"Jet Lag", el nuevo disco de Ariel Tobo

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Ariel Tobo! Y bueno, ¡comencemos!

  El 2025 fue un año decisivo en la carrera del cantante y compositor colombiano Ariel Tobo. El músico publicó los sencillos "El Viaje", "Hasta el Final", "Tu Silencio" y, finalmente, su álbum debut "Jet Lag". Durante meses, el artista de la ciudad de Bucaramanga preparó el lanzamiento del disco y el 5 de diciembre hizo la presentación oficial en un concierto íntimo en Baba Yaga Tasca, mismo día en que el álbum salió en plataformas digitales. 

  "Jet Lag" nació de un proceso largo, emocional y honesto, con canciones compuestas en varias etapas de la vida de Ariel Tobo, con emociones distintas, pero que juntas cuentan una misma historia.

  "El concepto del álbum parte de sentirme "desfasado" del mundo. Esa sensación de ir caminando mientras la vida va a otro ritmo, de no estar alineado con uno mismo, de cargar cosas pendientes, recuerdos, heridas. El disco es un viaje por ese desajuste interno, por momentos de nostalgia, humor, dolor, reflexión, deseo, pérdida y renacimiento", comenta el artista colombiano.

  "Jet Lag" representa ese estado mental de confusión y búsqueda. El mensaje es: está bien no estar bien, está bien detenerse, está bien realinearse. No hay viaje sin turbulencias.

  "Es un disco que habla de lo que somos cuando nadie nos está viendo. Quiero decirle a la gente que sentirse perdido también es parte del camino, que todos atravesamos etapas donde no sabemos quiénes somos, hacia dónde vamos o qué hacer con lo que sentimos", agrega el músico.

  Musicalmente, "Jet Lag" es un recorrido por las influencias rock, blues, funk, pop alternativo y matices íntimos y acústicos de Ariel Tobo. Hay guitarras muy presentes, riffs con slide, líneas de bajo que cargan emoción, baterías sólidas y sintetizadores que le dan un aire nocturno, como de carretera a las dos de la madrugada. Es un disco orgánico, pero con alma moderna.

  "La mayor inspiración fueron mis propias vivencias: relaciones que no funcionaron, duelos emocionales, procesos de reconstrucción personal, sueños, heridas viejas y la búsqueda de una identidad musical que hoy siento más sólida", cuenta el cantautor con raíces sonoras de jazz, blues, rock, salsa y pop, y artistas como John Mayer, Gary Clark Jr., Drexler, Fito Páez y Arctic Monkeys.

  Ariel Tobo presenta en "Jet Lag", una canción desesperada y confesional; en "La acera izquierda", una historia soñadora y cinematográfica; en "Caminos", un tema nostálgico e inevitable; en "Hasta el final", una composición eléctrica y decidida; en "Salto al vacío" una canción jocosa y sensual, en "El muñeco", humor y sátira; en "El Viaje", una historia narrativa retro; en "Tiempo", una reflexión dolida, en "Tu silencio", un sencillo espiritual e íntimo; y en "Tu silencio" (versión acústica), una canción desnuda y esencial.

  Os dejo por aquí el Videolyric de "Hasta El Final". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Ariel Tobo. No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Arde", el nuevo single de "Distópxica"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran dúo: ¡"Distópxica"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Distópxica" es una banda de rock de Bogotá y, al tiempo, un proyecto de reflexión crítica. Usan la música para hablar de las toxicidades de los tiempos actuales, la crisis ecológica, la desigualdad, la migración, la violencia y la resistencia. Cada canción es un mapa emocional: no dan respuestas fáciles, abren preguntas incómodas y recursos para habitar la incertidumbre con dignidad. 

  "Distópxica" es la mezcla entre distopía, territorio y toxicidad entendida como catalizador de cambio. No es solo un nombre, es un manifiesto: incomodar para transformar. Es un núcleo conformado por Javier Vaca, voz y letras; Sergio Moreno, guitarra y coros; y Gabriel García, sintetizadores y guitarra.

  La intención de su propuesta musical es simple y, al mismo tiempo, agresiva: usar el rock como laboratorio de conciencia. "Distópxica" es un cruce de caminos a nivel sonoro. La base es la intensidad del rock y del metal, pero dialoga con el punk, la energía de la salsa, la cadencia de la cumbia y la tradición de la canción latinoamericana de denuncia.

  "No hacemos "música de protesta" en el sentido tradicional; trabajamos una especie de arqueología emocional del presente. Tomamos temas pesados —crisis ecológica, desigualdad, violencia estructural— y los traducimos en canciones que puedan ser gritadas en un pogo, pero que también resistan una lectura intelectual", cuenta la agrupación colombiana.

  "Buscamos transformar el trauma ecológico y social en comprensión, motivar la duda y generar incomodidad constructiva. Denunciamos sin caer en el panfleto porque nuestras letras están pensadas para perdurar, para seguir insistiendo en algo dentro de diez o veinte años", agrega.

  "Arde" es lo nuevo de "Distópxica", una canción que nace de la necesidad de replantear la forma en que se entiende la rabia y la protesta. Habla de alguien que ha marchado, que ha enfrentado gases, balas y persecuciones políticas, pero que decide que su verdadero campo de batalla es el aula, el conocimiento y la organización social.

  El tema cruza varias capas: educación como arma, revolución, raza, memoria, supremacías que se jactan de intocables y culturas que se niegan a desaparecer. Es una invitación a incendiar lo que oprime, no existe nada más incendiario que los argumentos, el pensamiento crítico, la comunidad y su acción colectiva.

  "Cuando decimos "La educación es el arma de mi raza", estamos diciendo que no queremos más generaciones entregadas al plomo; queremos generaciones armadas de libros, preguntas y conciencia", enfatiza la banda bogotana.

  "Arde" mezcla rock, punk y metal con una cadencia de salsa marcada en la voz. Se siente ecos de bandas como Rage Against the Machine y The Mars Volta en la energía y la estructura, pero filtrados por la realidad bogotana y latinoamericana. "Distópxica" también se nutre de músicas de raíz, de los ritmos de calle, de la sonoridad de los barrios y de la historia política reciente de Colombia.

