"Inmortal", el nuevo disco de "Los Pericos"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Los Pericos"! Y bueno, ¡comencemos!

  La legendaria banda argentina de ska y reggae "Los Pericos" regresa a Colombia para presentarse el viernes 5 de junio en la sala de conciertos Lourdes Music Hall (Carrera 13 # 64 – 56) en Bogotá. 

  El concierto será la oportunidad perfecta para escuchar en vivo, por primera vez en el país, las canciones de su nuevo disco de estudio "Inmortal" así como grandes clásicos que han marcado su exitosa carrera de 40 años como "Pupilas lejanas", "Runaway", "Sin cadenas" y "Mucha experiencia".

  El público podrá disfrutar de un show lleno de energía, ritmo y conexión, característico de "Los Pericos". La banda presentará un repertorio especial, manteniendo la esencia del reggae latino que los ha consolidado durante cuatro décadas.

  El concierto contará con dos localidades: General desde $108.000 y VIP desde $135.000.

  Los asistentes al concierto de "Los Pericos" en Lourdes Music Hall tendrán una experiencia única, cargada de buena vibra, clásicos del reggae en español y una conexión cercana con una de las bandas más importantes del género en Latinoamérica.

  La banda, integrada por Juanchi Baleirón, Diego "Chapa" Blanco, Gastón Moreira, Marcelo Blanco, Ariel Raiman y Guillermo Valentinis, vuelve a Bogotá para reencontrarse con un público colombiano que históricamente ha acompañado su trayectoria.

  El grupo argentino está listo para su reencuentro con el fiel y pasional público colombiano que siempre los apoya y alienta en cada una de sus presentaciones en nuestro país.

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Catalina Marín lanza un doble single

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Catalina Marín! Y bueno, ¡comencemos!

  Catalina Marín es una cantante y compositora colombiana de la ciudad de Medellín cuyo proyecto musical nace del querer convertir las emociones y las mil preguntas existenciales, en un lenguaje artístico propio. Junto a Jorge Zuluaga (productor del proyecto) crearon el estudio de grabación El Andén para darle rienda suelta a su libertad creativa. 

  Catalina es una persona que está en un constante aprendizaje sobre lo cotidiano y profundo de la vida, donde busca transitar sus sentires, a través de canciones y entendiendo que estas, son el mejor territorio de transformación para el alma. Su universo creativo y artístico está construido desde la intimidad y la honestidad de sus entrañas, invitando a otras personas a ser parte de este universo y al mismo tiempo a reencontrarse con lo que son.

  "En este proyecto como cantautora, busco lanzar mi primer álbum, que tiene como concepto la vida, la muerte y la transición del duelo. Más que crear canciones para entretener, mi intención es generar experiencias que toquen lo humano y permitan que otras personas se reconozcan entre las palabras e historias que cuentan las canciones", cuenta Catalina.

  "El mensaje que quiero enviar a través de mis canciones, es la importancia de la búsqueda interna y de ver que la música siempre funciona como un puente para atravesar todos los procesos personales, desde los más banales hasta los más profundos", agrega la artista con influencias de la canción de autor, el folclore y el indie pop.

  "Reflejos" es el nuevo lanzamiento de Catalina Marín, es una canción que nació en colaboración con el artista colombiano Mario Santa en donde juntos partieron de la reflexión del libro "Por quién doblan las campanas" que dice: "Ningún hombre es una isla, completa en sí mismo [...] Por eso, nunca preguntes por quién doblan las campanas: están doblando por ti".

  De ahí, los artistas quisieron hablar sobre cómo la vida de uno repercute en otro y cómo todo es un ciclo. La canción explora sonoridades más cercanas al indie – pop, pero sin perder la esencia íntima de la canción de autor.

  Según Catalina Marín, "Mario Santa fue un aporte muy importante, porque juntos hicimos la canción, desde el proceso de conceptualización, hasta la letra, armonía e interpretación. En definitiva, es una canción conjunta".

  Otro de sus sencillos recientes es "Aranjuez", una canción que cuenta la historia de la familia de Catalina desde la visión de la casa de sus abuelos, ubicada en el barrio de Medellín, Aranjuez. Invita a la memoria y al recuerdo de quienes ya no están, del encuentro de cada celebración y cómo a pesar de ser tan íntima, puede ser la historia de cualquier familia colombiana.

  Los sonidos que explora la artista en la canción están llenos de fusiones musicales que escuchaban sus familiares: desde el vals ranchero y el folklore suramericano, hasta una armonía muy común en las antiguas milongas. También usa un pequeño fragmento de una canción popularizada a mediados del siglo XX por el dueto de antaño, ya que Camilo García integrante del dueto, es un familiar lejano.

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"21.2 Acústico", el nuevo disco de "DeyCube"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"DeyCube"! Y bueno, ¡comencemos!  

  "DeyCube" es un proyecto artístico colombiano con raíz bohemia y energía rockera liderado por Deisy Cubillos, una cantautora que convierte la emoción en arquitectura sonora. Más que una artista, "DeyCube" es un medio: una voz que traduce experiencias humanas en arte, metáforas y música. Desde 2021, en los tejados de Soacha, Cundinamarca, una propuesta del alba ruge con sonidos que fusionan la poesía, la mística y el rock en un estilo único que nos transportan al lado poético de las noches capitalinas. 

  El proyecto nace con la necesidad de expresar lo que no cabe en lo cotidiano: el amor, la pérdida, la transformación, la consciencia. Su nombre representa la unión entre lo humano (Dey) y lo geométrico (Cube), como un equilibrio entre emoción y estructura, entre alma y forma. "DeyCube", integrado por Deisy Cubillos (compositora y guitarra), Luisa Estrada (coros - batería), Paul Ospina (coros - guitarra líder) y Jesús Salgado (bajo), ha evolucionado desde escenarios callejeros y buses, hasta convertirse en una propuesta sólida con identidad conceptual y sonora.

  "Su propuesta busca provocar emoción consciente. No solo se trata de hacer música, sino de activar algo en quien escucha: recuerdos, sensaciones, preguntas y despertares", comenta la banda con influencias desde el rock como Robi Draco Rosa, Gustavo Cerati, Scorpions, Iron Maiden y Tool, hasta raíces más bohemias y siempre con una búsqueda constante entre lo visceral y lo espiritual.

  "21.2 Acústico" es el nuevo disco de "DeyCube", es un viaje íntimo, es la versión más desnuda de este proyecto. El concepto del álbum gira alrededor de la vulnerabilidad como fuerza. Cada canción es un fragmento de historia: amores que transforman, miedos que se disuelven, conexiones que trascienden lo físico. El disco habla de la introspección, la memoria emocional, la pérdida, la sanación y el renacimiento. Es casi como abrir un diario… pero cantado.

