando vea que no hay nada que hacer y que todo está perdido. Al final, todo va a estar bien…".
"Todo va a estar bien" es el tercer lanzamiento del próximo disco de "Blast55" que será lanzado en 2026. El primer sencillo fue 'Viernes' y el segundo 'Garuda'.
La portada del sencillo es la continuación de 'Garuda', es la respuesta al caos, a esa marcha a mil que va la vida… es el renacer.
"Los invito a hacer el ejercicio de comparar las dos portadas y hacer su propio análisis. Me encantaría que nos escribieran y nos cuenten que piensan", enfatiza el artista.
"Blast55" cerrará el año con dos grandes conciertos en Bogotá, el primero el 13 de diciembre en Origen Pub donde realizará un show acústico, y el segundo el 20 de diciembre en Ace of Spades en donde participará en el Festival Una Navidad Sin Ti, junto a la banda Todo Niño Paga y otros artistas.
"El próximo año tenemos la idea de terminar el disco para salir a presentarlo y tocarlo en vivo", concluye "Blast55".
Os dejo por aquí el videoclip de "Garuda". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡William Barz! Y bueno, ¡comencemos!
El cantante y compositor colombiano de pop y rock William Barz, nacido en Barranquilla, cierra el año con "Mr. Barz", un trabajo discográfico que celebra sus 10 años de carrera.
"Mr. Barz" es un álbum introspectivo. Habla de William Barz, de su manera de ver el mundo. El amor, el deseo, la soledad y todos los demonios internos que el ser humano tiene. Es un disco que nació bajo la necesidad de hacer música honesta. Canciones que me mostraran ante el mundo como quien en verdad es el músico colombiano.
"Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer real sus sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente", comenta el artista.
"Mr. Barz" es un álbum donde el indie pop se funde con el R&B y el soul en una producción minimalista, pero profundamente cálida. Hay beats con texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk, y sintetizadores atmosféricos que sostienen la narrativa emocional. Cada canción está construida desde la intención: dinámicas cuidadas, armonías sensibles, arreglos que respiran y un enfoque vocal íntimo que guía todo el viaje. Es un disco pensado para escucharse con atención, para apreciar sus matices y su carga emocional.
"En este disco regresé al principio en donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati que es de mis artistas favoritos, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin De Graw, Mac Miller, Rex Orange County y, además, una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum. Poesía antológica y hermosa de autores maravillosos como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos, entre otros grandes autores", agrega el barranquillero.
"Mr. Barz" de William Barz presenta en "Dura Dú Dú" un gran opening, un puño de Flow. "Fresh" es cien por ciento Barz, "Dime que sientes" es música y poesía, "Solo" es un Groove honesto que conecta, "Por cuarta vez" es la joya, el focus track y la primera canción que se compuso de este álbum hace 8 años. "Modo avión" es la manera que William utiliza para decirle al rock que, aunque no hace rock jamás se olvida de él. Es energía y fuerza. "Las horas" es poesía pura, "Poker Face" es una joya literaria y musical del álbum. Una historia cantada. "Blowjob" es deseo, pecado y atrevimiento. "Los trucos" es un cierre de película, un collage de emociones dentro de una canción que redacta muchas situaciones complejas sin introducirse demasiado en ninguna.
Según William Barz, "es un álbum para escuchar de noche, con vinito o cerveza. Solo o muy bien acompañado. Es chévere que suena bien para pensar, para reír, para hacer el amor o hasta para disfrutar la parte literaria. Es un disco diferente y muy digerible".
El músico colombiano planea para 2026 duplicar los lanzamientos del 2025, así que el próximo año el artista publicará mínimo 20 canciones nuevas.
Os dejo por aquí el videoclip de "High". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Bonus Trak"! Y bueno, ¡comencemos!
La banda colombiana "Bonus Trak" nos vuelve a entregar nueva música, se trata de "Si no fuera yo", un sencillo que invita a reflexionar y que marca el inicio de una nueva etapa musical. Con un sonido más cercano al indie rock —sin perder la esencia que los caracteriza—, esta canción abre el camino hacia su próximo álbum de estudio y una serie de lanzamientos en vivo.