  El video toma un lugar aparentemente neutro —una oficina de un corporativo real— y lo convierte en escenario de resistencia. Ese espacio de trajes, escritorios y reuniones se transforma en un coro de voces que ya no hablan de ventas, sino de dignidad.

  La historia gira alrededor de esa tensión: gente común, en un entorno cotidiano, que decide levantar la voz, cantar y ocupar el lugar como si fuera un escenario. Visualmente juega con la idea de que la revolución no siempre está en la calle; también puede empezar en el pasillo de una oficina, en un aula, en cualquier espacio donde la gente se organice o trabaje.

  Para la banda, "el mensaje es claro: si el sistema nos encierra, convertimos ese encierro en eco. La educación, la palabra y la comunidad son las armas que cargan la canción y la imagen".

  La canción, producida por Baltika Records, está construida sobre batería, bajo, guitarras y coros reales grabados en una oficina corporativa llamada VISIONARIOS (empresa BHIP), el mismo espacio donde se filmó el video con el fin de que sonara a gente real, en un lugar donde normalmente se habla de metas y cifras, no de revolución.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Arde". ¡No os lo perdáis!

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Distópxica". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Todo va a estar bien", el nuevo single de "Blast55"

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Blast55"! Y bueno, ¡comencemos!

  Después de lanzar el sencillo "Garuda", el cual tuvo un alto impacto digital en plataformas digitales y redes sociales, logrando entrar en la rotación de la emisora colombiana Radiónica; "Blast55" cierra el año con "Todo va a estar bien". 

  "Para nosotros es importante hacer música, pues es nuestra forma de expresarnos, de motivarnos. La música nos da vida, las melodías llenan esos huecos que el tiempo nos va dejando, y canciones como Garuda, son el reflejo y la forma en que sacamos muchos de esos sentimientos y emociones que llevamos dentro", comenta Juan Pablo Patiño.

  "Todo va a estar bien" es lo nuevo de "Blast55", es una aceptación de error, es un reconocimiento a la fragilidad, a la equivocación. Es una canción en para reconocer las imperfecciones, para aceptar los defectos y la ansiedad, pero con un mensaje positivo que invita a dejar fluir, a entender que, ante el error, muchas veces el reconocimiento y la aceptación es el mejor paso.

  "Muchas veces cuando uno la embarra es quien más duro se da. La vida da muchas vueltas y algún día nos vamos a morir, por eso la invitación es a pensar si en lugar de recriminarse, etiquetarse y rotularse, las personas que nos leen deberían darse el espacio para ver el error y aprender; finalmente, todo es una experiencia", agrega el cantante bogotano.

  "Todo va a estar bien", incluida en la playlist editorial de Spotify de Novedades Rock, explora sonidos del punk rock, mezclados con elementos del pop. Es una canción inspirada en los errores y las imperfecciones.

  "El video de la canción utiliza la técnica de animación denominada rotoscopia y como los errores, muchas veces para otros, uno es un papel rayado. Todo está en la forma en la que se mire, o somos un papel rayado pidiendo excusas o somos una línea más de experiencia", menciona.

  Según, Juan Pablo, "Es una canción perfecta para escuchar cuando sienta que la embarró con toda, cuando vea que no hay nada que hacer y que todo está perdido. Al final, todo va a estar bien…".

  "Todo va a estar bien" es el tercer lanzamiento del próximo disco de "Blast55" que será lanzado en 2026. El primer sencillo fue 'Viernes' y el segundo 'Garuda'.

  La portada del sencillo es la continuación de 'Garuda', es la respuesta al caos, a esa marcha a mil que va la vida… es el renacer.

  "Los invito a hacer el ejercicio de comparar las dos portadas y hacer su propio análisis. Me encantaría que nos escribieran y nos cuenten que piensan", enfatiza el artista.

  "Blast55" cerrará el año con dos grandes conciertos en Bogotá, el primero el 13 de diciembre en Origen Pub donde realizará un show acústico, y el segundo el 20 de diciembre en Ace of Spades en donde participará en el Festival Una Navidad Sin Ti, junto a la banda Todo Niño Paga y otros artistas.

  "El próximo año tenemos la idea de terminar el disco para salir a presentarlo y tocarlo en vivo", concluye "Blast55".

  Os dejo por aquí el videoclip de "Garuda". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Blast55". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Mr. Barz", el nuevo disco de William Barz

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡William Barz! Y bueno, ¡comencemos!

  El cantante y compositor colombiano de pop y rock William Barz, nacido en Barranquilla, cierra el año con "Mr. Barz", un trabajo discográfico que celebra sus 10 años de carrera. 

  "Mr. Barz" es un álbum introspectivo. Habla de William Barz, de su manera de ver el mundo. El amor, el deseo, la soledad y todos los demonios internos que el ser humano tiene. Es un disco que nació bajo la necesidad de hacer música honesta. Canciones que me mostraran ante el mundo como quien en verdad es el músico colombiano.

  "Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer real sus sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente", comenta el artista.

  "Mr. Barz" es un álbum donde el indie pop se funde con el R&B y el soul en una producción minimalista, pero profundamente cálida. Hay beats con texturas suaves, líneas de bajo melódicas inspiradas en el neo-soul, guitarras limpias con carácter funk, y sintetizadores atmosféricos que sostienen la narrativa emocional. Cada canción está construida desde la intención: dinámicas cuidadas, armonías sensibles, arreglos que respiran y un enfoque vocal íntimo que guía todo el viaje. Es un disco pensado para escucharse con atención, para apreciar sus matices y su carga emocional.

  "En este disco regresé al principio en donde todo comenzó. Redescubrí a Gustavo Cerati que es de mis artistas favoritos, escuché música de James Brown, Juan Gabriel, Gavin De Graw, Mac Miller, Rex Orange County y, además, una gran inyección de poesía. Leí mucho para escribir este álbum. Poesía antológica y hermosa de autores maravillosos como José Ángel Buesa, Manuel Machado y Miguel Ramos, entre otros grandes autores", agrega el barranquillero.

