"Droide" saca un doble single

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Droide"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Droide" es una banda de rock alternativo radicada en Medellín, Colombia. Nació en 2012 en Cúcuta cuando Sebastián Castillo y Manuel Torres coincidieron en el colegio, conectando inmediatamente por sus gustos musicales hasta perseguir sus sueños y el ejemplo de sus ídolos para formar una banda de rock, teniendo composiciones originales desde ese mismo año. 

  Las cabezas del proyecto son Sebastián Castillo (guitarra rítmica y voz líder) y Manuel Torres (guitarra líder), ellos son los fundadores, inversores y compositores de "Droide". Sin embargo, cuentan con un gran equipo detrás: Luis Jerez (director de arte), David García "Toto" (batería y coros), Daniel Velásquez "El Bicho" (bajo, producción y mezcla), Andrés Catalán (fotógrafo y bajista) y en algunas canciones Juan Camilo Bejarano "KB" y Liliana Klinkert (coros).

  La música de "Droide" nace del desahogo de sentimientos difíciles de expresar, acompañado de la combinación de los géneros derivados del rock que les gustaron desde que descubrieron a sus artistas favoritos. Tratando de solo guiarse por su oído, gustos e intuición, la banda siempre está en la búsqueda de una perfección imperfecta.

  "Cada canción que hacemos busca llevar un mensaje diferente, pero en general escribimos para desahogarnos y expresamos sensaciones que no podemos liberar por otros medios. Sentimos que "Droide" tiene el potencial de conectar con personas que puedan identificarse con nuestra música gracias a esto", comenta el grupo con influencias de Soda Stereo, Pink Floyd y Radiohead.

  "Viajando a la Luna" es el nuevo lanzamiento de "Droide", una canción que simboliza el querer escapar de la realidad cuando es muy difícil de soportar. En pocas palabras, se puede identificar como una disociación de la persona para evadir sentimientos o sensaciones que le incomodan y perturban su paz. Tiene sonidos espaciales y nostálgicos, al punto que en cada detalle de la canción se puede sentir algo de tristeza y algún tipo de viaje astral.

  El video estuvo a cargo de los productores audiovisuales Johan Alzate y Daniel Barrera, quienes tuvieron libertad creativa para construir una narrativa propia a partir de lo que imaginaran al escuchar la canción. El resultado fue una historia de desamor, en la que se ve al protagonista atravesar el duelo por la pérdida de su pareja, mientras recuerda y visita los lugares donde vivió sus momentos más felices junto a ella.

  Otro de sus sencillos recientes es "Aléjate", una canción que nació sin intención aparente. Sin embargo, poco a poco fue ganando un aura de hartazgo, no con una persona especifica sino con la vida en general. Suena agitada, como si se quisiera escapar de algo que te persigue sin descanso. La banda logró el resultado esperado gracias al ritmo acelerado y las guitarras distorsionadas.

  El video tiene un estilo minimalista, pero sin descuidar la calidad visual. El resultado fue un clip en donde se aprecia a un hombre joven corriendo sin descanso, mientras la banda hace su performance ambientando la escena.

  "Esperamos que estos lanzamientos conecten con las personas a nivel emocional. Tanto "Viajando a la Luna" como "Aléjate" nacen de sentimientos y sensaciones que creemos que muchas personas han experimentado en algún momento de sus vidas. Más que transmitir un mensaje, queremos que quienes escuchen las canciones puedan identificarse con ellas, interpretarlas desde sus propias experiencias y encontrar en nuestra música un espacio para sentirse comprendidos o acompañados", enfatizan Sebastián y Manuel.

  "Viajando a la Luna" y "Aléjate" hacen parte del álbum debut de "Droide" titulado "DUAL" el cual hace referencia a la dualidad del disco, donde se aprecian matices tanto leves como agresivos en la mayoría de sus canciones. Este contraste nace de una admiración por bandas como Nirvana y Radiohead en las cuales se puede apreciar grandes dinamismos entre los versos y coros de canciones como "Smells Like Teen Spirit" o "Creep".

  La música de "Droide" es ideal escucharla en esos momentos de agotamiento mental provocados por todo lo que sucede en la vida cotidiana. Puede ser después de cometer errores en el trabajo o la universidad, cuando tienes proyectos que debes sacar adelante y no sabes por dónde empezar, o incluso cuando atraviesas problemas familiares.

  "Muchas veces, la mente se sobre estimula pensando en situaciones del pasado o en preocupaciones sobre el futuro, generando sentimientos de tristeza, ansiedad e incertidumbre. La música de "Droide" está hecha para acompañar esos momentos, cuando el sobre pensar se vuelve casi insoportable y surge la necesidad de desconectarse por un instante para procesar todo lo que se está sintiendo", puntualiza la agrupación.

  Durante los próximos meses, "Droide" estará publicando las tres canciones restantes del disco. Desde noviembre de 2025, la banda ha mantenido una racha de lanzamientos de una canción por mes.

  "Nuestras expectativas con este proyecto son poder llegar cada vez a más personas y construir una comunidad que conecte genuinamente con nuestra música. Más allá de números o métricas, nos interesa que las canciones encuentren a quienes necesitan escucharlas y que puedan sentirse identificados con las emociones que transmitimos. Creemos que vale la pena descubrir a "Droide" porque abordamos sentimientos y situaciones que muchas personas viven, pero que no siempre encuentran la manera de expresar. Nuestra música nace de experiencias reales, del agotamiento mental, la nostalgia, la ansiedad, la necesidad de escapar y de encontrar un espacio para procesar lo que sentimos. Si alguien en Colombia o Latinoamérica se ha sentido así alguna vez, es posible que encuentre en nuestras canciones un lugar donde sentirse comprendido", concluye la agrupación.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Droide". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"BRUJO", el nuevo disco de Cosme

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Cosme! Y bueno, ¡comencemos!  

  El cantante y compositor puertorriqueño Cosme estrena "BRUJO", un álbum conceptual contado a través del tarot, la música y un cortometraje filmado en Guayama, Puerto Rico. 

  Este disco, su primero como solista, habla sobre regresar a la raíz––reconectando con el niño interior––y recordar por qué Cosme comenzó a crear y creer en sí mismo dentro de la música. A través de seis cartas del tarot, ilustradas por el artista Alberto Santiago (creadas para el álbum y que forman parte integral del cortometraje): La Luna Rosa, El Músico, El Poeta, El Alquimista, El Sol y El Brujo, el proyecto explora distintas etapas emocionales y espirituales de su proceso e historia como artista: intuición, propósito, transformación, dolor, luz, y autenticidad.

  ""BRUJO" nace de un momento muy personal donde me encontraba perdido, cansado, e inseguro sobre cómo volver a conectar con la música, al punto de considerar dejarla por completo. Iván Rivera fue mi productor musical y Kelmi Bermúdez mi director creativo y co-creador del concepto e historia del disco. El álbum también se desarrolla con un homenaje subyacente a Guayama, Puerto Rico, mi pueblo, conocido como "La ciudad bruja", y a toda la música que me formó: desde lo que mi mamá escuchaba en la radio hasta artistas como Draco Rosa, Jarabe de Palo, Shakira, y La Secta All Star", comenta Cosme.