  "Con este álbum queremos decir que sentir profundamente no es debilidad, es poder. Que lo que duele también construye y que, en medio del caos interno, hay belleza esperando ser escuchada y sanar a través del arte", agrega la banda.

  A nivel sonoro, "21.2 Acústico" se mueve principalmente en lo acústico: guitarras limpias, voces al frente, atmósferas íntimas. Más allá de lo técnico, el sonido es emocional. Hay silencios que hablan, respiraciones que cuentan historia, y una interpretación vocal que no busca perfección, sino verdad.

  En palabras de "DeyCube": "Para este disco me inspiré en la vida misma, en las relaciones profundas, las despedidas que no se dicen y las presencias que, aunque ya no estén físicamente, siguen habitando en la energía".

  "21.2 Acústico" de "DeyCube" presenta en "Mírame" una canción intensa y declarante, en "La luna y el gato" un relato íntimo, en "Cuántas Lunas" un tema melancólico y esperanzador, en "Soledad Criminal" una historia cruda y real. "Utopía" es catártica y liberadora, "Sintonízate" es profunda y sensorial, "En mis reminiscencias" evoca recuerdos y nostalgia, "Las palabras precisas" describe oportunidad y reconciliación, "Dulce alquimia" es metafórica y sensual, y "Viviendo por ti" habla de entrega y eternidad.

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"Último Edén", el nuevo single de "Karnívale"

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  "Karnívale" es una banda barranquillera que explora su sonido desde una base rockera que se amalgama con ritmos folclóricos del Caribe colombiano. El proyecto nace en 2016 por iniciativa de Luis Eugenio García (Geño), con la intención de crear una propuesta musical que conecte la fuerza del rock con la riqueza rítmica del folclor del caribe. 

  Integrado por Luis Eugenio García (Geño), Walter Extermor, Esteban Molina y María José Figueroa, el grupo colombiano tiene como intención en su propuesta musical, rendir un tributo a las raíces. "Karnívale" fusiona el rock y el folclor caribeño, con un sonido que le da prioridad a la fuerza rítmica de los tambores. Entre sus influencias se destacan los sonidos del folclor del Caribe colombiano como referencias modernas y experimentales.

  "Queremos mostrar el Carnaval más allá de lo que la gente ve actualmente y permitir que el público conozca el folclor desde nuestra propia interpretación. Nuestras canciones buscan contar historias. No se trata solo de tradición musical, sino también de tradición escrita, de nuestro folclor y de nuestra gente. Nos inspiramos en mitos, leyendas y relatos populares, llevándolos a un lenguaje musical contemporáneo", comenta "Karnívale".

  "Último Edén" es lo nuevo de "Karnívale", una oda a la fiesta, el descontrol y la liberación del cuerpo y la mente. La canción representa ese momento donde la música, la noche y el ambiente carnavalesco permiten dejar atrás las preocupaciones y entregarse completamente al disfrute.

  "Último Edén" exploramos como base rítmica una influencia de champeta palenquera. Es un ritmo que no tiene un nombre específico, pero que ha sido utilizado por agrupaciones como Las Estrellas del Caribe y en ritmos como la chalupa. A esto, se le suman sintetizadores, guitarras distorsionadas y percusión tradicional, creando una mezcla que define el sonido característico de "Karnívale".

  El video muestra a una persona que realiza un ritual para llegar al desenfreno de la fiesta. Es una especie de deconstrucción del Carnaval, donde se utilizan personajes tradicionales de la fiesta, pero bajo el concepto artístico del grupo, mostrando que el Carnaval es de todos y para todos.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Último Edén". ¡No os lo perdáis!

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"Bibliomancia", el nuevo single de Leon Clef

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  Leon Clef tuvo un 2025 bastante positivo, el artista colombiano logró terminar de componer y grabar su primer álbum de larga duración llamado "Viejos Escombros" que saldrá durante 2026. De ese disco, el músico antioqueño lanzó dos sencillos antes de finalizar el año: "Viejos escombros" y "El tiempo es hoy", además, realizó tuvo una gira de conciertos acústicos por varios lugares de Medellín. 

  Este año, el cantante y compositor ya grabó un Live Session acústico de dos sencillos del nuevo álbum, realizó el videoclip de su nuevo sencillo "Bibliomancia" y tiene programado un último lanzamiento antes de lanzar oficialmente su álbum de estudio. Adicionalmente, está en proceso de presentarse al Festival Altavoz y de organizar algunos conciertos en Bogotá y Medellín.

  Leon Clef llega con "Bibliomancia", una de las piezas más singulares del álbum, tanto por su origen como por su proceso creativo. A diferencia de otras canciones del proyecto, esta no nació desde cero con el artista sino a partir de una idea previa de su productor. La canción tomó forma en Circasia, Quindío, en su estudio ubicado en una finca rodeada de naturaleza. En medio de una residencia creativa donde ya tenían seis de las ocho canciones del álbum, surgió este último impulso creativo.

  Más allá de su origen literario, "Bibliomancia", es una canción que habla del fluir, del renacer y de la búsqueda interior: una exploración emocional que conecta con estados de transformación personal y contemplación. Es el resultado de un momento irrepetible: una creación espontánea donde la música, la literatura y la intuición se encontraron para dar forma a una pieza emocional.

  Os dejo por aquí el audio de "Viejos Escombros". ¡No os lo perdáis!

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"Running", el nuevo single de "Skulls"

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  "Skulls" es una banda multicultural conformada por el australiano con raíces italianas Woodie en la batería y coros, el chileno Ian en el bajo y voces, y el colombiano Diego en la guitarra y voces. Es un trío de amigos que tocan punk para divertirse. El proyecto nació hace dos años cuando Diego tenía un par de canciones y Woodie recomendó a Ian. Los tres empezaron a ensayar en un garaje donde hacían asados mientras escribían canciones en un plan denominado 'Domingos Suramericanos'. La química entre los tres fue indiscutible. Pese a que al principio querían reclutar un cantante, decidieron cantar los tres para mantener la esencia intacta. 

  La intención de su propuesta musical es pasarla bien, ayudar a crecer su comunidad siendo inclusivos y llevar la bandera en alto de sus raíces; por eso sus primeros dos sencillos salieron en español, una novedad que ninguna banda en Australia había hecho y con la que les ha ido muy bien.