  "Mr. Barz" de William Barz presenta en "Dura Dú Dú" un gran opening, un puño de Flow. "Fresh" es cien por ciento Barz, "Dime que sientes" es música y poesía, "Solo" es un Groove honesto que conecta, "Por cuarta vez" es la joya, el focus track y la primera canción que se compuso de este álbum hace 8 años. "Modo avión" es la manera que William utiliza para decirle al rock que, aunque no hace rock jamás se olvida de él. Es energía y fuerza. "Las horas" es poesía pura, "Poker Face" es una joya literaria y musical del álbum. Una historia cantada. "Blowjob" es deseo, pecado y atrevimiento. "Los trucos" es un cierre de película, un collage de emociones dentro de una canción que redacta muchas situaciones complejas sin introducirse demasiado en ninguna.

  Según William Barz, "es un álbum para escuchar de noche, con vinito o cerveza. Solo o muy bien acompañado. Es chévere que suena bien para pensar, para reír, para hacer el amor o hasta para disfrutar la parte literaria. Es un disco diferente y muy digerible".

  El músico colombiano planea para 2026 duplicar los lanzamientos del 2025, así que el próximo año el artista publicará mínimo 20 canciones nuevas.

  Os dejo por aquí el videoclip de "High". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de este artista. No olvidéis seguir a William Barz en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Si no fuera yo", el nuevo single de "Bonus Trak"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran grupo: ¡"Bonus Trak"! Y bueno, ¡comencemos!

  La banda colombiana "Bonus Trak" nos vuelve a entregar nueva música, se trata de "Si no fuera yo", un sencillo que invita a reflexionar y que marca el inicio de una nueva etapa musical. Con un sonido más cercano al indie rock —sin perder la esencia que los caracteriza—, esta canción abre el camino hacia su próximo álbum de estudio y una serie de lanzamientos en vivo. 

  "Bonus Trak" regresa con fuerza y autenticidad. "Si no fuera yo" es un grito de libertad, introspección y búsqueda de identidad. Una invitación a perderse, a gritar y a reencontrarse. Este lanzamiento es apenas el primer paso de un álbum de 10 canciones que promete conectar emocionalmente con su audiencia en cada nota.

  "La canción explora la necesidad de escapar del ruido, las expectativas externas y las máscaras sociales. Con frases como "¿Qué sería de mí si no fuera yo?" u "Hoy escaparé, para no volver. Tener libertad y poder gritar", "Bonus Trak" plantea una reflexión profunda sobre quiénes somos realmente", cuenta la agrupación bogotana.

  Producida por Juanda Morales (Ártico) y masterizada por Emily Lazar (ganadora del Grammy), "Si no fuera yo" mezcla un sonido potente y fresco con energía punk, toques indie y destellos pop, reflejando la evolución sonora y emocional de la banda.

  Con este sencillo, "Bonus Trak" da inicio a su próxima gira, con presentaciones en festivales nacionales e internacionales, reafirmando su compromiso con una conexión honesta y constante con su público en Colombia y Latinoamérica.

  Os dejo por aquí el video de "Live Session (Ensayo)". ¡No os lo perdáis!

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Bonus Trak". No olvidéis seguirlo en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Simpatía", el nuevo single de Coroncoro

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡Coroncoro! Y bueno, ¡comencemos!

  "Simpatía" es una canción que habla de cómo buscar confort cuando la situación económica familiar no es convencional. De cómo buscar una elevación sensorial y entrar en un trance con la música buscando soluciones en recuerdos, unos no tan cómodos como otros, pero al fin y al cabo recuerdos que marcaron. Es una aceptación a la inmersión en la música y las visuales que siempre traen la mejor luz, a la animación y la narrativa, al cambio y a la necesidad de mostrar simpatía por nosotros mismos y el entorno para llamar la cadencia correcta para poder disfrutar el instante más sensible. 

  La canción explora sonidos de trap y R&B, además de rap y hip hop. "Simpatía" no tiene samples y tiene una guitarra acústica melódica que da una sensación de humanidad durante toda la canción hecha por Eddy Montoya y en los sintetizadores y ritmo por Loyd en el beat, ambos de Santa Marta.

  "Traemos las mejores energías del trap playero a tu sistema estéreo favorito. Es una mezcla perfecta de frescura y firmeza, de calma y sensatez en un respiro literario en sonidos y visuales que llevan muy alto para así poder observar, evaluar y accionar con bajos precisos y pesados dando sensaciones delicadas que te llevan a mover el cuerpo", cuenta el samario Coroncoro.

  El video de "Simpatía" tiene mucho amor por la animación y la psicodelia, por los cambios de colores entre paletas frías a paletas cálidas usando la palidez como transición. Es la historia de Coroncoro, un sujeto cuya alma le pertenece al mar y su búsqueda del amor a través de la animación y el color lo llevan a situaciones que lo hacen caer empujado por la geometría de lo absurdo. A través de escenas de su propia vida que lo hacen fallar y lo llevan a un renacimiento, a pesar de que la muerte en el clip tiene una connotación personal como artista, el animador muestra tensión en imágenes cuanto el protagonista se equivoca en situaciones personales.

  "Es una canción inspirada en todos los comienzos que cuestan, en la relación con la pareja y el eterno retorno de lo que no se quiere que vuelva. En ese instante cuando abres los ojos y la única opción que tienes es sonreírle al mundo con seguridad por los retos que la vida trae a través de la música. Es la historia de aquel sujeto que creyó tener la solución a todo, pero cuando se dio cuenta que no podía controlarlo optó por crear una línea tensionante de palabras y sonidos tratando de hallar una salida a su necesidad básica y surreal de traer imágenes y recuerdos que lo hacen sentir humano", enfatiza el músico colombiano.