  El álbum explora sonidos inspirados en el rock y pop alternativo latino de finales de los ‘90 y principios de los 2000, mezclados con elementos folklóricos, ofreciendo momentos más orgánicos e íntimos como cantautor. Hay canciones nostálgicas y vulnerables, otras luminosas y expansivas. La producción, trabajada junto a Iván Rivera, buscó capturar esa sonoridad y sensación emocional de los discos con los que Cosme creció. El disco no busca sonar perfecto; busca sonar honesto.

  "Quiero recordarle a las personas que todavía existe magia dentro de ellas, incluso cuando sienten que la han perdido. "BRUJO" habla de volver a uno mismo; de detenerse, escuchar la intuición y reconectar con aquello que realmente nos hace sentir vivos. Vivimos en una época donde muchas veces olvidamos por qué comenzamos a soñar, y este disco nació de volver a hacerme esa pregunta. Quiero enviar un mensaje de esperanza: siempre existe la posibilidad de transformarse, romper ciclos y elegir ser luz, incluso en los momentos más difíciles", agrega Cosme.

  "BRUJO" de Cosme le canta a la intuición y la certeza en "Incondicional", la entrega y la vulnerabilidad en "No tengo duda", al niño soñador y enamorado en "Cosas grandes", al destino y al misticismo en "Embrujo", a la libertad en "Capaz de lo ficticio", al fluir y aceptar en "I Give Up", a un amor eterno e imposible en "Canción oculta", a aprender para desaprender en "Mira", a la paz interior y la libertad en "Nadar al aire", al dolor en "Para amarnos más" y a los nuevos comienzos en "Pink Moon".

  "La mayor inspiración que tuve a la hora de componer el disco fue regresar a mi historia. Después de pasar alrededor de ocho meses semi-retirado de la música, empecé a recordar momentos muy específicos de mi infancia y adolescencia: observar a mi madre cantar todas las canciones que sonaban en la radio, formar mi primera banda en el colegio, aprender repertorio nuevo semanalmente con mis amigos, obsesionarme con ciertos discos y escribir canciones diariamente por pura necesidad emocional", enfatiza Cosme.

  "Recordé la magia que tiene la música y por qué me enamoré de ella. En ese momento, supe que el disco se llamaría "BRUJO". Estaba conectado nuevamente con mis raíces, con mi ciudad bruja y con mi propósito. Por eso me inspiró mucho la idea del tarot como herramienta para contar esta historia y utilizarlo como simbolismo y mapa emocional que delinea cómo logré reconectar conmigo mismo y cómo volví a sentirme inspirado. Más que un disco, "BRUJO" fue una manera de reencontrarme", agrega el músico y productor.

  El lanzamiento del disco de Cosme viene acompañado del focus track "Capaz de lo ficticio", y es la canción que mejor representa el mensaje de "BRUJO". En el video se revela la última carta de la lectura: El Brujo, personaje que finalmente se permite ser quien es en todo momento, sin importar lo que los demás piensen. Es calma, paz, y representa propósito. Es capaz de convertir lo imposible en posible. A nivel sonoro, evoca el rock latino alternativo de su niñez. El clip, dirigido por Jomar Malavé, se filmó en Guayama, Puerto Rico; en dos emblemáticas locaciones: las ruinas del Molino de Vives y una casa de los años '20 donde se grabó la lectura del tarot.

  Según Cosme, "La primera línea de la canción dice: "puedes volar si lo intentas, sólo abre tus alas y echa a volar". Cuando pienso en por qué llegaron esas palabras, recuerdo haber sentido dentro de mí una certeza muy profunda de que cualquier sueño o meta que tuviera se podía alcanzar. Casi como si una versión futura de mí mismo me estuviera cantando al oído, empujándome a confiar y a saltar". "BRUJO" es el acompañamiento ideal para viajes largos, noches de introspección, momentos de transición, rupturas de ciclos, comienzos nuevos, o simplemente cuando se necesite sentir algo real. Es un disco para personas sensibles, soñadoras, y nostálgicas.

  La portada del disco transmite contemplación, misterio, nostalgia, y transformación. La foto se tomó frente al Molino de Vives en Guayama, uno de los símbolos más icónicos del pueblo. Por eso, todo el universo visual del álbum está profundamente conectado a la idea de regresar al origen. La imagen estuvo a cargo de María Fernanda Rodríguez Torres y toda la identidad visual del proyecto fue trabajada junto a Kelmi Bermúdez.

  "Más allá de números, quiero que el disco conecte con personas que estén buscando volver a sí mismas. Me encantaría que "BRUJO" abra puertas para seguir llevando este proyecto a lugares donde la música y la espiritualidad emocional todavía tienen mucho peso cultural. También espero que el cortometraje y el universo visual ayuden a crear una experiencia más inmersiva y cinematográfica alrededor del álbum. Honestamente, espero que inspire a otras personas a no abandonar aquello que aman, incluso cuando atraviesen momentos de duda", cuenta Cosme.

  Este año, Cosme estará expandiendo el universo de "BRUJO" a través de shows en vivo, experiencias inmersivas con lecturas de tarot presenciales, y nuevo contenido visual. Actualmente, lanzó el cortometraje en seis partes separadas, una por cada carta del álbum, y pronto se estrenará el corte completo del proyecto. La idea es que "BRUJO" no sea solamente un disco, sino una experiencia artística completa.

  Para Cosme, es importante que las personas se den la oportunidad de escuchar el disco "porque siento que Latinoamérica entiende profundamente la nostalgia, la espiritualidad emocional y la necesidad de reinventarse. El disco habla desde un lugar muy humano: la duda, el cansancio, la esperanza, el amor por nuestras raíces, y el deseo de volver a creer en uno mismo. Creo que hay algo muy latinoamericano en seguir soñando aun cuando las circunstancias son difíciles y "BRUJO" nace exactamente desde ahí. También me emociona mucho la posibilidad de conectar con la comunidad porque siento que culturalmente entendemos la música no sólo como entretenimiento, sino también como sanación, memoria y comunidad", concluye el puertorriqueño.

  Sobre Cosme

  Cosme es un cantautor y músico puertorriqueño radicado en Los Ángeles, California desde el 2012. Su música ha sido parte de exitosas producciones de televisión internacionales como Orange Is The New Black, The Blacklist, Jane The Virgin, From Dusk Till Dawn, y Rush. Además, fue co-adaptador de “Lo Arriesgo Todo”, la versión en español del tema de Bruno Mars. Su trayectoria como músico y vocalista también lo ha llevado a girar como corista junto a reconocidas figuras de la música latina como Gloria Trevi, Alejandra Guzmán y Noel Schajris.