  "Nuestro mensaje es claro, anarquía total a través de ser completamente felices haciendo lo que queremos y que nos hace felices, en nuestro caso es tocar punk. Alguien una vez nos dijo que no había nada más punk que cantar en español en un país de habla inglesa. Somos felices haciendo lo que queremos, siendo creativos y saliéndonos del sistema que nos han vendido, enfocándonos totalmente en nosotros", comenta la banda con influencias de The Bronx, The Hives, Turnstile, Violent Soho, Eterna Inocencia, 2 Minutos, Boom Boom Kid, La Pestilencia y La Polla Records.

  "Running" es el nuevo lanzamiento de "Skulls", una canción que habla de estar en un punto en la vida en donde se está completamente feliz con lo que se hace y con las personas que te rodean. Cuando existe esa plenitud solo hay que seguir corriendo en busca de los objetivos.

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"Stupid Vision Pro", el nuevo single de "Los Falsos Dandys"

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  "Los Falsos Dandys" es una banda de cinco amigos cuya conformación actual se consolida entre Envigado y Medellín, Antioquia en el año 2023. El proyecto nace de la idea de Noé de tener su propia banda de punk rock a la que invita para cantar a Gyo (Sebastián Henao), un amigo de bandas pasadas, luego se unen Luis Mateo Cardona en la batería, Samuel Ramírez en el bajo y Sebastián Velásquez en la segunda guitarra. El grupo es un espacio de creación artística y de expresión de cada uno de los integrantes donde materializan ideas y se divierten haciendo música no apta para cualquiera. Se presentan en vivo vestidos de sombrero, chaqueta y corbata, como un Dandy, buscando aparentar lo que no son. 

  Su propuesta musical tiene dos enfoques, la primera es tocar lo que componen. Noé escribe la mayoría de las letras y todos aportan en la consolidación de la idea musical; sin embargo, cada uno tiene la oportunidad de escribir sus canciones plasmando lo que les nace decir o denunciar. El segundo enfoque es homenajear canciones antiguas de su gusto, pero que no son del género, añadiéndole el toque punk rock y plasmando el concepto de falsa elegancia y sátira que los define.

  "Tenemos canciones que abordan sentimientos personales como amor, sátira, humor y crítica social que no pueden faltar en el punk", comenta la banda colombiana con influencias de Sum41, Green Day, The Misfits, Derozer, 2 Minutos, Nihilismo, Flema y Mojiganga.

  "Stupid Vision Pro" es lo nuevo de "Los Falsos Dandys", una canción escrita por Mateo Cardona inspirado en el boom mediático de las gafas de la manzanita famosa, haciendo una reflexión social sobre si un futuro distópico de la sociedad sería de ojos tapados frente al mundo y proyectando en las gafas sólo el contenido que los distrajera de la realidad. Si bien las gafas no tuvieron éxito comercial, el debate ético sigue vigente porque hoy la IA está aislando al ser humano, evitando conversaciones profundas entre personas mientras los contenidos que se producen en internet y televisión son vacíos; todo a la par de que el mundo se sumerge en guerras y destrucción sólo por el ego de sus gobernantes.

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"Furia Disca", el nuevo single de Guz Guevara

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  El 2025 fue un año donde se consolidó el proyecto artístico de Guz Guevara. El cantante, artivista, consultor y conferencista de origen mexicano tuvo la oportunidad de llevar su proyecto musical fuera de su país y abrazar completamente esa parte de él. Fue un año donde terminó de creer en el potencial y la belleza de su proyecto. Para este 2026, el artista busca llevar su performance "ANTIFRÁGIL" a todos los rincones de México (y más allá), además espera publicar su nuevo EP, acompañado del propio audiovisual de cada canción. 

  "La idea es llevar al espectador por un recorrido audiovisual que me ayude a transmitir el mensaje deseado. Actualmente, he cerrado un par de fechas en diferentes ciudades de México para presentar mi proyecto", comenta el también compositor.

  "Furia Disca" es lo nuevo de Guz Guevara, una canción de rebeldía y resistencia que nació de la necesidad del artista justo antes de llevar su proyecto a Brasil. Es perfecta para escuchar cuando se necesita alzar la voz ante alguna injusticia, cuando las personas quieran disfrutar de un buen cumbión y cuando se necesite canalizar la ira.

  "Estaba enojado porque había pasado un grave accidente que rompió varios huesos de mi cuerpo, ocasionado por la mala condición y falta de accesibilidad de las calles de la Ciudad de México. Tenía que canalizar esa furia, esa pasión y esa ira mal encausada. Entonces la convertí en una canción bailable que incita a las poblaciones con y sin discapacidad a desatar y canalizar su propia furia", menciona el cantante.

  "Furia Disca" explora sonidos de la cumbia rebajada, género originario de Nuevo León, México. Guz considera que es un género que abraza la resistencia de una subcultura muy particular y oprimida, además visibiliza sus propios bailes y rituales musicales. Sin olvidar que tiene el toque y la autenticidad que Guevara ha logrado construir de la mano de Imanol Igoa.

  "Me gustaría que las poblaciones con discapacidad de toda Hispanoamérica se pudieran sentir identificadas, y abracen su furia en forma de baile, resistencia y disfrute", enfatiza el activista.

  "Furia Disca" hace parte del EP "Inválido", un acto musical de protesta que transita entre tintes de rock, reggaetón, trap, cumbia y pop. El álbum aborda desde el hecho de abrazar tu propia oscuridad y fragilidad hasta el empoderamiento que te lleva a posicionarte y exigir tu lugar en el mundo. En la actualidad, Guz Guevara ha liberado 6 sencillos, teniendo otras dos canciones y un remix por lanzar. La idea es que la producción se publique en su totalidad en septiembre de 2026.

  La portada del sencillo es la réplica de una típica pared mexicana que es utilizada para promocionar la visita de un grupo musical, baile o sonidero.

  "Muchas veces se pintan en espacios barrializados y populares, por eso me parece importante visibilizar esta estética en otros espacios", argumenta el mexicano.

  El próximo 31 de marzo de 2026, Guz Guevara se presentará como parte del programa del Festival San Luis en Primavera 2026 en la ciudad de San Luis Potosí. Actualmente, el artista se encuentra en la etapa de confirmación y búsqueda de otros venues dentro y fuera del territorio mexicano.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Maldito Lisiado". ¡No os lo perdáis!

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"¡Qué dolor!", el nuevo disco de Guillo

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Guillo! Y bueno, ¡comencemos!  