  "Simpatía" es perfecta para escuchar cuando alguien se sienta perdido y quiera encontrarse consigo mismo. Cuando se quiera dejar volar la mente sin preocupaciones, cuando se quiera bailar con el cuerpo, la mente y el espíritu o cuando se quiera tener un espacio de relajación.

  La portada del sencillo es una de las primeras imágenes del video y es Coroncoro comenzando la jornada psicodélica con un estilo de arte pop abstracto.

  "Con cada canción que hago quiero convertirme en tu artista favorito. Traigo sonidos en un estilo Lo-Fi, lush y trap caribeño para estar en muchas listas de reproducción. Quiero que la gente esté contenta con mi música para impulsarme a seguir haciendo canciones", concluye el artista.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Simpatía". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Coroncoro. No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Garuda", el nuevo single de "Blast55"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Blast55"! Y bueno, ¡comencemos!

  El 2025 ha sido un año bastante gratificante para "Blast55", pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga.

  Ahora, "Blast55" regresa con su nuevo lanzamiento "Garuda", una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante.

  La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno. 

  La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara "Blast55" y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores.

  "Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda", comenta la agrupación bogotana.

  El video de "Garuda" muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Garuda". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Blast55". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie", el nuevo single de "CYGNUS"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Morochos"! Y bueno, ¡comencemos!

  "CYGNUS" es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, "CYGNUS" ha publicado cinco discos de estudio: 'Yggdrasil' (2019), 'Fire and Tales' (2020), 'Ancient Visions' (2021), 'Death and Glory' (2022), 'Revival' (2023). Su sexto trabajo 'Legends of Norse Lore' será publicado en 2026. 

  La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. "CYGNUS" busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa.

  "Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer", cuentan.

  "Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente", agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido.

  "The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie" es el nuevo lanzamiento de "CYGNUS", una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.

  "Este sencillo nació a partir de una anécdota histórica en donde un guerrero cayó, no por un rival vivo, sino por una infección causada por los dientes de un enemigo decapitado", mencionan.

  A nivel sonoro, 'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es un tema que juega con contrastes. Las estrofas son heavy, con riffs veloces y poderosos. Hay cifras de compás que cambian el beat de maneras inesperadas para el oyente, contrastando con los coros y el theme principal que se vuelven melódicos y expansivos, generando un balance entre agresividad y lirismo.

  "Hay una sección donde exploramos armonías disminuidas para crear un ambiente de tensión y dramatismo, que refuerza la narrativa sombría de la historia. Además, la canción incluye un pasaje con influencias del djent, aportando texturas rítmicas complejas y atmósferas muy interesantes dentro de la estructura progresiva del tema", cuentan.

  El video de "The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie" fue concebido como el contraste visual de su anterior lanzamiento 'Fenrir the Wolf' rodado en blanco. Este se desarrolla en negro, sumergiendo al espectador en un universo más oscuro, ritual y denso.

  En el centro de la propuesta está el performance en vivo de la banda, acompañado por un octeto de cuerdas y un coro conformado por seguidores, seleccionados entre 53 aplicantes que respondieron a una convocatoria abierta. Su participación refuerza el sentido de comunidad que siempre ha acompañado a "CYGNUS", integrando a los fans en la creación misma de la obra. El coro aparece con maquillaje ásatrú, encarnando a las völvas o videntes, guardianes del rito y del destino.

  Os dejo por aquí el videoclip de "The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "CYGNUS". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"I Miss You", el nuevo single de Thalía Mayor

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Thalía Mayor! Y bueno, ¡comencemos!

  Thalía Mayor es una cantante y compositora peruana de indie rock con alma pop punk, una artista que combina sensibilidad, nostalgia y rebeldía en una misma voz. Es una persona introspectiva, creativa y emocionalmente profunda. Se considera una narradora visual y sonora de su generación: mezcla la estética millennial de los 2000 con letras honestas que conectan con lo más íntimo de los sentimientos. Su música parte de la emoción real, de esas historias que todos han vivido alguna vez, y las transforma en melodías que buscan acompañar. 

  "Quiero que mis canciones sean refugios donde la gente se sienta comprendida. Pero, sobre todo, busco conectar: mis letras hablan de heridas, de amor, de memorias que se quedan flotando, de amores que no se olvidan y de despedidas necesarias. Mi intención es hacer sentir, que cada canción sea como abrir una carta que escribiste y nunca enviaste. Además, busco unir lo nostálgico con lo contemporáneo: rescatar la esencia emocional del pop punk de los 2000 —Avril Lavigne, Blink-182, Paramore— pero con una mirada actual", cuenta.

  A través de sus canciones, Thalía Mayor quiere enviar "mensajes donde la vulnerabilidad también es poder y que todo lo que atravesamos puede transformarse en arte algún día. Desnudar nuestras emociones a veces es necesario para liberar el alma y sanar".

  "Mis canciones invitan a aceptar la melancolía sin miedo, a abrazar lo que duele y convertirlo en algo hermoso", agrega la cantante y compositora, con influencias musicales de indie rock, pop punk y dream pop, con tintes melódicos que evocan los 2000.

  También la inspira mucho el cine y la estética visual de esa época: películas como "13 Going on 30" o "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" las cuales influyen en su manera de escribir y de construir atmósferas sonoras, buscando así que cada canción tenga su propio universo, como si fuese una escena dentro de una película.

  "I Miss U" es el nuevo lanzamiento de Thalía Mayor, es una carta sonora hacia alguien que marcó una etapa importante de su vida. Habla del eco emocional que queda cuando alguien se va, de esas calles y canciones que aún resuenan con su recuerdo.

  Aborda temas como la nostalgia, el amor que persiste en el tiempo y la melancolía del verano que termina, usando el cambio de estación como metáfora de los ciclos emocionales que todos los seres humanos atraviesan alguna vez en la vida.

  "La escribí en un momento de introspección, mezclando versos que había compuesto años atrás con nuevas emociones. Es una canción que une el pasado y el presente, como si mi yo actual se reencontrara con la persona que alguna vez fui", enfatiza la artista peruana, actualmente radicada en España.