"Bonus Trak" regresa con fuerza y autenticidad. "Si no fuera yo" es un grito de libertad, introspección y búsqueda de identidad. Una invitación a perderse, a gritar y a reencontrarse. Este lanzamiento es apenas el primer paso de un álbum de 10 canciones que promete conectar emocionalmente con su audiencia en cada nota.
"La canción explora la necesidad de escapar del ruido, las expectativas externas y las máscaras sociales. Con frases como "¿Qué sería de mí si no fuera yo?" u "Hoy escaparé, para no volver. Tener libertad y poder gritar", "Bonus Trak" plantea una reflexión profunda sobre quiénes somos realmente", cuenta la agrupación bogotana.
Producida por Juanda Morales (Ártico) y masterizada por Emily Lazar (ganadora del Grammy), "Si no fuera yo" mezcla un sonido potente y fresco con energía punk, toques indie y destellos pop, reflejando la evolución sonora y emocional de la banda.
Con este sencillo, "Bonus Trak" da inicio a su próxima gira, con presentaciones en festivales nacionales e internacionales, reafirmando su compromiso con una conexión honesta y constante con su público en Colombia y Latinoamérica.
Os dejo por aquí el video de "Live Session (Ensayo)". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡Coroncoro! Y bueno, ¡comencemos!
"Simpatía" es una canción que habla de cómo buscar confort cuando la situación económica familiar no es convencional. De cómo buscar una elevación sensorial y entrar en un trance con la música buscando soluciones en recuerdos, unos no tan cómodos como otros, pero al fin y al cabo recuerdos que marcaron. Es una aceptación a la inmersión en la música y las visuales que siempre traen la mejor luz, a la animación y la narrativa, al cambio y a la necesidad de mostrar simpatía por nosotros mismos y el entorno para llamar la cadencia correcta para poder disfrutar el instante más sensible.
La canción explora sonidos de trap y R&B, además de rap y hip hop. "Simpatía" no tiene samples y tiene una guitarra acústica melódica que da una sensación de humanidad durante toda la canción hecha por Eddy Montoya y en los sintetizadores y ritmo por Loyd en el beat, ambos de Santa Marta.
"Traemos las mejores energías del trap playero a tu sistema estéreo favorito. Es una mezcla perfecta de frescura y firmeza, de calma y sensatez en un respiro literario en sonidos y visuales que llevan muy alto para así poder observar, evaluar y accionar con bajos precisos y pesados dando sensaciones delicadas que te llevan a mover el cuerpo", cuenta el samario Coroncoro.
El video de "Simpatía" tiene mucho amor por la animación y la psicodelia, por los cambios de colores entre paletas frías a paletas cálidas usando la palidez como transición. Es la historia de Coroncoro, un sujeto cuya alma le pertenece al mar y su búsqueda del amor a través de la animación y el color lo llevan a situaciones que lo hacen caer empujado por la geometría de lo absurdo. A través de escenas de su propia vida que lo hacen fallar y lo llevan a un renacimiento, a pesar de que la muerte en el clip tiene una connotación personal como artista, el animador muestra tensión en imágenes cuanto el protagonista se equivoca en situaciones personales.
"Es una canción inspirada en todos los comienzos que cuestan, en la relación con la pareja y el eterno retorno de lo que no se quiere que vuelva. En ese instante cuando abres los ojos y la única opción que tienes es sonreírle al mundo con seguridad por los retos que la vida trae a través de la música. Es la historia de aquel sujeto que creyó tener la solución a todo, pero cuando se dio cuenta que no podía controlarlo optó por crear una línea tensionante de palabras y sonidos tratando de hallar una salida a su necesidad básica y surreal de traer imágenes y recuerdos que lo hacen sentir humano", enfatiza el músico colombiano.
"Simpatía" es perfecta para escuchar cuando alguien se sienta perdido y quiera encontrarse consigo mismo. Cuando se quiera dejar volar la mente sin preocupaciones, cuando se quiera bailar con el cuerpo, la mente y el espíritu o cuando se quiera tener un espacio de relajación.