  Antifaz es un proyecto musical colombiano liderado por Guillermo García "Guillo" que nació tras su salida de la banda Mojiganga en el año 2025. El nombre sale de la frase anónima "Detrás de un antifaz todos somos héroes y villanos", además, la palabra es muy parecida a Antifa. Conformados por Esteban Rodríguez Arcila en la batería, Boris Vásquez en el bajo, Santiago Castañeda en el trombón, Gabriel Espitia Mesa en la trompeta y Guillo Moji en la guitarra y la voz, Antifaz es una banda de punk que fusiona elementos del ska-core, hardcore y hardcore melódico con influencias de The Voodoo Glow Skulls, The Toy Dolls, Against All Authority y The Mighty Mighty Bosstones. 

  "Hace rato tenía la idea de tener un proyecto aparte con canciones que tenía archivadas o que habían sido producidas muy precariamente", cuenta el cantante y guitarrista colombiano.

  "¡Qué dolor!" es el disco debut de Antifaz, un trabajo de 12 canciones que recopila temas de un demo de Guillo del 2003 titulado "Malos Ratos" y que ahora ven la luz con una mejor producción y unas importantes colaboraciones, además de otras canciones recientes que Guillo tenía archivadas.

  ""¡Qué dolor!" Es una frase del coro del último sencillo del álbum titulado "La cartera" y abarca la temática de la mayoría de las canciones que hablan de frustración, rabia, desconsuelo y nostalgia. Hay historias personales y otras sociales generales a la realidad, el desamor y la rebeldía en este entorno político tan debilitante que vivimos, que es doloroso", enfatiza Guillo.

  El álbum a nivel sonoro es una mezcla visceral donde convive el legado del punk Medallo con melodías de vientos de ska y fraseos de voces hardcoreras. El sonido crudo, desenfrenado y caótico es la base de la mayoría de las canciones que tienen coros muy cortos, rápidos y repetitivos, característicos de las bandas ochenteras de la ciudad.

  "Quiero seguir expandiendo ideas y temas que no son representados en otros géneros musicales, hablar de las cosas que no pasan en las noticias, que no te manda el algoritmo de TikTok, cosas de las que a veces nos incomoda hablar, pero que tenemos que sacar a flote. Desahogarnos un poco de las frustraciones del día a día, así sea a través de la música", puntualiza el artista paisa. 

  "¡Qué dolor!" de Antifaz habla en "Mata al cura, mata al Rey" de cómo la manipulación y la adoctrinación en los medios facilita el control de las masas. "Morir en la playa" es un tema anecdótico del paseo de un punk al Caribe, "Este mes nene" es una historia sobre un embarazo no deseado en adolescentes, "Tu sonrisa" es una historia de desamor en New York, "El Icetex" habla de lo difícil que es acceder y pagar créditos de educación, "Utopía de mi clase" es una canción de amor colegial no correspondido, "Himnos y banderas" está inspirada en el estallido social del 2021 en Colombia, "La cartera" es una anécdota sobre los amores materialistas, "Barcos de papel" es un tema de despecho, de un amor difícil de olvidar; "Faranduleros" está en contra de la gente materialista, "No me vayas a llorar" habla del suicidio y "Punkies somos" habla del orgullo de ser punk.

  El disco cuenta con invitados de bandas como Los Suziox, Johnie All Stars, Código Rojo, Pacífico Sur, Popcorn, Vaho A Peste, El Piloto Ciego y Comandante Cobra.

  "Himnos y Banderas" es el focus track del disco debut de Antifaz, una canción inspirada en el estallido social de Colombia en 2021. El video son recortes de noticias de las marchas sociales y la respuesta violenta de la autoridad. Está dedicada a todas las personas que tienen la valentía de salir a resistir a las calles, a pelear por sus derechos y dignidad, que han sido heridos o muertos soñando por un mejor mañana, un pequeño homenaje a su revolución.

  "La Cartera" es otro sencillo del disco. Es un tema ligero que tiene un coro pegajoso y se expande a una canción basada en esas relaciones que terminan volviéndose interesadas y materialistas. Al principio te la juegas a que todo salga bien, y a veces es mejor alejarse antes de perder más de lo debido. El video fue hecho a modo guerrilla, caminando por los casinos en Fremont st. en Las Vegas.

  "Esperamos que la gente lo disfrute, que se identifique con las canciones y lo compre. Vamos a sacar 300 copias en vinilo, un formato ideal para coleccionar música y en esta era de streaming la mejor manera, (aparte de ir a conciertos) de apoyar a las bandas", menciona Guillo.

  La portada del disco está inspirada en la chica del bar de la canción "La Cartera". Es un dibujo al estilo de gráfica de vectores que muchas bandas de punk Californianas usaban en los 90's. La base fue un tatuaje de estilo tradicional americano.

  Antifaz planea durante 2026 una serie de conciertos en Colombia y, si se da la oportunidad, algunas presentaciones en México.

  "Las personas deben darse la oportunidad de conocer y descubrir a Antifaz en Colombia y Latinoamérica porque es muy importante que siga existiendo el punk como forma de expresión social, que no muera ese canal en donde podemos gritar la inconformidad y la frustración con la que tenemos que vivir en estos tiempos. Es importante continuar con esa historia rockera del país que empezó por allá en los sesentas y que mostremos que no solamente acá se produce reggaetón y vallenato. Hay muchas bandas de punk trabajando arduamente desde hace mucho tiempo y quisiéramos continuar ese legado", concluye Guillo Moji.

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Guillo. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Respira", el nuevo single de Vernal

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Vernal! Y bueno, ¡comencemos!  

  Vernal es el proyecto musical de Juan Bernal y nace del deseo de canalizar sus habilidades artísticas para crear una fantasía terrenal donde los mitos se hacen realidad. Está fuertemente representado por arquetipos como el personaje de Orfeo, quien desciende al inframundo y hace conmover al mismísimo Hades para recuperar el alma de su amada. Lo inspiran las narrativas religiosas espirituales y esotéricas de distintas culturas y cómo esas entidades y fuerzas influyen hoy más que nunca en el mundo caótico actual. La propuesta se gesta luego de su llegada a Estados Unidos, donde encontró tierra fértil para reencontrarse con su parte artística y vulnerable. 

  A través de sus canciones, Vernal quiere enviar mensajes poéticos que generen belleza, melancolía, pero sobre todo trascendencia, dar un mensaje de aliento o reflexión para el que lo necesite.