  "I Miss U" explora un sonido pop punk melódico con tintes indie, donde las guitarras tienen un papel protagonista. El tema tiene una textura emocional, envolvente, con una producción que combina fuerza y vulnerabilidad.

  "Espero que "I Miss U" encuentre a las personas adecuadas en el momento justo. No busco que sea una canción viral, sino que acompañe a quien la escuche. Me gustaría que se convierta en ese tema que alguien guarda en su playlist para los días nublados, para cuando extraña o para cuando necesita ponerle melodía a lo que siente. El mayor impacto para mí sería lograr esa conexión auténtica", enfatiza Thalía.

  Esta canción es perfecta para esos días lluviosos donde la melancolía nos alcanza, para las mañanas o tardes en el metro con auriculares, o para las caminatas largas en las que perderse en los pensamientos se convierte en un deporte competitivo. 

  "I Miss U" es el segundo adelanto de su álbum debut "El Último Verano del 2000" que verá la luz en 2026. Es un proyecto muy personal, construido canción por canción, como si fueran capítulos de un diario. El disco mezcla nostalgia, despedidas, amores, crecimiento personal y la fugacidad del tiempo. Cada tema tiene un significado simbólico, tanto en su letra como en su fecha y numerología.

  Thalía Mayor ha trabajado "El Último Verano del 2000" junto al productor Búho Lozano, con quien ha emprendido este viaje a los 2000, conectando de forma genuina y orgánica a nivel musical. El disco tendrá nueve canciones e incluye temas como "L.X.L", "Más de lo que piensas" y "EUVD2000". Cada canción es una carta abierta al pasado contada desde la visión del presente.

  La portada del sencillo captura el universo emocional de la canción: la nostalgia suspendida en el tiempo. A través del vidrio empañado con gotas de lluvia, se percibe la sensación de mirar hacia afuera en una noche solitaria, cuando los recuerdos y la ausencia se mezclan con las luces de la ciudad. Los tonos azules y rojos representan dos fuerzas opuestas: la tristeza y el deseo, el frío de la distancia y el calor del recuerdo. El diseño tiene una textura retro, con guiños a los 2000s, como si fuera una portada de CD encontrada en una caja de recuerdos. La tipografía es directa, sin adornos, reflejando la simplicidad emocional de la frase "I Miss U" tres palabras que contienen todo lo que no se dijo.

  Os dejo por aquí el videoclip de "I Miss You". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Thalía Mayor. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Mi Afro Esencia", el nuevo disco de Fausto Moreno

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Fausto Moreno! Y bueno, ¡comencemos!

  Fausto Moreno es un cantante y compositor panameño, un soñador que despertó para cumplir sus sueños. Es amante de la familia, los animales y las cosas sencillas de la vida. Una nota, un abrazo o unos buenos deseos son para él gestos enormemente significativos. La música es su refugio, el lugar donde expone su corazón. Cada vivencia y enseñanza de vida intenta plasmarla en canciones que, al escucharlas, actúan como un antídoto que sana y le recuerda el camino. Nada antes lo había hecho replantear tanto, y eso logró la música. Es un artista espontáneo, sensible y explosivo al interpretar su música llena de mensajes y conclusiones que pueden ayudar al oyente. Es fanático de fusionar letras con contenido y ritmos bailables, con coros pegajosos que transmitan energía y emoción. 

  "Mi propuesta busca conectar emociones, identidad y conciencia. A través de ritmos afrocaribeños, letras honestas y sonidos con raíz, deseo no solo entretener, sino también inspirar, sanar y generar reflexión. Es música que nace del alma, honra mi herencia y acompaña a quien la escuche en sus propios procesos de vida", cuenta el artista con influencias de afrobeat, reggae, dancehall y ritmos del tambor caribeño.

  "Quiero a través de mis canciones transmitir esperanza, autenticidad y conexión. Mis canciones son un espejo del alma, hechas para recordar que la vida tiene propósito, que sanar es posible y que todos tenemos una raíz que nos sostiene", agrega el artista inspirado por proyectos como Omah Lay, Burna Boy, Tempoe, Nando Boom, El Roockie y Kafu Banton.

  "Mi Afro Esencia" es el nuevo disco de estudio de Fausto Moreno, el segundo en su carrera, y representa una afirmación de identidad. Es un viaje sonoro y espiritual que habla de amor, resistencia, migración, raíces y sanación.

  El álbum explora fusiones de afrobeat, reggae, tambores, R&B y ritmos latinos. Es una mezcla de beats modernos con instrumentos tradicionales y samples de raíces afro.

  "Cada canción es una pieza de mi historia personal como artista independiente y como ser humano que decidió abrazar su raíz para proyectarse hacia el futuro", enfatiza Fausto Moreno.

  "Mi Afro Esencia" de Fausto Moreno es espiritual y evocador en '1. D0a100', platónico e inalcanzable en 'Cada latido', esperanzador y ligero en 'Sé feliz', místico y vibrante en 'Divine', un nuevo comienzo en 'Tus lágrimas', confrontante y lleno de recuerdos en 'Dime', poético y sexual en 'Best Seller', profundo y confrontativo en 'Jenga', de procesos y esperanza en 'Choco', curativo y honesto en 'No te rindas' y poderoso y electrificante en 'Yenny'.

  Os dejo por aquí el visualizer de "Cada Latido". ¡No os lo perdáis!

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con Fausto Moreno. No olvidéis seguirles en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Rainy Night", el nuevo single de "Voltana"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡"Voltana"! Y bueno, ¡comencemos!

  "Voltana" es una banda de rock colombiana que nace en 2023 de la necesidad de expresar vivencias, emociones e identidades a través del arte y la música. Desde el inicio, cada integrante ha aportado sus fortalezas y enfrentado sus falencias, lo que les ha permitido crecer individual y colectivamente. 