  En el 2016 lanzó su primer EP como solista, Qué Bien Me Va, marcando el comienzo de una nueva etapa artística enfocada en una propuesta más personal y auténtica. Actualmente, continúa consolidando su carrera como solista con el lanzamiento de su álbum debut, "BRUJO". Cosme también es cofundador de la agrupación Cometta, proyecto con el que desarrolló una propuesta que fusiona pop, rock y sonidos alternativos, con una sólida presencia dentro de la escena independiente.

  En reconocimiento a su trayectoria artística, recibió una nominación al Latin Grammy en el 2017, en la categoría de "Best Christian Album", junto al proyecto "Tu Amor".

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"Vivir En Ti", el nuevo single de "La Bandada"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"La Bandada"! Y bueno, ¡comencemos!

  "La Bandada" es una agrupación femenina colombiana de pop místico, fusión latinoamericana, afrobeat y cuerdas andinas que nace en Medellín en 2021, del encuentro de tres mujeres provenientes del teatro, la música y la búsqueda de un lenguaje propio. Lo que empezó como un proyecto colectivo en torno a la canción y la palabra escrita se fue convirtiendo, sin que lo nombraran, en una propuesta con identidad: pop místico, voces femeninas en armonía, una puesta en escena que es también teatro. Llevan cinco años creando, equivocándose, transformándose. 

  Actualmente, la banda no es la misma del inicio — y esa evolución es lo que las mantiene vivas. "La Bandada" está integrada por tres voces principales: Alejandra Pulgarín Martínez — licenciada en teatro de la Universidad de Antioquia, que interpreta también el ukelele y la armónica; Karen Castaño — técnica en música de la Escuela de Artes Débora Arango y actriz, en el piano; y Yessica Duque — tecnóloga en música de la misma escuela, en la guitarra. En vivo están acompañadas por una banda de músicos y, en la dirección escénica, Julián Pineda, maestro en arte dramático de la Universidad de Antioquia, que trabaja en la puesta en escena como una pieza teatral.

  La intención de su propuesta musical es hacer canciones que sean también puerta a un poema, una obra o una historia que valga la pena contar.

  "Creemos que la canción puede ser un puente hacia la literatura, el pensamiento y el cuidado. Al mismo tiempo queremos que esas canciones se bailen, se sientan en el cuerpo y que no que se queden en lo intelectual. Por eso fusionamos afrobeat, con cuerdas andinas: porque queremos un sonido que tenga raíz, ritmo y la capacidad de viajar lejos", comenta la banda.

  "Queremos enviar un mensaje de que las mujeres y las palabras importan, que hay historias que merecen ser cantadas — las que están en los libros y las que están en la vida cotidiana de la gente. Le cantamos al deseo, al duelo, a la equidad de género, a los desaparecidos, a los donantes anónimos, a quienes sostienen por dentro lo que el mundo todavía no logra nombrar", agrega el grupo con influencias de Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Kany García, Muerdo, Monsieur Periné.

  "Vivir en Ti" es lo nuevo de "La Bandada", es un homenaje a las personas donantes de órganos y de sangre que lo hacen como acto de amor radical, que tienen fe en lo invisible. Es un reconocimiento a quienes cambian el mundo despacio, sin protagonismo. Está dedicada a esos héroes anónimos que, sin saberlo, regalaron vida. La canción nace de la idea de que existe una decisión silenciosa — la de compartir — capaz de cambiar el destino de alguien para siempre, sin pedir nada a cambio.

  La letra está escrita desde la voz de quien recibe ese regalo, de quien vuelve a nacer gracias a un desconocido. Habla sobre la gratitud, las segundas oportunidades y sobre ese corazón que un día empieza a latir distinto porque hay otra vida latiendo dentro de él. "Y vuelvo a nacer por ti, porque un desconocido decidió compartir".

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"Costa", el nuevo single de "Bohanan"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Bohanan"! Y bueno, ¡comencemos!

  El 2025 fue un año de construcción y evolución para "Bohanan". El proyecto musical colombiano liderado por Daniel Gómez consolidó su identidad artística en Estados Unidos, desarrollando su sonido, conectando con nuevas audiencias y llevando su propuesta a escenarios en vivo. Fue un año clave para entender hacia dónde quiere llevar su música: un equilibrio entre lo emocional, lo conceptual y lo sonoro, siempre con una raíz latina muy marcada. 

  El 2026 representa expansión. La meta principal es posicionar el proyecto a nivel internacional, con nuevos lanzamientos, presentaciones en vivo y presencia en festivales. También es un año estratégico para fortalecer la narrativa de la propuesta y comenzar el camino hacia un lanzamiento más grande (EP o álbum), conectando cada sencillo como parte de un universo.

  "Costa" es lo nuevo de "Bohanan", una canción que nace desde la nostalgia y la conexión con el origen. Inspirada en Barranquilla, ciudad natal del artista, la canción evoca el mar, el calor, la memoria y las emociones que permanecen cuando uno está lejos de casa.

  "Costa" explora una fusión de sonidos contemporáneos con influencias caribeñas y electrónicas. Hay una atmósfera envolvente, texturas modernas y elementos orgánicos que evocan el movimiento del mar. La producción estuvo a cargo de Christian Jean, artista y productor mexicano, quién aportó una estética sonora sofisticada y emocional.

  "Es una canción que habla de identidad, pertenencia y de ese vínculo invisible con los lugares que nos formaron. "Costa" mezcla lo íntimo con lo universal", cuenta "Bohanan".

  El video de "Costa" mezcla una propuesta de performance con una narrativa sensorial y contemplativa. Por un lado, vemos a "Bohanan" interpretando la canción dentro de un set minimalista acompañado de iluminación LED, donde la luz y los colores funcionan como una extensión emocional del tema. Algunas de las escenas de performance junto a la banda fueron grabadas en la ciudad de Miami, aportando una estética costera y cinematográfica que conecta con la esencia de la canción.

  En paralelo, aparecen imágenes del mar y de una pareja —un chico y una chica— retratados de forma artística y contemplativa, evocando sentimientos de conexión, nostalgia y distancia. La figura femenina dentro de la narrativa representa simbólicamente la costa: una relación afectiva y emocional con el lugar que vio nacer y crecer a "Bohanan", funcionando como una metáfora de origen, memoria y pertenencia.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Pensamiento". ¡No os lo perdáis!

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"Tanta miel", el nuevo single de "Tensión Flora"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Tensión Flora"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Tensión Flora" es una banda de Quito, Ecuador que nace en 2023 como un espacio para poner en música lo que no siempre se puede decir en palabras. El proyecto empieza con la necesidad de contar su propia versión de la ciudad, de las relaciones rotas y de esa tensión constante entre lo que sienten y lo que muestran. "Tensión Flora" es esa planta que crece entre la ciudad. Resistencia y belleza en un mismo sitio. La banda está actualmente integrada por Paulo López (voz y guitarras), Santiago Jarrín (guitarra), José Álvarez 'Simba' (bajo) y Keer Castillo (batería). Ellos graban, producen y se mueven en un país donde salir a tocar en vivo implica sortear toques de queda y un clima de inseguridad que ya es cotidiano. 