  "Vernal es mi integración con Dios, es la manera en que veo la acción creativa de "el reflejada en mí y como atreves de ella busco la trascendencia del mundo de la carne al mundo espiritual, música eres y en música te convertirás", es una búsqueda de iluminación interna que bajo el entendimiento del instinto gregario busca dejar el mensaje de que para iluminar el mundo primero debemos encontrar nuestra propia luz", cuenta el artista con influencias de Prince, David Bowie, Michael Jackson, Freddie Mercury, The Weeknd, Justin Bieber, Fall Out Boy, Alice in Chains y Deftones.

  Ahora Vernal estrena "Respira", el primer sencillo del álbum "La tragedia de Orfeo". Es una canción que representa el momento de alegría, éxtasis y plenitud que el artista tuvo cuando llegó a Estados Unidos a reencontrarse con quien creyó sería el amor de su vida. Retrata ese momento intimo que trasciende lo sexual para encontrar lo espiritual en otra persona, como el momento en que dos almas gemelas se encuentran. "Es nuestro destino, no sueltes mi mano" dice el coro.

  Vernal quería que "Respira" sonara celestial, como si en ella se habitara en un plano casi divino, muy similar al de un momento intimo cuando se hace con verdadero amor, esto puede ser desde un beso, una caricia, hasta el acto en sí mismo. Los versos son ligeros, sutiles, estás en el aire y el coro mucho más enérgico lleno de éxtasis. En el puente, la canción se torna melancólica haciendo alusión al inmenso dolor que dejaría la posibilidad que este momento acabe.

  El video fue grabado en el lugar donde hace 5 años Vernal se casó y todas las historias del álbum se desprenden de ese momento. El rosado evoca el contacto de la carne con el espíritu, es la mezcla entre el rojo y el blanco y simboliza la trascendencia de un acto íntimo meramente carnal a un encuentro espiritual; las flores hacen parte importante de la narrativa ya que tienden a ser un regalo entre personas que se aman, pero son extremadamente delicadas y algunas tienen espinas.

  "Encontré en el mito de Orfeo y Eurídice un lindo paralelo con mi historia personal, en los videos y en el álbum, evoco a un Orfeo moderno envuelto en el caos de la vida postmoderna quien encuentra el amor y lo termina perdiendo", menciona el artista colombiano.

  "Respira" es la primera canción de un álbum de doce canciones titulado "La tragedia de Orfeo" en donde Vernal explora todo un abanico de emociones, desde el amor, la culpa, el odio y la manipulación hasta la muerte, la tecnología y la trascendencia. Con canciones similares a una balada y otras con gritos y guitarras extremadamente distorsionadas.

  "La tragedia de Orfeo" es un paralelo del mito griego con la historia personal de Vernal frente al amor y la pérdida de este ante las inclemencias de la vida postmoderna, como migrante, mediada por tecnologías aún no comprendidas, narrativas nunca claras y cómo el individuo ante dicho caos solo puede creer en sí mismo para silenciar el ensordecedor mundo exterior. El disco se lanzará entre el 20 y 21 de marzo de 2027 en el día del Equinoccio de primavera o el Vernal Equinox. El álbum inicia con "Respira" el 10 de marzo, día de su cumpleaños y cerrará el ciclo en la primavera el próximo año.

  "Mi música es ideal escucharla en momentos de introspección, donde necesitas que el universo o Dios te de respuestas atreves del arte; durante y después de una relación amorosa, antes de orar, organizando tu cuarto, un domingo antes de iniciar la semana o un viernes para calentar motores", puntualiza el artista.

  Vernal lanzará durante los próximos meses una serie de sencillos, cada uno diseñado para cada época del año. El termino Vernal es relativo a la primavera en lo que se conoce como "VERNAL EQUINOX" y es el momento donde termina el invierno y la naturaleza vuelve a florecer en primavera, entonces los meses y las ocurrencias en cada uno tienen significado con la música que será lanzada.

  "Creo que el ambiente musical actual demanda proyectos que tomen riesgos, de por sí, ser un bogotano en el exterior queriendo romper la barrera del idioma y del género me parece importante, sobre todo cuando se asume el ser "latino" o "hispano" como un conjunto de estereotipos que no nos identifican a muchos. Es importante alzar la voz propia más allá de una frontera y una cultura", concluye Vernal.

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"Todo es Tamal", el nuevo single de "Modo Visage"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Modo Visage"! Y bueno, ¡comencemos!

  En la política colombiana, el tamal no es solo gastronomía; es una moneda de cambio, un símbolo del silencio comprado y de la democracia de estómago. 

  Una arquitectura sónica sin precedentes

  "Todo es Tamal", el nuevo sencillo de la banda colombiana "Modo Visage" irrumpe en la escena nacional como una pieza de Industrial-Nü Metal densa, producida para tiempos de polarización extrema. La canción no se queda en la superficie del ruido: cada instrumento toma partido en un campo de batalla sonoro cuidadosamente diseñado, donde el mensaje trasciende el género para convertirse en crónica política, con letras crudas, directas, que no dejan nada a la imaginación, la canción que le pone nombre a lo que todos ya saben.

  Una orquesta de sintetizadores sinfónicos exhala el aire rancio y solemne de la derecha tradicionalista, mientras texturas electrónicas difusas retratan el laberinto doctrinal de la izquierda. En medio de este choque de trenes, las guitarras eléctricas emergen no como acompañamiento, sino como el grito de inconformismo de una sociedad agotada por la gestión ineficiente de ambos bandos.

  El pulso de la movilización y la sombra de la represión

  Rítmicamente, el track avanza con una percusión marcial que evoca tanto la movilización social como la sombra de la represión estatal. Sin embargo, el corazón del mensaje reside en la tensión de la juventud: una capa electrónica vibrante que lucha por definir el futuro político, resistiendo la inercia de un sistema que lleva décadas comprando voluntades con bandejas de comida.

  El giro inesperado: el color de la esperanza

  El cierre de la obra es su mayor audacia compositiva: una explosión armónica que abandona deliberadamente la oscuridad industrial para ofrecer un destello de esperanza. Es el despertar intelectual sobre el clientelismo; la comprensión colectiva de que, mientras todo sea tamal, nada podrá cambiar. Una obra necesaria, cruda y de una simbología sonora tan compleja como el propio mapa electoral del país.

  "Todo es Tamal" de "Modo Visage" es una obra necesaria, cruda, sin anestesia y producida para tiempos de elecciones y polarización extrema.

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"Terminus", el nuevo single de Rueda Empire

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Rueda Empire! Y bueno, ¡comencemos!

  Rueda Empire es un cantante y compositor estadounidense de música urbana. De padres y raíces mexicanas, Josué Rueda es un artista que busca a través de sus canciones darle amor al público con historias cotidianas que identifiquen a quien lo escucha. Sus letras y melodías reflejan a un artista que sueña con los pies en la tierra. 