  La banda conformada por Paula Rodríguez [voz], William Bastian [bajo y coros], Caam [guitarra y coros] y Diego Caputo [batería], se describe como energía, pasión y rebeldía. Es terquedad con un propósito, convicción con causa. Es seriedad y respeto por un proyecto que trasciende la música: una lucha colectiva hacia una misma meta. Nacida del amor por el rock, en un entorno donde las oportunidades escasean, "Voltana" es un grito frente a la adversidad. Una declaración firme de que, pese a los obstáculos, lo único que realmente importa son los sueños, esos mismos que muchos dijeron que jamás se podrían alcanzar.

  ""Voltana" significa "voltaje": una carga de energía que nace de la presión que enfrentamos como seres humanos como: problemas laborales, personales o emocionales. Todo eso se transforma cuando entra la música. A través de ella, canalizamos esa tensión para convertirla en expresión, en arte. Los integrantes se conectan con esa energía, y juntos la hacen fluir en cada canción, transmitiendo al público con autenticidad y fuerza", comenta el grupo bogotano cuya intención principal es crear una propuesta versátil dentro del rock, tomando diferentes décadas del género y plasmándolo en un proyecto innovador, con una puesta visual atrevida y enérgica.

  "A través de nuestras canciones queremos transmitir mensajes de confianza y de creer en sí mismo. De soñar, de hacer un llamado a no rendirse, de transformar la adversidad en fuerza para seguir luchando por los sueños. También hablamos sobre la fragilidad humana, sobre los momentos en los que todo parece perdido y oscuro, pero al final podemos levantarnos y encontrar esperanza", agrega la agrupación con influencias de Bon Jovi, Guns N' Roses, Mötley Crüe, Foo Fighters, Stone Temple Pilots, The Killers, Maneskin y The Warning.

  "Rainy Night" es lo nuevo de "Voltana", una canción cuya historia nace de una vivencia real de uno de sus integrantes. Durante un momento crítico de su vida, todo pareció desmoronarse: la falta de sentido, el peso de los problemas y la carga emocional lo llevaron a un vacío del que no veía salida, un lugar sin fin ni luz. Habla de cómo la depresión puede apoderarse del ser humano y llevarlo al límite, hasta el punto de pensar en quitarse la vida. También refleja cómo muchas personas pueden estar viviendo un infierno interior sin que nadie lo note. Es una canción que acompaña en la tormenta, pero también invita a encontrar luz en medio de ella.

  "Rainy Night" es una crítica a la problemática de la salud mental y al estigma que aún existe al buscar ayuda psicológica, ya que todavía hay quienes creen que ir al psicólogo significa estar "loco", pero la salud emocional es tan importante como la física y merece cuidado y comprensión. La lluvia en la canción simboliza ese estado emocional: la melancolía, la fragilidad y, al mismo tiempo, la posibilidad de detenerse, abrazarse a sí mismo y enfrentar los propios demonios para seguir adelante.

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre "Voltana". No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Tártaro", el nuevo disco de Ivy Negro

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Ivy Negro! Y bueno, ¡comencemos!

  La cantautora de República Dominicana Ivy Negro publica su primer disco de estudio titulado "Tártaro". 

  Luego de varios adelantos, una gira de medios y la realización de un exitoso concierto de prelanzamiento en Casa de Teatro el pasado 5 de septiembre, Ivy Negro culmina esta etapa donde comparte una selección de sus composiciones.

  Las historias abordadas en "Tártaro" van entrelazadas tanto por la estética como las referencias, en este disco escuchamos influencias del rock, del blues, funk, jazz, trova y otros ritmos. Los temas abordados van desde atracciones, lujuria, decepción, análisis introspectivos, hasta pasiones no consumadas.

  "Tártaro", dentro de la mitología griega, se conoce como el fondo, lo más hondo del inframundo, un abismo sin salida donde se arrojaban los titanes.

  "Mi Tártaro personal es mi horno interior: ahí deposito mis heridas, mis dudas, mis errores y mis miedos. Allí se queman, se transforman, se purifican y se convierten en canción. Llamar al álbum así es aceptar que el arte nace de la profundidad, en mi caso de mis entrañas, pero no para quedarse allí, sino para emerger distinto, más humano, más verdadero", comenta la artista dominicana.

  El disco está compuesto por diez (10) canciones, donde todas las obras son autoría de Ivy Negro; a excepción de 'Infierno en Mi piel', la cual fue escrita junto a Pablo Cavallo. La artista también fue la coproductora del disco junto a Frnz Mendini, Rafa Payán, Alejandro Tavarez, cada uno en varias de las canciones. Por otro lado, Wenn Ferreira masterizó y mezcló varios de estos temas. Para algunos de los temas igualmente recibió coach vocal de Laura Rivera como de Gustavo Medina. En ese mismo orden, la cantante da menciones especiales a gente que creyó en ella como como Kelvin Socorro, Ángel Ortiz y a Carl Jackie por la disposición y el estar siempre presentes desde el principio.

  El sencillo promocional que acompaña el lanzamiento del álbum debut de Ivy Negro es "El Tártaro". "El Tártaro" es el encierro o el abismo donde la dominicana tiene encerradas sus emociones y las funde cual metal fundido hasta convertirlas en canciones.

  Sobre Ivy Negro

  Ivy Negro es Ivanna De La Cruz, nativa de San Cristóbal y una ferviente amante de la música y con fuertes influencias de artistas locales como de algunos referentes latinoamericanos tales como Soda Stereo, Gustavo Cerati, Joaquín Sabina, entre otros. Moldea su música valiéndose de ritmos que van desde el rock, fusión pop, rock clásico, blues, jazz, trova, entre otros.

  Ha tenido la oportunidad de presentarse en escenarios como el Oktoberfest, así como compartir tarima con la legendaria banda Toque Profundo. Su crecimiento ha sido constante y planificado, en aras de posicionarse como una de las principales figuras con mayor potencial en el ecosistema musical.