  "La intención de nuestra propuesta musical es simple: sonar excelente. Nos gusta el pop rock, pero si un día suena a funk o a balada, dejamos que fluya. Queremos que nuestras canciones se sientan como una conversación sincera, donde ya no importa quedar bien, sino decir verdad", comenta la banda. "Cada canción es una forma de preguntarnos qué hacemos con lo que nos duele y con lo que nos indigna. Hablamos de rupturas tóxicas, de injusticia, de desigualdad, de lo urbano y de lo cotidiano. No queremos dar lecciones, sino compartir lo que vemos y sentimos. Si alguien se siente menos solo después de escucharnos, ya cumplimos", agrega la agrupación con influencias de Fleetwood Mac, D'Angelo, Prince, Placebo, The Killers, Interpol y Beck, entre otros.

  "Tanta miel" es el nuevo sencillo de "Tensión Flora". En apariencia, es una canción sobre el final de una relación larga que se volvió tóxica. Esa sensación de querer irte, pero algo te endulza lo suficiente para quedarte un día más. Dependencia emocional. El amor como un lugar que enferma. Pero "Tanta miel" es también otra cosa: un llamado a desprenderse de todo lo que aprisiona. Una relación, sí; pero también la comodidad que ata a un sistema que discrimina, criminaliza y violenta.

  "Esta canción le canta a todas las personas que se han sentido atrapadas. A los que levantan la voz ante la injusticia. A los que deciden soltar, aunque duela. Porque despertar de cualquier forma de violencia –desde lo pequeño hasta lo macro– es el primer paso para ser libres", explica la banda.

  A nivel sonoro, "Tanta miel" explora capas de guitarras limpias que van saturándose, una base rítmica orgánica y contundente, y un Synthbass que busca hablar más que rellenar. La banda ecuatoriana busca que el sencillo se sienta íntimo al principio y explosivo al final, como el proceso de soltar.

  "Ecuador es uno de los países más violentos de Latinoamérica. Solo en los últimos cinco años, al menos 1.535 mujeres fueron víctimas de feminicidio y 19.254 en la región – una cifra que no es un número, son vidas. En ese contexto, "Tanta miel" no es solo una canción de desamor. Es una canción que abraza a quienes han sobrevivido a cualquier forma de encierro: el de una pareja violenta, el de un Estado que persigue, el de un barrio abandonado por las políticas públicas", puntualiza el grupo.

  "Esperamos que "Tanta miel" le llegue a quien haya tenido que salir de un lugar que amaba porque ya no le hacía bien. Queremos que la canción tenga eco en Ecuador y en Latinoamérica, sobre todo porque no es común escuchar un pop rock que hable de ruptura desde la crudeza y sin falsos empoderamientos. A veces estar mal también es válido", enfatiza "Tensión Flora".

  "Tanta miel" hace parte del primer LP de "Tensión Flora" que tendrá 6 canciones. El mensaje general del disco es la sinceridad sin maquillaje, explorando la relación con la sociedad, la injusticia, la desigualdad, lo urbano y la cotidianidad desde su propia mirada.

  Durante 2026, la banda de Quito lanzará dos sencillos adicionales con sus respectivos videos, siempre con producción propia o colaboraciones locales. También están abiertos a tocar en vivo donde los inviten, porque el escenario es el lugar donde más sentido cobra "Tensión Flora".

  "Queremos construir algo que trascienda la moda. No queremos ser un proyecto de un verano. Queremos que "Tensión Flora" sea una opción real para quienes buscan letras con peso y música que no tenga miedo a sonar distinto. Es importante que en Colombia y Latinoamérica nos descubran porque creemos que aún hay espacio para bandas que no siguen un molde, que hablan desde el territorio, desde el barrio y desde el corazón roto sin pose. Si suenas como lo que sientes, siempre vas a encontrar a alguien que te entienda", concluye la agrupación.

  Sobre "Tensión Flora"

  "Tensión Flora" es una banda de pop rock nacida en Quito, Ecuador en 2023. Su sonido original y letras profundas exploran la condición humana, el amor y la alienación, conectando con un público que busca autenticidad. El grupo ha consolidado su presencia en la escena independiente ecuatoriana colaborando con artistas de la talla de Franco Aguirre (Sal y Mileto) y Álvaro Bermeo (Guardarraya). Con una propuesta que refleja el imaginario colectivo capitalino, han realizado giras de medios nacionales y múltiples presentaciones en vivo en los recintos más importantes de la ciudad. Su discografía cuenta con tres sencillos destacados: 'Pa Probar', 'Baile de Miradas' y 'El Delito'. Actualmente, la banda se mantiene vigente con una alineación sólida y una presencia constante en plataformas digitales, preparada para ofrecer un show de alta energía y profesionalismo.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Tensión Flora". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Money Money", el nuevo single de "Bonus Trak"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Bonus Trak"! Y bueno, ¡comencemos!

  En un momento electoral como el que vive nuestro país, "Money Money", el nuevo lanzamiento de la banda de rock colombiana "Bonus Trak", cobra especial relevancia al evidenciar cómo el dinero termina corrompiendo todo, sin importar si se trata de posturas de centro, izquierda, derecha, verdes, azules o morados, porque al final el poder económico sigue siendo el que muchas veces termina gobernando las decisiones. 

  La canción pone sobre la mesa esa ambición desmedida por el poder movido por el dinero, donde la ética se diluye frente a los intereses económicos y las estructuras de poder se sostienen más en transacciones y favores que en principios o convicciones reales, reflejando una realidad incómoda pero vigente en la política y la sociedad.

  "Quisimos que "Money Money" tuviera un sonido fuerte, con riffs rockeros, porque la intención era que una letra con un enfoque político estuviera acompañada por una energía que transmitiera rabia y frustración. Buscamos construir un sonido que reflejara esa sensación de vivir en un contexto donde la corrupción se ha vuelto parte del día a día y donde muchas veces preferimos mirar hacia otro lado frente a lo que ocurre en la política", comenta el grupo bogotano.

  La canción no apunta a un gobierno en particular, sino a una realidad más amplia y repetitiva que ha atravesado a todos los gobiernos de Colombia a lo largo del tiempo. Aunque la canción nace desde la óptica local, también conecta con lo que ocurre en gran parte de Latinoamérica, donde las dinámicas de poder, dinero e impunidad se repiten constantemente.

  "Queremos generar conciencia a nivel latinoamericano, abriendo una conversación sobre lo que muchas veces no se ve detrás de la política en la región: la influencia constante de los intereses económicos en las decisiones que afectan a la gente. Más allá de países o gobiernos específicos, sentimos que en toda Latinoamérica se repite una misma dinámica donde el dinero termina teniendo un peso determinante en el poder", puntualiza la banda.