  "La intención de mi propuesta musical es conquistar y hacer feliz a la gente latinoamericana y de habla hispana a través de mis creaciones. Mis letras reflejan positivismo y alegría", cuenta el cantante con influencias de la cultura musical mexicana y latina.

  "Terminus" es el nuevo disco de Rueda Empire, un trabajo que busca transmitir su sentir como artista y como persona de que todos los logros y objetivos son posibles sin importar las dificultades. El disco explora sonoridades de música urbana (reggaetón, trap), pop latino, y mucho sabor mexicano (corridos) y caribeño.

  "Siempre tenemos días buenos y días malos, pero al final de la jornada tenemos más motivos para estar más alegres que triste", agrega.

  El álbum aborda temáticas e historias de amor, desamor y superación. Tiene referentes musicales como Piso 21, Manuel Turizo, Junior H y Natanael Cano.

  "Terminus" está inspirado en el vacío que un ser humano puede sentir cuando afronta nuevas situaciones y retos en su vida. Va dirigido a las personas que tienen sueños y objetivos por cumplir y que nunca se rinden hasta alcanzarlos.

  "La mayor inspiración que tuve para hacer este disco fue mi mismo dolor, logré sacar mis sentimientos y plasmarlos en mis letras y ritmos. Es un trabajo de felicidad, fuerza y sentimiento", enfatiza Rueda Empire.

  La portada de "Terminus" de Rueda Empire fue creada por Woocimic, un destacado diseñador artístico latinoamericano.

  "Lo más importante en esta etapa de mi vida es conectar con la gente real, con los humanos genuinos que escuchan mis canciones por la naturaleza de sus letras y no por una moda o una tendencia", puntualiza.

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"Story", el nuevo single de "UBanda"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un nuevo grupo: ¡"UBanda"! Y bueno, ¡comencemos!

  2025 fue un año donde la banda pop rock latino "UBanda", originaria de Duitama (Boyacá), cumplió muchos sueños, entre ellos, hacer su primera colaboración internacional con la leyenda musical viva, Norberto Domínguez; y compartir tarimas en varios municipios y ciudades del país como Bogotá, Nobsa, San José del Guaviare, Tunja y Duitama. Para este 2026, el grupo tiene como meta seguir conectando con sus seguidores en Colombia y Latinoamérica con el fin de continuar llevando su mensaje y sus canciones por el mundo. 

  "Story" es lo nuevo de "UBanda", balada pop rock que cuenta la historia de un amor personal en donde las cosas no pudieron continuar, pero a la que se le dio un final merecedor, un abrazo que reconforta y perdona. Es una canción para recordar y sacar un poco esas esquirlas de los finales agridulces.

  "En síntesis, es la forma en la que siempre prejuiciamos el amor con un fin doloroso. Esta historia se construye con demasiada intensidad, pero empezando y terminando con lo que para nosotros es la conexión más inocente y hermosa que nos regalaron, un abrazo", menciona la agrupación.

  El video de "Story" plasma diferentes escenarios de amor en los que varias historias paralelas navegan. Todo tiene un final, incluso la vida misma, entonces la invitación es abrazar estas situaciones.

  " "Story" nace como un resurgir en nuestro proyecto, es un sencillo que probablemente incluiremos en un álbum en el momento pertinente", agrega el grupo.

  El diseño de la portada son 4 rostros de los integrantes de la banda en un dibujo que pone una rosa como expresión de amor, además de algunos detalles abstractos, todo hecho a mano, como recordatorio también que la historia de "UBanda"viene mucho antes de lo digital.

  "UBanda" continúa trabajando en nueva música y prepara otra colaboración internacional, un bolero con el nieto del mítico Julio Jaramillo. Será una canción para enaltecer a Colombia junto a Requilates, unos talentosos chicos que empezarán a estar en el radar de la industria musical colombiana. De igual manera, el grupo participará en múltiples conciertos y festivales que estarán anunciando oportunamente a través de sus redes sociales.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Mosaico". ¡No os lo perdáis!

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"Animal de Monte" presenta un trabajo irreverente

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Animal de Monte"! Y bueno, ¡comencemos!

  En medio de una selva de cemento dominada por la industria, en 2021 fue sembrada la semilla de un proyecto musical que, poco a poco, ha comenzado a brotar sus primeras ramas. Esta vegetación sonora es el inicio de un monte mágico que el compositor, Víctor Agudelo, ha creado para el "Animal de Monte" y sus amigos salvajes. Luego de dos años de abonar el terreno creativo, en 2022 el Animal lanza su primer sencillo y, en 2023, sale de su cueva para aullar en distintos escenarios de la ciudad con sus especímenes oníricos. El proyecto rota constantemente de integrantes, pero en este momento lo conforman Víctor Agudelo, compositor, productor, teclados y voz líder; David Hernández, bajo y coros; Valeria Angulo, percusión menor y coros; Johan Cano, saxofón y coros; y Juan Esteban Quintero, batería. 

  La propuesta busca resignificar la expresión "Animal de Monte", normalmente empleada con fines despectivos hacia un individuo salvaje y con comportamiento antisocial. En este caso, el término es una antítesis del malo, es el ser puro, sincero y sin filtros diplomáticos que llevamos dentro y ha sido domado por el sistema de la falsa, hipócrita y doble moral sociedad. El proyecto se desprende de las modas y del main stream, y así, crear música desde la libertad, sin ataduras ni prejuicios.

  "Desde el punto de vista de la expresión personal, por medio de este proyecto busco, no solo comunicar mis necesidades filosóficas y mis posturas políticas, empleando el símil y la metáfora a través de personajes de fábula, sino también criticar el entorno en el cual he crecido y evolucionado como individuo", cuenta Víctor. "Personajes oníricos, como Don Hipócrito, La Abejita Diabética, Zangui y Nario, nacen de canciones con letras metafóricas e irreverentes que reflexionan críticamente sobre nuestra sociedad actual", agrega.

  "Animal de Monte" presenta su disco homónimo debut, un trabajo que culmina una etapa en donde Víctor Agudelo, contando historias personales y de su entorno de forma metafórica, fue el compositor y arreglista de todos los temas. El álbum está creado bajo el concepto original e irreverente del "Animal de Monte" y toca temas como el chisme, la ternura, el amor, el desamor, la absurdidad, el agradecimiento, la sanación y la falsedad, entre otros. Se pueden escuchar mezclas de rock, ska, blues, timba, urbana, folclor colombiano, cumbia, balada pop, reggae y swing.