  Os dejo por aquí el lyric video de "El Tártaro". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Ivy Negro. No olvidéis seguir a Ivy Negro en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Chimbita", el nuevo single de Kory y Kooky

 Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un nuevo artista: ¡Kory y Kooky! Y bueno, ¡comencemos!

  Luego de presentar el sencillo 'Guellaz' junto al legendario rapero Cejaz Negraz, el artista colombiano Kory regresa con nueva música para todos sus seguidores en Colombia y Latinoamérica, y hoy presenta "Chimbita". 

  "Chimbita" es una canción que nace en Medellín, en compañía de Ruso Beat y Kooky, que fusiona el funk brasileño con el sonido urbano, llevando el sencillo a un ritmo más comercial.

  Es una canción fresca, hecha para escuchar en momentos de seducción. Ideal para bailar, conquistar y calentar el ambiente.

  "Chimbita" de Kory, conocido artísticamente como Kory 'El de la Palma', aborda una temática sensual, atrevida y directa, refiriéndose a una chica sensual. Explora sonoridades funk y reggaetón para dar como resultado una canción explosiva.

  El video de la canción fue grabado en la ciudad de Medellín, conceptualizando un estilo sensual y erótico dirigido totalmente para las mujeres.

  "Esta canción es para todos los amantes de la fiesta, pero especialmente está hecha para el público femenino. Está inspirada por una musa sensual y dedicada para las chicas lindas, sensuales y empoderadas", cuenta Kory.

  "Con este lanzamiento quiero conquistar nuevos nichos de oyentes, llegar a un público más amplio y diverso deseando impactar de una excelente forma el mercado comercial latinoamericano", agrega el artista.

  "Chimbita" de Kory cuenta con la participación de Kooky, artista emergente de Manizales, y de Ruso Beats, productor con una gran trayectoria en la industria, quien ha trabajado con artistas de la talla de Kevin Roldán, Zion, Ñengo Flow y Leo Dan. El master estuvo a cargo de Yairon Prod.

  "Con Kooky y Ruso Beats creamos este excelente proyecto lleno de unión, creatividad y ganas de seguir pisando fuerte en el territorio nacional e internacional", argumenta Kory.

  Os dejo por aquí el videoclip de "Chimbita". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre él. No olvidéis seguir a Kory y Kooky en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

El Diestro revive el rock progresivo con su nuevo disco "Mientras viva, siempre te recuerdo"

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡El Diestro! Y bueno, ¡comencemos!

  Desde el lanzamiento de "En la Diestra de Dios Padre", El Diestro, proyecto solista del músico y compositor colombiano Juan José Moreno, estuvo girando por Manizales, Ocaña y Medellín presentando un EP que produjo pensando en insistir en su visión menos sacra de la música clásica: "El Clave Mal Temperado". Este trabajo fue una vuelta de tuerca al estilo de rock progresivo y canción de autor de los discos anteriores, utilizando sonoridades enteramente basadas en sintetizadores, máquinas de ritmo y mezclándolas con texturas propias del barroco y de la música de tradición escrita, usando referencias textuales a compositores como Debussy, Chopin y Grieg. 

  "Con este trabajo logré una nota muy polémica en El Espectador en la que me categoricé como una "nea", cosa que al público del periódico no le gustó mucho por la connotación que tiene esa palabra fuera de Medellín. Esto sólo me confirmó que, si mi música debe hablar por sí sola, era necesario hacer un álbum que dejara en claro que ser culto y ser popular no son necesariamente cosas que se excluyen entre sí", cuenta El Diestro.

  "Mientras viva, siempre te recuerdo" es el nuevo disco de El Diestro, un trabajo cuyo concepto viene de una serie pictórica del pintor Oswaldo Guayasamín, en la que explora este lema y la relación del artista con su madre. Es ideal escucharlo en un viaje porque es una experiencia catártica y graciosa.

  "Yo lo transformé en un concepto que pretende abarcar todas las aristas del amor, la intimidad y el cariño con las mujeres que han pasado por mi vida. En una palabra, la memoria: cómo en definitiva quizás uno pueda recordar absolutamente a todas las personas con las que ha labrado relación, pero no necesariamente las extraña. Y como la memoria no es lineal, aparecen multitudes de anécdotas narradas y referencias a la cultura popular que lo configuran como una especie de monólogo interno y personal, como si quién canta y quién habla fueran personificaciones distintas de la memoria. A través del disco, recordar primero es un proceso de superposición de recuerdos y canciones mías previas, y luego es un torrente de cosas inconexas que forman un todo confuso y agridulce", agrega. 

  Con este álbum El Diestro pretende que la gente escuche y atesore las canciones como si vieran un álbum de fotos antiguas, en este sentido el disco es textualmente un álbum físico. Instantáneas que no representan una realidad latente, si no una captura honesta de cómo el artista se ha sentido al respecto del otro a través de los años. Busca que con la sonoridad recuerden que la mal llamada música clásica es una tradición gastada y como sostiene desde antes, un chiste mal contado. Sólo en el sentido de que si esta vale lo que vale por sí misma es por las obras individuales que han trascendido el tiempo, y no solo por ser una herencia europea o de otro estatus social. Estudiar y escuchar activamente esta música le ha ayudado a verla como una herramienta a la cual le debe su estilo compositivo, y no como un horizonte al cual ver con temor o recelo. Por ello, considera que la música contemporánea o de vanguardia son un lugar donde cabe cualquier tradición de cualquier época y es lo que pretende alcanzar sónicamente hacia el futuro.

  "Mientras viva, siempre te recuerdo" presenta una evolución a nivel de producción, buscando que las canciones remitan a artistas que hasta ahora el músico había temido imitar: Daft Punk, The Beatles, Gorillaz, pero teniendo como mayor referente el rock argentino de Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati. Es un disco profundamente relacionado al "rock nacional" si se considera que los grandes referentes latinoamericanos en materia de new wave, rock progresivo y canción de autor son de Argentina, pero con la ayuda del productor Simón Acosta Ramírez de La Banda del Bisonte, El Diestro logró una sonoridad actualizada a los estándares de la industria musical de hoy en día. Hay desde canciones completamente sintéticas hasta canciones interpretadas en una guitarra acústica y algunos híbridos con sonidos orquestales y superposiciones de guitarras como un wall of sound.