  "Money Money" invita a mirar más allá de lo evidente, a cuestionar lo establecido y a reconocer esos patrones que se repiten una y otra vez, para entender que lo que muchas veces termina moviendo el sistema no son las ideologías, sino los intereses económicos, y desde ahí empezar a romper con esa normalización.

  "Money Money" es el tercer lanzamiento del nuevo disco de "Bonus Trak" titulado 'Si no fuera yo' y hace parte de un plan de estrenos que el grupo ha diseñado para este año en donde presentarán las canciones poco a poco, permitiendo que el público vaya descubriendo el universo del álbum de forma progresiva.

  Os dejo por aquí el video de "Live Session (Ensayo)". ¡No os lo perdáis!

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"Ese Rock and Roll", el nuevo single de David Mora

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡David Mora! Y bueno, ¡comencemos!

  2025 fue un año muy enriquecedor para el músico colombiano David Mora, pues pudo darse la licencia de innovar varios estilos, haciendo una guabina rock con elementos de bebop, un bluegrass con una banda de 5 cuerdas, un country rock con un power trío, un bolero blues y un jazz blues con una sección de 9 bronces; siempre explorando con diferentes guitarras, sonidos y formatos. 

  Para este 2026, David Mora estará lanzando mucha música, empezando por "Ese Rock and Roll", primera canción de dos álbumes que comparten el concepto de "opuestos". En esta etapa uno de los álbumes y todos sus sencillos tendrán portadas de color negro y el otro tendrá portadas de color blanco. Las canciones en las ediciones negras fueron escritas para tocar con guitarras distorsionadas, con baterías y bajos que toman elementos del hard rock y el metal. Por su parte, las canciones en las ediciones blancas usarán elementos del blues, el soul, el country y el rock and roll clásico, con guitarras limpias o "a punto de romperse".

  "Ese Rock and Roll" es lo nuevo de David Mora, una canción que funciona como una carta de presentación de todo lo que viene con el disco Álbum Negro: guitarras fuertes, actitud y una defensa abierta del rock clásico. La letra aborda temas como la nostalgia por la vieja escuela del rock, la energía de los conciertos en vivo, el rechazo a lo artificial y la necesidad de mantener una esencia auténtica en medio de una industria cada vez más producida y digitalizada. También tiene un espíritu irreverente que siempre ha acompañado al rock: cerveza, volumen alto, caos y libertad. Musical y líricamente, "Ese Rock and Roll" transmite la sensación de entrar a un concierto, sentir el golpe de la batería y la guitarra en el pecho, y recordar por qué el rock sigue siendo mucho más que un género.

  "La canción habla de esa conexión visceral que muchos seguimos teniendo con el rock and roll, incluso en una época donde la industria musical cambió completamente y donde otros géneros dominan la conversación. Más que una crítica, es una declaración de identidad: seguir fiel a la música que nos formó y que todavía sentimos como parte de quienes somos", comenta el músico.

  "Ese Rock and Roll" está inspirada en los sonidos del hard rock, con guitarras influenciadas por el funk rock, riffs cargados de dinámica y espacios donde el power trío puede brillar por completo. Hay momentos en los que el bajo y la batería toman protagonismo, y otros donde la guitarra se convierte en la voz principal; tdo esto acompañado de una letra y una melodía con actitud puramente rockera, sin pretensiones ni explicaciones.

  El video de la canción se grabó en Volta Estudio de Alejandro Lelo Arango en Medellín (líder de la banda Popcorn). Después de terminar la grabación, el clip muestra apartes de lo ocurrido durante el proceso de producción de la canción.

  Os dejo por aquí el directo de "Caleidoscopio". ¡No os lo perdáis!

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"El Final", el nuevo single de "Los Inconformes"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Los Inconformes"! Y bueno, ¡comencemos!

  Los primeros meses de 2026 han sido muy productivos para "Los Inconformes". La banda de ska y rock de Puerto Rico lanzó el sencillo "23 de septiembre", además de "Platino" y "Pura adrenalina" en 2025. Todos estos temas hacen parte de su más reciente disco de estudio "El Archivo". 

  Hay canciones que hablan de rupturas y hay otras que documentan el segundo exacto en que una persona se cansa de sostener algo que ya murió. "El Final", lo nuevo de "Los Inconformes", pertenece a la segunda categoría. No es un grito, no es una balada de llanto desbordado. Es ese instante frío, lúcido y definitivo en que la nostalgia deja de ser excusa para quedarse.

  La historia que atraviesa el tema es reconocible: la relación que se mantiene viva solo por lo que fue, no por lo que es. Como cuentan muchos en redes, con amigos y familiares, llega un punto en que una de las dos partes ya no fluye. La química se apagó, la conversación se vació, pero la otra sigue intentando darle la vuelta, remendar lo irremediable, volver a encender lo que ya es ceniza.

  "Cuantas veces hemos escuchado historias de amigos, familiares, y en las redes sociales, de esta persona que por mucho tiempo se mantuvo en una relación por lo bueno que fue en un momento, pero que llegó el momento en la que una de las partes ya no fluye igual, mientras la otra sigue intentando darle la vuelta a la relación, pero se termina estrellando contra la pared. Ahí es cuando llega el momento de decir, "basta ya". Por más bueno que fue, no vale la pena seguir intentado y, por lo tanto, no vuelvas a buscarme", comenta el grupo.

  "Los Inconformes" no recurren al cliché del despecho. En lugar de victimizarse, la canción adopta una postura de corte quirúrgico. El narrador reconoce lo bueno que hubo, pero entiende que la memoria no es motivo suficiente para seguir dañándose. Es una ruptura adulta, sin terceros culpables, sin venganza. Solo el reconocimiento de que insistir ya no es amor, es terquedad.

  A nivel sonoro, la canción agarra el esqueleto del ska clásico puertorriqueño y lo dispara a toda velocidad sin perder el músculo. Es un ska bastante movido, de tempo acelerado, que entra con guitarras rítmicas cortantes y un bajo que no para de empujar hacia adelante. Pero lo que define el carácter de la canción es su sección de vientos que entran con líneas potentes y épicas que elevan cada estribillo, como si una banda de marcha se colara en un pogo.

  Ese contraste entre la alegría bailable del ska y la carga emocional de la letra le da a "El Final" una tensión única: puedes brincar, corear y soltar adrenalina, mientras el mensaje habla de cerrar puertas y no volver atrás. Es una producción directa y sin adornos, confirmando que "Los Inconformes" siguen fieles a su identidad mezclando la rebeldía rock con la energía innegable del ska caribeño.

  El video de "El Final" busca indirectamente de llevar el mensaje de la letra de la canción. Pero en cuanto a imágenes y personajes la banda incorpora la nueva tecnología a una historia que, aunque de "amor", contiene un "desamor", y por lo tanto es oscuro y a la misma vez nostálgico y surrealista con un estilo gótico al estilo del famoso director Tim Burton.