  El disco "Animal de Monte" es una compilación de los sencillos que se han venido lanzando desde 2022 junto a la canción principal, "Animal de Monte" (focus track), que fue concebida en 2021, pero solo hasta 2025 se terminó de producir. Va dirigido a un público abierto a escuchar una amalgama de sonidos que sorprenden por su irreverencia y unas letras que invitan a pensar y a reflexionar.

  La base instrumental empleada en las canciones es la de una banda tradicional de rock -bajo, guitarra, batería y teclados- pero en algunos temas se emplean vientos como clarinete, trompeta, saxofón, melódica y armónica. También hay uso de sonidos y efectos electrónicos, instrumentos tradicionales colombianos como tiple, charango y tambora. Dependiendo de la canción, se hace alusión a efectos extra musicales como aullidos, agua corriendo, rebuznos, gritos, respiraciones y gruñidos. También se explora el beatbox y percusiones no tradicionales como utensilios de cocina -pailas, chocolatera, rallador y cucharas-.

  "Animal de Monte" presenta en su primer track "Animal de Monte" una canción de catarsis y sanación, en "Abeja diabética" una historia de empoderamiento y resiliencia, en "La balsa" e "huesos" un tema de dolor y memoria, en "Igualitas, pero no se parecen" una canción de amor y aprendizaje. "Eso pega" es esnobismo y falsedad, "Puro cuento" es decepción y desamor, "Vestido blanco" es absurdidad y locura, "Escucho algo" es ternura y agradecimiento, "Tengo derecho" es un grito de auxilio, "Rabo de paja" es chisme y calumnia y "Yellow Donkey" es soberbia y arrogancia.

  "Animal de Monte" es el focus track del disco, una canción que cuenta la historia de un ser que ha sido encaminado por una serie de autopistas recién pavimentadas, jardín, kínder, primaria, bachillerato, pregrado, maestría y doctorado, sin tener la oportunidad de detenerse y pensar si en realidad eso sí era lo que quería ser en su vida. De ser un "prestigioso" profesor titular con doctorado y un "reconocido" compositor de música para marcianos, este personaje, se decepciona del sistema y emprende una nueva ruta en su vida, la de reencontrar a ese animal de monte que lleva dentro y que hace mucho tiempo dejó abandonado en un matorral.

  La canción retrata a un personaje con "cartón de doctorado", pero con el instinto intacto, engañado por un sistema que promete progreso mientras mutila sueños, dignidad y afectos. Entre imágenes crudas y potentes —bozales rotos, cadenas, colas cortadas— narra el cansancio del encierro y la necesidad urgente de huir para sobrevivir. El monte aparece como metáfora de regreso a lo esencial: no como derrota, sino como acto de resistencia y sanación. Es un canto incómodo y honesto sobre la exclusión, la rabia contenida y la búsqueda de identidad en un mundo que empuja a reaccionar con garras cuando ya no deja espacio para la ternura.

  "El momento propio para escuchar este disco, es cuando te encuentres harto de la industria musical actual y su aberrante manipulación a través de los algoritmos de las plataformas digitales, cuyo objetivo, más que exponer calidad musical, es obtener resultados numéricos", menciona. "Esperamos que el público que esté ávido por escuchar sonidos nuevos y fuera de lo que les obliga a escuchar el algoritmo y la industria, escuche nuestra música, la disfrute y se apropien de ella. Sabemos que ciudades como Bogotá, Ciudad de México, Buenos Aires y Madrid son sitios que cuentan con un público deseoso de experimentar nuevas experiencias sonoras, es por ello que creemos que, con este lanzamiento, podemos alcanzar nuevos oídos en estas ciudades", puntualiza.

  La fotografía empleada en la portada del disco fue tomada por Deisy Thokora y muestra en primer plano las manos del "Animal de Monte" encadenadas y en segundo plano el bozal, reflejando parte de la letra de la canción "rompe su bozal y las cadenas de hierro" y del concepto general del proyecto. El mensaje básicamente es: reacciona, despierta y libérate de los prejuicios y perjuicios de esta falsa, hipócrita y doble moral sociedad de la selva de cemento y sé libre en el monte.

  Para este año, "Animal de Monte" promocionará su disco en diferentes espacios que ofrece la ciudad de Medellín como: Altavoz, Medellín Music Week y Circulart, además de proponer conciertos a bares y demás escenarios que quieran acoger este proyecto. A partir de 2026, el "Animal de Monte" comenzará a mutar y a explorar otras fuentes de inspiración colectiva con los miembros de su banda.

  "Es importante que las personas se den la oportunidad de conocer y descubrir a "Animal de Monte" en Colombia y Latinoamérica porque es un proyecto con gran fuerza músico-conceptual, reforzada a través del vestuario, las máscaras, las letras y el riesgo estético-musical que no cae en la repetición y siempre busca que cada canción sea un escenario diferente", concluye Víctor Agudelo.

  Más sobre "Animal de Monte"

  El proyecto nace en enero de 2021 como catarsis a una serie de eventos vividos en 2020 durante la pandemia y a una necesidad de expresión, por medio de música que tuviera letras que reflejaran la realidad actual de Víctor Agudelo sin estilos ni reglas definidas por la industria, y con letras metafóricas e irreverentes que reflexionaran críticamente sobre la sociedad actual.

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"Aguapanela", el nuevo disco de "Pirineos en Llamas"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Pirineos en Llamas"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Pirineos en Llamas" es una banda de rock alternativo de Medellín (Colombia) fundada en 2020. El proyecto está integrado por Fabián Buitrago (guitarra y voz), David Giraldo (batería), Manuel Orrego (bajo), Miguel Restrepo (guitarra y voz principal) y Maclovin (guitarra y voz). El grupo nace del deseo de crear, más allá de las canciones, experiencias y vivencias. 

  "Nos gusta crear matices y contrastes, por ejemplo, canciones oscuras con melodías felices. Nos gusta crear atmósferas y jugar con cambios de tempo y de ritmo para que las canciones se sientan más cinematográficas. Experimentamos con estructuras poco convencionales tipo: canciones sin coro, sin estrofas o con todos los coros distintos, etc. Nuestras letras hablan sobre la nostalgia y la esperanza, la desidia y la resiliencia, la melancolía y el júbilo, lo profano y lo divino", comenta la agrupación con influencias de Interpol, The Stone Roses, IDLES, Blink-182, The Cure, Gustavo Cerati, Soda Stereo, Charly García, Hipsum, Margarita Siempre Viva y Volcán.