  La mayor inspiración del álbum de El Diestro fue el "Abbey Road" de Los Beatles. El disco formalmente corresponde a las diecisiete canciones de ese disco, pensándolo como un LP de dos lados que contiene un medley en el lado B, de canciones cortas que se suceden unas a otras. A través del álbum aparecen recurrentemente motivos que anuncian o referencian a otras, y motivos de discos anteriores para insistir en el tema de la memoria, como si toda su obra estuviera sucediendo en el tiempo y nunca se cerraran las heridas que dieron pie a crear las canciones anteriores. Este disco es un esfuerzo consciente de cerrar esos capítulos. A nivel de arreglos y orquestación, The Beach Boys y el álbum "Say no More"de Charly García, con un concepto propio de él que nombra como "Maravillización": hacer que la mezcla de los instrumentos y los efectos de sonido parezcan una banda sonora de una película que no se ve, pero se escucha.

  En "Mientras viva, siempre te recuerdo" de El Diestro encontramos la canción homónima que abre el disco es un tema con variaciones, un género de la música clásica que insiste en un solo motivo que evoluciona y aparece y desaparece. "Tinto envenenado" es un tango nadaísta, "El faro" es una metáfora sobre las jerarquías en el amor, "Letterboxd" es cinematográfica, "Cualquier cosa que no sea tu nombre" es un pop progresivo, "Esclavo "es jazz rock melancólico, "Vos querías ser darks" es el amor sagrado, "Algún abril" es un bolero tumbado, "Carlos E. Restrepo" es una declaración de amor snobista, las seis canciones del medley son una carta abierta a muchas personas en las que el músico piensa constantemente, "Tardes del río" es gratitud pura y "El porvenir" es agridulce, una conclusión que confirma que la historia ha de repetirse, una condena y a la vez una despedida.

  "Tinto envenenado" es el focus track del disco de El Diestro, un sencillo que es el abre bocas a la estética del disco, que fue direccionada por Miguel Álvarez y está inspirada en la filmografía de David Lynch. El disco insiste en el tema de los sueños y estéticamente busca acercarnos a una atmósfera inquietante que irá video por video dando una visión global del concepto del álbum.

  Os dejo por aquí el audio de "Vita Nuova". ¡No os lo perdáis!

  Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre él. No olvidéis seguir a  El Diestro (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.

"Viejos Escombros", el nuevo single de Leon Clef

  Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Leon Clef! Y bueno, ¡comencemos!

  El artista colombiano de rock Leon Clef está de regreso con nueva música. Desde su último lanzamiento 'Si la vida me deja', el cantante y compositor de Medellín inició un proceso de recoger ideas que tenía guardadas desde hace años. A partir de ahí, se reunió con su nuevo productor Pyngwi para iniciar el proceso de creación de su nuevo álbum de estudio. 

  "Este 2025 ha sido un año interesante, con varios conciertos, pero sin duda el más importante fue en el Circuito Bogotano de Rock, un espacio que me abrió las puertas aún siendo de otra ciudad y me han tratado de una forma especial", cuenta el músico.

  "Viejos Escombros" es lo nuevo de Leon Clef, una canción que habla de esos momentos en la vida en los que nos sentimos abrumados, salimos porque toca y sonreímos casi por obligación, aunque por dentro no siempre lo queremos. Es una canción sobre esos días grises que llegan de vez en cuando y que, aunque difíciles, hacen parte inevitable de la vida.

  Las guitarras siempre son un elemento predominante en las creaciones musicales de Leon Clef y en "Viejos Escombros" no es la excepción. Se combinan con sintetizadores que aportan atmósferas intensas y un aire contemporáneo. Para el artista colombiano, esta canción en particular se alinea más con el sonido de Interpol y, en algunos matices con Foals, logrando un balance entre lo sombrío y lo melódico que refuerza la carga emocional de la letra.

  "La inspiración surgió de los sentimientos de un día gris. Va dirigida a cualquier persona que haya sentido esa pesadez existencial que, aunque pasajera, marca y se queda en la memoria. Es una canción para quienes entienden que no siempre hay que ocultar la tristeza", cuenta Leon.

  El sencillo no tendrá videoclip, al menos por ahora. La intención es que la canción hable por sí sola y que el público conecte directamente con la letra y el sonido, sin distracciones visuales.

  "Con "Viejos Escombros" quiero simplemente compartir mi música y conectar con aquellas personas que puedan disfrutarla y encontrar un reflejo de sus propios sentimientos en ella", enfatiza.

  "Viejos Escombros" hace parte del álbum que llevará el mismo nombre. Será el primer larga duración de Leon Clef, un trabajo de 8 canciones en el que explora temáticas como la melancolía, la resiliencia y la autenticidad. Cada sencillo será un capítulo distinto de un mismo viaje emocional. El lanzamiento completo está previsto para el primer trimestre de 2026.

  Según León, "Es una canción para esos días grises, emocionalmente hablando. Momentos en los que necesitamos dejarnos acompañar por la música y aceptar lo que sentimos sin pretender ocultarlo".

  El arte de la portada no tiene una representación directa con la canción. En esta ocasión Leon Clef quiso buscar una pieza visual con la que conectara de manera personal: arte real, hecho por un artista. Descubrió a un fotógrafo ruso cuyo trabajo le transmitió esa atmósfera introspectiva que buscaba, y logró adaptar su imagen para que dialogara con "Viejos Escombrosi".

  "Tengo planeado lanzar cuatro sencillos más que irán saliendo de manera escalonada. Luego publicaré el álbum "Viejos Escombros" en su totalidad que reunirá todas esas piezas en un solo concepto", concluye Leon Clef.

  Os dejo por aquí el audio de "Viejos Escombros". ¡No os lo perdáis!

  Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con Leon Clef. No olvidéis seguirles en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post.