La portada del sencillo es una de las primeras imágenes del video y es Coroncoro comenzando la jornada psicodélica con un estilo de arte pop abstracto.
"Con cada canción que hago quiero convertirme en tu artista favorito. Traigo sonidos en un estilo Lo-Fi, lush y trap caribeño para estar en muchas listas de reproducción. Quiero que la gente esté contenta con mi música para impulsarme a seguir haciendo canciones", concluye el artista.
Os dejo por aquí el videoclip de "Simpatía". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Blast55"! Y bueno, ¡comencemos!
El 2025 ha sido un año bastante gratificante para "Blast55", pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga.
Ahora, "Blast55" regresa con su nuevo lanzamiento "Garuda", una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante.
La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno.
La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara "Blast55" y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores.
"Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda", comenta la agrupación bogotana.
El video de "Garuda" muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza.
Os dejo por aquí el videoclip de "Garuda". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Morochos"! Y bueno, ¡comencemos!
"CYGNUS" es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, "CYGNUS" ha publicado cinco discos de estudio: 'Yggdrasil' (2019), 'Fire and Tales' (2020), 'Ancient Visions' (2021), 'Death and Glory' (2022), 'Revival' (2023). Su sexto trabajo 'Legends of Norse Lore' será publicado en 2026.
La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. "CYGNUS" busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa.
"Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer", cuentan.
"Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente", agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido.
"The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie" es el nuevo lanzamiento de "CYGNUS", una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.
"Este sencillo nació a partir de una anécdota histórica en donde un guerrero cayó, no por un rival vivo, sino por una infección causada por los dientes de un enemigo decapitado", mencionan.
A nivel sonoro, 'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es un tema que juega con contrastes. Las estrofas son heavy, con riffs veloces y poderosos. Hay cifras de compás que cambian el beat de maneras inesperadas para el oyente, contrastando con los coros y el theme principal que se vuelven melódicos y expansivos, generando un balance entre agresividad y lirismo.
"Hay una sección donde exploramos armonías disminuidas para crear un ambiente de tensión y dramatismo, que refuerza la narrativa sombría de la historia. Además, la canción incluye un pasaje con influencias del djent, aportando texturas rítmicas complejas y atmósferas muy interesantes dentro de la estructura progresiva del tema", cuentan.
El video de "The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie" fue concebido como el contraste visual de su anterior lanzamiento 'Fenrir the Wolf' rodado en blanco. Este se desarrolla en negro, sumergiendo al espectador en un universo más oscuro, ritual y denso.
En el centro de la propuesta está el performance en vivo de la banda, acompañado por un octeto de cuerdas y un coro conformado por seguidores, seleccionados entre 53 aplicantes que respondieron a una convocatoria abierta. Su participación refuerza el sentido de comunidad que siempre ha acompañado a "CYGNUS", integrando a los fans en la creación misma de la obra. El coro aparece con maquillaje ásatrú, encarnando a las völvas o videntes, guardianes del rito y del destino.
Os dejo por aquí el videoclip de "The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Thalía Mayor! Y bueno, ¡comencemos!
Thalía Mayor es una cantante y compositora peruana de indie rock con alma pop punk, una artista que combina sensibilidad, nostalgia y rebeldía en una misma voz. Es una persona introspectiva, creativa y emocionalmente profunda. Se considera una narradora visual y sonora de su generación: mezcla la estética millennial de los 2000 con letras honestas que conectan con lo más íntimo de los sentimientos. Su música parte de la emoción real, de esas historias que todos han vivido alguna vez, y las transforma en melodías que buscan acompañar.
"Quiero que mis canciones sean refugios donde la gente se sienta comprendida. Pero, sobre todo, busco conectar: mis letras hablan de heridas, de amor, de memorias que se quedan flotando, de amores que no se olvidan y de despedidas necesarias. Mi intención es hacer sentir, que cada canción sea como abrir una carta que escribiste y nunca enviaste. Además, busco unir lo nostálgico con lo contemporáneo: rescatar la esencia emocional del pop punk de los 2000 —Avril Lavigne, Blink-182, Paramore— pero con una mirada actual", cuenta.