  "El Final" es una canción que conecta con una generación que creció viendo relaciones prolongadas por inercia, por miedo a soltar, por la presión de "haber invertido tanto tiempo". Aquí no hay espacio para el autoengaño. La letra lo deja claro: "por más bueno que fue, no vale la pena seguir intentando". Es una frase que suena simple, pero que cuesta una vida aprender.

  "No vuelvas a buscarme" es el verso que convierte "El Final" de confesión a declaración. No es un ruego, no es una puerta entreabierta. Es un límite. En la era de los mensajes leídos sin responder y de los "quedemos como amigos" ambiguos, esa línea funciona como contracultura emocional.

  "Humildemente, esperamos que a nuestros fanáticos les guste este nuevo comienzo de "Los Inconformes" que lo enmarca curiosamente "El Final"", menciona la agrupación.

  La portada del sencillo resume el mensaje de la canción: se acabó todo, hay corazones rotos, soledad, nostalgia y desorden. Representa un "golpe de realidad" que, aunque duro, es necesario.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Así no se puede querer". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Los Inconformes". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Entrópico Distópico", el nuevo disco de Gabo Gallego

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Gabo Gallego! Y bueno, ¡comencemos!

  Gabo Gallego es un artista colombiano sensible a los relatos de lo humano, de la cotidianidad y los sentimientos complejos del devenir colectivo. Su propuesta está basada en el interés por tratar de traducir la experiencia de lo humano en canciones donde las personas puedan ver representada su vida; experiencia envuelta en una música sensible y conectada desde lo más íntimo e intenso de ritmos como el neo-soul, rock y funk. 

  El proyecto nació hace unos 3 años, pero la propuesta está asentada en un trabajo de más de 13 años en proyectos previos del oriente antioqueño, como Aikas, una agrupación de rock latino y Pájaro Toh, la primera agrupación de Gabo Gallego como vocalista principal y de la cual se desprenden canciones de su autoría más entrelazadas con el rock alternativo y el grunge. La propuesta musical busca establecer a Gabo Gallego como un artista con una sensibilidad que conecta con las personas, además de un sólido compositor y productor en el medio.

  "Entrópico Distópico" es el nuevo disco de Gabo Gallego. Es la declaración de independencia existencial contra la vida vista como un molde prefabricado. El disco habla desde la posición de una persona que aprende a soltar una relación, a preguntarse por el sentido de su vida sin forzar el destino de esta. Las 5 canciones son un viaje individual en el que se plantea la renuncia liviana y placentera, la madurez de aprender a soltar, la fantasía íntima de estar con alguien que no se puede tocar y la despedida de un ciclo de la vida que se acaba para abrir una nueva etapa.

  "La intencionalidad del disco busca expresar y contar. La música está profundamente conectada con el afán y la necesidad fundamental de querer decir algo o gritarlo. Por esta razón el álbum posee canciones que cuentan una historia individual, pero que mantienen una coherencia como EP, el tránsito de una vida a la adultez", comenta el artista con influencias de bandas como Diamante Eléctrico, Oh'laville, Los Mesoneros, Allen Stone, Gary Clark Jr., Alabama Shakes, entre otros.

  "Entrópico Distópico" es la narración de una vida que parece tender al caos, como el principio físico de la Entropía, que dispersa la energía y esta se va alejando de su punto de origen; pero ese caos es inquietante e imperfecto, justo como una distopía. La vida humana es en sí misma una manifestación de ese caos imperfecto, no en un sentido biológico, sino filosófico y social. Somos el sentido de nuestra realidad autodeterminada, y en esa cotidianidad habitamos con nuestros pequeños problemas gigantes. Este disco traduce 5 eventos cotidianos de esa naturaleza.

  "Es un álbum hecho por un artista que tiene mucho por decir y que le canta a la gente, la libertad, el amor, el sentido y la compañía en el tránsito de la vida y sus inconvenientes. Es el primer EP de un año con mucha música por delante y en el que espero conectar con personas que reciban este proyecto con el amor que fue concebido", agrega Gabo Gallego.

  El disco "Entrópico Distópico" tiene desde su conceptualización un sentido sonoro muy claro. Debido a la propia temática de las canciones, la sonoridad tiene inspiración del soul, el R&B y el neo-soul. La fuerza de las distorsiones en las guitarras es un complemento y no un protagonista, la batería y los pianos son los que ocupan mayor relevancia musical en esta propuesta. El ritmo y la letra son los hilos que articulan las canciones, y el sonido de un Soul fresco y casi orquestal.

  "Para la creación de este álbum me inspiré en mi propia vida. Recordar el camino hecho en los 20s y la llegada a los 30s con una idea de la vida que no necesariamente está alineada con los objetivos que me puse a principio de mi idea propia de la vida. En ese choque, aprendí a reconocer mis errores, mis desaciertos y también los logros que me permitieron escribir una historia de 10 años en 5 eventos fundamentales que se hicieron canción. El amor, el sentido de la vida y el paso del tiempo", enfatiza Gabo Gallego.

  "Entrópico Distópico" de Gabo Gallego presenta en "Nómada" una canción que habla de final y al mismo tiempo de reinicio, "Un lugar común" es la contemplación de una historia, "Sin tocarte la piel" habla de deseo, fantasía y sexo; "Samba mal hecha" le canta al amor gentil y al baile ingenuo, un buen mal intento. Al final, "Mixtepec" es una despedida, el cierre de una parte importante de la vida.

  Es un disco perfecto para escuchar a la hora de enfrentar una crisis existencial o para un miércoles en la tarde, y tal vez para ponerlo mientras se atraviesa la ciudad en un carro, viendo lluvia a través de la ventana. Es un álbum melancólico, pero con carácter y propone una mirada de la vida abierta a las ambigüedades de la búsqueda del sentido.

  "Nómada" es el focus track del disco, una canción que habla sobre dejar una relación, pero a la vez sobre la importancia de soltar las cargas y dejar de pensar en la meta, cualquiera que sea. Es una canción hecha para aprender a dejar de ser. Está pensada para ser escuchada justamente, caminando, gracias a su fuerza cohesiva en el coro, con la distorsión del rock infundado en el núcleo del mensaje, y con caídas un poco melancólicas porque es una exhalación antes de recomenzar.

  "Mis expectativas con "Entrópico Distópico" buscan encontrar oídos que se identifiquen con la música que propongo y que resuene en el alma de las personas. Es un disco bastante personal y quiero que la gente lo sienta de la misma manera. También espero que este álbum se convierta en el anclaje de una carrera longeva en la música y que el público y la industria vean una propuesta sólida, digna de difundir y comercializar. Que sea el inicio de Gabo Gallego como un artista que responde a las necesidades estéticas y artísticas del medio en la actualidad", menciona el músico.

  Este 15 de mayo, Gabo Gallego realizará el lanzamiento de su disco con un concierto en vivo en el Teatro Girante, en Marinilla. Un evento que a partir de las 8:00 p.m. contará con invitados en una noche hecha para celebrar el comienzo de esta carrera musical. 