  "Aguapanela" es el nuevo disco de "Pirineos en Llamas" y el resultado de un proceso de 2 años donde la banda enfrentó retos y experiencias que se plasmaron allí y fueron moldeando el concepto de este. El concepto del disco se erige sobre el fuego, que es un elemento identitario de la banda. Parte de su dimensión dual: como símbolo de guerra y caos, y a la vez de purificación y renacimiento. El álbum se desarrolla como el viaje de un héroe que camina batallando desde la oscuridad hasta encontrar dentro de sí el fuego purificador que lo conduce hacia la luz. En la primera mitad del disco se le canta al dolor, la ansiedad, el apego al pasado, la desesperación y el desconcierto: es la oscuridad. En la segunda, se exploran la dimensión divina y mística del ser, los actos de fe, la intuición, el momento presente y la victoria: es la luz. Al final, el héroe renace una vez transmuta y resignifica su dolor. Es un disco para los momentos difíciles, pero también para celebrar los triunfos.

  Según "Pirineos en Llamas", " "Aguapanela" hace referencia al focus track del álbum y es producto de una dinámica que tuvimos durante nuestro proceso creativo que consistía en nombrar los temas de acuerdo a lo que estuviera pasando en el momento de su composición. La aguapanela, para nosotros como colombianos, no es sólo una bebida sino también parte de nuestra cultura, símbolo de hogar, lucha y resistencia. Es para muchos la primera bebida del día, la que nos da la energía suficiente para afrontar el diario vivir. Es medicina emocional cuando estamos enfermos, tristes o cansados. Es la bebida que encarna el amor familiar, que congrega y da fuerza. La aguapanela es en este sentido el elixir del héroe que todos llevamos dentro de nosotros mismos".

  "Aguapanela" explora múltiples sonoridades, desde cumbia, rock, pop, punk, shoegaze, new wave y postpunk: hasta sonidos de rituales ancestrales. Es un disco con más atmósferas, más cambios de ritmo y de tempo, con más texturas y sonidos más frenéticos.

  "Queremos enviar un mensaje de resiliencia, que la lucha no es hacia afuera sino hacia adentro, que atravesando y resignificando nuestras angustias es como podremos encontrar luz en medio de la oscuridad, esa llama interna que revela el camino cuando parecemos estar perdidos", comentan

  Para este álbum, la banda trabajó con Juan Antonio Toro de Armenia en la producción de tres tracks ("Palacio Egipcio", "Canto al Fuego" y "La Batalla"), y con David Ospina de Volcán en la grabación, mezcla y máster en su estudio Brona Records.

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"Bolerito", el nuevo single de Manu

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Manu! Y bueno, ¡comencemos!

  Manu es un cantante y compositor colombiano de pop latino que le dio vida a su proyecto a partir de la necesidad de expresar historias y realidades de la vida cotidiana personal y al escuchar historias contadas por personas cercanas. 

  "Me considero un artista auténtico, real y genuino que busca siempre mostrar y expresar lo que siento con el fin de tocar los corazones de la gente que me escucha", cuenta Manu.

  "A través de mis canciones quiero dejar claro que el amor siempre puede lograr hacer mucho en la vida de la gente", agrega el artista con influencias de la música pop fusionada con el folclor colombiano y los sonidos tropicales afrocolombianos en artistas como Fonseca, Carlos Vives, Gusi Gilberto Santa Rosa, Guaco, Gian Marco y Sin Bandera.

  "Bolerito" es el más reciente lanzamiento de Manu, una historia de desamor de una amiga del artista con su expareja. En la canción, el musico se adueña de la historia y se convierte en el protagonista.

  "Bolerito" explora sonoridades de son cubano, bolero vieja guardia y pop. Aborda temáticas y sentimientos de desamor, nostalgia y esperanza porque el amor es un resurgimiento constante de emociones.

  "Me inspiré mucho en la canción "Colección de recuerdos", una colaboración que hizo el maestro Chucho Valdés junto a Fonseca y Gilberto Santa Rosa; y en el afrobeat "Esta es tu casa nena" de Kapo y Camilo", menciona Manu.

  El concepto del lyric video es una oda a los sonidos de antaño como los boleros, los sones cubanos, las milongas, el jazz, el blues y la salsa. Es un trabajo audiovisual que nos transporta al pasado.

  "Con este lanzamiento quiero tener un gran impacto en el público y los medios de Colombia, España y Latinoamérica. Quiero conquistar nuevas audiencias y que quienes me escuchen se sientan identificados con la canción para que se unan a este movimiento musical llamado Manu", enfatiza el cantautor.

  A la fecha, Manu cuenta con dos Ep's: el primero publicado en 2015 y el segundo titulado "Te vi" de 2025. El disco debut está planeado para este 2026 e incluirá "Bolerito" y otras 6 canciones más.

  "Considero que es importante que las personas se den la oportunidad de conocerme y descubrirme porque siempre es bueno llegar a más públicos y comunidades y que la gente reconozca el sonido cuando escuchen mis canciones y puedan identificarse es especial. Conectar con audiencias de varias partes del mundo es un gran logro porque significa que estamos haciendo las cosas bien y poder alegrar la vida de las personas y de esta sociedad con buena música con sentido que tanto los necesita es único", concluye Manu.

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"Sense of Reality", el nuevo disco de "Love My Robot"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Love My Robot"! Y bueno, ¡comencemos!

  El colectivo musical multidisciplinario "Love My Robot", liderado por la artista colombiana Carolina Castilla, tuvo en 2025 el año de la consolidación y la expansión creativa: un periodo donde "Love My Robot" reforzó su identidad como un puente entre música electrónica, tecnología y ética. Fue un año de diseño de universo: narrativa, concepto, visuales y dirección artística, preparando una nueva etapa donde cada lanzamiento funciona como parte de una obra mayor, no como un single aislado. También fue un año de fortalecer comunidad y escena, integrando experiencias en vivo y storytelling para traducir lo complejo en algo emocional, bailable y humano. 

  En 2026, la meta de este proyecto colombiano es ejecutar el lanzamiento global de "Sense of Reality" como una era completa (música + visuales + narrativa), con una estrategia por capítulos y activaciones internacionales a través de cuatro objetivos: El lanzamiento por capítulos con assets editoriales y audiovisuales por canción, shows internacionales (Tokio + USA + Europa) en formatos DJ / híbrido / A/V inmersivo, un impacto cultural abriendo una conversación sobre IA, identidad, consentimiento y poder sin moralismos, desde el arte; y construir comunidad, convirtiendo cada lanzamiento en una experiencia compartida, no solo consumo de música.

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