A través de sus canciones, Thalía Mayor quiere enviar "mensajes donde la vulnerabilidad también es poder y que todo lo que atravesamos puede transformarse en arte algún día. Desnudar nuestras emociones a veces es necesario para liberar el alma y sanar".
"Mis canciones invitan a aceptar la melancolía sin miedo, a abrazar lo que duele y convertirlo en algo hermoso", agrega la cantante y compositora, con influencias musicales de indie rock, pop punk y dream pop, con tintes melódicos que evocan los 2000.
También la inspira mucho el cine y la estética visual de esa época: películas como "13 Going on 30" o "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" las cuales influyen en su manera de escribir y de construir atmósferas sonoras, buscando así que cada canción tenga su propio universo, como si fuese una escena dentro de una película.
"I Miss U" es el nuevo lanzamiento de Thalía Mayor, es una carta sonora hacia alguien que marcó una etapa importante de su vida. Habla del eco emocional que queda cuando alguien se va, de esas calles y canciones que aún resuenan con su recuerdo.
Aborda temas como la nostalgia, el amor que persiste en el tiempo y la melancolía del verano que termina, usando el cambio de estación como metáfora de los ciclos emocionales que todos los seres humanos atraviesan alguna vez en la vida.
"La escribí en un momento de introspección, mezclando versos que había compuesto años atrás con nuevas emociones. Es una canción que une el pasado y el presente, como si mi yo actual se reencontrara con la persona que alguna vez fui", enfatiza la artista peruana, actualmente radicada en España.
"I Miss U" explora un sonido pop punk melódico con tintes indie, donde las guitarras tienen un papel protagonista. El tema tiene una textura emocional, envolvente, con una producción que combina fuerza y vulnerabilidad.
"Espero que "I Miss U" encuentre a las personas adecuadas en el momento justo. No busco que sea una canción viral, sino que acompañe a quien la escuche. Me gustaría que se convierta en ese tema que alguien guarda en su playlist para los días nublados, para cuando extraña o para cuando necesita ponerle melodía a lo que siente. El mayor impacto para mí sería lograr esa conexión auténtica", enfatiza Thalía.
Esta canción es perfecta para esos días lluviosos donde la melancolía nos alcanza, para las mañanas o tardes en el metro con auriculares, o para las caminatas largas en las que perderse en los pensamientos se convierte en un deporte competitivo.
"I Miss U" es el segundo adelanto de su álbum debut "El Último Verano del 2000" que verá la luz en 2026. Es un proyecto muy personal, construido canción por canción, como si fueran capítulos de un diario. El disco mezcla nostalgia, despedidas, amores, crecimiento personal y la fugacidad del tiempo. Cada tema tiene un significado simbólico, tanto en su letra como en su fecha y numerología.
Thalía Mayor ha trabajado "El Último Verano del 2000" junto al productor Búho Lozano, con quien ha emprendido este viaje a los 2000, conectando de forma genuina y orgánica a nivel musical. El disco tendrá nueve canciones e incluye temas como "L.X.L", "Más de lo que piensas" y "EUVD2000". Cada canción es una carta abierta al pasado contada desde la visión del presente.
La portada del sencillo captura el universo emocional de la canción: la nostalgia suspendida en el tiempo. A través del vidrio empañado con gotas de lluvia, se percibe la sensación de mirar hacia afuera en una noche solitaria, cuando los recuerdos y la ausencia se mezclan con las luces de la ciudad. Los tonos azules y rojos representan dos fuerzas opuestas: la tristeza y el deseo, el frío de la distancia y el calor del recuerdo. El diseño tiene una textura retro, con guiños a los 2000s, como si fuera una portada de CD encontrada en una caja de recuerdos. La tipografía es directa, sin adornos, reflejando la simplicidad emocional de la frase "I Miss U" tres palabras que contienen todo lo que no se dijo.
Os dejo por aquí el videoclip de "I Miss You". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Thalía Mayor. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.