  El diseño de la portada busca fijar visualmente la idea de un caos imperfecto. La aparente calma que la fotografía demuestra se rompe con la distorsión del grano y la desaparición de la persona dentro de la foto; un fantasma que se desvanece porque su espacio ya no lo reconoce como propio o porque está en búsqueda de algo más. El elemento dominante es el mueble vacío. En ese mueble hubo alguien que ya no está, y la presencia que se desdibuja es solo un recuerdo de algo que ya no es.  

  Durante este 2026, Gabo Gallego relanzará música hecha anteriormente con Pájaro Toh, el proyecto anterior a su carrera solista, pero que cuenta una historia que vale la pena volver a traer a este periodo de la vida. El EP se llamará "El pulso de los días". Para finales de año, el artista iniciará la producción de su segundo EP solista cuyo enfoque serán músicas más bailables como el funk, el disco, y los ritmos latinos. Adicionalmente, el músico apunta a dar a conocer el proyecto en el circuito de festivales del oriente antioqueño, así como realizar una gira de lanzamiento de "Entrópico Distópico" en ciudades como Medellín, Cali y Bogotá.

  "Considero que es un proyecto honesto, fresco y versátil que puede conectar con un público diverso que disfruta de música pensada de una manera orgánica desde su producción y que es una alternativa a otros sonidos que dominan la industria, sin reducir su valor; es la otra cara de la moneda. Mientras el mainstream hace lo suyo, Gabo Gallego es un artista con una propuesta asentada en la retrospectiva del valor análogo y artesanal de la música; eso sí, con una calidad sonora del más alto nivel y con música muy intensa que narra la vida de quien la escucha", concluye.

  Espero que os guste, y que así estéis al todo de todo lo relacionado con la carrera de Gabo Gallego. No olvides seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Pero tú", el nuevo single de "UBanda"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un nuevo grupo: ¡"UBanda"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda de pop rock latina colombiana "UBanda" estrena su nuevo sencillo "Pero tú", una canción inspirada en esos amores que se anhelan, pero que tienen algo que los frena. Habla de esas relaciones que son una montaña rusa de emociones en las que al final queda un limbo de sensaciones en donde una de las dos personas sufre la penumbra de la indecisión. 

  "Pero tú" de "UBanda" es un bolero que aborda el amor desde una perspectiva de comienzo y presunto final. Es una crónica de un amor frenado en donde se anhela, pero no se alcanza.

  "Es un feat muy importante para nosotros, primero por ser un artista de talla internacional y, segundo por ser con el nieto del Ruiseñor de América, el gran Julio Jaramillo; Christian Jaramillo", comenta "UBanda".

  "Christian Jaramillo aportó su gran conocimiento en el género, su impresionante voz, y su presencia en general. Fue muy grato compartir con una persona de tal calidad", agrega la agrupación fundada en Duitama, Boyacá.

  El video de la canción fue contextualizado de una forma distinta a lo que inicialmente se inspiró en la letra. Se elaboró una tragedia en la que el amor es protagonista desde dos ángulos, el de sentir desde carne propia, y el cómo un amor intenso puede transmitir.

  "Pero tú" hace parte de un disco el cual "UBanda" estará lanzando paso a paso, iniciando con 'Story' y que traerá millones de sorpresas. Se planea que la producción sea de 13 canciones honestas con mensajes cien por ciento genuinos, orgánicos e intuitivos.

  "Creemos que podemos hacer canciones de las que se hacían antes, en los sonidos que solo el más puro amor puede producir", puntualiza la agrupación.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Mosaico". ¡No os lo perdáis!

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"Inmortal", el nuevo disco de "Los Pericos"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Los Pericos"! Y bueno, ¡comencemos!

  La legendaria banda argentina de ska y reggae "Los Pericos" regresa a Colombia para presentarse el viernes 5 de junio en la sala de conciertos Lourdes Music Hall (Carrera 13 # 64 – 56) en Bogotá. 

  El concierto será la oportunidad perfecta para escuchar en vivo, por primera vez en el país, las canciones de su nuevo disco de estudio "Inmortal" así como grandes clásicos que han marcado su exitosa carrera de 40 años como "Pupilas lejanas", "Runaway", "Sin cadenas" y "Mucha experiencia".

  El público podrá disfrutar de un show lleno de energía, ritmo y conexión, característico de "Los Pericos". La banda presentará un repertorio especial, manteniendo la esencia del reggae latino que los ha consolidado durante cuatro décadas.

  El concierto contará con dos localidades: General desde $108.000 y VIP desde $135.000.

  Los asistentes al concierto de "Los Pericos" en Lourdes Music Hall tendrán una experiencia única, cargada de buena vibra, clásicos del reggae en español y una conexión cercana con una de las bandas más importantes del género en Latinoamérica.

  La banda, integrada por Juanchi Baleirón, Diego "Chapa" Blanco, Gastón Moreira, Marcelo Blanco, Ariel Raiman y Guillermo Valentinis, vuelve a Bogotá para reencontrarse con un público colombiano que históricamente ha acompañado su trayectoria.

  El grupo argentino está listo para su reencuentro con el fiel y pasional público colombiano que siempre los apoya y alienta en cada una de sus presentaciones en nuestro país.

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Catalina Marín lanza un doble single

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Catalina Marín! Y bueno, ¡comencemos!

  Catalina Marín es una cantante y compositora colombiana de la ciudad de Medellín cuyo proyecto musical nace del querer convertir las emociones y las mil preguntas existenciales, en un lenguaje artístico propio. Junto a Jorge Zuluaga (productor del proyecto) crearon el estudio de grabación El Andén para darle rienda suelta a su libertad creativa. 

  Catalina es una persona que está en un constante aprendizaje sobre lo cotidiano y profundo de la vida, donde busca transitar sus sentires, a través de canciones y entendiendo que estas, son el mejor territorio de transformación para el alma. Su universo creativo y artístico está construido desde la intimidad y la honestidad de sus entrañas, invitando a otras personas a ser parte de este universo y al mismo tiempo a reencontrarse con lo que son.

  "En este proyecto como cantautora, busco lanzar mi primer álbum, que tiene como concepto la vida, la muerte y la transición del duelo. Más que crear canciones para entretener, mi intención es generar experiencias que toquen lo humano y permitan que otras personas se reconozcan entre las palabras e historias que cuentan las canciones", cuenta Catalina.

  "El mensaje que quiero enviar a través de mis canciones, es la importancia de la búsqueda interna y de ver que la música siempre funciona como un puente para atravesar todos los procesos personales, desde los más banales hasta los más profundos", agrega la artista con influencias de la canción de autor, el folclore y el indie pop.

  "Reflejos" es el nuevo lanzamiento de Catalina Marín, es una canción que nació en colaboración con el artista colombiano Mario Santa en donde juntos partieron de la reflexión del libro "Por quién doblan las campanas" que dice: "Ningún hombre es una isla, completa en sí mismo [...] Por eso, nunca preguntes por quién doblan las campanas: están doblando por ti".

  De ahí, los artistas quisieron hablar sobre cómo la vida de uno repercute en otro y cómo todo es un ciclo. La canción explora sonoridades más cercanas al indie – pop, pero sin perder la esencia íntima de la canción de autor.

  Según Catalina Marín, "Mario Santa fue un aporte muy importante, porque juntos hicimos la canción, desde el proceso de conceptualización, hasta la letra, armonía e interpretación. En definitiva, es una canción conjunta".

  Otro de sus sencillos recientes es "Aranjuez", una canción que cuenta la historia de la familia de Catalina desde la visión de la casa de sus abuelos, ubicada en el barrio de Medellín, Aranjuez. Invita a la memoria y al recuerdo de quienes ya no están, del encuentro de cada celebración y cómo a pesar de ser tan íntima, puede ser la historia de cualquier familia colombiana.

  Los sonidos que explora la artista en la canción están llenos de fusiones musicales que escuchaban sus familiares: desde el vals ranchero y el folklore suramericano, hasta una armonía muy común en las antiguas milongas. También usa un pequeño fragmento de una canción popularizada a mediados del siglo XX por el dueto de antaño, ya que Camilo García integrante del dueto, es un familiar lejano.

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"21.2 Acústico", el nuevo disco de "DeyCube"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"DeyCube"! Y bueno, ¡comencemos!  

  "DeyCube" es un proyecto artístico colombiano con raíz bohemia y energía rockera liderado por Deisy Cubillos, una cantautora que convierte la emoción en arquitectura sonora. Más que una artista, "DeyCube" es un medio: una voz que traduce experiencias humanas en arte, metáforas y música. Desde 2021, en los tejados de Soacha, Cundinamarca, una propuesta del alba ruge con sonidos que fusionan la poesía, la mística y el rock en un estilo único que nos transportan al lado poético de las noches capitalinas. 

  El proyecto nace con la necesidad de expresar lo que no cabe en lo cotidiano: el amor, la pérdida, la transformación, la consciencia. Su nombre representa la unión entre lo humano (Dey) y lo geométrico (Cube), como un equilibrio entre emoción y estructura, entre alma y forma. "DeyCube", integrado por Deisy Cubillos (compositora y guitarra), Luisa Estrada (coros - batería), Paul Ospina (coros - guitarra líder) y Jesús Salgado (bajo), ha evolucionado desde escenarios callejeros y buses, hasta convertirse en una propuesta sólida con identidad conceptual y sonora.

  "Su propuesta busca provocar emoción consciente. No solo se trata de hacer música, sino de activar algo en quien escucha: recuerdos, sensaciones, preguntas y despertares", comenta la banda con influencias desde el rock como Robi Draco Rosa, Gustavo Cerati, Scorpions, Iron Maiden y Tool, hasta raíces más bohemias y siempre con una búsqueda constante entre lo visceral y lo espiritual.

  "21.2 Acústico" es el nuevo disco de "DeyCube", es un viaje íntimo, es la versión más desnuda de este proyecto. El concepto del álbum gira alrededor de la vulnerabilidad como fuerza. Cada canción es un fragmento de historia: amores que transforman, miedos que se disuelven, conexiones que trascienden lo físico. El disco habla de la introspección, la memoria emocional, la pérdida, la sanación y el renacimiento. Es casi como abrir un diario… pero cantado.

  "Con este álbum queremos decir que sentir profundamente no es debilidad, es poder. Que lo que duele también construye y que, en medio del caos interno, hay belleza esperando ser escuchada y sanar a través del arte", agrega la banda.

  A nivel sonoro, "21.2 Acústico" se mueve principalmente en lo acústico: guitarras limpias, voces al frente, atmósferas íntimas. Más allá de lo técnico, el sonido es emocional. Hay silencios que hablan, respiraciones que cuentan historia, y una interpretación vocal que no busca perfección, sino verdad.

  En palabras de "DeyCube": "Para este disco me inspiré en la vida misma, en las relaciones profundas, las despedidas que no se dicen y las presencias que, aunque ya no estén físicamente, siguen habitando en la energía".

  "21.2 Acústico" de "DeyCube" presenta en "Mírame" una canción intensa y declarante, en "La luna y el gato" un relato íntimo, en "Cuántas Lunas" un tema melancólico y esperanzador, en "Soledad Criminal" una historia cruda y real. "Utopía" es catártica y liberadora, "Sintonízate" es profunda y sensorial, "En mis reminiscencias" evoca recuerdos y nostalgia, "Las palabras precisas" describe oportunidad y reconciliación, "Dulce alquimia" es metafórica y sensual, y "Viviendo por ti" habla de entrega y eternidad.

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"Último Edén", el nuevo single de "Karnívale"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Karnívale"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Karnívale" es una banda barranquillera que explora su sonido desde una base rockera que se amalgama con ritmos folclóricos del Caribe colombiano. El proyecto nace en 2016 por iniciativa de Luis Eugenio García (Geño), con la intención de crear una propuesta musical que conecte la fuerza del rock con la riqueza rítmica del folclor del caribe. 

  Integrado por Luis Eugenio García (Geño), Walter Extermor, Esteban Molina y María José Figueroa, el grupo colombiano tiene como intención en su propuesta musical, rendir un tributo a las raíces. "Karnívale" fusiona el rock y el folclor caribeño, con un sonido que le da prioridad a la fuerza rítmica de los tambores. Entre sus influencias se destacan los sonidos del folclor del Caribe colombiano como referencias modernas y experimentales.

  "Queremos mostrar el Carnaval más allá de lo que la gente ve actualmente y permitir que el público conozca el folclor desde nuestra propia interpretación. Nuestras canciones buscan contar historias. No se trata solo de tradición musical, sino también de tradición escrita, de nuestro folclor y de nuestra gente. Nos inspiramos en mitos, leyendas y relatos populares, llevándolos a un lenguaje musical contemporáneo", comenta "Karnívale".

  "Último Edén" es lo nuevo de "Karnívale", una oda a la fiesta, el descontrol y la liberación del cuerpo y la mente. La canción representa ese momento donde la música, la noche y el ambiente carnavalesco permiten dejar atrás las preocupaciones y entregarse completamente al disfrute.

  "Último Edén" exploramos como base rítmica una influencia de champeta palenquera. Es un ritmo que no tiene un nombre específico, pero que ha sido utilizado por agrupaciones como Las Estrellas del Caribe y en ritmos como la chalupa. A esto, se le suman sintetizadores, guitarras distorsionadas y percusión tradicional, creando una mezcla que define el sonido característico de "Karnívale".

  El video muestra a una persona que realiza un ritual para llegar al desenfreno de la fiesta. Es una especie de deconstrucción del Carnaval, donde se utilizan personajes tradicionales de la fiesta, pero bajo el concepto artístico del grupo, mostrando que el Carnaval es de todos y para todos.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Último Edén". ¡No os lo perdáis!

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